LA PELL ESCRITA

/ 18:52

de MANEL BONANY
dirección MANEL DUESO
intérprete MÍRIAM MARCET
duración 65min
fotografías GENIA BADANO
producción IRISPLOT
SALA ATRIUM

He de admitir que no afronto 'virgen' al tema, y eso, a veces puede ser un problema. Una de las obras que va dejar su poso en este tema, y que quizás a muchos les va abrir los ojos ante esta problemática social, fue Limbo. La pell escrita, a pesar de tratar el mismo tema, no tiene nada que ver.

No hay duda que el texto busca atraer la atención del espectador desde la primera línea, "Si soy o no soy una mujer. Para eso han venido. Estúpidos". Toda una declaración de intenciones que pone al espectador en alerta, no es un montaje que le será fácil de digerir y eso ya nos gusta.



Una mujer transgénero, confinada entre el hombre y la mujer y entre la vida y la muerte comparte las sensaciones de su vida, el trato con el resto de la humanidad y radiografía los problemas que aún hoy en pleno siglo XXI se encuentran los transgénero en los países supuestamente desarrollados.

La dirección de Manel Dueso ha optado por enfatizar la palabra, llevando su poética hasta su máxima expresión. No hay ni una sola palabra que esté dicha al azar. Dueso ha sabido remarcar a la perfección las palabras con los gestos precisos y una puesta en escena que da que pensar.



La primera sorpresa del espectador se la encuentra nada más entrar en la sala, en una pensada oscuridad, que se irá aclarando con el paso de los minutos. Sentarse en primera fila es un primer acto de valentía, que se verá recompensado por disfrutar a escasos palmos de una mirada más que esperanzadora que recibes del personaje.

A pesar de que nos encontramos delante de un personaje muerto, nunca una muerta estuvo tan viva. Los ojos vidriosos que Míriam Marcet aporta al personaje nos trasmiten sufrimiento, pero también nos desvelan que detrás de la careta hubo momentos de felicidad y que ahora no sólo está pagando deudas del pasado si no se está riendo de los pobres mortales que nos quedamos en la faz de la Tierra.



Hay momentos sobrecogedores, de esos que tienes el  corazón en un puño, algunos de ellos bajo un himno que ha acompañado a generaciones, a toda la humanidad, Heroes de David Bowie o el relato que hace de los hombres que han pasado por su vida. En esos momentos la normalidad es total, dejamos de ver a un ser con género a ver simplemente a una persona.

La pell escrita es un texto escrito hace 17 años por Manel Bonany que intenta huir de los tópicos que normalmente acompañan a este colectivo y en buena medida lo consigue, sólo hay pequeñas pinceladas de alguno de ellos, como puede ser el descubrimiento que la protagonista tuvo con respecto a su género. En algún momento alude a que le gustaba vestirse con la ropa de su madre. Aunque se queda en un mero detalle me hubiera gustado escuchar otra cosa.



La puesta en escena representa una sala de autopsias llena de cajas donde los humanos tendemos a meternos, una etiqueta, al menos, para cada persona, las impuestas y las auto impuestas. En este caso la muerte puede que suponga una liberación de un cuerpo que para much@s no deja de ser nunca extraño, que nunca consiguen hacerlo propio y habitable. 

Lo que parece que sí que tenemos claro es que esta noche la autopsia nos la han hecho a los espectadores, eso sí, no ha hecho falta bisturí, nos han abierto el alma poética a bocajarro.

de MANEL BONANY
dirección MANEL DUESO
intérprete MÍRIAM MARCET
duración 65min
fotografías GENIA BADANO
producción IRISPLOT
SALA ATRIUM

He de admitir que no afronto 'virgen' al tema, y eso, a veces puede ser un problema. Una de las obras que va dejar su poso en este tema, y que quizás a muchos les va abrir los ojos ante esta problemática social, fue Limbo. La pell escrita, a pesar de tratar el mismo tema, no tiene nada que ver.

No hay duda que el texto busca atraer la atención del espectador desde la primera línea, "Si soy o no soy una mujer. Para eso han venido. Estúpidos". Toda una declaración de intenciones que pone al espectador en alerta, no es un montaje que le será fácil de digerir y eso ya nos gusta.



Una mujer transgénero, confinada entre el hombre y la mujer y entre la vida y la muerte comparte las sensaciones de su vida, el trato con el resto de la humanidad y radiografía los problemas que aún hoy en pleno siglo XXI se encuentran los transgénero en los países supuestamente desarrollados.

La dirección de Manel Dueso ha optado por enfatizar la palabra, llevando su poética hasta su máxima expresión. No hay ni una sola palabra que esté dicha al azar. Dueso ha sabido remarcar a la perfección las palabras con los gestos precisos y una puesta en escena que da que pensar.



La primera sorpresa del espectador se la encuentra nada más entrar en la sala, en una pensada oscuridad, que se irá aclarando con el paso de los minutos. Sentarse en primera fila es un primer acto de valentía, que se verá recompensado por disfrutar a escasos palmos de una mirada más que esperanzadora que recibes del personaje.

A pesar de que nos encontramos delante de un personaje muerto, nunca una muerta estuvo tan viva. Los ojos vidriosos que Míriam Marcet aporta al personaje nos trasmiten sufrimiento, pero también nos desvelan que detrás de la careta hubo momentos de felicidad y que ahora no sólo está pagando deudas del pasado si no se está riendo de los pobres mortales que nos quedamos en la faz de la Tierra.



Hay momentos sobrecogedores, de esos que tienes el  corazón en un puño, algunos de ellos bajo un himno que ha acompañado a generaciones, a toda la humanidad, Heroes de David Bowie o el relato que hace de los hombres que han pasado por su vida. En esos momentos la normalidad es total, dejamos de ver a un ser con género a ver simplemente a una persona.

La pell escrita es un texto escrito hace 17 años por Manel Bonany que intenta huir de los tópicos que normalmente acompañan a este colectivo y en buena medida lo consigue, sólo hay pequeñas pinceladas de alguno de ellos, como puede ser el descubrimiento que la protagonista tuvo con respecto a su género. En algún momento alude a que le gustaba vestirse con la ropa de su madre. Aunque se queda en un mero detalle me hubiera gustado escuchar otra cosa.



La puesta en escena representa una sala de autopsias llena de cajas donde los humanos tendemos a meternos, una etiqueta, al menos, para cada persona, las impuestas y las auto impuestas. En este caso la muerte puede que suponga una liberación de un cuerpo que para much@s no deja de ser nunca extraño, que nunca consiguen hacerlo propio y habitable. 

Lo que parece que sí que tenemos claro es que esta noche la autopsia nos la han hecho a los espectadores, eso sí, no ha hecho falta bisturí, nos han abierto el alma poética a bocajarro.
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de MARGUERITE DURAS
traducción ALBERT TOLA
dramatúrgia y dirección ANDREA SEGURA
intérpretes ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, ANNA CASAS y TXABI GRASS
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción CIA A3, NÓMADE PROYECTES CULTURALS y TEATRE AKADÈMIA
TEATRE AKADÈMIA

Dos mujeres y un soldado se encuentran en medio del desierto, en medio de un continente desolado, en medio de la nada que deja un mundo apocalíptico que nos presenta Marguerite Duras. La guerra ha acabado con los pocos vestigios de civilización que quedaban y el estado de sus cuerpos y de sus mentes es lamentable. 

Su mayor lacra es la falta de memoria. Es ésta la que les obliga a hablar de una manera tan fragmentada. Lejos de ser teatro del absurdo como algunos lo han calificado, aunque sí que es verdad que hay pinceladas de Beckett y de sus Días felices, está distopía es de todo menos absurda. 

Una comedia donde el lenguaje es la clave para entenderla. Yes, potser es una texto de aquellos que enamoran. Imposible no quedar prendada de su poética, y a pesar de su fragmentación en frases cortas, es esa cualidad la que le convierte en una joya, llena de pequeños detalles exquisitos.




Ese gusto por cuidar la palabra y la manera cómo ésta se dice, hace que la magnífica dirección y dramaturgia de Andrea Segura haya incidido en este capítulo. Tal y como comentan sus protagonistas es un texto difícil de aprender porque todo tienen que estar muy medido y salir con el ritmo justo para que no sea un simple bombardeo de ideas una detrás de otra.

La puesta en escena es simple, un manto de sal para recrear la arena de este desamparado desierto que todo lo inunda. Pero sin duda lo que más sorprende pueden ser las máscaras con las que aparecen los protagonistas. Ese simple hecho de no estar delante de un realidad completa, al menos de momento. Si los personajes están incómodos en su "ambiente", el público también lo está en su asiento. Un luz blanca constante no les permitirá apartar los ojos de la escena. Una metáfora de que lo que estamos presenciando se encuentra próximo al fin de mundo o incluso a un infierno no religioso.




Un texto como Yes, Potser necesita además de unos actores que se entreguen a él sin miramientos. La dificultad de la pieza es extrema, y a parte del texto, es necesario controlar las emociones para que el resultado que el espectador reciba sea amable y rudo a la vez, con un amplio abanico emocional que abarca desde momentos más tiernos e inocentes a otros donde la crudeza de la guerra hace acto de presencia y elimina cualquier sentimiento de bondad.

El montaje da un protagonismo mayor a las mujeres que al soldado. Alicia González Laá y Anna Casas están soberbias. Impresiona el trabajo vocal, físico que realizan. La inocencia que se ve reflejada en sus caras es sobresaliente. Sorprende las diferentes maneras de repetir una misma frase, como puede ser la simple respuesta "yes, potser" sin llegar a resultar repetitiva. Los matices, una vez más, son el mejor aliado no sólo del texto, sino de unas interpretaciones de las que no cambiaría ni una coma.




Renglón aparte necesita el descomunal trabajo de Txabi Grass, actor (para mí) desconocido hasta el momento, y para el que los adjetivos se me quedan cortos. El soldado es, quizás, el personaje por el que la guerra ha pasado con más fuerza. Sin apenas hablar, algunos balbuceos sin sentido y sobre todo dos momentos estelares, de los más irónicos de la pieza, Txabi Grass ha construido el personaje a través del movimiento físico/corporal. 

Impactante, bestial, magistral... la manera de comunicarse sin palabras. Como con una simple mirada, lo dice todo. Su fisicalidad, su respiración, el conjunto del trabajo físico destroza al espectador. La manera de tocar la fibra es espeluznante. Me quedo sin palabras delante de tanta maravilla. 

Yes, Potser es una sorpresa mayúscula. La Companyia A3 ha conseguido, aunque parezca poco posible, mejorar uno de los mejores textos que he leído en los últimos años, con una puesta en escena cum laude. Una de aquellas obras que te pasa por dentro y se queda. Es imposible quedarse indiferente a su mirada. Una joya escénica de las que pocas oportunidades tenemos de disfrutar. BRAVO!



YES, POTSER

by on 18:41
de MARGUERITE DURAS traducción ALBERT TOLA dramatúrgia y dirección ANDREA SEGURA intérpretes ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, ANNA CASAS y ...


de 1927
dirección y texto SUZANNE ANDRADE
dramaturgia BEN FRANCOMBE
film, animación y diseño PAUL BARRITT
intérpretes GENEVIENE DUNNE, NATHAN GREGORY, PHILIPPA HAMBLY, ROWENA LENNON y FELICITY SPARKS
música LILIAN HENLEY
duración 1h30min
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA 2017)

Siendo una lover del teatro británico no podía perderme Golem, toda una síntesis de animación artesanal, música en vivo y teatro que nos introduce en una distopía satírica sobre si controlamos o no las nuevas tecnologías.

Si bien está claro que el montaje deja entrever sus cartas pronto y, a finales del 2017, no nos asombra el discurso que propone basado en la novedad fácil y pasajera que introducen las nuevas tecnologías que sabemos que dura un suspiro, y pese a todo nos atrapan hasta el punto de no saber prescindir de ellas.



1927 es una de las compañías británicas más innovadoras y Golem es una muestra de ella. El uso de la imagen es espectacular y la composición entre imagen, música, texto, voz nos recuerda, y es todo un homenaje, al mundo del cómic y del audiovisual de los años 80.

A nivel interpretativo, es sabido que los actores ingleses forman parte de otro universo. Multidisciplinariedad por vena, cantan, bailan, actúan  son mimos, clowns... todo un despliegue de maestría teatral en noventa minutos. 



El punto satírico, tan presente durante todo el montaje, toca su punto álgido en el momento de las parejas, y a pesar de algunos momentos repetitivos, sale vencedor. De la misma manera que ciertos guiños al espectador medio, que muchas veces se debate entre la diatriba entre lo mainstream (U2) y lo underground (el punk).

Golem es un montaje para espectadores con un punto entre medio y alto de frikismo. Aquellos que nos les importe verle las costuras al montaje, que aquí al fin y al cabo no es ni relevante, y simplemente buscan que un espectáculo le entre por los ojos. Si detrás de tanta luminaria escénica además hay un mensaje pues ya te das con un canto en los dientes y te 'partes' las manos aplaudiendo. ¡Qué menos!


GOLEM

by on 18:51
de 1927 dirección y texto SUZANNE ANDRADE dramaturgia BEN FRANCOMBE film, animación y diseño PAUL BARRITT intérpretes GENEVIENE...


autoría y dirección IÑAKI GARZ
intérpretes ANNABEL CASTÁN y DANI ARREBOLA
voz en off ANNA CASAS
duración 50min
producción ICARO TEATRE
LA BADABADOC

Si planeas vengarte cava dos tumbas es uno de esos montajes que te van persiguiendo pero que todavía no había podido ver. Iñaki Garz realiza una radiografía vital del mundo de la pareja en apenas 50 minutos. 

Como si fuera el capítulo de una serie, y con más silencios que texto, el espectador va descubriendo poco a poco que une a este hombre y a esta mujer que, acaban de compartir cama en un hotel.

La mini sala de Gràcia es el espacio ideal para acoger esta propuesta que encierra una necesidad de ambiente angustiosa. El espectador palpará la tensión, vivirá los silencios, sentirá el misterio mientras escucha un seguido de reproches en un conjunto de escenas breves y frases entrecortadas.



A pesar de que al texto le faltan detalles informativos, y se queda en la superficie de lo que debería ser, la opción de la dirección de basar parte del contenido en aquello que no se dice, funciona y salva las lagunas de información. Y aunque los seriófilos estamos acostumbrados a un ritmo más agitado y rápido, la duración está tan o más medida que los silencios. 

La fuerza del montaje recae en la excelencia de sus actores, que levantan un texto no demasiado fácil de interpretar. La química y complicidad de Annabel Castán y Dani Arrebola se nota en el escenario, y sin duda es el punto fuerte del espectáculo. Aquí no es necesario seguir cavando. Ellos ya se han encargado de levantar acta.


de CIA. MAI ROJAS y LOS ESCULTORES DEL AIRE
dirección e interpretación MAI ROJAS
voz en off IGNASI CAMPANY y PAUL FOX
música CHAPLIN, ARVO PART, KEIKO ABE, ERIC SERRA, KRONOS QUARTET y DRUMS OF AFRICA
duración 50min
fotografías DAVID BERRIO
producción ME ENTERTAINMENT AND ARTS
TEATRE TANTARANTANA

Después de la experiencia de la temporada pasada con Game Over en la sala Badabadoc fue leer el nombre de la Cia Mai Rojas e ir de cabeza al teatro Tantarantana. Esta vez, pero, la compañía se ha reducido sólo a su creador principal, Mai Rojas.

La Leyenda del fauno y el viaje es uno de los primeros espectáculos de la compañía y eso se nota. Un pintor es seducido por la idea de crear un cuadro que cobre vida. Construido a partir de su personaje del fauno es un montaje totalmente multidisciplinar: voz, música, danza, clown y proyecciones.

Pero tanta multidisciplina aleja al espectador del todo, en una clara falta de coherencia. Entre sus múltiples peros está el uso indiscriminado de la voz en off, a falta de cohesión entre los escasos momentos de danza y clown, se opta por la narración descriptiva de lo que deberíamos ver con nuestros propios ojos más que oír.




Tampoco le juega a favor la cámara negra del Tantarantana, donde el diseño de iluminación de Sergio García queda reducido a la mínima expresión. Independientemente del color de las luces, que nunca llega a ser el correcto, más que iluminar crean unas molestas sombras que no ayudan a definir la escena.

Con menos de una hora de duración, el espectáculo está falto de ritmo, de impacto visual y de un discurso que cohesione todas sus partes más allá de los cuatro tópicos sobre el mundo pictórico que aparecen proyectados en la pared del fondo en forma de frases de ilustres pintores como Picasso.


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Fotos: Genia Badano

Se dice pronto pero 17 años ha tardado Manel Bonany en ver representado su texto. Parece que mucho ha llovido desde entonces, pero a pesar de que en los dos últimos años tenemos propuestas que dan voz a aquellos que siempre se les había negado, el espejo sigue reflejando un dura realidad para aquellos que huyen de la odiosa marca de la normalidad.

Problemas de presupuesto y de encontrar una sala, pero sobre todo problemas de encontrar a una actriz que estuviera dispuesta a meterse en la piel de este personaje. Finalmente tienen sala, la Sala Atrium de Barcelona y protagonista, Míriam Marcet, que ha conseguido transformarse física y psíquicamente para afrontar un reto más en su carrera.




Manuel Dueso ha cogido la batuta de dirección de nuevo. En 1996 dirigió un montaje con temática similar Sara i Simon, un texto sobre el SIDA y el colectivo LGTBI. Y aunque afirma que intenta huir de los monólogos, "porque es muy aburrido trabajar siendo tan pocos" se ha tomado esta dirección más allá del acto cultural que supone hacer teatro, "el teatro también es social y reivindicativo".

Un personaje transgénero, fronterizo entre el hombre y la mujer pero también entre la vida y la muerte, entre la luz y la oscuridad, entre la juventud y la madurez, entre la plenitud y la pérdida.

Un mujer transgénero ha quedado confinada en un espacio al margen de todo, abocada al olvido. Luchadora hasta el último instante se aferra a las sensaciones, al recuerdo de los momentos y de las personas que la han iniciado, la han enseñado a reír o a estimar, y que, contra todos los obstáculos, le han permitido construirse como la persona que siempre ha soñado ser. Pero incluso en este rincón alejado del todo, su cuerpo es perseguido por quienes no lo aceptan. Los amigos de su joven amante han venido decididos a desnudar su último secreto, "si es o no una mujer".



La pell escrita es un texto que representa la lucha que todos los seres humanos tenemos por la visión que nos devuelve el espejo, para Manuel Bonany "todos nos vamos construyendo contra lo que vemos en la realidad que nos rodea". 

La primera frase ya es toda una declaración de intenciones: 'Si soy o no soy una mujer. Para eso han venido. Estúpidos.' (Manuel Bonany)

Y tanta reivindicación no pasa sólo por la temática de la obra, Manel Dueso reivindica con su dirección la vuelta a la poética del teatro: "Hemos acercado tanto el teatro al hecho televisivo que hemos perdido la poética del teatro, se ha enfriado, hemos perdido la magia."

En el teatro tenemos que destruir la literatura para crear la magia. Tenemos que cautivar al espectador desde las tripas, desde la emoción (Manel Dueso)



No ha estado un camino fácil ni para la obra ni para  su actriz, Míriam Marcet que interpreta este personaje desde un hecho tan básico como ser persona. "Tienes que ver quien eres, pelearte con el mundo hasta finalmente aceptarte. A veces no hay casa. La casa eres tu."

Yo he nacido así, soy mujer, pero la pregunta es ¿quién soy como persona? La pell escrita intenta huir de los tópicos. (Míriam Marcet)




La pell escrita es un montaje de cocción lenta. "Hemos estado mucho tiempo trabajando porque teníamos que descubrir nuevos lenguajes para evitar caer en un montaje discursivo."

El montaje esconde algunas sorpresas para el espectador, que no desvelaremos porque no nos gusta hacer spoilers innecesarios, pero lo que sí quiere dejar claro Manel Dueso es "Hemos intentado huir del sufrimiento, lo que no quiere decir que el personaje lo pase mal, sino que hay una clara huída de mostrar su victimismo".

La compañía y la sala han organizado dos coloquios para ayudar al espectador a entender mejor el discurso de la obra y mostrar todos los ángulos:

9 noviembre Coloquio postfunción con la presencia de los integrantes de la plataforma Trans*forma la Salut: Lina Mulero, activista de los derechos *trans, e Ian Bermúdez, autor de la novela gráfica Tránsito.

16 noviembre Coloquio postfunción con la presencia de Marta Reina Izquiano, Mossa d’Esquadra, coordinadora políticas de seguridad, responsable de políticas de LGTBI en Podem Catalunya y Jaume Ulldemolins secretario de Chrysallis Catalunya.



Al camino lleno de piedras que se le añade que de momento toda la compañía ha trabajado y esta trabajando sin cobrar. Eso sí, Manel Dueso afirma que a pesar de las condiciones si tuvieran un presupuesto "haríamos exactamente lo mismo pero con más seguridad."

Pero como afirma Manel Bonany es un montaje muy potable, así que esperan conseguir muchos bolos tras su paso por la Sala Atrium. De momento y en primicia nos han avanzado el primero, será el espectáculo que abrirá la nueva Sala Intemperie, en el barrio madrileño de Malasaña en 2018. Así que tuiteatreros ALERTA!

La pell escrita
del 2 al 19 de noviembre
Sala Atrium
+INFO AQUÍ



de EUGENE O'NEILL
versión IBAN BELTRAN y JOAN OLLÉ
adaptación lingüística PERE NAVARRO
dirección JOAN OLLÉ
intérpretes PEP CRUZ, LAURA CONEJERO, IVAN BENET, PEPO BLASCO, SANTI RICART, ÀNGELA JOVE, CARLES ARQUIMBAU, EDUARD MUNTADA, LAURA PUJOLÀS, GAL·LA SABATÉ y NÖEL OLIVÉ. 
músicos ÀNGEL CERDANYA "EL SUECO", IBAN BELTRAN/CAROL DURAN y LLUÍS GÓMEZ.
duración 2h y 15min
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

Se preguntaba Joan Ollé en la rueda de prensa de presentación de la obra porqué O'Neill no se representaba más a Catalunya y creo que después de volverme a dar de bruces contra él la respuesta es que el 'creador' del teatro americano moderno se ha quedado obsoleto

La obra estrenada en 1924, unos años antes del famoso crack'29 nos traslada a Nueva Inglaterra en plena fiebre del oro. Sus personajes viven y mueren por conseguir el precioso metal en sus múltiples fórmulas, unos se van a la soñada California en su búsqueda mientras otros se quedan soñando con su bien más preciado, poseer una casa, la misma que se erige como la gran protagonista de una imponente escenografía de Sebastià Brosa



Hay dos señas características de esta versión de Iban Beltran y Joan Ollé la excesiva y descomunal escenografía que va girando atrapando la atención del espectador y a sus protagonistas como si fuera una jaula de la que no pueden ni quieren escapar. Y un lenguaje que sirve de excusa para dejar el catalán central aparcado y pasarse a una especie de 'parla' de la Garrotxa. Al minuto dos este hecho pasa totalmente desapercibido y no deja de ser una mera anécdota que está como no podía estar. 

Desig sota els oms es un melodrama lleno de codicia, mentiras, pasión, amor donde cuyas bases se fundamentan en un mito de la Grecia clásica, Eurípides. Se abusa de la tragedia hasta límites inimaginables y la dirección ha optado por imprimir un ritmo donde la tensión de algunas escenas acaba desapareciendo e incluso se podría llegar a afirmar que cae en una comedia forzada.

La obsolescencia se deja notar en el trato que se da a los roles masculino/femenino y en frases como "a una casa li cal una dona i a una dona li cal una casa" ("a una casa le hace falta un mujer y a una mujer le hace falta una casa"), para echarse las manos a la cabeza. La cosificación del la mujer no se queda ahí sigue en amenazas de violación o en el uso de la seducción como arma para conseguir su voluntad.



Con una primera parte aceptable dentro de lo que cabe, la segunda se ha dejado en libre albedrío. Con un ausencia más que notable de dirección, el montaje cae en un melodrama que supera los límites máximos que cualquier serial de sobremesa. Con tal situación, y aún teniendo un reparto de primera división, las interpretaciones caen en la afectación y la sobreactuación es tal que nada resulta ya creíble. 

Las mejores escenas interpretativas son las protagonizadas por Abbie (Laura Conejero) y Eben (Ivan Benet) durante el proceso de seducción y de descubrimiento de la pasión. Son los únicos donde el ritmo y la interpretación van a la par, donde la química parece emanar del escenario.

Desempolvar por desempolvar obras sin un claro objetivo es loable pero puede pasar que el polvo estuviera escondiendo una joya de arte o simplemente una de las obras que se merecieran más quedarse como fondo de armario más que como objeto trendy de la temporada


DESIG SOTA ELS OMS

by on 18:53
de EUGENE O'NEILL versión IBAN BELTRAN y JOAN OLLÉ adaptación lingüística PERE NAVARRO dirección JOAN OLLÉ intérpretes PEP ...


de MARK LOCKYER
dirección RAMIN GRAY
intérprete MARK LOCKYER
duración 1h 30min
fotografías YOUNG VIC THEATRE, STEPHEN CUMMISKEY y ELLIOTT FRANKS 
producción ACTORS TOURING COMPANY
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Este último fin de semana de octubre, hemos tenido el placer de escuchar y disfrutar de la trágica historia de Mark Lockyer, un conocido actor británico que, quizás, en los mejores momentos de su carrera cayó en desgracia. Quién le iba a decir que justo en el momento en que el director por aquel entonces de la Royal Shakespeare Company, Adrian Noble, le propuso encarnar a Mercutio en Romeo & Julieta, se iba a encontrar con el 'diablo' y su vida ya no iba a ser la misma.

A partir de aquel encuentro su comportamiento se convirtió en errático hasta perder el control totalmente de su vida: familia, amigos, trabajo... hasta llevarle al infierno. El descubrimiento de su bipolaridad, la asimilación y tratamiento de esta enfermedad mental, que le llevó más de diez años, es lo que explica en Living with the lights on

Lo que a primera vista seria un drama de "cortarte las venas", el modus operandi británico le da la vuelta hasta convertir la historia en un relato hilarante, que a pesar de la monstruosidad de los acontecimientos narrados provoca en el espectador un suerte de risa. No deja de ser una tragedia, buena parte de lo que sale por la boca de Mark Lockyer, pero como él bien explicaba el día de la rueda de prensa "no quiero hacer sufrir a los espectadores", y de hecho no sufrimos, disfrutamos.



La puesta en escena huye de la cámara negra con luz centrada en el protagonista. Nos recibe un escenario lleno de objetos que acompañarán al protagonista, una especie de sala de ensayo, con el suelo delimitado con cinta y donde el intérprete no para en toda la función. El público está integrado en el espectáculo, las luces iluminan todo y no puede esconderse en la 'habitual' oscuridad de la sala. Somos los receptores del mensaje, respiramos con cada nuevo acontecimiento e incluso en algunos momentos debemos asentir o negar las preguntas directas que se nos formulan.

Living with the lights on es apasionante, aterradora, conmovedora, hilarante, brutal y busca intencionadamente huir del estigma que aún hoy en día conllevan las patologías mentales. Toda una lección vital e interpretativa y de no lanzar la toalla bajo el lema que sí quieres vivir, puedes hacerlo, sólo hacer falta un esfuerzo más. 



Y a pesar de que la historia sea propia, la interpretación no abandona en ningún momento la naturalidad. Sorpresa también en la introducción del espectáculo, esa puesta en situación, ese pequeño discurso en catalán que te hace sentirte como en casa desde el primer segundo. 

Anécdotas a parte, una vez más se confirma que los actores británicos tienen un don, un algo que les hace especiales. Casi toda la platea de pie aplaudiendo, en otra de las funciones para recordar del Teatre Lliure. Es una pena que los ingleses practiquen tan poco las giras internacionales porque estamos ávidos de tener más teatro británico por vena. We need to have another go.



creación colectiva de JOSÉ Y SUS HERMANAS
textos de SÍLVIA FERRANDO, EL CONDE DE TORREFIEL, FEDERICO GRACÍA LORCA, JEAN ANOUILH, SÉNECA y ANGÉLICA LIDELL
dramaturgia y dirección SÍLVIA FERRANDO
intérpretes FRANCESC CUÉLLAR, ALEJANDRO CURIEL, MARTA DÍEZ, CARME GONZÁLEZ, CAROLINA MANERO, GEMMA POLO y GLÒRIA RIBERA
duración 75min
producción PROGRAMA TALENT IT (INSTITUT DEL TEATRE DE BARCELONA)
TANTARANTANA

Hasta hace un par de meses, la transición nos quedaba lejos, a algunos muy lejos. Para otros era aquella época que aparecía al final de los libros de texto desde la ESO a Bachillerato que no se daba porque nunca daba tiempo. Pero eso ha cambiado, y más después de ver cómo un grupo de jóvenes veinteañeros la tienen mucho más presente de lo que podríamos imaginar. 

La compañía, José y sus hermanas, surgida del Institut del Teatre, nos dan un repaso en poco más de una hora. No hay manual de historia que lo supere. A través de una ardua investigación nos presentan cómo ven ellos esta época que debiera estar cerrada, y superada, pero que esta más viva que nunca. La dramaturgia se estructura en 3 cuadros donde se trata indistintamente el franquismo, la Guerra Civil, la transición y la democracia.

Un repaso por el fascismo en Europa, por la Guerra Civil española, por el Franquismo, por los 200 mil desaparecidos que siguen en las cunetas de toda la Península, el capitalismo, el gusto por las obras magnánimas (del mismo edificio del Institut del Teatre al Valle de los Caídos), Federico García Lorca... Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es una bala tras otra a la sinrazón española de esconder la mierda debajo de la alfombra.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Con un estilo que bebe de compañías de la escena de nuevas escenas como el mismo El Conde de Torrefiel, el espectáculo consigue en determinados momentos integrar al público mientras que en otros juega con la poética y realizan todo un ejercicio de emociones y de tocar la fibra. El segundo cuadro es para enmarcar, preciosista hasta decir basta y entre las palabras de Lorca y "la sangre derramada por los cuerpos", la fibra, la piel, y, sobre todo, los pelos de punta

El público tiene que estar dispuesto a ser increpado, a formar parte de esa historia, quizás por segunda vez o por vez primera. Ya que en la platea se ven caras de todas las generaciones, cosa poco habitual hoy en día y que es todo un gustazo. La visión crítica del montaje es amplia y se puede decir que no deja títere con cabeza. Todo un ejercicio de memoria histórica desde un ángulo que nunca lo habíamos mirado.

La naturalidad con la que se relatan los hechos queda también reflejada en las interpretaciones. Lejos de ser personajes, son simples jóvenes de los que te podrías encontrar en la calle, en la universidad o en un manifestación exigiendo explicaciones del porqué de tanto silencio, de todas aquellas preguntas que aún hoy en día siguen sin respuestas.



Sílvia Ferrando ha logrado entretejer de manera brillante la amalgama de textos y nadie diría que Séneca y Angélica Lidell pudieran encajar de la misma manera en un espectáculo. Salvo eruditos en la materia, fuera de reconocer a Federico García Lorca, muy presente y muy significativa su aparición, el resto son consignas, dardos, preguntas, balas, que en una cierta medida todos a lo largo de nuestras vidas nos hemos hecho o haremos con respecto a los últimos 80 años de historia. 

Los bancos regalan sandwicheras y chorizos es un montaje lleno de sorpresas con un ritmo vertiginoso, donde en 75 minutos se repasan 80 años de vida y de historia. Una buena oportunidad para que los jóvenes (y no tan jóvenes) descubran una época de nuestra historia por boca de aquellos que tampoco la vivieron pero que la explican mejor que algunos que sí que la vivieron y callan, aumentando el silencio. José y sus hermanas rompen el silencio y de qué manera. El primer imperdible de la temporada. ¡Bravo! 



de MARTIN MCDONAGH
traducción y adaptación de PAU GENER sobre la idea de IVAN MORALES
dirección IVAN MORALES
intérpretes POL LÓPEZ, MARTA MILLÀ, ORIOL PLA y XAVI SÁEZ
duración 1h 35min
fotografías DAVID RUANO
producción FOCUS
LA VILLARROEL

Entro en la sala con el pie cambiado, ya que pensaba que venía a ver un drama y minutos antes me entero que es una comedia. Gajes del oficio, no querer saber demasiado antes de verla para no ser contaminada. 

La calavera de Connemara nos translada a la Irlanda (oeste) verde, apática y alcohólica donde la vida es lo que pasa entre trago y trago. En el dossier de prensa, Ivan Morales la describe como una comedia negra de amor y huesos. Humor hay, a radaules, amor poco y huesos muchos, algunos todavía conservan su abrigo de piel.

Ivan Morales ha jugado con amplificar la comedia, tanto que a veces el espectador puede pensar que le están poniendo (excesivamente) en bandeja. Está claro que el protagonismo recae en los dos magos de la nueva generación cómica del país, Pol López y Oriol Pla.



Aunque los momentos más cómicos los protagoniza Mairtin Hanlon (Oriol Pla), ha llevado su personaje tan al límite que en muchos casos ha superado la delgada línea roja del histrionismo. Hay algo de su interpretación que chirría, sus momentos de "garrulo" por ejemplo son cansinos y repetitivos.

Todo lo contrario que Mick Dowd (Pol López) que ha sabido jugar con la justa medida de sus movimientos y gestualidad. Los momentos donde podía estar más pasado de vueltas, como por ejemplo en sus estados de ebriedad nos regala una interpretación contenida y llena de matices pero sin sobrepasar ninguna línea.



Justamente es Mick Dowd quien nos regala los mejores momentos de la noche cuando aparece acompañado de Maryjohnny Rafferty (Marta Milà), una brillante secundaria, cuyas apariciones en escena son como un soplo de aire nuevo entre tanta miseria humana. Completa el reparto Thomas Hanlon (Xavi Sáez) un detective que aspira a triunfar.

El diseño de movimiento de David Climent (Los Corderos) es una pieza clave en la obra, sobre todo en un momento mágico protagonizado por el Nothing compares to you de Sinead O'Connor. Sin duda el momento más mágico y quizás, el que dentro de un tiempo recordaremos de la obra.



Otro de los puntos fuerte es la escenografía firmada por Marc Salicrú, que por fin ha salido de su espiral de burbujas y esta vez nos sumerge en la campiña irlandesa con una puesta en escena magnífica.

La  trama de La calavera de Connemara no da para mucho, pero Ivan Morales, con algún que otro pero, ha sabido conseguir sacar oro entre tanto calcio. Eso sí, es una oportunidad, esperemos que no única, para ver a un reparto magnífico en escena.

PS. Un último apunte en forma de deseo. Durante buena parte de la obra estaba pensando lo genial que sería una obra sin texto protagonizada por Pol López y Oriol Pla. Como se ha demostrado en La Calavera de Connemara, el texto es secundario, su magia se puede sentir en mute. 




Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) 
Fotos: Vicente R.

Iron Skulls inaugura la temporada del Espai Dansat (el espacio de danza del SAT! Teatre). El colectivo vuelve a apostar por seguir desarrollando su lenguaje de movimiento ecléctico y divergente, interesándose por la energía negativa y la herencia Mediterránea.

Ideado con motivo del 4º aniversario de la muerte de Cervantes (1616), No sin mis huesos se centra en el contexto sociocultural del autor y la gran diversidad de culturas que le influenciaron como escritor y soldado. Cervantes es un ejemplo de la transformación de la energía negativa en arte debido a su incapaz como soldado de luchar, energía que dedicó a la literatura.



No sin mis huesos revive el pasado de nuestra civilización a través de la danza sufí, la Haya Nagila y la danza tradicional española, lo que nos permite ver el legado que han dejado culturas como la cristiana, la árabe y la judía en el Mediterráneo. Pero, como es habitual en Iron Skulls, también están presentes danzas urbanas, el contact y el butoh fusionándose en este viaje al pasado que nos permitirá interpretar el presente. La danza se convierte en un elemento conciliador, nexo y defensor de ideales.

No sin mis huesos. Cia. Iron Skulls.
20 y 21 de octubre. 20:30h.
SAT! Teatre.
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Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)
Fotos: David Ruano

El segundo estreno de la temporada del TNC viene marcado por la fiebre del oro. Nos trasladamos a la América rural de 1850 con unas características muy marcadas: la propiedad, Dios/religión, la patria, la bandera y la lengua. La obra está escrita en 1924 por "un visionario" como le describe Joan Ollé. 

Mientras la fiebre del oro hace que los jóvenes marchen hacia el Oeste, un viejo granjero del sur se mantiene aferrado a su antigua tierra de piedras que con el esfuerzo de toda una vida ha conseguido convertir en tierra cultivable. Cuando sus tres hijos descubren que se ha vuelto a casar con una mujer mucho más joven que sólo busca recoger la herencia, estallaran todas las tensiones acumuladas al largo de los años en los muros de esa propiedad.

Eugene O'Neill es uno de los autores más desconocidos de Catalunya, "se representa poco, quizás por temas económicos, hasta ahora era imposible representar una obra como Desig sota els oms por el número de actores en escena. A los principales se han incorporado unos 'figurantes' de los que te sonarán los nombres: Eduard Muntada, Laura Pujols, Gal·la Sabaté, Noël Olivé y los músicos: Àngel Cerdanya 'El Sueco', Iban Beltran/ Carol Duran y Lluís Gómez.

El sueño americano se convierte en la pesadilla americana en el 1929  (Joan Ollé)

Hay una figura muy presente en la obra, Dios, que en palabras de su director "tiene reminiscencias con Trump". Pero no sólo de Dios vive el hombre, Desig sota els oms también está muy influenciado por la tragedia griega. De hecho según Josep Fontana, autor del prólogo de la versión editada por Arola y el TNC, "es una transcripción de Hipólito de Euripides, eso sí con el cambio de escenario, espacio rural de la América de mediados del siglo XIX.

Y lejos de la Grecia clásica, el texto de O'Neill también nos recordará autores más contemporáneos, ya que tiene numerosas referencias a autores clásicos como Strindberg, Ibsen o Chéjov.



Una de las sorpresas de esta versión es el lenguaje por el que se ha optado, ya que la obra está escrita en un slang anglo-irlandés y a la hora de traducir no 'quedaba bien' optar por un catalán normativo (TV3 style). Por lo que podremos escuchar algo similar al catalán que se habla en la comarca de la Garrotxa.

La puesta en escena también esconde alguna sorpresa, ya que el escenario es giratorio y nos permitirá entrar en cada una de las habitaciones de la casa. A pesar de que estamos en la América rural de 1950, según uno de sus protagonistas, Pep Cruz "es una obra muy catalana, porque se saca pan de las piedras, han conseguido hacer fértiles unas tierras llenas de piedras, éste el espíritu de los catalanes, que han hecho lo mismo con buena parte de las tierras gironinas."



Otra de sus protagonistas, Laura Conejero ha destacado la importancia que para su personaje tiene la propiedad. "Para ella (Abbie) es lo primero, se casa para tener una casa en propiedad. No es la fiebre del oro, es la fiebre de la propiedad. Ella utiliza a su marido (Cabot, Pep Cruz), y su marido la utiliza a ella. Los problemas llegan cuando se enamora y además lo hace de unos de los hijos de su marido (Eben, Ivan Benet)."

Todos los protagonistas coincidem en las palabras de Ivan Benet, "es una obra que para el espectador será como vivir una realidad paralela, ideal para sumergirse en los tiempos que estamos viviendo".



La falta de espectadores en las salas, debido a los recientes acontecimientos político sociales ha estado muy presente en la rueda de prensa de presentación de Desig sota els oms que nos ha dejado dos perlas como éstas:

Si dejamos de ir al teatro es una derrota, pequeña, pero una derrota. (Pep Cruz)

Els catalans si alguna cosa sabem fer és pa amb tomàquet i teatre (Pep Cruz)


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