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18/9/16

BARCELONA (CONTRA LA PARED)




AUTORIA y DIRECCIÓN: LALI ÁLVAREZ GARRIGA
INTÉRPRETES: CLARA GARCÉS, DAVID TEIXIDÓ y SONIA ESPINOSA
DURACIÓN: 90min
PRODUCCIÓN: CIA. LAPÙBLICA
LLUÏSOS DE GRÀCIA

Después de no poder verla ni al Grec ni a FiraTàrrega, por fin hemos cruzado caminos, tanto con la obra como con los Lluïsos de Gràcia. El teatro siempre es necesario, pero en este caso si cabe aún más. Una bofetada para todos aquellos que vivimos en Barcelona, una Barcelona que apenas vemos, y aunque quizás no tengamos la visión de postal idílica que tienen la ingente cantidad de turistes que nos visitan año tras año, tampoco vemos aquello que muchos trabajan para ocultar.

Nos han invitado a una fiesta, donde tres personajes, con tres personajes nos sacaran la máscara de la cara y nos mostraran esa Barcelona oculta. Vigilad, la hostia está a punto de azotar vuestra cara sin pedir permiso. Sin sentarse, teatro donde el público es el cuarto personaje, bebiendo cerveza-beer de esa que los lateros nos ofrecen sin parar a ciertos horas de la noche y sin preámbulos las balas son disparadas por las bocas de los protagonistas.

Tierra de acogida, cuna de culturas diversas, símbolo de libertad y progreso, la Barcelona que nos venden envuelta en papel de regaló, dista mucho de la que te encuentras cuando abres el paquete. La Barcelona que no respeta los Derechos Humanos, llena de contrastes sociales, la Barcelona del abuso de poder...

La propuesta escénica está bien lograda, consigue que el espectador tenga que mantener la atención al sinfín de dardos que son lanzados. Quizás haya dos lecturas principales de la obra en función de lo convencido o no sobre los datos que te están contando. Me hubiera gustado ver a esa parte de la burgesía catalana que cierra los ojos a lo que le pasa a la otra parte de la ciudad. Ver este montaje con una persona del polo opuesto tiene que ser un experimento de lo más interesante. Lástima que para muchos la cultura no vaya más allá de ciertos espacios magmánimos. 

De las tres historias hay una que se ha quedado a la espera de una segunda parte, quizás la menos desarrollada de las tres, la que interpreta la Clara Garcés, los momentos más brillantes del montaje se los lleva su personaje, que dentro de la intimidad de su celda, consigue emocionar y ponernos los pelos de punta en más de una ocasión.

De la intimidad del inicio al estallido final, donde el homenaje a Barcelona es otra trampa más, porque la bofetada es de tal magnitud que si a la salida te queda un mínimo conato de seguir la fiesta, no te servirá con un simple cerveza-beer.

L'ÚLTIMA NIT DEL MÓN



TEXTO y DIRECCIÓN: LLÀTZER GARCIA
INTÉRPRETES: EDU BUCH, MARIA CASELLAS, XAVI SÁEZ, XAVI GARDÉS y VANESSA SEGURA
DURACIÓN: 85min
FOTO: ROSER BLANCH
PRODUCCIÓN: FLYHARD PRODUCCIONS S.L.
SALA FLYHARD

Recupero una de las obras que me quedaron pedientes en julio, donde el Festival Grec lo engulle todo. L'última nit del món es una tragicomedia de jóvenes de la treintena y sus problemas. Básicamente llena de miedos: a crecer, a madurar, a las responsabilidades, al dolor y a morir sin haber realitzado todo aquello que nos insisten una vez y otra que tenemos que lograr. 

Durante toda la obra subyace una verdad incontestable, vemos demasiadas series de televisión. Los mundos paralelos de la ciencia ficción han hecho mucho daño. Si la temporada pasada, en la misma sala, Carol López ya nos hacía un repaso de los últimos años, Llàtzer Garcia no ha querido ser menos. Y este mundo de ficción hay momentos que juega a favor del montaje, pero cuando entras en la dinámica de no saber si lo que te están contado es realidad o ficción, dentro de una ficción más grande, los polos chocan y se produce una no deseada desconexión.

Por otra parte no se ha sabido acertar con la puesta en escena, el salón no nos hace viajar por todos los lugares reales y fictícios del texto. El montaje se queda un poco cojo, y aunque el espacio de la FlyHard es limitado, no es la primera vez que las carencias de espacio son resueltas con mucha más imaginación.

Es una de las pocas veces, no recuerdo la anterior, que veo a Vanessa Segura en un papel más dramático de lo que nos tiene acostumbrados. Algo que se agradece, descubrir que no sólo de risas se vive. Aunque el papel "bombón" de la pieza, y la que aporta más luz, a un gris que no sólo tiñe vasos y copsa, es Maria Casellas, quizás la que más se ha metido en el personaje, ella es la mejor lleva la voz cantante.

L'última nit del món no es una obra brillante, sirve para esas noches en las que más que darle al play en tu salón, te apetece algo más vivo y en directo. 

FIRA TÀRREGA. DOMINGO 11 DE SEPTIEMBRE DE 2016


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)



MISA FRONTERIZA. Teatro. Director: Alberto Ontiveros. México. 70min.

Fue uno de los espectáculos de los que más escuché hablar durante toda la Fira, no siempre para bien. Despertar opinió es contradictorias es muy interesante, hace que se rebajen las expectativas y luego te hace ver la obra con otros ojos. Ni el calor bochornoso y agobiante que sufrimos todos los que asistimos a esta peculiar misa fronteriza, hizo que pudieramos despegar los sentidos de lo que estaba sucediendo. Es igual el grado de catolicismo de cada uno, o que sea nulo, como el mío, la comunión de almas reunidas para escuchar que las fronteres desunen más que unen se forjó el domingo por la mañana. 

Es complicado por otra parte equiparar fronteras, y si hay una cosa que echarle en cara a la dramaturgia es esa equiparació molesta de fronteras sin ton ni son. Israel-Palestina, Gran Bretaña- Escocia, México- EEUU o incluso venturarse, ya que era 11 de septiembre, Catalunya-Espanya. Salvaje, excesivamente salvaje. 

Pero dejando a un lado la temática, la puesta en escena convenció a los más agnósticos. Entre el drama de las fronteras, siempre alegra poner una pareja de mariachis, aunque la música no fuera lo suyo, y las notas iban y venían con una melodía que parecía difícil de acertar para sus dedos. Al final entre el Baule y el tequila, hasta las fronteras se difuminaron.



INTARSI. Circ. Director: Companyia de Circ "eia". Catalunya. 60min.

Me dejé la aquesta segura para el final, para despedirme de Tàrrega con buen sabor de boca, y lo conseguí. Intarsi me devolvió mis ojos inocentes, de un mundo de fantasía donde todo es posible. Sus múltiples figuras, la manera de moverse, de construir elementos que hacen que tanto grandes como pequeños se asombren. Con un ritmo que no da pie a ningú a cabezada, consiguen atrapar al público que después de una hora seguiría aplaudiendo. Con muy poco se puede conseguir mucho, una estructura que se desmenuza en partes y que per mite dibujar una y otra vez las más variopintas acrobacias de estos saltimbanquis, que se llevaron al público de calle y abarrotaron la sala.


Y punto y final a una de las Fira Tàrrega más descafeinadas. Pocos nombres que destaquen y sin un claro vencedor. Pero no siempre se acierta.

Fins al 2017, Fira Tàrrega!

10/9/16

FIRA TÀRREGA. SÁBADO 10 DE SEPTIEMBRE DE 2016


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)



SILENCIS. Dansa- Teatre. Creació: Claire Ducreux. Catalunya. 30min

Después de enamorarme de La Refugiada poética que la temporada pasada se pudo ver en La Seca Espai Brossa, la apuesta de Claire Ducreux era jugar sobre seguro. Asumiendo que con un simple gesto Claire Ducreux te puede robar el corazón, Silencis vuelve a estar impregnado de esa ternura, fragilidad e inocencia tan propio de sus espectáculos. 

La integración con el público dentro del espectáculo es maravillosa. Nadie se siente ofendido o cohibido porque la atmósfera que se crea es mágica. Una increíble y preciosa comunión con el espectador que desde el primer minuto provoca que no quieras salir de ella nunca.

Danza y mimo conviven a la perfección en esta pieza corta. Un arbol en invierno, al que ya no le quedan hojas es el punto de partido para danzar por sus ramas, de que la vida resurja en medio de un paisaje muerto.

Ya dicen que si Chaplin viviera trabajaría con ella. Sólo de pensarlo se me ponen los pelos de punta. He empezado mi segundo día en Tàrrega entre los algodones delicados y puros de un alma singular que grandes y pequeños deberían conocer y disfrutar. Bravo, Claire!



A MI NO ME ESCRIBIÓ TENNESSEE WILLIAMS. Danza-Teatro. Director: Marc Rosich. Cia. Roberto Alonso. Catalunya. 60min.

Cuando haces dos montajes que se estrenan en menos de dos meses, puede pasar que uno sea más o menos óptimo y el otro una maravilla. Este es el caso de Roberto G. Alonso. Su montaje del Grec 2016 no había por donde cogerlo, pero el de la Fira Tàrrega es lo mejor de lo que llevo de fira. Para empezar aunque estemos citados en el Polideportivo, acabamos de excursión debajo de un puente, donde el alter ego de Blanche Dubois nos recibe. Nos separa de ella un riachuelo, pero la visión de la vida que estamos a punto de contemplar es tan triste que sólo nos hubiera faltado un salto para correr a abrazarla.

Con el humor y la ironía por bandera, nos relata cómo ha acabado debajo un puente. Ella y sus vestidos que nos va mostrando sin descanso. Su objetos más valiosos que han conseguido sobrevivir a los libros porque el invierno ha sido muy duro y la tinta calienta mucho. De hecho en el texto se explica con una frase brillante: "Nada arde mejor que la ficción y la fantasía." 
A medio camino entre el monólogo y la performance, observamos atónitos como hay algo más que capas de ropa. No es lástima lo que sentimos, sino una mezcla de ternura y comprensión.

Se nota, y mucho, el toque Marc Rosich en la dirección y en la dramaturgia. Todo un acierto que aporta una comicidad y frescura al montaje indiscutibles. La selección musical que abarca desde Mari Trini (Yo no soy esa), pasando por Burning (Que hace una chica como tu en un sitio como este) a piezas de música clásica es brillante y más cuando es la misma protagonista quien las interpreta.

"¿Quién dice que lo mío no es teatro político? No nos atreveremos a decirle que si la política fuera humanidad, ella tendría toda la "polis". Pero yo me quedo con su mirada triste, de muñeca rota, a la que la vida no se la han escrito como ella desearía. 


EL FILL QUE VULL TINDRE. Teatro. Director: Àlex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz i Pau Pons. País Valencià. 70min.

Admitámoslo el teatro comunitario está de moda. Debe hacer sentirse muy bien compartir tu arte con gente de la calle, incorporarlos a tu proyecto para hacer que crezca, pero el problema surge cuando están de más y no ayudan al desarrollo del proyecto como es el caso. 

El Pont Flotant era uno de los pesos pesados de la cartellera de Fira Tàrrega que se desinfló en menos de medida hora. Cuando coordinas un proyecto como El Fill que vull tindre hay muchas teclas que apretar y medir con cuidado los tempos es una de ellas. En este caso se les ha ido de las manos, incluso la escena de la plastilina, donde el peso de la acción está manos de actores se alarga sin sentido y pierde toda la esencia que podía haber tenido en su justa medida.

Independientemente de si el tema te interesa o no, el espectáculo parece estar a medio producir. Cierto es que un montaje así no se puede desarrollar sólo en tres días, como ha sido el caso. Pero para presentarlo a medias, mejor quedarse en casa.

9/9/16

FIRA TÀRREGA. VIERNES 9 DE SEPTIEMBRE DE 2016


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)


ALL GENIOUS, ALL IDIOT. Circ. Director: Svalbard in collaboration with Peter Jatsko. 70 min.

Después de unos veiente primeros minutos del todo prescindibles, la mágica aparición del miembro de la conmpañía más esbelto, confiere al espectáculo un equilibrio de forma y técnicas más limpio, de mayor complejidad y de una belleza superlativa. Choca que el dominio de las técnicas circenses no se translade también al contenido, a una forma que en muchas ocasiones resulta grotesca y que nos recuerda una y otra vez a otra época, más concretamente experimenté un viaje a los 80, donde las técnicas de impacto eran otras y la radicalidad era mucho más diferente. Ni la pose, ni el intento infructuoso por romper los esquemas ayuda a que el espectáculo retome un vuelo que hacia el final de la pieza se vuelve monótono y superfluo.




LA COCINA PÚBLICA. Teatro de calle. Director: Nicolás Eyzaguirre Bravo. 135 min

Buscaba un espectáculo diferente al aceptar ver esta propuesta de teatro de calle chileno. Y el resultado es que la comida muy bien, pero el espectáculo no lo he sabido interpretar. En un afán por tirarles una cable me atrevería a decir que no saben explicar al público su espectáculo, que le falta una introducción de lo que pretenden con él. Más allá de la comida, de hablar con el de al lado y el del frente, se necesitaría una participación más activa de un público que no entiende de que va la cosa. O somos muy tímidos o no nos lo explicaron bien. Música en directo, un recitador del Quijote y algunas recetas compartidas. Dos horas de comida y sobremesa, que depende de quien te toque al lado puede ser interesante o una auténtico coñazo. He de decir que tuve suerte. ;)




FULGOR. Site Specific. Director: Luis Guenel Soto. Chile. 75min.

De immigrantes y extranjeros todos los países conocen, quien más o quien menos se ha movido del lugar donde ha nacido para buscarse la vida, unos cruzando fronteras y otros no. Advertidos quedamos a la entrada que en Chile no hay immigrantes sino extranjeros. Primera parada una exposición con toda la documentación que se ha usado para realizar el montaje. Interesante pasearse entre recortes de periódico y revistas, material gráfico, videoproyecciones y papeles variados. Una vez documentados, entramos a la sala donde nos esperan en un cuadro los personajes, una vez retirado el marco, las diferentes fotografías se van sucediendo. Historias de todos los tipos y temáticas: cómo vestirse para una entrevista de trabajo en Chile (explicada por un hindú), los diferentes trabajos a los que pueden optar los extranjeros (básicamente resumidos en "mulos de carga"), las maneras de llegar al país (poco legales todas), la prostitución a las que se ven sometidas muchas de las extranjeras que llegan...

Más allá de la foto estática, que puede resultar más o menos similar en otros países y de que algunos momentos, escasos, el espectáculo aporte algo de luz, no dejan de ser meras fotos estáticas, superpuestas, pero sin un aparente sentido. Ese resplandor que el propio título indica no aparece, no hay una dramaturgia que lo englobe todo, le falta darle un sentido al conjunto. A estas fotos no se les ha disparado el flash y se han quedado un poco demasiado oscuras.



CAFE EUROPA. Multidisciplinar. Director: Marco Paciotti. 60min.

Abandono la sala y vuelvo a la calle para presenciar este cabaret circense grotesco. Nos advierten que no veremos el espectáculo completo porque no pueden desplegar las pantallas del fondo. Y aunque había algo de viento no sé cuál es el motivo. Sin pantallas comienza Cafe Europa, un espectáculo irregular, con un inicio puede llegar a cansar a más de uno, los veinte primeros minutos de introducción son más que prescindibles, pero una vez superada esa fase, la parte de circo y fuegos artificiales cobra más protagonismo y resulta un buen ejercicio a nivel visual. La voz en off escupe textos que por la potencia de los altavoces no alcanzo a distinguir del todo, una forastera llega a un pueblo y la gente la recibe con recelo, la hipocresía y las miradas de desprecio hacia el otro son la base de este espectáculo. Se establece un acoso y derribo hacia el personaje nuevo, al que optan desde el primer momento por no entender y por imponer su santa voluntad, acusándola de las más altas depravaciones.

Cafe Europa funciona como propuesta visual, la unión de música, efectos sonoros y lumínicos, el teatro gestual y de circo resulta bastante impactante. La parte textual si no sabes con anterioridad de qué va, es ininteligible y sólo ayuda a potenciar lo grotesco de los personajes.



MANIFESTA. Circ Polític. Director: Ricard Soler i Mallol. Cia Obskené. Catalunya. 60 min.

Que un mal día lo tiene cualquiera es asumible, pero Manifesta debe ser la suma de muchos malos días. Obskené la compañía que va entusiasmar con Fuenteovejuna ha pasado de la adaptación de textos clásicos al circo. Un espectáculo que fusiona efectos visuales, sonoros, circo y texto y que no funciona. Unos treinta primeros minutos de repeticiones, con un texto que busca la parte poética pero que resulta monótono y por momentos ininteligible. Como en cualquier otro espectáculo las cosas deberían tener un porqué, todavía no entiendo porqué hace falta una tirolina, porqué se utiliza el circo como elemento accesorio (y totalmente prescindible) de una serie de monólogos, proclamas políticas y no se le da un contenido, una razón de ser.

Dicen que los últimos minutos son de subidón, subidón, no aguanté la verborrea del principio y acabé sucumbiendo en "pies para que os quiero". El final de fiesta no fue el esperado y los ojos decidieron cerrarse antes de lo previsto.

4/9/16

QUAN ACABI LA NIT


IDEA ORIGINAL: COL·LECTIU LA SANTA
DRAMATURGIA: LAURA MIHON
DIRECCIÓN: ÀUREA MÁRQUEZ
INTÉRPRETES: ADRIÀ OLAY, ARÁNTZAZU RUIZ y JORDI SANOSA
DURACIÓN: 90min
FOTOGRAFIA: CRISTOBAL ARJONA, DANIEL RUIZ
PRODUCCIÓN: TOT PRODUCCIONS, COL·LECTIU LA SANTA y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Primera crítica de la temporada 16-17, aunque no primera obra vista, la semana pasada vi Cada recuerdo tiene su canción en la misma sala, pero el resultado fue completamente diferente.

A lo que vamos, primera dirección de una actriz consagrada, Àurea Márquez, con una compañía a la que llevo tiempo queriéndome acercar pero que no se había presentado la oportunidad. Vuelta de vacaciones y zasca una obra sobre ¿a dónde vamos? ¿de dónde venimos? ¿somos felices haciendo lo que hacemos? ¿dónde queríamos estar? ¿Casualidad? Quizás pero si no es obra del azar deben ser los años que tenemos y que agosto da para pensar mucho.

Tres historias separadas pero cuyo nexo en común es el mismo. Una chica espera en el aeropuerto a coger el vuelo que le cambiará la vida, un hombre recorre la Antártida en soledad, tres jóvenes comparten ideas y sueños en un after y son incapaces de dar por acabada la noche. Con una dramatúrgia que juega muy bien entre la comedia y una tragedia que aunque se la ve venir parece que alguien haya puesto en standby, Quan acabi la nit combina unos elementos que hacen que tenga algo diferente.

La dirección de Àurea Márquez ha optado por no fundir a negro los cambios de escenas, por mantener al espectador siempre dentro de la acción, lo que es un gran acierto. Las interpretaciones, aunque a primera vista puedan parecer fácil, son un compendio de cambios rápidos a lo que los tres intérpretes se ven sometidos en un abrir y cerrar de ojos. Es de agradecer ver que la falta de recursos es corregida por una profesionalidad asombrosa que permite al espectador ver en cada personaje las diferencias con el anterior. El mismo cuerpo pero diferente contenido.

La puesta en escena de Nuria Molinos es minimalista pero efectiva, la unión con una acertadísima iluminación de Natalia Ramos y Lluís Serra y un magnífico diseño sonoro de Joan Solé, que realmente te trasladan a la Antártida e inmediatamente después estás dándolo todo en el after es uno de los puntos fuertes del montaje.

Si este agosto has estado reflexionando qué hacer con tu vida o todavía no lo tienes claro, haz una apuesta por ver Quan acabi la nit. A la salida, las preguntas te esperarán o quizás encuentres la respuesta. Buena idea para la reentrée.

2/8/16

BALANCE DE LA TEMPORADA 15-16



Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Sí, vuelve ser agosto y muchos cambiamos las plateas por las playa para hacer borrón y cuenta nueva de cara a septiembre, a finales de agosto para los que no se puedan esperar y necesiten comenzar con esta "droga" legal llamada teatro. Pero antes de ir a buscar las olas hagamos memoria de lo que ha dado de sí esta temporada en la que la recuperación de las plateas se ha notado, más para unos que para otros, y el que siempre sale ganando, el señor Montoro y compañía, porque, y aunque no sea 21 de mes todavía, ahí sigue día a día, machando la cultura.

La temporada 15-16 ha sido sensacional en números para el Teatre Lliure y para el Teatre Nacional de Catalunya, que ha dado un salto de público importantísimo. Ambas dos han presentado unas temporadas 16-17 que a los teatreros se nos hace la boca agua. En lo referente a las obras ha habido de todo como en botica. Ya se nos han olvidado las decepciones, soy de olvido fácil.

Empezamos la temporada con una joyita, André y Dorine (Teatro Poliorama) nos robó el corazón con una historia emotiva, que al más duro le hizo llorar y una de las pocas veces que la máscara no era importante porque la humanidad que destilaban los muñecos la hacía desaparecer desde el minuto uno. FiraTàrrega nos regaló un montaje que ha estado en boca de todos durante toda la temporada, Las Gallinas, como popularmente de le conoce a Most of all, you've got to hide it from the chicks, Carla Rovira nos convirtió en niños y nos quitó el miedo a hablar de cualquier cosa, aunque sólo fuera durante lo que duró el espectáculo.

Es la temporada de los monólogos protagonizados por mujeres, y aunque hay uno que ha sobresalido por encima del resto, no nos olvidemos de la tremenda interpretación de Anna Alarcón que va devolver a la vida de manera magistral a Sarah Kane en Psicosi 4.48 y Míriam Iscla hizo lo propio con Anna Politkóvskaia en su Dona no reeducable. Bravo a las dos!

Personalmente, ha sido la temporada de la reconciliación con la dramaturgia de Jordi Casanovas, después de algunos montajes con los que no había acabo de conectar, Vilafranca (Teatre Lliure) me devolvió a sus primeras dramaturgias tras su boom. Más tarde, en el Grec, Port Arthur consiguió mantener una tensión similar a la que viví en los primeros montajes de la Sala FlyHard.

Los buenos números de TNC empezaron a notarse con el sold out de Molt Soroll per no res, que en la próxima temporada regresa con un reparto renovado y que consiguió ganarse a adultos y jóvenes. Nunca Shakespeare había sido tan divertido ni había sonado tan bien. Una que yo sé ya tiene fecha y hora para repetir.

Al novembre un nombre acaparó todos los titulares habidos y por haber, Clara Segura, sin duda la actriz del año, conseguia dejarnos ojipláticos con su magnífica interpretación de una madre 24/7 y su Conillet (Teatre Lliure- Romea) que aún hoy sigue teniendo pilas. Y no había acabado el mes y nos llegó una maravilla, Top Girls (Teatre Akademia), magníficamente dirigido e interpretado por la compañía Projecto Ingenu, sin duda la compañía teatral del año. Top Girls, Hamlet (Sala Atrium) y Romeu i Julieta (La Seca Espai Brossa) dan buena muestra de ello.

Mención especial lo que consiguió Àlex Rigola en la Sala Gran del TNC con El Público, una de las obras más difíciles de representar de Federico García Lorca y como si fuera magia, consiguió trasladarnos al universo de Lorca con un magnífico montaje del que sólo pudimos disfrutar poco más de diez días.

Y no hay que olvidarse tampoco de Xavier Bobés y su mini espectáculo lleno de magia, Cosas que se olvidan fácilmente, donde sólo 5 afortunados espectadores por función se dejan llevar por un sinfín de sorpresas. Esta temporada, la magia continua, no te olvides!

Temporada de clásicos como viene siendo habitual, destacar uno, Fuenteovejuna de la companyia Obskené en una Seca completamente desconocida y con una adaptación que se olvida del aburrimiento de este tipo de obras y sumerge al espectador en una fiesta para los sentidos.

Otro de los nombres propios que suena y resuena es Oriol Pla, su Ragazzo (Teatre Eòlia) que la temporada que viene se podrá volver a ver al Lliure fue uno de los éxitos del boca-oreja. Y por si teníamos poco, nos regaló un espectáculo indescriptible lleno de música, clown, teatro físico, Be god is donde queda claro que es uno de los nombres imprescindibles de la nueva hornada de actores.

Y la Sala Beckett abandonó Gràcia... Y al septiembre será una de las programaciones, que falta por descubrir, que con más ganas se esperan. La Beckett, Temporada Alta, el Festival TNT... Y en poco más de un mes el maratón teatral de la temporada comienza irremediablemente en FiraTàrrega. Agendas listas y maletas preparadas, que esto no ha hecho más que empezar. Feliz agosto!

31/7/16

BRINCADERIA + BRODAS BROS (BRINCABROS)



AUTORES: BRODAS BROS y BRINCADERIA
DIRECCIÓN ARTÍSTICA: LLUC FRUITÓS
DANZA y COREOGRAFIA: BERTA PONS, CLARA PONS, POL FRUITÓS, LLUC FRUITÓS y MARC CARRIZO
DIRECCIÓN y COMPOSICIÓ MUSICAL: EDISON AGUILAR
INTERPRETACIÓN MUSICAL: EDISON AGUILAR, FERRAN SAMPLER, CARLA FERNÁNDEZ y RUDA ANSWER
DURACIÓN: 65min
PRODUCCION: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA, BRINCADERIA y BRODAS BROS
TEATRE GREC (GREC 2016)

Ya está. Ya lo puedo decir, ya he visto a Brodas Bros. Y me lo he pasado pipa. Que buen rollo desprenden. Demasiado corto de duración para mi gusto, aunque con el calor que se respiraba en el anfiteatro, sinceramente, un par de saltos más y se funden.

Más trabajo de percusión que danza urbana o hip-hop, Brodas Bros se salen de sus esquemas y su colaboración con Brincaderia les hacen salir de su zona de confort. Con una puesta en escena más que solvente, aunque con algunos fallos porque la immensidad del anfiteatro no recibe de la misma manera el espectáculo. Desde la fila 11, el potente foco central me impidió disfrutar de la totalidad de momentos, por ejemplo el de la telaraña no fui capaz de presenciarlo, la luz me cegaba. Quizás pensado para destacar en salas cerradas y más pequeñas.

Pese a ello, el show coge vuelo con las primeras rasgadas de guitarra. Los momentos más íntimos sin la aparición de la percusión, tambores y guitarra, se quedan un poco cojos en un espacio de grandes dimensiones como el Teatre Grec. El más impactante de todos es el número final donde todos entra en juego e incluso la montaña se vuelve protagonista con un juego de luces maravilloso. 

En pleno éxtasis y con el público entregado, nos merecemos un bis a la altura de los últimos instantes del show propiamente dicho y nos lo proporcionan, magnífico fin de fiesta del espectáculo y del Festival Grec 2016. ¿Qué más se puede pedir?

GUADUAL



DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: LEANDRO MENDOZA
INTERPRETACIÓN: PRISCILA AGUILERA, JODY BURGOS, LUIS MIGUEL CAJIAO, JOSÉ CUENCA, MARCEL FERRER, ALEXANDER GÓMEZ, JORGE LUIS HIDALGO, BYRON ANTONIO MALQUIN, MARGARITA MAWYIN, MARIO SÁNCHEZ ARAYA y CHRISTIAN SARUE PADILLA
COMPOSICIÓN MUSICAL: CHÍA PATIÑO, MARCEL FERRER y JORDY BURGOS
DURACIÓN: 75min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA y TEATRO SÁNCHEZ AGUILAR (ECUADOR)
MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2016)

En comparación con otras ediciones, el Grec2016, se ha visto poco circo, toda una lástima si tenemos en cuenta la escasez que en temporada regular podemos degustar fuera de otras ferias escénicas. Así que es mejor aprovechar la mínima oportunidad. 

Con un inicio donde la escenografía se come los números iniciales por su magmanidad, el espectáculo comienza a coger ritmo y los números ganan en espectacularidad. Una compañía de circo se pierde en un bosque de Ecuador y juntamente con los habitantes de la zona les toca aprender a convivir y se enseñan los unos a los otros sus técnicas de entretenimiento. Un viaje por las tradiciones ecuatorianas, donde la imaginación, el humor y la música reinan.

El bambú es la pieza clave del espectáculo. Impresiona porque la mayor parte de los elementos están fábricados con esta madera y cómo es capaz de resistir el peso de todas las piruetas. Uno de los momentos más estelares del montaje es el que se desarrolla en la especie de barco-jaula donde los intérpretes se convierten en una especie de tarzanes. Otro de los momentos más álgidos es el juego con las bolas blancas, mágico, quizás no tan espectacular como cualquier pirueta pero que desprende una sensibilidad infinita.

Guadual es un espectáculo que nos demuestra que no todo en el circo es perfecto, algunos de sus números fallan, no sé si intencionadamente para hacernos ver que nadie es infalible o por la falta de unos meses de ensayo. Sea como fuere, queda perdonado porque del error también se aprende y es un síntoma más de humanidad.

Un espectáculo familiar donde los más pequeños de la casa alucinarán con una puesta en escena majestuosa, que se va desplegando poco a poco y que parece tener como lema que no hay nada imposible, y donde los no tan pequeños volverán a disfrutar con el mundo imaginario donde los problemas que existen puertas afuera no existen y la sorpresa invade sus vidas.

28/7/16

LA FRAGILITAT DELS VERBS TRANSITIUS



CONCEPCIÓN y COREOGRAFIA: ROBERTO G. ALONSO
DIRECCIÓN ESCÉNICA: JOSÉ MARTRET
DRAMATURGIA: CARLOS BE, MARC ROSICH y HELENA TORNERO
CREACIÓN y INTERPRETACIÓN: ANITA ASTRID, ROBERT G. ALONSO, ORIOL GENÍS, CÉSAR LÓPEZ, HUGO REAL y JUNYI SUN
INTERPRETACIÓN y CREACIÓN MUSICAL: ÀLEX RODRÍGUEZ FLAQUÉ
DURACIÓN: 60min
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA y COMPANYIA ROBERTO G. ALONSO
MERCAT DE LES FLORS (GREC 2016)

En los tres últimos años el transgénero ha salido a la luz, por hablar en términos del colectivo "ha salido del armario", por eso sorprende que un espectáculo que pretende "impactar o remover de alguna manera las conciencias" se quede en una concepción tan básica y superficial de la transexualidad en sentido clásico.

Me explico. Partiendo del tópico hecho de que un niño encuentra una caja de zapatos de tacón en el armario de su madre y siente que él quiere ser una niña; pasando por la concepción de la feminidad, parece ser que las mujeres sólo somos la suma de zapatos de tacón, pechos, curvas y por supuesto todas nos pintamos los labios de rojo carmín, porque todo eso nos hace sentirnos mujer. ¡Demencial! Y para acabarlo de adobar con 6 intérpretes en el escenario, nadie, ninguno de ellos podía ser una mujer de nacimiento que deseara ser hombre, debía ser que no conjuntaba con los zapatos de tacón. Tanto aplauso a la diversidad, para quedar reducida a lo que cabe en una triste caja de cartón. Simple, muy simple, y más de lo mismo.

Al menos no han decidido incluir a un dragqueen, eso que nos hemos ahorrado, pero los temas narrados sí que han vuelto a caer en el tópico: problemas con la comunicación con los padres, ser uno mismo delante de amigos/compañeros de trabajo, la exclusión social (que no niego que exista), la vergüenza... Eso sí, tal y como dice en uno de sus monólogos el personaje de Oriol Genís, se acepta antes a un niño transgénero que a un hombre transgénero porque las cosas están cambiando.

Pero bueno, fuera de la decepción de la parte de contenido, la puesta en escena es el punto fuerte del montaje. Las cortinas como metáfora de "salida a la luz" de las voces que han estado dormidas y que a través de la palabra, la música o la danza nos explican qué sienten, qué piensan... su historia particular, la de los personajes que van pasando delante de nuestros ojos a veces como si estuviera expuestos en un escaparate o si fueran fotogramas a la espera que alguien les dé al botón de avance rápido.

La dramaturgia es irregular, hay momentos más lúcidos que otros. Algunos monólogos que destacan, en su mayoría protagonizados por Oriol Genís, pero en su conjunto no logran superar la superficialidad y conseguir que el contenido levante el vuelo. La parte de danza viene a reforzar la irregularidad total de la pieza. Un conjunto de movimientos inconexos que no acaban de enganchar con la parte dramática y que, en su mayoría, se quedan como un pegote, un añadido que no consigue aportar una coherencia clara al montaje.

Y, aunque reconozco que no soy una espectadora que partía de 0 en el tema del transgénero tampoco soy experta en el tema, pero e una obviedad que la transexualidad ha dejado la oscuridad en la que vivía en los 80 y los 90 y existen unos cuantos ejemplos audiovisuales a nuestro alcance para que sigamos en el modo iniciación. Ya es hora que pasemos al avanzado, que nos quitemos la careta y rasquemos un poco la superficie de tópicos para encontrar humanos diversos, que no sólo piensan, sienten y padecen en masculino ni conjugan los verbos con los ideales de sexualidad impuestos por el mundo audiovisual. Transitemos y conjugemos con coherencia, si us plau!

CUANDO VUELVA A CASA SERÉ OTRO



AUTORIA y DIRECCIÓN: MARIANO PENSOTTI
INTERPRETACIÓN: SANTIAGO GOBERNORI, MAURICIO MINETTI, ANDREA NUSSEMBAUM, JAVIER LORENZO y JULIANA MURAS
DURACIÓN: 85min
FOTOGRAFIA: BENIAMIN BOAR
PRODUCCIÓN: GRUPO MAREA
SALA FABIÀ PUIGSERVER (TEATRE LLIURE, GREC2016)

¿Qué tendrán estos argentinos que siempre nos enamoran? Una manera de hacer teatro del que toca la fibra, humanizar de una manera increíble los personajes para que siempre encuentres algún punto donde lograr esa cosa tan difícil que se llama "empatizar". No habían pasado ni diez minutos que ya me tenían enganchada. ¿Cómo de lo que podría ser una simple anécdota consiguieron sacar "petróleo"? Un conjunto de escenas que quizás en solitario no hubieran dicho mucho, pero debajo de una fina capa de melodrama, la humanidad rezumaba.

La identidad perdida, que quizás los que siempre hayan vivido en el mismo lugar toda su vida no echan de menos, pero los nómadas sabemos que es. Un simple objeto puede desencadenar toda una historia, en este caso un cassette que ha parecido entre los objetos peligrosos enterrados cuando la dictadura argentina comenzaba, es el Macguffin para que el resto de pequeñas historias cobren protagonismo: una banda de música rock que se gana la viva con la BBC mientras espera un éxito que le haga llenar estadios, un director de teatro que se gana la vida organizando mítines electorales mientras sueña volver a montar su gran y único éxito y un político que no es quien se pensaba que era.

Una puesta en escena basada en dos cintas transportadoras como las que utilizan los aeropuertos para devolvernos las maletas después de un viaje y que es la metáfora perfecta de ese tiempo que no se para nunca. El ritmo de las escenas y la manera de pasar de una a otra tiene un punto cinematográfico, de aquel cine de antes, que se cocinaba a fuego lento.

Como en todo montaje argentino que se precie, la naturalidad es el personaje principal, actores que actúan pero la máscara desaparece. El teatro lo delimita el escenario, en este caso más cerrado que en otras ocasiones. Nada vuelve a ser igual tras ver el montaje, los espectadores también somos diferentes. Cuando volvemos a casa somos otros.

24/7/16

EL BON PARE



DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: DAVID PLANA
INTÉRPRETES: LLUÍS SOLER, TERESA VALLICROSA, GEORGINA LATRE y JAUME MADAULA
DURACIÓN: 90min
FOTOGRAFIA: PABLO RICCIARDULLI
PRODUCCIÓN: GREC 2016 FESTIVAL DE BARCELONA, BITÒ PRODUCCIONS y VANIA PRODUCCIONS SL
TEATRE  BORRÀS (GREC 2016)

David Plana vuelve al teatro ese es el titular que desde hace unos días llena las páginas de los diarios. Y si no recuerdo mal la última cosa que se había llevado a la salas, era aquel Dia de Partit que pasó con más pena que gloria en el Espai Lliure. Mucho más maduro dramatúrgicamente se nos presenta ahora con El bon pare, una comedia amable sobre la paternidad, los secretos de familia y como los ideales se pueden ver destruidos en un abrir y cerrar de ojos.

Una comedia urbana, donde un político socialista, alcalde de una ciudad de provincias, magníficamente interpretado por Lluís Soler ve como todo su mundo se desvanece y comienza a desaparecer el supuesto control que parecía tener sobre su família. Desde su casa en lo más alto de la ciudad, controla todo su territorio, mientras los miembros de su familia aparecen para romper en mil pedazos la armonía familiar. 

Ada, su hija, Georgina Latre, vuelve a casa por vacaciones y a partir de aquí los acontecimientos se desencadenan. Una divertidísima Teresa Vallicrosa, su ex y madre de Ada es el punto necesario para que la historia avance hacia un final que camina hacia la comedia negra con ciertos tintes chejovianos, no caminan hacia Moscú, pero bien podía ser Berlín. Una de las sorpresas del montaje es la interpretación de Jaume Madaula, al que últimamente le tenemos un tanto estancado en papeles más salvajes, de personalidades más de "malote", y en esta ocasión sorprende con un "niño bien", de buena familia y con una manera de hablar ciertamente peculiar, pero divertidísima su primera escena cara a cara con Lluís Soler.

Precisa dirección de David Plana que consigue que el puzzle de piezas encaje y el ritmo de la comedia no decaiga. Más que notable la escenografia de Sebastià Brosa que transporta a las torres de las familias adineradas de esta y otras ciudades. El bon pare es un buen montaje que busca espectadores que quieran pasar un buen rato y disfrutar de unas risas aseguradas.

PLATONOV



AUTOR: ANTON. P CHÉJOV
ADAPTACIÓN y PUESTA EN ESCENA: LUK PERCEVAL
DRAMATURGIA: KOEN HAAGDORENS
INTÉRPRETES: ELSIE DE BRAUW, BRIEK LESAGE, KATRIN LOHMANN, BERT LUPPES, PETER SEYNAEVE, ZOË THIELEMANS, FRANK FOCKETYN, STEVEN VAN WATERMEULEN y LAURA MENTINK
DURACIÓN: 105min
FOTOGRAFIA: PHILDEPREZ
PRODUCCIÓN: NTGENT
SALA PUIGSERVER (TEATRE LLIURE, GREC 2016)

Una adaptación de Platonov, la primerísima obra de Chéjov, cuanto menos desconcertante. A medio camino entre la pasividad del autor ruso y las puestas en escena al más puro estilo Brecht. Contención, silencio, una especie de catarsis colectiva entre los actores y el público. Un público entregado y tan silencioso, tan atónito entre descifrar las palabras con el gran trabajo físico.

Quizás por lo desconcertante de la propuesta, Platonov me atrapó en su densidad en mayor medida de lo que hubiera deseado. En un Chéjov lo suficientemente pausado de normal, convertir los intérpretes en meros títeres que se mueven acompasados por unos hilos invisibles que apenas dan dos pasos en la amplitud del escenario de la Sala Puigserver y la decadencia de sus actos convierten el montaje por momentos en extenuante.

Pero en medio de este largo silencio aparece el sonido de piano y voz de Jens Thomas, que en algo parecido a Rufus Wainwright despierta nuestras dormidas conciencias y pone el más destacado toque a la pereza, al immovilismo. Los mejores momentos vienen acompañados de su música y de cuando los títeres descubren que el mejor lenguaje es el físico.

Magnífica escenografía, capitaneada por un enorme piano de cola que se desplaza por una especie de pasarela metálica que se sujeta físicamente por pilas de libros, como una brillante metáfora de todos aquellos que les faltan por leer a unos personajes consumidos en el alcohol y en su propia mediocridad.

El escaparate de personajes baja el telón y los bravos resuenan en la sala, y sí, este Platonov es diferente a lo que acostumbramos a ver, pero quizás me esperaba otra cosa o incluso algo más de lo que me han mostrado. Sea como fuere, yo me quedo con el pianista, él me ha salvado el montaje.

18/7/16

HISTORIA DE AMOR



AUTOR: RÉGIS JAUFFRET
CONCEPCIÓN ARTÍSTICA: VITTORIO MESCHI y LAURA PIZARRO
TRADUCCIÓN: CARLOS GONZÁLEZ GUZMÁN
ADAPTACIÓN: ZAGAL y MONTSERRAT QUEZADA
DIRECCIÓN: ZAGAL
INTÉRPRETES: JULIÁN MARRAS y BERNADITA MORENO
DURACIÓN: 90 min
PRODUCCIÓN: COMPAÑÍA TEATROCINEMA, FONDART, FITAM, TEATRO DE LA UNIVERSIDAD CATÓLICA y SCÈNE NATIONALE DE SÈTE ET DU BASSIN DE THAU
TEATRE LLIURE- SALA FABIÀ PUIGSERVER (GREC 2016)

Este espectáculo había generado demasiadas tantas expectativas, que desde la primera línia se puede afirmar que no se han cumplido. Buscábamos salir de las decepciones que ya llevamos en este ecuador de Festival Grec y seguimos en las mismas. Historia de amor es la primera historia de teatrocinema que veo, ya sólo por eso mostré más atención, intenté concentrarme en una historia demasiado oscura, pero 90 minutos fueron excesivos para que mi atención se mantuviera con la misma intensidad todo el rato.

No dudo que esta técnica con otra historia y otros intérpretes en un futuro me pueda despertar algo más que curiosidad pero se conjugaron demasiados elementos para que esta vez no fuera así. Empecemos por la dramaturgia, lo que podría ser una anécdota de 30-40 minutos se alarga 90, repitiendo una y otra vez la misma constante hasta acabar por aburrir. Una historia de amor donde una mujer se ve obligada a casarse con un hombre al que no quiere, ni desea, simplemente por el hecho de que éste no para de acosarla y perseguirla. Mejor no intentemos verle sentido a la historia, en los tiempos que corren todo es posible, pero bastantes momentos todo parecía bastante inverosímil. Too much drama for me.

Si hablamos de ritmos, la entonación, el ritmo narrativo era excesivamente monótono todo el rato. No había diferencias entre la supuesta felicidad del personaje, no se podía asegurar si estaba feliz, triste o enfadado porque la voz estaba llegaba siempre con la misma cadencia, lo mismo te podía estar recitando la lista de la compra como un poema de amor a su amada. 

Hasta el final no se ve el truco, sabes que se está interpretando en directo y que el video y todas las partes 3D están tan bien conseguidas y por momentos dejas de saber si estás viendo una película o teatro. Un punto a su favor que no salva el resto del envoltorio para que tuviéramos ganas de seguir degustando el caramelo. Interesante para experimentar durante 30 minutos, pero ¿y después qué? 

L'INFRAMÓN



AUTORIA: JENNIFER HALEY
TRADUCCIÓN: NEUS BONILLA
DIRECCIÓN: JUAN CARLOS MARTEL BAYOND
INTÉRPRETES: ANDREU BENITO, JOAN CARRERAS, GALA MARQUÉS/ CARLA SCHILT, VICTOR PI y MAR ULLDEMOLINS
DURACIÓN: 80min
FOTOGRAFIA: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: GREC 2016 y TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE GRÀCIA (GREC 2016)

Un año más me adelanto al inicio de temporada con una obra de la que escuché maravillas tras su paso por Londres y que me despertaba cierta curiosidad por la temática que trata. Mundos virtuales, un mundo real cada vez menos presente, cada vez más secundario. Los personajes de L'Inframón viven por y para el mundo virtual. Allá es donde una especie de policía de la moral y el orden pretende establecer las reglas. Aparentemente, mucho más severas que las que tenemos que acatar en el mundo real.

Tras una semana invadidos por Pokemon e historias varias, lo que relata L'Inframón no es un futuro tan lejano, a veces incluso podíamos pensar que la realidad ya ha superado la ficción. Sea como fuere, la dramaturgia, si uno no está avezado en el mundo tecnológico actual quizás le venga demasiado de nuevo. Pero ser capaz de desentrallar la filigrana de conceptos y de pasar de un mundo virtual al real y al revés en un constante viaje es lo que hace que el significado de la obra cobre una vida tan real como inventada. No hay tiempo para aburrirse si uno tiene ganas de pensar en todos los conceptos y preguntas que desprenden las imágenes que se pueden llegar a desprender de la obra.

El timón de la obra y la luz entre mundos virtuales la pone Mar Ulldemolins, que mantiene y gana el pulso a Andreu Benito, cuya interpretación vuelve a convencer, pero que no deja de ser parte de esa zona de comfort de la que nos tiene acostumbrados y que le vuelve a funcionar muy bien en L'Inframon.

Tan importante o más que los actores es la puesta en escena. Magnífica escenografía de Alejandro Andújar que juntamente con el diseño de luces de David Bofarull, el diseño de sonido de Damien Bazin, el video de Joan rodon y la programación de Proto Pixel convierten la sala de Gràcia en un submundo perverso con una atmósfera más que adecuada para lo que nuestros ojos están a punto de presenciar. En septiembre L'Inframon abrirá de nuevo sus puertas en Gràcia, ¿quién será el cobarde de no dejarse llevar?