ALPENSTOCK

/ 19:37


autor REMI DE VOS
traducción MÒNICA BOFILL y RAMON MINOVES
adaptación MÒNICA BOFILL y RICARD SOLER
dirección RICARD SOLER i MALLOL
intérpretes LARA SALVADOR, ENRIC CAMBRAY y ARMAND VILLÉN
duración 70min
fotografías AITOR RODERO
producción OBSKENÉ
TEATRE TANTARANTANA

No hay duda que Obskené es una de las compañías más eclécticas del panorama teatral catalán. Caminan entre géneros como pez en el agua, y esta Navidad llegan con un cuento a medio camino entre la realidad y el teatro del absurdo que no deja a nadie indiferente.

Alpenstock nos mete de lleno en la peculiar y tranquila vida de Greta y Fritz, un matrimonio que cumpliría todos los cánones y que simplemente se dedican a trabajar (él) y a ver la vida pasar, hasta que un buen día un extraño se cuela en su casa y cambia su apacible transcurrir para siempre.



Una buena dosis de humor negro, elementos del cine de animación, una caracterización y ambientación que no obvia el mundo en rosa son los principales elementos de esta farsa que nos invita a pensar, mientras reímos casi sin parar, en la tolerancia, en la hipocresía de la sociedad del bienestar hasta llegar a qué seríamos capaces de hacer por mantenerla.

Además de la crítica al sistema político y de valores, emerge una clara crítica de la figura clásica y conservadora de la mujer como un objeto más del mobiliario de la casa. Como en otras ocasiones observamos como el marido trata la mujer, pero aquí el punto de "inflexión" es la diferencia de trato de Greta hacia sí misma en presencia de su marido ("Soy una mujer simple") y la que afortunadamente tiene cuando éste no está presente (de querer salir a comerse el mundo).



Sorprendente y sensacional escenografía de Adrià Pinar y Víctor Peralta, toda una alegoría del mundo escenario que estamos viviendo, del cartón piedra, de búsqueda de la apariencia más que otra cosa. Un mundo rosa que nos invade nada más entrar en la sala, y que se complementa nada más alzarse el telón. 

La atmósfera de Alpenstock rezuma hipocresía en cada réplica y que no deja títere con cabeza. Sus paredes son impolutas, por la obsesión de esta familia por la limpieza (otra metáfora más), y son europeas, con una clara referencia demoledora a la Unión Europea, que lo que no puede limpiar lo tapa. 



Las interpretaciones están muy cuidadas, ya que podrían haberse "salido de madre" y descuadrar el resultado final. Aunque para ser justos el punto de inflexión lo protagoniza la figura del extranjero, un excelente Enric Cambray, al que se le notan los años de tablas y que es capaz de despertar la risa del público, a pesar de que su personaje a veces se vuelva repetitivo. Cambray despliega un magistral repertorio de gestos que convierten a su personaje en toda una pequeña bomba interpretativa.

Alpenstock es el complemento ideal para preparar el alma para los empachos navideños. Y, estoy segura, que también los limpiará a la perfección en la postfunción gastronómica más salvaje del año. Como ya es sabido, la risa siempre es el mejor antídoto, y aquí la regalan a radaules.




autor REMI DE VOS
traducción MÒNICA BOFILL y RAMON MINOVES
adaptación MÒNICA BOFILL y RICARD SOLER
dirección RICARD SOLER i MALLOL
intérpretes LARA SALVADOR, ENRIC CAMBRAY y ARMAND VILLÉN
duración 70min
fotografías AITOR RODERO
producción OBSKENÉ
TEATRE TANTARANTANA

No hay duda que Obskené es una de las compañías más eclécticas del panorama teatral catalán. Caminan entre géneros como pez en el agua, y esta Navidad llegan con un cuento a medio camino entre la realidad y el teatro del absurdo que no deja a nadie indiferente.

Alpenstock nos mete de lleno en la peculiar y tranquila vida de Greta y Fritz, un matrimonio que cumpliría todos los cánones y que simplemente se dedican a trabajar (él) y a ver la vida pasar, hasta que un buen día un extraño se cuela en su casa y cambia su apacible transcurrir para siempre.



Una buena dosis de humor negro, elementos del cine de animación, una caracterización y ambientación que no obvia el mundo en rosa son los principales elementos de esta farsa que nos invita a pensar, mientras reímos casi sin parar, en la tolerancia, en la hipocresía de la sociedad del bienestar hasta llegar a qué seríamos capaces de hacer por mantenerla.

Además de la crítica al sistema político y de valores, emerge una clara crítica de la figura clásica y conservadora de la mujer como un objeto más del mobiliario de la casa. Como en otras ocasiones observamos como el marido trata la mujer, pero aquí el punto de "inflexión" es la diferencia de trato de Greta hacia sí misma en presencia de su marido ("Soy una mujer simple") y la que afortunadamente tiene cuando éste no está presente (de querer salir a comerse el mundo).



Sorprendente y sensacional escenografía de Adrià Pinar y Víctor Peralta, toda una alegoría del mundo escenario que estamos viviendo, del cartón piedra, de búsqueda de la apariencia más que otra cosa. Un mundo rosa que nos invade nada más entrar en la sala, y que se complementa nada más alzarse el telón. 

La atmósfera de Alpenstock rezuma hipocresía en cada réplica y que no deja títere con cabeza. Sus paredes son impolutas, por la obsesión de esta familia por la limpieza (otra metáfora más), y son europeas, con una clara referencia demoledora a la Unión Europea, que lo que no puede limpiar lo tapa. 



Las interpretaciones están muy cuidadas, ya que podrían haberse "salido de madre" y descuadrar el resultado final. Aunque para ser justos el punto de inflexión lo protagoniza la figura del extranjero, un excelente Enric Cambray, al que se le notan los años de tablas y que es capaz de despertar la risa del público, a pesar de que su personaje a veces se vuelva repetitivo. Cambray despliega un magistral repertorio de gestos que convierten a su personaje en toda una pequeña bomba interpretativa.

Alpenstock es el complemento ideal para preparar el alma para los empachos navideños. Y, estoy segura, que también los limpiará a la perfección en la postfunción gastronómica más salvaje del año. Como ya es sabido, la risa siempre es el mejor antídoto, y aquí la regalan a radaules.


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autor NIKOLAI GOGOL 
dirección OSKARAS KORSUNOVAS
intérprete EIMANTAS PAKALKA
duración 50min
fotografías TOMAS IVAUNIKAS
producción OKT/VILNIUS CITY THEATRE, LITUANIA ACADEMY OF MUSIC AND THEATRE
SALA LA PLANETA (TEMPORADA ALTA 2017)

Cierro esta edición del Festival Temporada Alta con este clásico de mediados del siglo XIX. Un relato profético de cómo una persona en medio de su delirio acaba por convertirse en un tirano dictador. Un monólogo de lucha contra los diferentes seres que habitan en algunas ánimas humanas que demuestran que todo ser humano tiene maldad dentro de sí.

Diari d'un boig no está concebido para el teatro sino más bien para ser leído. Es un texto narrativo, con un inicio plano y al que le cuesta alzar la voz y conseguir que el espectador se crea la historia explicada mínimamente. Tardamos en ver la locura y cuando aparece lo hace de forma 'cómica', que las palabras que resuenan de fondo no nos enmudecen como deberían.



El montaje se sustenta únicamente en el talento interpretativo de su protagonista, Eimantas Pakalka que realiza un más que notable trabajo, dejando de lado el tópico de frialdad de los actores del norte de Europa y ameniza la velada con un sinfín de gestos, algunos de los cuales, tenemos que admitir que un poco forzados.

A veces forzados, pero sin duda cuestionables son las transiciones entre escenas, acompañadas de una estridente música dance que aunque acompaña la locura del protagonista, la aportación al conjunto de la pieza es más bien escasa.



El montaje que debería mostrar la angustia del personaje delante de la falta de aceptación de sus deseos cae en un inexplicable lacrimógeno melodrama de autocompasión con el que ni siquiera se logra empatizar para soltar un 'pobrecito'.

No es el primer texto que nos muestra lo fácil que es convertir a un hombre en dictador, sin necesidad de caer en brazos de la locura, por eso la crítica al autoritarismo de la pieza me parece simplista. Y basar todo el espectáculo en el poder de la palabra, en un texto que no deja de ser una anécdota alargada no es la mejor opción, por mucho que el intérprete pueda salvar la obra. 



Butaques i Somnis cumple 10 años de vida. 

10 años compartiendo teatro, artes escénicas.
10 años de críticas,
10 años de noticias,
10 años de polémicas,
10 años en los que el amor por el teatro se ha impuesto a todo lo demás.

Y lo mejor de todo sabes qué es?
Que las ganas de seguir cumpliendo años compartiendo teatro siguen intactas.

Por muchos más Butaques i Somnis!


autores VALÉRIA SCHULZOVÁ, ROMAN OLEKSAK
dirección PAVEL BSONEK
traducción NÚRIA PUIGCORBÉ y PAVEL BSONEK
intérpretes MONTSE GUALLAR, SERGI MATEU, MINNIE MARX y CARLES GOÑI
voz en off SERGI MARCOS y PAVEL BSONEK
duración 85min
fotografías XAVIER GARCIA y BELEN MATEO
producción EXQUIS TEATRE
SALA MUNTANER

Después de seguir con más o menos regularidad el Projecte Cicatrius de Exquis Teatro me asomo con curiosidad a este encuentro 'televisivo y ficticio' de dos personajes reales: Johnny Carson, presentador estrella de un late night americano y Leni Riefenstahl, una de las directoras de cine más grandes del mundo, que fue aupada a la fama gracias o debido a las películas que hizo para el Tercer Reich.

La intención de ficcionar este supuesto ajuste de cuentas con la justicia a través de una cámara de televisión es una buena idea, a la que se le debía haber sacado más jugo. Más allá del texto, la dirección conservadora de Pavel Bsonek se centra en preservar la palabra. Para los que hemos estudiado comunicación política, y los late night fueron y son una buena arma política, quizás buscábamos que tanto entrevistado como entrevistada fijaran su atención al mismo nivel en los gestos, lenguaje no verbal como en las palabras.



Un buen comienzo es la rotura de la cuarta pared, a veces tan difícil en plateas a la italiana y con escenario alzado. Esta opción, que desconozco si ya venía incorporada en el texto, ayuda a un ambiente lineal de la entrevista que se convierte, como muchas otras, en un simple partido de tenis y que abusa en ciertos momentos de la verborrea.

A nivel interpretativo, la pareja Montse Guallar y Sergi Mateu se llevan todo el protagonismo. Ambos tiran de oficio para suplir los momentos más estáticos del texto. A pesar de lo cual, Montse Guallar sale ganadora de los embates dialécticos, su personaje llega más e, incluso, dejas de pensar en su pasado  de colaboradora nazi y consigues empatizar y llegar a ver a una persona que lucha por dejar su pasado atrás. Sergi Mateu dibuja un Johnny Carson que necesitaríamos verle en blanco y negro. Tanto color difumina innecesariamente la época de los hechos. Aunque sus gestos nos trasladen irremediablemente al pasado.

La aparición de Minnie Marx descarga de dramatismo la acción y otorga unas risas inesperadas. Es el Macguffin de la velada. Por su parte, Carles Goñi, actúa como manager o asesor de Leni. Su personaje, aunque justificado, se mueve en una franja excesivamente gris y no acaba de despegar.



La escenografía es funcional, la iluminación de Frantisek Fabian recurre a una gama de colores que es un intento de destacar el carácter de entretenimiento de la velada, pero que no encaja en el cuadro general del espectáculo. Simplemente es una nota para que el espectador no se acabe de creer del todo que lo que está presenciando, que no olvides que es ficción, teatro dentro de teatro.

Leni es una muestra más de que la fuerza de los medios de comunicación y cómo todos en una medida u otra podemos ser cómplices de un poder que inunda todas las facetas vitales. No olvidar es la única medicina para no repetir. Y Leni nos los vuelve a recordar.

LENI

by on 18:20
autores VALÉRIA SCHULZOVÁ, ROMAN OLEKSAK dirección PAVEL BSONEK traducción NÚRIA PUIGCORBÉ y PAVEL BSONEK intérpretes MONTSE GUAL...


creación y dramaturgia MONTSE BONET, XUCRUT TEATRE y FRAGGEL
dirección MONTSE BONET
intérpretes AINHOA ROCA, ALBERT REQUENA y FRAGGEL
composición, voz y música FRAGGEL
duración 60min
fotografia ANTONIO MORENO
producción XUCRUT TEATRE
LA BADABADOC

Uno de los éxitos de la temporada pasada de la sala Badabadoc fue este Estima'm que tinc pressa, cosa que ha merecido una segunda oportunidad, en un contexto teatral muy perjudicado por la situación político-social donde la mayoría de las salas están vacías y al público le apetece pasárselo bien.

Pues que mejor plan que ir a ver esta comedia romántica sobre los problemas que conlleva la rutina cuando se instala en una pareja, aparentemente, consolidada. Un sinfín de situaciones cómicas y disparatadas que hacen que se te active la risa al instante



En una propuesta de pequeño formato resulta sorprendente la inclusión de música en directo, batería e instrumentos varios y una voz que acentúa los momentos cómicos, la de Fraggel. Otra de sus características, y quizás sorprenda más que la propia música sea la fisicalidad. Aunque quizás un espacio tan pequeño no ayude a desarrollarla del todo. Se agradece el esfuerzo de la compañía por ir más allá del lenguaje escrito e intentar (y conseguir) el juego con el cuerpo.

Un espectáculo que juega y mucho con la sensualidad de sus personajes, debe tener unos actores cómplices, que se les note una química especial. Es el caso de Ainhoa Roca y Albert Requena que no disfrazan su interpretación con ninguna careta y la muestran con una naturalidad sorprendente.

Quizás lo único que no me acabó de encajar del todo en el montaje sea los nombres de los protagonistas. Eso de caer en el tópico, me chirría un poco. ¿Cuáles son? La respuesta en La Badabadoc hasta el domingo 3 de diciembre. ¡Ah y no te olvides la risa en casa!


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | 
Fotos: David Ruano y Lourdes Aguirre

Reconozco que este año no tenía la intención de ver los Premios Butaca ni siquiera desde mi sofá, pero fue abrir Twitter y empezar a leer proclamas reivindicativas feministas y buscar una tele local en el televisor.

Olvidémonos de la lista de premiados, este año ninguno ganó. Las que realmente ganaron, todos los premios, fueron las mujeres, la reivindicación feminista lanzada por los colectivos 'Dones i Cultura' y 'On són les dones' se llevaron el gato al agua en los discursos. Este año monopolizaron la gala, el año que viene espero que monopolicen los butacas.



Abrió fuego Elena Tarrats cuando recogió el premio a la mejor escenografía para Lluc Castells por L'ànec salvatge. Preguntándose on són les dones?, en esta categoría había una, Laura Closca, que se quedó sin premio por Yerma, escenografía preciosista que se volverá a ver en 2018 en el Teatre Akadèmia.

Seguimos para premio, Albert Guinovart conseguía el premio a la mejor composición musical, categoría en la que competía otra mujer, Clara Peya. Sin que se lo merezcan más unos que otros, en Twitter se comentaba que vuelve a ser "más de lo mismo".

Joan Yago recoge el premio como mejor texto por FairFly y reivindica a las mujeres dramaturgas, que haberlas las hay, pero que viven en la sombra porque no son programadas.



Una de las reivindicaciones más sonoras fue la que hicieron conjuntamente la Agrupación Señor Serrano que ganó el premio a las nuevas dramaturgias por Birdie y el VV.AA. nominados a la misma categoría por Wohnwagen con Anna Serrano a la cabeza. A la que el público no se atrevió casi a aplaudir (pasividad que a mi personalmente me cabrea).

Elisabet Casanovas estaba demasiada emocionada y nerviosa para soltar ninguna proclama, aunque destacó el reparto predominantemente femenino de una obra, La senyora Florentina i el seu amor Homer. Al final cuando nadie se lo esperaba ya, reivindicó un papel para las mujeres racializadas, porque las blancas "lo tenemos más fácil".



Para sorpresa de todos, Abel Folk se alzó como el mejor secundario y en un discurso improvisado soltó una proclama de altura: "Treballeu amb dones que ho fan de collons" (creo que no hace falta traducción).

Ya que se quedó sin premio a la composición musical, Clara Peya aprovechó el de mejor espectáculo familiar para Renard o el llibre de les bèsties para ilustrar a los presentes con una innumerable lista de mujeres compositoras que pueden trabajar en los espectáculos del próximo año y por lo tanto copar esta candidatura.



En el apartado de teatro musical no hubo sorpresa, se lo llevo todo Dagoll Dagom y su musical Scaramouche. Eso sí, al recoger el premio a mejor espectáculo de teatro musical, Anna Rosa Cisquella paró su discurso de agradecimiento para leer una parte que llevaba escrita en una nota, la parte reivindicativa donde soltó una perla. Reivindicando que las mujeres tenían que ocupar más puestos de mando, pero que también dependía de nosotras porque "las mujeres no se atreven a mandar". Ejem, sin comentarios, porque a una todavía le dura el cabreo. Pero como bien puntualizó Marina Raurell en Twitter: "Que se atrevan a mandar es una cosa... que las dejen mandar, es otra".



Menos mal que justamente después de este comentario desafortunado le tocaba presentar premio a Júlia Barceló, una de las mejores interpretaciones del año pasado con Hedda Gabler, y que no está nominada, en fin... pero el premio volvió a ser secundario, porque su discurso lo monopolizó todo. Llegó para poner los puntos sobre las íes: "La falta de mujeres en las nominaciones es un espejo de la falta de mujeres en las programaciones. Esta cultura ya no nos representa." Ah sí el premio se lo entregaron a Pere Faura por Sweet Tirany el mejor espectáculo de danza, que como bien puntualizó el crítico Jordi Sora es el espectáculo de entre todos los nominados que ha recibido la crítica más despiadada de los últimos años. Pero, Jordi, desde cuando crítica y público están de acuerdo.

Como la reivindicación feminista era ya el monotema de la gala, los presentadores Toni Martín y Glòria Cid se saltaron el guión intentando ironizar, le salió el tiro por la culata. Al menos a mí que la Glòria Cid se declare feminista y que diga quién no es feminista en los tiempos que corren no me hace gracia, porque como bien afirmó la dramaturga Lali Àlvarez en Twitter, la lista es larga.

Descanso reivindicativo durante el largo discurso del Premio Honorífico Anna Lizaran para Josep Maria Flotats.



Además de la reivindicación feminista, la compañía La Calòrica también hizo la suya propia cuando al recoger el premio a mejor montaje de pequeño formato por Fairfly, lo hizo en manos de su escenógrafo, diseñador de luces, Albert Pascual, que se encargó de reivindicar el trabajo de aquellos que no salen en los programas de mano y de lo que ninguna crítica o programa de televisión se acuerda.



Volvemos a la sorpresa, Ariadna Gil mejor protagonista femenina por Jane Eyre: una autobiografía. Marta Angelat y Mercè Arànega, para sorpresa/síncope de todos se quedan sin premio. Y en la categoría masculina más de lo mismo, gana Lluís Homar por Ricard III, dejando a Pablo Derqui, Iván Benet o Joan Carreras y todo Twitter congelado. Por cierto, el premio del Homar lo recogió Xavier Albertí que se limitó a seguir fill per randa las palabras del Homar. Ninguna mención a la reivindicación feminista. Eso sí, le lanzó el dardo a Montoro por el tema del IVA, "me da más miedo la censura económica que la ideológica" (y yo que pensaba que iban unidas, en fin).



Eso sí, al final se ha hecho justicia. El que para mí es sin duda el mejor montaje de la temporada pasada, L'ànec salvatge se alzaba con los dos premios principales: mejor dirección para Julio Manrique y mejor montaje. Él sí que reivindica la presencia de más mujeres en los escenarios y detrás de ellos. Y le dedica el premio a la mujer que lo mueve todo y de la que "cada día aprendo alguna cosa", Cristina Genebat.

Elena Tarrats todavía guardaba una bala en la recámara, referente a la reivindicación de esta noche: "no es una queja sino una reivindicación, porque la queja paraliza y tenemos que seguir hacia delante".

La gala acaba reivindicando otra de las figuras femeninas cruciales en la cultura contemporánea, Montserrat Roig

"La cultura és l'opció revolucionària a largo termini" 
("La cultura es la opción revolucionaria a largo plazo").



Por Elisa Díez (Butaques i Somnis) | 
Fotos: Brandley High

El Teatre Akadèmia abre la puerta a uno de los más importantes e influyentes profesionales del mundo teatral, Jerzy Grotowski, al que se le considera un revolucionario de las artes teatrales. Entre otras cosas, cambio la relación entre el actor y el público, la puesta en escena y el oficio del actor. Su teatro va más allá del teatro convencional, con una exploración sistemática de las posibilidades del ser humano dentro del contexto performativo.

Uno de sus 'colabores esenciales' es Thomas Richards que dirigirá la creación colectiva que del 29 de noviembre al 10 de diciembre se podrá ver en el Akadèmia bajo el nombre de Sin Fronteras. El Workercenter Studio in Residence (del Workercenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards de Pontedera-Italia) presenta una reflexión sobre las fisuras que se abren en la sociedad y en los individuos que la componen después de una catástrofe natural, poniendo en evidencia la precaria estabilidad de nuestra civilización.



En 2010, Chile vive uno de los terremotos más devastadores de su historia. Este es el contexto de Sin Fronteras, donde un grupo de voluntarios que llega a la zona de la catástrofe para ayudar a las víctimas decide explicar a los niños afectados un cuento del escritor alemán Heinrich Von Kleist del año 1808: Terremoto en Chile. Voluntarios y espectadores se trasladan conjuntamente a la historia de una mujer que, huyendo de su ejecución, es tacada por una multitud furiosa que la acaba matando. La representación que los voluntarios hacen de la historia de Heinrich Von Kleist delante de los niños, acaba revelando profundas fracturas dentro de ellos mismos y de su entorno.

Sin fronteras nace de entretejer textos contemporáneos con otros antiguos y poéticos, cantos tradicionales y marionetas, donde el espectador se traslada de un universo realista a otro grotesco y cómico, en el que los voluntarios de una ONG ya no son únicamente personajes del drama sino personas que, a través de la acción, dan respuestas a los temas que la pieza cuestiona.



El reparto lo forman siete intérpretes de diferentes nacionalidades: Colombia, Chile/Suecia, Francia y España (Alonso Abarzúa, Gina Gutiérrez, Juan David Salazar, María Solarte, Javier Cárcel Hidalgo-Saavedra y Lynda Mebtouche).

Sin Fronteras será el primer texto en castellano que dirige el norteamericano Thomas Richards que califica la obra como "una exploración sobre hasta que punto podemos ser transformados por nuestro propio sufrimiento".

El propio Thomas Richards, junto con la compañía, estará en el coloquio postfunción del jueves 30 de noviembre, moderado por un miembro de Recomana.cat



La celebración no acaba aquí, el 9 y el 10 de diciembre habrá dos funciones exclusivas de L'Heure Fugitive de Cécile Richards, también dirigidas por Thomas Richards.

En esta ocasión, el espectador se encontrará con una mujer que se enfrenta a su propia necesidad de revolución. Sus fantasías se vuelven acción mientras  se va transformando a través de una serie de metamorfosis, encarnando las voces de poetisas francesas ancladas en la historia.





Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Este fin de semana vuelve CROQUIS_BCN, la muestra de ensayos abiertos de procesos de creación de artes escénicas organizada por la Sala Beckett, la compañía Atresbandes y el Centro Cívico Can Felipa. Las compañías comparten el proceso de creación con el público, presentando un fragmento de lo que están trabajando y lo debaten con los espectadores.

En esta cuarta edición se han seleccionado nueve proyectos de un total de 90 proyectos presentados.

  • Make the secrets productive, de La Llebre (Barcelona)
  • Mujeres que corren con los lobos, d’Up-a-tree Theatre (Madrid)
  • Lo cantan los ciegos, d’Hipólito Patón (València)
  • -araoke, de Teatre del límit (Barcelona) 
  • VARVARA, de Bárbara Sánchez (Sevilla)
  • POCAHONTAS o la historia de una traviesa, de Bàrbara Mestanza (Barcelona) 
  • Virginia’s Woolf Party (Tenemos IN-VI-TA-DOS), de Cristina Peregrina & Josep Maria Riera (Madrid)
  • AL TORO, LES MÀSCARES, d’Empara Rosselló (Barcelona)

Además de la presentación, la muestra también tiene dos premios, ya que una comisión formada por los organizadores de la muestra elegirá dos de los proyectos. Uno de los cuales disfrutará de una residencia artística en el centro cívico Can Felipa y se representará en CROQUIS_BCN 2018 y el segundo se presentará dentro de la programación de la Sala Beckett.

De esta manera en esta edición le toca el turno a los ganadores de la edición de la temporada pasada: Elefant Terrible de Eric Balbàs y Roger Torns y Projecte 92 del colectivo LasHuecas.

  • Elefante Terrible. Eric Balbàs y Roger Torns han llevado a cabo un proceso de investigación dramatúrgico que ha contado con la colaboración de un grupo de adolescentes de dos institutos: Moisès Broggi y Barri Besòs. Los jóvenes han participado como asesores artísticos, aportando la mirada de su generación. El resultado se podrá ver en la Sala Beckett del 30 de noviembre al 3 de diciembre.

  • Projecte 92. LasHuecas. El montaje gira entorno a las olimpiadas de Barcelona 92. Han trabajado a partir de la  rememoración y buscando complicidades con experiencias propias, la ficción y el documento. El espectáculo es el resumen del desencanto y del dolor de una década que, no sin cierta perversión, pretendía ser la más feliz posible. El 1 y el 2 de diciembre, el resultado a Can Felipa.

-araoke

Lo cantan los ciegos

Pocahontas o la historia de una traviesa

Mujeres que corren con los lobos



de MANEL BONANY
dirección MANEL DUESO
intérprete MÍRIAM MARCET
duración 65min
fotografías GENIA BADANO
producción IRISPLOT
SALA ATRIUM

He de admitir que no afronto 'virgen' al tema, y eso, a veces puede ser un problema. Una de las obras que va dejar su poso en este tema, y que quizás a muchos les va abrir los ojos ante esta problemática social, fue Limbo. La pell escrita, a pesar de tratar el mismo tema, no tiene nada que ver.

No hay duda que el texto busca atraer la atención del espectador desde la primera línea, "Si soy o no soy una mujer. Para eso han venido. Estúpidos". Toda una declaración de intenciones que pone al espectador en alerta, no es un montaje que le será fácil de digerir y eso ya nos gusta.



Una mujer transgénero, confinada entre el hombre y la mujer y entre la vida y la muerte comparte las sensaciones de su vida, el trato con el resto de la humanidad y radiografía los problemas que aún hoy en pleno siglo XXI se encuentran los transgénero en los países supuestamente desarrollados.

La dirección de Manel Dueso ha optado por enfatizar la palabra, llevando su poética hasta su máxima expresión. No hay ni una sola palabra que esté dicha al azar. Dueso ha sabido remarcar a la perfección las palabras con los gestos precisos y una puesta en escena que da que pensar.



La primera sorpresa del espectador se la encuentra nada más entrar en la sala, en una pensada oscuridad, que se irá aclarando con el paso de los minutos. Sentarse en primera fila es un primer acto de valentía, que se verá recompensado por disfrutar a escasos palmos de una mirada más que esperanzadora que recibes del personaje.

A pesar de que nos encontramos delante de un personaje muerto, nunca una muerta estuvo tan viva. Los ojos vidriosos que Míriam Marcet aporta al personaje nos trasmiten sufrimiento, pero también nos desvelan que detrás de la careta hubo momentos de felicidad y que ahora no sólo está pagando deudas del pasado si no se está riendo de los pobres mortales que nos quedamos en la faz de la Tierra.



Hay momentos sobrecogedores, de esos que tienes el  corazón en un puño, algunos de ellos bajo un himno que ha acompañado a generaciones, a toda la humanidad, Heroes de David Bowie o el relato que hace de los hombres que han pasado por su vida. En esos momentos la normalidad es total, dejamos de ver a un ser con género a ver simplemente a una persona.

La pell escrita es un texto escrito hace 17 años por Manel Bonany que intenta huir de los tópicos que normalmente acompañan a este colectivo y en buena medida lo consigue, sólo hay pequeñas pinceladas de alguno de ellos, como puede ser el descubrimiento que la protagonista tuvo con respecto a su género. En algún momento alude a que le gustaba vestirse con la ropa de su madre. Aunque se queda en un mero detalle me hubiera gustado escuchar otra cosa.



La puesta en escena representa una sala de autopsias llena de cajas donde los humanos tendemos a meternos, una etiqueta, al menos, para cada persona, las impuestas y las auto impuestas. En este caso la muerte puede que suponga una liberación de un cuerpo que para much@s no deja de ser nunca extraño, que nunca consiguen hacerlo propio y habitable. 

Lo que parece que sí que tenemos claro es que esta noche la autopsia nos la han hecho a los espectadores, eso sí, no ha hecho falta bisturí, nos han abierto el alma poética a bocajarro.

LA PELL ESCRITA

by on 18:52
de MANEL BONANY dirección MANEL DUESO intérprete MÍRIAM MARCET duración 65min fotografías GENIA BADANO producción IRISPLOT S...


de MARGUERITE DURAS
traducción ALBERT TOLA
dramatúrgia y dirección ANDREA SEGURA
intérpretes ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, ANNA CASAS y TXABI GRASS
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción CIA A3, NÓMADE PROYECTES CULTURALS y TEATRE AKADÈMIA
TEATRE AKADÈMIA

Dos mujeres y un soldado se encuentran en medio del desierto, en medio de un continente desolado, en medio de la nada que deja un mundo apocalíptico que nos presenta Marguerite Duras. La guerra ha acabado con los pocos vestigios de civilización que quedaban y el estado de sus cuerpos y de sus mentes es lamentable. 

Su mayor lacra es la falta de memoria. Es ésta la que les obliga a hablar de una manera tan fragmentada. Lejos de ser teatro del absurdo como algunos lo han calificado, aunque sí que es verdad que hay pinceladas de Beckett y de sus Días felices, está distopía es de todo menos absurda. 

Una comedia donde el lenguaje es la clave para entenderla. Yes, potser es una texto de aquellos que enamoran. Imposible no quedar prendada de su poética, y a pesar de su fragmentación en frases cortas, es esa cualidad la que le convierte en una joya, llena de pequeños detalles exquisitos.




Ese gusto por cuidar la palabra y la manera cómo ésta se dice, hace que la magnífica dirección y dramaturgia de Andrea Segura haya incidido en este capítulo. Tal y como comentan sus protagonistas es un texto difícil de aprender porque todo tienen que estar muy medido y salir con el ritmo justo para que no sea un simple bombardeo de ideas una detrás de otra.

La puesta en escena es simple, un manto de sal para recrear la arena de este desamparado desierto que todo lo inunda. Pero sin duda lo que más sorprende pueden ser las máscaras con las que aparecen los protagonistas. Ese simple hecho de no estar delante de un realidad completa, al menos de momento. Si los personajes están incómodos en su "ambiente", el público también lo está en su asiento. Un luz blanca constante no les permitirá apartar los ojos de la escena. Una metáfora de que lo que estamos presenciando se encuentra próximo al fin de mundo o incluso a un infierno no religioso.




Un texto como Yes, Potser necesita además de unos actores que se entreguen a él sin miramientos. La dificultad de la pieza es extrema, y a parte del texto, es necesario controlar las emociones para que el resultado que el espectador reciba sea amable y rudo a la vez, con un amplio abanico emocional que abarca desde momentos más tiernos e inocentes a otros donde la crudeza de la guerra hace acto de presencia y elimina cualquier sentimiento de bondad.

El montaje da un protagonismo mayor a las mujeres que al soldado. Alicia González Laá y Anna Casas están soberbias. Impresiona el trabajo vocal, físico que realizan. La inocencia que se ve reflejada en sus caras es sobresaliente. Sorprende las diferentes maneras de repetir una misma frase, como puede ser la simple respuesta "yes, potser" sin llegar a resultar repetitiva. Los matices, una vez más, son el mejor aliado no sólo del texto, sino de unas interpretaciones de las que no cambiaría ni una coma.




Renglón aparte necesita el descomunal trabajo de Txabi Grass, actor (para mí) desconocido hasta el momento, y para el que los adjetivos se me quedan cortos. El soldado es, quizás, el personaje por el que la guerra ha pasado con más fuerza. Sin apenas hablar, algunos balbuceos sin sentido y sobre todo dos momentos estelares, de los más irónicos de la pieza, Txabi Grass ha construido el personaje a través del movimiento físico/corporal. 

Impactante, bestial, magistral... la manera de comunicarse sin palabras. Como con una simple mirada, lo dice todo. Su fisicalidad, su respiración, el conjunto del trabajo físico destroza al espectador. La manera de tocar la fibra es espeluznante. Me quedo sin palabras delante de tanta maravilla. 

Yes, Potser es una sorpresa mayúscula. La Companyia A3 ha conseguido, aunque parezca poco posible, mejorar uno de los mejores textos que he leído en los últimos años, con una puesta en escena cum laude. Una de aquellas obras que te pasa por dentro y se queda. Es imposible quedarse indiferente a su mirada. Una joya escénica de las que pocas oportunidades tenemos de disfrutar. BRAVO!



YES, POTSER

by on 18:41
de MARGUERITE DURAS traducción ALBERT TOLA dramatúrgia y dirección ANDREA SEGURA intérpretes ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, ANNA CASAS y ...


de 1927
dirección y texto SUZANNE ANDRADE
dramaturgia BEN FRANCOMBE
film, animación y diseño PAUL BARRITT
intérpretes GENEVIENE DUNNE, NATHAN GREGORY, PHILIPPA HAMBLY, ROWENA LENNON y FELICITY SPARKS
música LILIAN HENLEY
duración 1h30min
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA 2017)

Siendo una lover del teatro británico no podía perderme Golem, toda una síntesis de animación artesanal, música en vivo y teatro que nos introduce en una distopía satírica sobre si controlamos o no las nuevas tecnologías.

Si bien está claro que el montaje deja entrever sus cartas pronto y, a finales del 2017, no nos asombra el discurso que propone basado en la novedad fácil y pasajera que introducen las nuevas tecnologías que sabemos que dura un suspiro, y pese a todo nos atrapan hasta el punto de no saber prescindir de ellas.



1927 es una de las compañías británicas más innovadoras y Golem es una muestra de ella. El uso de la imagen es espectacular y la composición entre imagen, música, texto, voz nos recuerda, y es todo un homenaje, al mundo del cómic y del audiovisual de los años 80.

A nivel interpretativo, es sabido que los actores ingleses forman parte de otro universo. Multidisciplinariedad por vena, cantan, bailan, actúan  son mimos, clowns... todo un despliegue de maestría teatral en noventa minutos. 



El punto satírico, tan presente durante todo el montaje, toca su punto álgido en el momento de las parejas, y a pesar de algunos momentos repetitivos, sale vencedor. De la misma manera que ciertos guiños al espectador medio, que muchas veces se debate entre la diatriba entre lo mainstream (U2) y lo underground (el punk).

Golem es un montaje para espectadores con un punto entre medio y alto de frikismo. Aquellos que nos les importe verle las costuras al montaje, que aquí al fin y al cabo no es ni relevante, y simplemente buscan que un espectáculo le entre por los ojos. Si detrás de tanta luminaria escénica además hay un mensaje pues ya te das con un canto en los dientes y te 'partes' las manos aplaudiendo. ¡Qué menos!


GOLEM

by on 18:51
de 1927 dirección y texto SUZANNE ANDRADE dramaturgia BEN FRANCOMBE film, animación y diseño PAUL BARRITT intérpretes GENEVIENE...