JOSEFINA LA GALLINA, PUSO UN HUEVO EN LA COCINA

/ 20:57

dramaturgia CREACIÓN COLECTIVA DE VACA 35
dirección DIANA MAGALLÓN
intérpretes JOSÉ RAFAEL FLORES (actor) y ALBERTO ROSAS (músico)
duración 50min
fotografías CORTESÍA DE INBA, ENTRETENIA y HÉCTOR ORTEGA
producción VACA 35 TEATRO EN GRUPO A.C.
SALA ATRIUM

VACA 35 TEATRO es sinónimo de imprescindible. Altera el gallinero escénico con su sola presencia. Después de su sublime adaptación de Las Criadas en Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar y de abrirnos el apetito y el ánima en Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido vuelven con la radiografía de una gallina donde la metáfora vital es de aquellas balas que entran a base de comedia pero acaban estallándote dentro.

Esta vez, Vaca 35 sorprende con un monólogo, con un cierto toque autobiográfico del mismo intérprete, ubicado en Ciudad de México, sobre el tema de la migración (desde Ciudad Juarez) de aquellos que no son aceptados por lo que son en su lugar de origen. Un hombre o una gallina, una metáfora de vidas maltratadas, rechazadas, discriminadas. Todo un rastro de feminicidios, abuso y desaparición.



La voz única de José Rafel Flores en el escenario representa miles, millones de aquellas que fueron silenciadas. El montaje mezcla, en apenas 50 minutos, el plano real con el de los sueños, una manera de escape del horror, y el único espacio donde se puede ser libre sin temor a nada más que a despertar.

La dramaturgia ha conseguido que le compremos el relato, que gallina o no, nos ponga los pelos de punta, que busquemos proteger sus huevos como si fueran propios, que sintamos su aliento, sus sollozos, sus gritos acallados pero llenos de angustia, su inherente esperanza, sus ganas de huir, en definitiva, sus ganas de vivir libre.



La puesta en escena añade un plus de irreverencia avícola. Los huevos de Josefina están colgados a la vista de todos a la espera de saber qué será de sus "vidas". Dos sillas, una caja de madera llena de arena con un rastrillo pequeño, un papel marrón, a modo de pizarra, y la proyección de fotos con diversos mensajes es el único material visual que acompaña al relato. Más que suficiente para recrear el clima de ansiedad que estamos a punto de presenciar.



Quins ous! El nudo en la garganta permanente desde el buen inicio de la obra, para aquellos espectadores que tengan un mínimo de sensibilidad es la mejor forma de describir la obra. Y cómo con ese estado de puñetazo en el estómago, incluso puedes optar a reír en los momentos más irreverentes, sobre todo a nivel físico, aunque la sonrisa se quede tatuada como algo perenne pero sin vida.

Vaca 35 Teatro consigue sacar belleza de la intolerancia, sin dejar de denunciar que lo "no normal" también es "normal". Si antes era vaca, ahora puedo afirmar que también soy gallina, una más que cacareará para llenarles el gallinero. ¡No te la pierdas!



dramaturgia CREACIÓN COLECTIVA DE VACA 35
dirección DIANA MAGALLÓN
intérpretes JOSÉ RAFAEL FLORES (actor) y ALBERTO ROSAS (músico)
duración 50min
fotografías CORTESÍA DE INBA, ENTRETENIA y HÉCTOR ORTEGA
producción VACA 35 TEATRO EN GRUPO A.C.
SALA ATRIUM

VACA 35 TEATRO es sinónimo de imprescindible. Altera el gallinero escénico con su sola presencia. Después de su sublime adaptación de Las Criadas en Lo único que necesita una gran actriz es una gran obra y ganas de triunfar y de abrirnos el apetito y el ánima en Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido vuelven con la radiografía de una gallina donde la metáfora vital es de aquellas balas que entran a base de comedia pero acaban estallándote dentro.

Esta vez, Vaca 35 sorprende con un monólogo, con un cierto toque autobiográfico del mismo intérprete, ubicado en Ciudad de México, sobre el tema de la migración (desde Ciudad Juarez) de aquellos que no son aceptados por lo que son en su lugar de origen. Un hombre o una gallina, una metáfora de vidas maltratadas, rechazadas, discriminadas. Todo un rastro de feminicidios, abuso y desaparición.



La voz única de José Rafel Flores en el escenario representa miles, millones de aquellas que fueron silenciadas. El montaje mezcla, en apenas 50 minutos, el plano real con el de los sueños, una manera de escape del horror, y el único espacio donde se puede ser libre sin temor a nada más que a despertar.

La dramaturgia ha conseguido que le compremos el relato, que gallina o no, nos ponga los pelos de punta, que busquemos proteger sus huevos como si fueran propios, que sintamos su aliento, sus sollozos, sus gritos acallados pero llenos de angustia, su inherente esperanza, sus ganas de huir, en definitiva, sus ganas de vivir libre.



La puesta en escena añade un plus de irreverencia avícola. Los huevos de Josefina están colgados a la vista de todos a la espera de saber qué será de sus "vidas". Dos sillas, una caja de madera llena de arena con un rastrillo pequeño, un papel marrón, a modo de pizarra, y la proyección de fotos con diversos mensajes es el único material visual que acompaña al relato. Más que suficiente para recrear el clima de ansiedad que estamos a punto de presenciar.



Quins ous! El nudo en la garganta permanente desde el buen inicio de la obra, para aquellos espectadores que tengan un mínimo de sensibilidad es la mejor forma de describir la obra. Y cómo con ese estado de puñetazo en el estómago, incluso puedes optar a reír en los momentos más irreverentes, sobre todo a nivel físico, aunque la sonrisa se quede tatuada como algo perenne pero sin vida.

Vaca 35 Teatro consigue sacar belleza de la intolerancia, sin dejar de denunciar que lo "no normal" también es "normal". Si antes era vaca, ahora puedo afirmar que también soy gallina, una más que cacareará para llenarles el gallinero. ¡No te la pierdas!


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de WILLIAM SHAKESPEARE
adaptación y dirección ORIOL TARRASÓN
intérpretes ANNABEL CASTÁN, ÒSCAR INTENTE y ARNAU PUIG
duración 1h 25min
fotografías JOAN GASTÓ y DAVID TARRASÓN
producción CIA LES ANTONIETES
LA SECA ESPAI BROSSA

Últimamente Shakespeare me causa más apatía que entusiasmo, pero como dice el amigo Jordi Vilaró no es Shakespeare sino las adaptaciones que a casa nostra (veo poco teatro fuera de Catalunya por no decir nada) se hacen de las obras del Bardo inglés.

En ese estado me encontraba cuando se anunció la adaptación de Les Antonietes. Me atraía una posible adaptación al momento actual, a las fake news como ellos mismos anuncian, y atraída por el buen sabor de boca que par de meses antes me había dejado la maravillosa versión de La Tormenta de Projecte Ingenu me hizo dejar la apatía en el sofá y acercarme a la sala. 



La primera sorpresa es la cámara blanca, con una simple alfombra roja que a modo de tragedia prevista "mancha" la virginal estancia. Un escenario muy limpio, minimal, muy pulcro que pronto se verá empañado por el devenir de la historia.

Oriol Tarrasón vuelve a optar por un potente y necesario recorte de texto y personajes. Sólo veremos a Othello, a Yago y a Desdémona. A primera vista no se aprecia ningún problema en la poda del texto, pero hay algo que sí sorprende más de lo que debiera, el gusto por acercar el texto a la época actual se deja por el camino algunas partes en verso que no acaban de cuadrar con la sonoridad general.



Por lo que más se recordará esta versión de Othello es por el Yago de Arnau Puig, que acapara todas las miradas. El aspecto que más cojea en el montaje de Les Antonietes es el casting. Delante de una interpretación sobradamente convincente de Annabel Castán y de un soberbio Arnau Puig, Òscar Intente no consigue que Othello alce el vuelo, le falta fuerza, presencia, ánima y le sobra apatía.

Mientras veía el montaje me imaginaba a Arnau Puig haciendo todos los papeles del Auca, sin lugar a dudas hubiera sido uno de los montajes del año. Entonces sí que la versión hubiera dado ese paso más. Ha faltado atrevimiento, porque el actor perfecto ya lo tiene. ¿Hay algún voluntario en la sala?


OTHELLO

by on 19:39
de WILLIAM SHAKESPEARE adaptación y dirección ORIOL TARRASÓN intérpretes ANNABEL CASTÁN, ÒSCAR INTENTE y ARNAU PUIG duración 1h 25...

dramaturgia JORDI ORIOL y DANIELA FEIXAS
dirección JORDI ORIOL
intérpretes MUGUET FRANC y ANNA GÜELL
duración 50min
fotografías MICGRUP CATALUNYA
producción Q-ARS TEATRE
LA SECA ESPAI BROSSA

Desconocía totalmente a Cristina Fernández Cubas. Confieso que su nombre no me sonaba de nada hasta que lo vi impreso en la nota de prensa. Pero ahora se ha convertido en una autora de la que me apetece leer más de lo que escuché en la sala. De hecho, necesitaría leerme los cuentos en los que esta basada la dramaturgia para saber cómo Jordi Oriol y Daniela Feixas han tejido la narrativa de la obra. Me parece todo una filigrana

Fui con la idea de ver escenificados una serie de cuentos, de narraciones cortas, pero me encontré un texto con entidad propia, basado en pequeñas escenas pero que juega con la metateatralidad del espacio, del tiempo e incluso intuyo que de las historias de las propias narraciones de Fernández Cubas. Oriol y Feixas han conseguido sumarse al universo de la autora y crear una realidad paralela y común a sus narraciones. Y, aún desconociendo a la autora, esto resulta de los más impactante.





En la pequeña sala Palau i Fabre, el público entra con la presencia escénica objetual y humana al completo. La escenografía de Àlex Aviñoa y Sílvia Delagneau nos traslada a una realidad paralela nada más poner los pies en la sala. Se podría decir que crea un ambiente hipnótico. Eso sí, ayudada en casi todo momento de una potentes iluminación, obra del mismo Àlex Aviñoa.

Más que perturbarme como prometía la sinopsis, me causó intriga, una manera obsesiva de explicar la narración, y como espectadora una avidez impresionante de querer descubrir qué es lo que estaba pasando en escena, que me estaba perdiendo al no llegar a entender del todo algunos comportamientos. Tranquilos que no se deja nada al azar.



Si hace un par de semanas veía a Muguet Franc con un personaje lánguido a más no poder, esta vez sus personajes tienen una fuerza que cruza la platea. Su presencia es la con la que más han jugado los dramaturgos. En ella reside buena parte de los interrogantes de la función. Sus múltiples personalidades/personajes consiguen que el espectador se sienta cuestionado en todo lo que ve y escucha, no reciba toda la verdad.



Por el contrario será el universo del personaje interpretado por Anna Güell el que lleve la voz cantante y en el que gire toda la historia. Su gran poder es saber jugar con las palabras, tanto en sonoridad, tiene una forma increíble de masticar el texto, como en significado. Me quedaría horas escuchándola sin pestañear.

Ausencias es un espectáculo boomerang de aquellos que el espectador recibe infinitamente más de lo que da. Es todo un latigazo a la conciencia, a lo que somos y lo que queremos ser. Y todo concentrado en poco más de tres cuartos de hora. Como un buen capítulo de esas series que tanto nos agradan, pero con actores de carne y hueso, sin pantalla, que sufren y te lo susurran al oído. Fascinante

AUSENCIAS

by on 20:00
dramaturgia JORDI ORIOL y DANIELA FEIXAS dirección JORDI ORIOL intérpretes MUGUET FRANC y ANNA GÜELL duración 50min fotografías ...


autoría y dirección IVÁN MORALES
intérpretes ANNA ALARCÓN, ANDRÉS HERRERA, MIMA RIERA y XAVI SÁEZ
duración 1h 40min
fotografías SANDRA ROCA y ONA MILLÀ
producción LOS MONTOYA
SALA BECKETT

Iván Morales es uno de los nombres clave de la dirección y dramaturgia catalana actual. Una manera de entender el teatro diferente. Hacía tiempo que como dramaturgo teníamos ganas de que ver algo más allá de su mítico/clásico Sé de un lugar. El tiempo de espera ha concluido. Que nadie se espere una segunda parte ni nada parecido, menos mal. Aunque, evidentemente, algunos rasgos made in Morales sí que están presentes.

Esmorza amb mi explica la historia entrecruzada de dos parejas. Natalia (Anna Alarcón) y Salva (Andrés Herrera) mantienen una relación esporádica mientras ella hace un documental sobre el desamor. Sergi (Xavi Sáez) y Carlota (Mima Riera) se quieren y quieren apostar por su relación. Los cuatros sólo buscan desayunar con alguien.




Delante de un punto de partida bastante común, la intriga aparece nada más poner un pie en la sala. La sala grande de la Beckett se convierte en un ruedo, una especie de círculo, con un minúsculo escenario central y una atmósfera que nos hace pensar que venimos a ver una de 'sang i fetge' más que una comedia romántica.

Con una presentación de personajes tan potente, el nudo, desarrollo de la trama inexplicablemente se vuelve monótono. Escenas excesivamente alargadas, ritmo descompasado, información a cuentagotas pero sin una intriga que nos haga tener ganas de abrir el melón.



Una de las escenas más interesantes la mantienen Xavi Sáez y Andrés Herrera. De hecho será éste último a quien Morales le ha regalado el mejor papel de la noche, quizás el más creíble, el más cercano, con el que el propio Andrés Herrera consigue en empatices más con una interpretación más naturalista.

Lo mejor del montaje es sin duda la escenografía y el diseño de luces creado por Marc Salicrú. Gracias a él y a pesar de los fallos de ritmo consiguen que el espectador no deje ni por un momento de prestar atención a escena. Es una de esas escenografías de las que no consigues escapar.



También en el apartado de puesta en escena, destaca el gestión del movimiento escénico de la primera parte del personaje de Natalia, obra de David Climent. Una manera muy realista, sin caer en una parte sensiblera de hacer ver al público los problemas de movilidad de una de las protagonistas.

Me hubiera gustado abandonar la sala llena de la misma niebla que envolvía a los personajes, pero mi neblina personal esta vez acabó (des)conectada de mí.

ESMORZA AMB MI

by on 19:06
autoría y dirección IVÁN MORALES intérpretes ANNA ALARCÓN, ANDRÉS HERRERA, MIMA RIERA y XAVI SÁEZ duración 1h 40min fotografías...

de YEŞIM ÖZSOY
dramaturgia y traducción CARLES BATLLE
dirección JOAN ARQUÉ SOLÀ
intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, FRANCESC FERRER, JORDI FIGUERAS, ELENA FORTUNY, CARLES GILABERT y MAGDA PUIG/AIDA OSET
duración 1h 20min
fotografías ORIOL CASANOVAS
producción VELVET EVENTS S.L. y GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)


Uno de los espectáculos con los que me quedé sin días la pasada edición del Grec fue éste. Me sentía atraída por la idea de mezcolanza cultura, de edades, de pensamientos. Doce personajes para seis actores de diferentes edades y basándose en la técnica de la herencia narrativa de meddahlik (una forma tradicional de arte dramático turco donde un actor explica historias). 

El fin de todas las historias, sin conexión aparente, entre ellas, es mostrar las contradicciones entre tradición, cultura, religión, moral y diferentes formas de concebir la convivencia. Cómo los más jóvenes establecen una guerra continua con las reglas establecidas que ya no se asemejan a su forma de ver el mundo.



Uno de los puntos fuertes de la dramaturgia es el papel de la mujer en las sociedades tan marcadamente patriarcales como las de algunos países árabes, donde poco a poco se van quitando la venda de los ojos, como es el caso de uno de los personajes de Aida Oset que se rebela contra los dictámenes de su padre, como cualquier adolescente.

La puesta en escena apuesta por un escenario casi vacío, con una mesa, sillas y un armario bajo, presidido por una pantalla donde irán pasando diferentes paisajes. Poco más se necesita para un espectáculo cuyo gran poder reside en la palabra

Una de las consecuencias más visibles, de poner el foco en la carga narrativa, quizás sea la falta de matices en algunas interpretaciones, aunque la obra de entrada parece no ofrecer muchos instantes para el lucimiento del actor. Hay algunas escenas que la suma de puesta en escena y movimiento capturan el interés del espectador como el juego con el agua y la ropa de Carles Gilabert. Quizás la escena más visualmente más poderosa de toda la pieza.



Històries d'Instanbul nos hace viajar hacia esa Turquía que se debate entre la tradición y la modernidad, entre oriente y occidente. Piezas de un puzzle que cuesta de encajar, una metáfora en el que el montaje también cae por momentos. Las palabras no siempre tienen la fuerza para mover un océano. De momento, nuestro mar permanece quieto y en calma, pero lleno de miradas diferentes.

HISTÒRIES D'ISTANBUL

by on 20:01
de YEŞIM ÖZSOY dramaturgia y traducción CARLES BATLLE dirección JOAN ARQUÉ SOLÀ intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, FRANCESC FERRER, JORDI FIGU...

de JOSEP MARIA MIRÓ
dirección XAVIER ALBERTÍ
intérpretes MANEL BARCELÓ, CARME ELIAS, SARA ESPÍGUL, BORJA ESPINOSA, EDUARD FARELO, MARINA GATELL, ALÍCIA GONZÁLEZ LAÁ, MÍRIAM ISCLA, LAIA MANZANARES, MALCOLM McCARTHY
duración 1h 20 min + 20min de entreacto + 55 min
fotografía MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

No tendría que ser noticia, pero lo es, que una dramaturgo catalán (en masculino, voy a tirar cohetes cuando lo conjugue en femenino) estrene obra en la Sala Gran del teatro más importante del país. Ya por eso la sala debería estar abarrotada para en vez de ver el clásico de turno, admirar una obra contemporánea sobre un tema con el que desayunamos, comemos y nos vamos a dormir.

El todopoderoso miedo. A romper el orden establecido, a lo extranjero, a lo desconocido. Todo empieza con unas pintadas que amenazan a las mujeres de barrio, "Tornarem per violar a les vostres dones" (Volveremos para violar a vuestras mujeres). Todo al mismo tiempo que llega un (o dos) nuevo miembro a la comunidad, la Tau (Laia Manzanares), nieta de una de las vecinas.



Toda la acción pasa entorno a una comunidad de vecinos, donde unos empiezan a sospechar de los otros hasta el punto de querer cambiar todas y cada una de sus rutinas por culpa de este miedo atroz. Y, como siempre, las víctimas son las mujeres, y sus compañeros querrán decidir qué han de hacer, en una especie de paternalismo demodé, excesivamente cansino pero más actual que nunca. Al que se le une un racismo extremo de culpar los fallos propios siempre a los que vienen de fuera en vez de mirarse más el ombligo.



Temps salvatge es un montaje concebido bajo un suspense de hechos muy peculiar por lo que la parte técnica se iguala en importancia a la parte más artística. Con una escenografía imponente de Lluc Castells, una iluminación de Ignasi Camprodon que resalta aún más el clima de agobio constante al que se ve sometido el espectador y un diseño sonoro de Jordi Bonet que corta el aliento y consigue que no puedas apartar ni un segundo la vista de lo que pasa en escena. Brutal. Una combinación perfecta que hace "sufrir" y disfrutar al público al mismo tiempo.



La parte artística la comanda una encantadora y fascinante Laia Manzanares, de la que es imposible no caer rendida a sus pies. Desde el primer minuto su mirada inocente y sus inquietantes acciones atrapan al espectador que espera con ansia cada nueva aparición en escena. De entre los más veteranos destaca Míriam Iscla, que retrata a la perfección un mujer que se niega a dejarse llevar por el miedo y que opta por salvarse a base de coraje y agallas.

Josep Maria Miró es todo un especialista en desgranar los miedos, la estructura de Temps salvatge nos recuerda a una de sus obras más elogiadas y representadas, El principi d'Arquimedes donde la amenaza era un beso. Sea como fuere, Temps salvatge es una obra para ir a verla por muchos motivos, pero sin miedo. Al fin y al cabo todo es mentira, ¿o no?

TEMPS SALVATGE

by on 19:23
de JOSEP MARIA MIRÓ dirección XAVIER ALBERTÍ intérpretes MANEL BARCELÓ, CARME ELIAS, SARA ESPÍGUL, BORJA ESPINOSA, EDUARD FARELO, MA...

dramaturgia y dirección JORDI PRAT i COLL
intérpretes IVAN LABANDA / ANNA MOLINER, JORDI VIDAL y ANDREU GALLÉN
duración 1h 20min
fotografía MAY ZIRCUS
LA SECA ESPAI BROSSA

El solo hecho de ir al teatro ya es un ritual que cada uno lo asume con una fe de diferente. Al final en la platea de turno somos un único aliento que respira al unísono a varias voces disonantes. Pero nada más entrar en la Sala Joan Brossa de La Seca nos damos cuenta que este ritual será diferente, hay quelcom en el ambiente que así lo indica.

No es porque los intérpretes ya estén en escena, que te miran, que van reconociendo a personas "amigas" entre los asistentes. Tampoco porque se permita hacer fotos (sin flash) el único día que apagas por completo el móvil en vez de dejarlo en modo avión (fallo garrafal). Creo que soy incapaz de explicar con palabras la atmósfera que uno se encuentra al entrar, sin duda lo mejor es vivirlo en directo.

Pero para ponernos en situación, los tres individuos que tenemos enfrente nos han citado en los bajos de un edificio donde está  apunto de comenzar un ritual muy particular, en el que descubriremos su fe, un nuevo dios, Eva Perón. A partir de entonces nuestro padre nuestro particular será un medley muy especial con Don't cry for me Argentina, como pilar.



Bajo un recomendación fui a ver el montaje con Ivan Labanda como maestro de ceremonias. Y la verdad es que su presencia refuerza el carácter de cabaret con un toque de petardeo y un guiño a la comunidad LGTBI+. Labanda está sensacional, tanto él como Jordi Vidal llevan la voz cantante de esta misa pagana donde seguiremos los dictámenes de Eva Perón o a quién quiera que les de la gana a estos dos

Las dotes  cómicas y musicales de Ivan Labanda son de sobra conocidas para los musical lovers. Al igual que las de Jordi Vidal, que en Requiem for Evita, vuelve a demostrar un amplio rango vocal que deja pasmados a propios y a extraños. Pero la gran sorpresa del montaje es la vis cómica de Andreu Gallén que lo mismo sirve "para un roto que para un descosío". 



Tanto el diseño de iluminación de Lluís Robirola como, en especial, la escenografía de Judith Torres juegan a la sorpresa con el espectador y son unas perfectas comparsas para el show que se acaba montando encima del escenario. Las letras de David Pintó son el talismán que le faltaba al espectáculo para que te dure días en la cabeza.

A Jordi Prat i Coll le compramos estampitas, cantamos cualquier himno que se le pase por la cabeza e incluso recibimos su peculiar comunión sin pestañear. Sin ser creyente de nada, acabas cayendo a los pies de esta peculiar fe y sin darte cuenta, sucumbes bajo el grito de guerra, "Jo sóc perona"

REQUIEM FOR EVITA

by on 19:22
dramaturgia y dirección JORDI PRAT i COLL intérpretes IVAN LABANDA / ANNA MOLINER, JORDI VIDAL y ANDREU GALLÉN duración 1h 20min f...

versión cañera inspirada en Quién teme a Virginia Woolf de Edward Albee
dirección y adaptación MARC RIBERA
intérpretes ERIC BALBÀS, MARIA HERNANDEZ, MAR PAWLOWSKY y JORDI SAMPER
duración 75min
fotografías AITOR RODERO
producción EL EJE y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Por razones incomprensibles se ha convertido en la obra más polémica del momento. La foto del cartel donde se mostraba un culo fue censura por Facebook y la página del teatro fue suspendida temporalmente sin aviso previo. Sensibles como somos ante la censura cada vez más incipiente en nuestro país, la comunidad teatral catalana se movilizó en masa y en una semana se consiguió zanjar la polémica. Justo a tiempo para el estreno de la obra.

Precedida por la polémica, Masticar Hielo llega para crear más. Desde el mensaje de aviso para que los espectadoras apaguen el móvil, sí así en femenino (cosa que molestó de sobremanera al espectador que tenía a mi lado) hasta el mismo aviso que no piensan censurar ni una coma.



Alto voltaje desde el primer minuto. La pacífica sala de estar llena de cuadros de diferentes estéticas pronto se ve alterada por la presencia de dos individuos, la Martha (Mar Pawlowsky) y el George (Eric Balbàs) que entran en escena con la mecha al límite de estallido. Llegan de una exposición de arte de una de las galerías más reconocidas a nivel mundial, propiedad del padre de ella. Los reproches y los litros de alcohol inundarán la escena durante todo el montaje. 

A la fiesta pasada de decibelios son invitados Nuna (Maria Hernandez) y Nick (Jordi Samper), una artista y la su pareja y manager que llegarán para avivar el fuego. Es entonces cuando todo se descontrol y los reproches van en todas las direcciones sin importar nada más que quién la dice más bestia.

Si en la versión de Albee se cuestionaba el mundo académico/universitario, aquí se cuestiona el mundo artístico pero sobre todo la vida de la clase alta y cómo no todo lo puede llenar el dinero. Unas vidas vacías donde el alcohol intenta tapa el hastío existencial sin realmente conseguirlo.



A pesar de que es una obra bastante coral, el centro de la diana se lo lleva una sensacional Mar Pawlowsky, que cumple uno por uno las características que requiere un personaje como este: estridente, con una verborrea imparable, verdulera, al más puro estilo del programa Sálvame o similares. 

Pero el resto de personajes no se quedan atrás en esta guerra donde el más destroyer "gana". También es destacable las dos (o más caras) que esconden los personajes, especialmente en el caso de Nuna y Nick, ya que Martha y George se lo lanzan todo a la cara, sin que quede nada en el tintero, aparentemente.

La dirección de Marc Ribera ha optado por no dar tregua al espectador y aquí se tiran más petardos que en la noche de San Juan. Realmente el espectador queda exhausto de tanta potencia, de tanto grito, de tanto reproche y sale a la calle anestesiado pensando que sólo es ficción... o no.

MASTICAR HIELO

by on 19:37
versión cañera inspirada en Quién teme a Virginia Woolf de Edward Albee dirección y adaptación MARC RIBERA intérpretes ERIC BALBÀS,...
de OSCAR WILDE
traducción CRISTINA GENEBAT
versión DAVID SELVAS y CRISTINA GENEBAT
dirección DAVID SELVAS
intérpretes MIKI ESPARBÉ, DAVID VERDAGUER, NORBERT MARTÍNEZ, LAURA CONEJERO, PAULA MALIA, PAULA JORNET y MIA ESTEVE
duración 1h 45min
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y LA BRUTAL
SALA PETITA (TNC)

Lleno absoluto en la sala, entradas agotadas antes de su estreno y temporada veraniega en el Poliorama. La Brutal lo ha vuelto a hacer, magia o lo que es lo mismo encontrar la fórmula perfecta que entusiasme a público y a crítica a partes iguales.

Partiendo de un clásico, en este caso de Oscar Wilde, sacarle el polvo, una comedia británica que mezcla los enredos amorosos con una dura crítica a la sociedad burguesa y que se convierte en todo un placer para los sentidos.

Jose Novoa ha diseñado una escenografía perfecta que lo mismo nos traslada a la sala de estar de una lujosa casa de Londres como nos hace viajar al pueblo, eso sí previo a un singular baile de plantas.



Hay ocho personajes en esta función, más allá de los siete originales de carne y hueso, la música compuesta por Paula Jornet bajo la dirección musical y arreglos de Pere Jou y Aurora Bauzà es una gran sorpresa en la función, le otorga una vitalidad, un ritmo vibrante y unas ganas imparables de bailar. No se puede decir que la obra se haya convertido en un musical, pero las piezas musicales están perfectamente integradas en la dramaturgia y son luz y descanso entre tanto enredo amoroso. De lo que no hay duda es que el buenrollismo se apodera de la escena y no lo abandonará hasta el final.



Aunque el drama amoroso se centra en los personajes de Miki Esparbé, John Worthing, David Verdaguer, Algernon Moncrieff, Paula Malia, Gwendolen Fairfax y Paula Jornet, Cecily Cardew, las miradas se centran en Lady Bracknell, una sensacional Laura Conejero, el personaje con las mejores réplicas cómicas y con un fuerte gusto por resaltar lo estrafalario de los gustos y costumbres de la alta sociedad inglesa. Después de unas temporadas excesivamente centrada en los roles dramáticos, la Conejero vuelve a ponerse el vestido que mejor le sienta, la comedia. Con un papel que lleva escrito su nombre, el recital interpretativo que despliega es de high level. Magistral.



Uno de los signos característicos de La Brutal es la creación de pequeñas familias teatrales en cada producción. En este caso, quizás por la naturaleza de la obra, esa sensación traspasa los límites del escenario y, desde platea se puede palpar que el buenrollismo de la obra ha calado fondo en sus intérpretes. Cuánto más disfrutan ellos, nosotros, como público, mejor nos lo pasamos.

Con julio a tocar, más de uno ya debería tener un pie puesto en el Poliorama. Si como dice el propio David Selvas al programa "Wilde escribió un obra con una gran sabiduría e inteligencia vital", la  versión del propio Selvas y Cristina Genebat bajo la batuta del primer ha acabado de rondear con gran maestría y acierto la pieza

Vete. No te la pierdas. No te arrepentirás. Bravo!

dramaturgia y dirección CONCHA MILLA
intérpretes ALEJANDRO BORDANOVE, MUGUET FRANC, JOSÉ PEDRO GARCÍA BALADA y PATRÍCIA MENDOZA
duración 70min
fotografía DOS PUNTOS FOTOGRAFÍA
TEATRE LA GLEVA

Quién más quien menos ha vivido una o más rupturas sentimentales en su vida. Aunque todas tengan aspectos en común, cada persona es un mundo y lo sobrelleva de una manera diferente. En este caso la historia la narra la Sara, Muguet Franc, una mujer a la que parece que la vida le ha llevado a conformarse, a no querer aspirar a más, pero los que se conforman son, a menudo, los que más pierden.

En toda historia de ruptura siempre hay culpables, en este caso la repentina aparición de una ex pareja en el lugar de descanso de Sara y Hugo, José Pedro García Balada, desbarata su aparente tranquilidad y pone la casa patas arriba. Àgata, Patrícia Mendoza y Simó, Alejandro Bordanove, representan una pareja poco convencional. Él acaba de entrar en la veintena y ella casi le dobla la edad. La tranquilidad de unos  choca de frente con las ganas de Àgata por seguir disfrutando, seguir sintiéndose viva.

La dramaturgia está planteada desde la tranquilidad y el reposo que desprende la Sara. Un conjunto de escenas dialogadas en pareja o en cuarteto, pero que acaban en la soledad de los pensamientos en voz alta de la propia Sara, casi a oscuras y directos a una platea apagada.

De entre los intérpretes, siendo más de acción que de reposo, me atrapa la inocencia y las ganas vitales de Simó que queda perfectamente dibujado por Alejandro Bornanove. Y la locura y la persona veleta que representa Àgata, con una precisa Patrícia Mendoza.

Interiors hace honor a su nombre, si bien es cierto que cada uno con lo suyo. En este caso el recogimiento es más presente, y la cadencia se tiene que adecuar a él. Personalmente eché de menos un poco más de ritmo entre tanto silencio de palabras no dichas. Quedárselo todo dentro no siempre es la mejor opción, ¿o sí?

INTERIORS

by on 18:20
dramaturgia y dirección CONCHA MILLA intérpretes ALEJANDRO BORDANOVE, MUGUET FRANC, JOSÉ PEDRO GARCÍA BALADA y PATRÍCIA MENDOZA dura...

autor JASON ROBERT BROWN
adaptación DANIEL ANGLÈS y JOAN VÁZQUEZ
dirección MARC VILAVELLA
dirección musical GUSTAVO LLULL
intérpretes ANNA HEREBIA y MARC FLYNN
duración 90min
EL MALDÀ 

Soy muy fan de los musicales de pequeño tamaño.  Aquellos en los que no hay ni trampa ni cartón, tampoco hay grandes coreografías ni efectos especiales, en aquellos donde la verdad manda. El Maldà es especialista en este género y es la sala perfecta, si se sabe aprovechar bien, como es el caso, para que poco más de una cincuentena de espectadores se deleiten con una buena dosis de música y voz.

Aquest cinc anys es la historia de principio a fin de una pareja. Jaime Wallestein, Marc Flynn, es un novelista con un futuro prometedor y un ego muy marcado. Cathy Hiatt, Anna Herebia, es una aspirante a actriz, con un punto excesivamente naïf.



La forma de narrar la historia nos viene a través de monólogos, pero sobre todo de canciones solistas. Aunque estén juntos en el escenario, no hay diálogo, se cantan pero desde un plano temporal diferente. Ahí está el juego, ahí está el trabajo "fácil" para el espectador que recompone las piezas del puzzle de esta relación.

Con esta peculiar manera de narrar, la dificultad del montaje recae en la banda actoral y de dirección. El personaje de Jamie Wallestein es excesivamente frío, en gestos y maneras de expresarse, incluso en los buenos momentos de la relación. Me faltó algo más de expresividad por su parte. Cosa que en la interpretación de Anna Heredia sí que está presente. Todo un cúmulo se sentimientos que se reflejan con una simple mirada y que se perciben nota a nota.

La parte musical la componen piano y violín en directo, toda una delicia para los oídos, que, a pesar de estar en una sala pequeña, contrasta con el uso por parte de los intérpretes de micrófonos. Sin duda, una decisión cuestionable para un público al que en algunas ocasiones le molesta la acumulación de decibelios.



Uno de los pilares del montaje es el diseño de escenografía de Jordi Bulbena que consigue aprovechar cada recoveco del Maldà. La escena de la ventana, nada más comenzar, ya lo auguraba. Por su parte el diseño de luces de Dani Gener pone la cereza a un pastel que da mucho gusto comérselo.

Y aunque Aquest cinc anys pueda parecer un montaje, de entrada, amable, esconde grandes momentos por los que quien más o quien menos ha pasado alguna vez, y que dejan la amabilidad a un lado, para desdibujar la comedia y transformarla en un drama. La vida y el amor no siempre son fáciles, pero si nos los cantan, entran muchos mejor, te lo aseguro.

AQUEST CINC ANYS

by on 18:43
autor JASON ROBERT BROWN adaptación DANIEL ANGLÈS y JOAN VÁZQUEZ dirección MARC VILAVELLA dirección musical GUSTAVO LLULL intérp...

dramatúrgia JAUME VIÑAS
dirección JÚLIA BARCELÓ
intérpretes ALBA RIBAS y MERITXELL TERMES
duración 70min
fotografías MARTINA MATENCIO
SEGUNDO PREMIO BECA DESPERTALAB
SALA ATRIUM

¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos! ¡Más! ¡Más! ¡Más! No es que me haya vuelto loca, sino es la sensación que tengo desde hace tres semanas. Parece como si hubiéramos despertado de una pesadilla, como si hubiéramos estado viviendo en el País de Nunca Jamás y de pronto al despertar hubiéramos topado con el duro, frío y asqueroso mundo real.

Jaume Viñas, sí este texto lo ha escrito un hombre, sorpresa (positiva) nos invita a entrar a la truculenta historia de dos hermanas, mujeres que se encuentran en el lindar de la infancia y la edad adulta. Su habitación está cerrada, viven en un mundo inventado, lleno de miedos y esperanzas. Faltan horas para el año nuevo, en el que una de ellas se hará mayor y mientras sueñan con escapar.



La dramaturgia es como una flor al que se le van arrancando sus pétalos. Delicada al principio y dura, áspera y "fea" al final. El ritmo del principio te atrapa y te suelta, aunque el espectador esté siempre alerta al próximo paso, hay momentos en que te permiten respirar, tomar aire para la próxima embestida. Eso sí, una vez resuelto uno de los principales misterios de la obra, no serás capaz de quitártela de encima. Vivirás, respirarás y sentirás todo y cada uno de los movimientos de las protagonistas como si fueran tuyos.

Quien siga a Júlia Barceló en las redes sociales o quién haya visto sus últimas interpretaciones, verá un sello muy personal en la dirección del montaje. Sin duda la escena final es el ejemplo más claro, pero a lo largo de la obra también va dejando ligeras pinceladas. Sin duda, Goldilocks parece escrita para que la dirigiera ella. Ha controlado a la perfección los tempos, los movimientos, ha sabido conducir perfectamente al espectador durante toda la historia hasta dejarlo sin aliento.



A pesar de la inexactitud de edades, Alba Ribas y Meritxell Termes capturan la inocencia de cuerpos y miradas, gestionan el tono infantil con registros más adultos, implican al público en su situación y consiguen que seamos empíricos y cómplices al mismo tiempo de su drama. Goldilocks es una obra difícil de digerir pero mientras observaba, con los ojos bien abiertos, a sus protagonistas actuar, me daba cuenta de que el papel más difícil lo tenían ellas. Sin duda son el puntal de la obra y consiguen que dejemos de pensar en edades, que nos olvidemos de todo y nos centremos única y exclusivamente en su drama.



Nadie dijo que vivir fuera fácil, pero para algunos es casi misión imposible. Goldilocks llega en el momento donde nos hemos dado cuenta que es hora de coger la sarten por el mango y dar la vuelta a la tortilla. Ahora o nunca. Goldilocks es otra prueba más de que la única opción es ahora. 

GOLDILOCKS

by on 19:49
dramatúrgia JAUME VIÑAS dirección JÚLIA BARCELÓ intérpretes ALBA RIBAS y MERITXELL TERMES duración 70min fotografías MARTINA MAT...

dirección ROGER TORNS
textos base CARLA LINARES, MAR PAWLOVSKY, LAURA DAZA, MARIA HERNÀNDEZ, PABLO MACHO, JAUME VIÑAS i ROGER TORNS
dramaturgia ROGER TORNS
intérpretes DIANA GÓMEZ, GEORGINA LATRE, MARIA HERNÀNDEZ, JAUME VIÑAS y RAFA DELACROIX
duración 70min
fotografías ORIOL GUILLEM
producción H.I.I.I.T
SALA ATRIUM

Estamos de enhorabuena. No recuerdo la última vez que coincidieron en cartelera tantos montajes con un perfil rupturista con el teatro convencional y con un espíritu tan joven. Algo está cambiando y esperemos que no sea flor de un día.

Uno de ellos es Hàbitat (doble penetració), primer premio en la Beca Desperta de este año, un espectáculo que crítica la sociedad actual donde todo pasa por una pantalla, y donde hemos dejado de mirarnos a los ojos, de tocarnos y lo hacemos todo por y para el foco. Pero los sentimientos son universales y no hay cámara que los cambie. La insatisfacción, la infelicidad, el amor... presentes y reales, incluso cuando se acaba el life direct.



Al contrario de lo que le pasa en otras artes, al teatro es al que más le ha costado incluir el móvil en sus espectáculos, el miedo a los ruiditos que tanto molestan, a las pantallas que iluminan media platea. Pues aquí en silencio, con la pantalla baja de luz pero el público se convierte en amo y señor y decide si ve el montaje a través de la cámara de su dispositivo o a través de su iris.

No es fácil hacer Insta Stories, grabar o hacer fotos mientras te enteras de las historias, pero la experiencia merece la pena por lo peculiar y lo fuera de lo normal. Siempre y cuando se respete al público, que asiste sólo con dos ojos a ver el espectáculo.

Delante del plantel de historias: suicidio en directo, una escritora de odia trabajar en un coworking, relaciones esporádicas en la red... todo sucede de noche, en el mismo barrio, todo en directo, todo es retransmitido y los espectadores, impávidos o no, reciben los "disparos".



Como la vida misma, interpretaciones donde la naturalidad es la máxima. Expuestos más que nunca a ser juzgados por el público. La mezcla de crítica, realidad y ficción, con unos textos que conjugan la poética con un tipo de lenguaje más descarado y sin prejuicios. 

La escenografía de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo no puede ser más apropiada, personajes atrapados en su propia pecera, burbuja mental con dos planchas de policarbonato que no sólo actual como pantalla sino que en ella pasan las cosas más "salvajes" de la pieza.

La platea debería estar llena de esa generación millenial y Z que no encuentran propuestas teatrales a su gusto. Para los no milenial es una radiografía de esta generación y, supongo que de las venideras, aunque a veces como todo se escape y se apodere de la sociedad entera, sin importar edades.

La Sala Atrium anuncia que el montaje volverá en breve. Ya no hay excusa por dejarse atrapar por esta pecera de vanidades llena de vida. Un montaje   que no te puedes dejar perder. Ah y no te olvides el móvil en casa!