Todas las críticas de la temp 16-17

Recupera las críticas de lo que llevamos de temporada teatral

Inserta aquí tu publicidad

Consulta tarifas a edgbcn@gmail.com

Inserta aquí tu publicidad

Consulta tarifas a edgbcn@gmail.com

Inserta aquí tu publicidad

Consulta tarifas en edgbcn@gmail.com

Inserta aquí tu publicidad

Consulta tarifas en edgbcn@gmail.com

31/5/10

PRIMARIS



TEXT i DIRECCIÓ: CARLES MALLOL
INTÈRPRETS: MARC GARCÍA COTÉ, MARTA MONTIEL, ELISABET VALLÈS, ALBERT PUIGDUETA, MARTA CORRAL i ELIES BARBERÀ
PRODUCCIÓ: COMPANYIA LA SOGA
TEATRE TANTARANTANA


La millor manera d'arreglar el món és començar des de les seves bases. L'educació és el pilar bàsic d'aquest canvi. Però què passa quan el pilar s'enfonsa o no funciona com hauria de fer-ho? Doncs que la societat mateixa es comença a ressentir. Carles Mallol analitza el tema de l'educació portant la situació actual fins a límits extrems. Ens trobem a uns professors incapaços de dirigir i controlar als seus alumnes, els quals han pres el control per la força i no dubten d'utilitzar la força de la violència per aconseguir allò que volen.

La nova proposta de Mallol vol treballar el risc d'una història des de les dues versions dels protagonistes però es troba amb una manera de narrar que peca en cert sentit de repetitiva. Masses escenes curtes i masses transicions que deixen de connectar amb el públic després d'una hora de representació.

Del repartiment, torna a destacar l'Elisabet Vallès amb una força interpretativa bastant superior a la de la resta dels seus companys i Marta Corral que demostra la seva experiència en el camp interpretatiu. La credibilitat de la resta de personatges funciona acompanyada del text, que fluctua depenent de cada escena.

Primaris no és una història de bons contra dolents, perquè la fina línia que separa el bé del mal, no depèn de l'edat dels personatges sinó dels instints que cadascun tingui i de l'educació que hagi rebut. Un espectacle intens al començament però que es perd al buscar l'essència del problema entre un i mil conflictes.

28/5/10

El actor Miquel Cors fallece a los 61 años


Miquel Cors, actor de cine, de teatro, de doblaje, cantante y activista irreductible ante la especulación urbanística en su Valldoreix de adopción, falleció ayer en Barcelona a los 61 años de edad, víctima de un ataque de corazón.

El Poble Nou televisivo, que se convirtió en el primer gran culebrón de la televisión catalana, no hubiera sido el mismo sin la presencia de un actor que supo crear un personaje inolvidable, el Antoniu Aiguader que combinaba a la perfección la ternura con la zafiedad en su papel de propietario de un supermercado, que había conseguido adquirir gracias a un premio en la lotería primitiva. Las discusiones del padre con su hijo, un jovencísimo Joel Joan, atraparon la atención de los telespectadores de TV3 durante 112 episodios, una cifra desmesurada para la época pero que se ha quedado en discreta ante la longevidad de las series posteriores. El personaje marcó tanto al actor, que Cors bromeaba acerca de que en su familia había una larga lista de Miquels, pero que casi todo el mundo le llamaba Antoniu.

Cors llegó a su cita con la televisión apoyado en un sólido bagaje profesional. Sus primeros pasos sobre un escenario fueron como cantautor y una de sus canciones, Fill de Vídua, con letra de Pere Quart, alcanzó una cierta notoriedad.

Como actor participó en la experiencia de la Assemblea d'Actors i Directors que a primeros de los setenta trató de renovar la escena catalana. Obras como Flors, turbants i barretinessupusieron las experiencias más creativas y divertidas de aquellos años. Tras una de las habituales escisiones en el teatro catalán, fue uno de los artífices, boina a lo Che Guevara en ristre, de la ocupación del Born por parte del grupo de Treballadors de l'Espectacle. Junto con Silvia Munt creó una compañía profesional que ofreció obras como Ondina, en la que Miquel demostraba su amplio registro interpretativo. Posteriormente fue el compañero sentimental de la actriz y cantante Nina. Recientemente había vuelto a los escenarios, tras diez años de ausencia, con Sarabanda.

Todo ello sin olvidar su trabajo como doblador, una actividad que desarrolló a lo largo de todos estos años con notable éxito, tanto en catalán como en castellano.

Como actor de cine, Cors apareció en diversas cintas, como Mi hermano del alma o Material Urbano. Su última actuación fue en El truco del manco, de Santiago Zannou.

Dotado de un carácter fuertemente contestatario, Cors se había caracterizado por su defensa a ultranza de Valldoreix, donde vivió los últimos cuarenta años. Cors calificaba deempastifats a todos cuantos acataban sin protestar las normas del Ayuntamiento. Pregonero en una fiesta mayor a la que asistía el por entonces flamante alcalde de Sant Cugat, Lluís Recoder, Cors sorprendió al edil con un irónico discurso en el que no dejó títere con cabeza antes de definir a un atónito Recoder con el calificativo de "faraón".

Fuente: Albert Turró (www.lavanguardia.es) y TNC

25/5/10

THE HAMLET'S CIRCUS



TEXT i DIRECCIÓ: TONI MARTÍN
INTÈRPRETS: LURDES BARBA, LLUÏSA CASTELL, JAUME COMAS, PEPA LÓPEZ, FRANCESCA PIÑÓN, XAVIER PUJOLRÀS, XAVIER RIPOLL, ARTUR TRIAS i ALBERT TRIOLA
PRODUCCIÓ: CENTRE D'ARTS ESCÈNIQUES DE REUS
TEATRE ROMEA


Una hora, això és el temps que necessita Toni Martín per desenvolupar aquest Hamlet del segle XXI que deixa el Palau per viure a un circ. Qui hagi vist alguna vegada a la seva vida la peça original de Shakespeare trobarà noms de personatges que li seran coneguts però res més lluny de la realitat. Més enllà de noms, del típic 'Ser o no ser' i d'alguna llicència poètica Shakesperiana, The Hamlet's Circus és una obra completament nova.

En un món on la supremacia de la imatge per damunt de les paraules està a l'ordre del dia, on l'interès per la forma menysprea el contingut, no podia ser d'una altra manera que al segle XXI Hamlet no visqués en un circ. En un circ de cossos, on les persones s'alimenten de feres i quan més sang es mostri en cada espectacle més públic hi assistirà.

Però a l'escenari no hi ha circ, ni feres, ni sang, només actors que fan servir el poder de la paraula per transportar-nos més enllà d'elles, a un altre món que encara que creguem llunyà, està més a prop del que pensem. Amb un guió incisiu, punyent, que no deixa a ningú indiferent, i apta per a totes les ànimes que vulguin gastar un hora de la seva existència pensant i qüestionant-se el món en el que viuen.

Grans actors al damunt de l'escenari, que no necessiten ni sang ni feres per demostrar la seva vàlua. Entre ells, una grata sorpresa per als nostres ulls, Albert Triola que domina el verb, el cos i manté al públic en suspens tant al damunt com a fora de l'escenari tradicional. Però aquest saludable pastís tenia una cirereta que no ens podrem menjar mai, el paper d'Irina (treta de La Gavina de Txèkhov) i que una inconstant Lluïsa Castell provoca que enlloc de menjar-nos-la amb delit, se'ns hagi quedat a mig camí entre la incredulitat i la sobreactuació.

The Hamlet's Circus representa allò pel que el teatre va ser creat, remoure consciències i fer-nos veure la realitat des de diferents perspectives. Una vegada de tant en tant no fa mal, malgrat que a molts no els interessa posar en pràctica aquest tipus de teatre i prefereixin seguir gaudint de la màxima de 'pa i circ'.

LLUNY DE NUUK



TEXT i DIRECCIÓ: PERE RIERA
INTÈRPRETS: JORDI BANACOLOCHA, ROSA BOLADERAS, ÓSCAR CASTELLVÍ, MÍRIAM ISCLA, ANNA MOLINER, JOAN NEGRIÉ, ÀNGELS POCH, DAVID VERT, LLUÍS VILLANUEVA
PRODUCCIÓ: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA TALLERS (TNC)


La darrera proposta de la temporada del Projecte T6 gira entorn a la família. A les mitges veritats i als secrets que tots amaguen. Una família catalana es reuneix per celebrar un casament. Falten dues hores per la cerimònia i tots esperen que arribi l'hora mentres conversen i mengen caramels. Com la vida mateixa, de vegades, aquest tipus de reunions amaguen més que mostren i acaben sent una veritable drama.

Una tragicomèdia bé filada que dóna en petites dosi l'acció necessària per a mantenir un ritme adequat fins al final de la trama. Tot es mou en consonància i res queda a l'atzar. Cada personatge gaudeix del seu moment de glòria i ningú és menys protagonista que la resta. La justa mesura protagonitza tot l'espectacle.

Un text que pot ferir algunes sensibilitats que es vegin reflectides en les accions dels personatges, però que la seva versemblança es troba en haver aconseguit un perfecte teixit de personatges i de temps. Aquest cop tots els actors es situen al mateix nivell d'excel·lència interpretativa, tots els aproven amb una notable presència escènica.

El T6 tanca la seva primera temporada d'una nova era amb un espectacle que es mereix més vida fora de les quatre parets de la Sala Tallers i d'un autor/director ha tenir en compte a partir d'ara. Esperem que la propera temporada el nivell de les propostes es mantingui al menys a l'alçada d'espectacles com aquest.

19/5/10

Antonio Gil: "Lo que ocurre en el teatro es más potente que el cine en 3D"


Antonio Gil (Barcarrota, Badajoz, 1965) se marchó a París con 22 años para completar su formación como actor en la escuela de Jacques Lecoq. Lo que no sabía entonces es que pasaría dos décadas cultivando una carrera que lo ha convertido uno de los más internacionales actores españoles. Durante años ha vivido a caballo entre París y Londres, interpretando indistintamente en inglés y francés a las órdenes de los grandes directores teatrales del mundo, como Simon McBurney en el Théâtre de la Complicité o Dan Jemmett. Su currículum incluye también títulos de cine como Chocolat, de Lasse Hällstrum o El mercader de Venecia, de Michael Radford (también ha participado en su última película, La mula, en proceso de montaje). En 2008, uno de los popes de la escena actual, Peter Brook lo quiso como protagonista de Fragments, un montaje de cinco textos de Samuel Beckett que llevó de gira por todo el mundo. La colaboración con Brook se ha repetido en 11 y 12, la obra que se representa hoy por último día como parte del programa del Festival de Otoño en Primavera, en la que Gil comparte protagonismo con un elenco de siete actores de distintas nacionalidades.

¿Cómo fue su primer contacto con Peter Brook?

Vino a presentarse tras una función de La calle de los cocodrilos, en el Théâtre de la Complicité, creo que era en 1993. Luego vino a ver varios espectáculos que hice, algunos con Complicité, otros con Dan Jemmett en París. Siempre que va a ver una obra le gusta hablar con los actores. Nos seguimos viendo a través de los años, cuando yo iba a su teatro lo veía... En 2008 me llamaron para invitarme a participar en Fragments. Y parece que nos hemos llevado lo suficientemente bien como para repetir 11 y 12.

¿Qué hace de Brook uno de los grandes de la escena actual?

Tiene una trayectoria envidiablemente sólida, no sólo en cuanto a su producción, sino a su investigación y cuestionamiento de qué es el teatro, para qué sirve. Ahí están sus escritos, artículos y libros. Lo considero un investigador del acto escénico y ese cuestionamiento está vivo en su práctica teatral, en cómo afronta el trabajo. No se ha relajado para dormir en los laureles. Sigue trabajando a su ritmo. Prima la calidad a la cantidad del trabajo. Creo que tiene una visión particular de lo que hace, un toque que lo hace personal y reconocible.

Desde su perspectiva, ¿cómo se ve el teatro en España?

Lo dice todo el mundo y yo me sumo: está viviendo un momento muy interesante. Siempre que he venido en los últimos años a festivales como este, me decían: No te vengas, que aquí el nivel es otro'. Pero me ha sorprendido gratamente el hecho de que he visto que hay mucha variedad, libertad y ganas de hacer cosas. En cuanto a los medios, quizás hay un desnivel entre lo que se pueden permitir los teatros con más ayudas y otras compañías independientes que proponen un trabajo a veces menos comercial pero muy interesante. Hablo de compañías que a veces están en provincias y que se patean España entera. Madrid está quizás un poco cerrada a ese movimiento que hay en la periferia y podría sorprender. Creo que estaría bien mirar de reojo ahí. Hay una frontera por romper. Existe el peligro de que el teatro y otras artes -y esto ocurre en todas las grandes capitales- se convierta en algo elitista, que se retroalimenta y no se ve en otros sitios.

¿Por qué seguirá siendo importante el teatro en la era de Internet?

Creo que por la comunicación directa, por el hecho de que es un fenómeno colectivo. Es un acto que no puede existir si no hay esa reunión de seres humanos. Una película de cine puede funcionar aunque no haya público, está hecha. Lo que me hace creer que va a seguir existiendo el teatro aún cuando nosotros ya no estemos aquí es la reacción de los adolescentes que vienen a ver trabajos como 11 y 12. La necesidad de que nos cuenten una historia, innata en el ser humano, la cubren de muchas formas hoy, pero cuando vienen al teatro hay una cierta actitud. Lo veo en mis sobrinos. Hay algo inexplicable cuando un grupo de personas cuenta algo a otro grupo de personas, a los espectadores. Ocurre algo más potente que el cine en 3D porque hay una atmósfera, unos olores, una vibración, una expectación... Hay un público que espera que pase algo. Hay un peligro, algo puede salir mal, se puede caer un proyector... Hay un elemento de lo imprevisible que lo hace vivo. Y a los jóvenes les impacta algo tan simple que alguien se puede tropezar. El hecho de que es algo que está ocurriendo en este momento, que sea irrepetible: eso es lo que hace al teatro único.

Fuente: Isabel Lafont (www.elpais.com)

14/5/10

Un Grec japonés como el sushi

Tan japonés como el sushi. Y como el sushi, sin artificios: con buenos ingredientes, pero sin adornos ni florituras.

El Grec 2010 mira a Japón, una escena moderna que sabe beber de sus fuentes, y propone una cartelera de 65 espectáculos sin grandes nombres de consumo masivo -más allá del de Serrat, que rompe fronteras- pero con gustos exquisitos para manjares bien diversos.

Desde el país del sol naciente. Con viajes de ida y vuelta, el Panorama Japón está integrado por 15 espectáculos, donde mandan teatro y danza, aunque la música llegue de una mano tan segura como la del Sónar y Rioji Ikeda. A un plantel importante de creadores nipones por aquí desconocidos -Shiro Tatakani, Toshiki Okada, Miro Ito...- se unen los de Cesc Gelabert y Frederic Amat que ya ensayan en un centenario teatro de kabuki, el de Yamaga, un espectáculo, Ki, en el que colaboran con músicos y bailarines japoneses. También Joan Ollé que rescatará en Nô a Mishima.

Paladares clásicos. Sin ir más lejos la inauguración, aunque sea un clásico retratado desde la modernidad. Eso es lo que hará Carme Portaceli en Prometeu, con la ayuda de la actriz Carme Elías. También hay revisión en La Odisea que prepara Antonio Calvo o en el Questi Fantasmi de De Filippo en el que trabaja Oriol Broggi.

La nómina de creadores catalanes que presentará trabajo en el festival es larga y abultada: T de Teatre regresa, bajo dirección de Alfredo Sanzol, con Delicades; Joan Maria Gual dirige La lección; Julio Manrique se las ve con Neil LaBute en Coses que dèiem avui; David Selvas se enfrenta a La gavina; y estrenan Fora de joc de Sergi Belbel.

Así es Wild cursive, la propuesta de Cloud Gate Dance Theater de Taiwan. Y también los regresos a la cartelera catalana de la compañía Rosas, la coreógrafa Marta Carrasco (Dies Irae) o Sidi Larbi Chercaoui en compañía de María pages con Dunas.

Aunque ya catado, muchos no conocen aún el paladar de Bijan Sheibani, que triunfó ya en el Grec con The Brothers size y ahora retorna con Eurydice, un texto de la norteamericana Sarah Ruhl. También será singular Bolívar, fragmentos de un sueño, un poema épico musical cocinado por la pareja integrada por William Ospina y Omar Porras. Y mucho se puede esperar Amb els peus a la lluna, una ópera documental de Antoni parera (música) y Paco Azorín) dirección que interpretará la gran soprano María Bayo.

Fuente: Núria Cuadrado (www.elmundo.es)

12/5/10

Àlex Rigola nombrado Director de la sección de Teatro de la Bienal de Venecia


El director teatral Alex Rigola (Barcelona, 1969) ha sido nombrado esta mañana responsable del sector teatro de la Bienal de Venecia por un periodo de dos años que abarca las ediciones de este 2010 en curso y del 2011. En el sector de las Artes Visuales ha sido nombrada la austriaca Bice Curiger como directora con el encargo específico de organizar la próxima 54 bienal de 2011.

El Consejo de Administración de la Bienal de Venecia se ha reunido bajo la presidencia de Paolo Baratta, recalcando que estos nombramientos obedecen a un momento de intensa actividad de laboratorio en todas las artes, y específicamente en las escénicas en cuanto investigación y zonas experimentales.

Alex Rigola firmó su primer trabajo como director teatral a los 27 años a partir de un texto de Heiner Müller. Después en 1997 puso en escena Kafka: El proceso; Las troyanas de Eurípides (1998); The water engine de David Mamet (1999), todas ellas en el Festival Internacional de Teatro de Sitges. En 2000 debuta en el Festival Grec de Barcelona y continúa una carrera premiada y con amplio reconocimiento de la crítica. Ha trabajado en el Teatre Lliure, donde montó Suzuki I y II de Alex Xipenko. Otros montajes suyos han sido el Woyzeck de Büchner en el Grec yLas variaciones Goldberg de George Tabori en el Teatro Nacional de Cataluña. En 2004 hace su primer Beltor Brecht y en 2005 su primer Shakespeare: Ricardo III para el Festival de Teatro Clásico de Almagro. Con un montaje sobre una pieza de O'Neill gana el Premio Notodo en el Teatro de La Abadía de Madrid (2006). En 2007 hizo una adaptación escénica de la novela inconclusa de Roberto Bolaño 2666 para el Grec que recibió grandes elogios de la crítica y varios premios. Tiene además un Premio Max (2009) y desde 2003 es director del Teatre Lliure de Barcelona.

Por su parte Bice Curiger fue desde 1993 comisario principal del museo Kunsthaus de Zurich, uno de los más señalados del arte moderno y contemporáneo europeo. También es la cofundadora y redactora-jefe de la revista de arte contemporáneoParkertt, que se editaba alternativamente en Zurich y Nueva York. Desde 2004 es la directora de la revista Tate etc, dependiente de la Tate Gallery de Londres. En 2001 fue comisario en el Palais de Tokio de París y entre 2006 y 2007 ostentó la cátedra Rodolph Arnheim de la Universidad Humboldt de Berlín. También fue jurado del Premio Turner en 1996 y desde 1988 a 1992 del DAAD de Berlín. En 2007 junto a Vicente Todolí se encargó de la retrospectiva en Tate Gallery de Peter Fischli y David Weiss.

Fuente: Roger Salas (www.elpais.com)

9/5/10

DUET PER UNA SOLA VEU


TEXT: TOM KEMPINSKI
TRADUCCIÓ: ERNEST RIERA
DIRECCIÓ: MAGDA PUYO
INTÈRPRETS: ÀNGELS BASSAS, MINGO RÀFOLS i les violinistes CORNELIA LÖRCHER i MARIA ROCA
PRODUCCIÓ: FOCUS
TEATRE ROMEA


Una jove cel·lista, Stephanie Abraham, veu com ha d'abandonar la seva vida, la seva passió, allò que li fa viure, la seva carrera musical quan li van diagnosticar una esclerosi múltiple que va minvar irreversiblement les seves genials capacitats. Davant això cau en una depressió i el seu marit la recomana visitar al psiquiatra, Dr. Alfred Feldmann, per sortir-ne del pou.

L'obra explica totes les seves trobades, en les que Stephanie va descobrint part de la seva vida, no només com l'afecta la seva malaltia, sinó el seu passat des de la més tendra infantesa. Ella és la veu d'aquest duet. Les seves pors, les seves mancances d'afecte i comprensió del seu pare quan era petita, la mort de la seva mare. I sobre tot, la seva fortalesa per afrontar-lo tot i seguir vivint.

Àngels Bassas es troba davant d'un dels reptes més complicats de la seva carrera i es mostra colossal. Simplement brillant, en cadascun dels moments que es manté a escena. Ella és Stephanie de principi a fi. Bassas aporta molts matisos al seu personatge, en un viatge ple de sentiments i d'estats d'ànim, de l'enteresa i la resignació inicial fins a l'enfonsament i desesperació del penúltim diàleg.

Mingo Ràfols, amb una perfecta sobrietat acata cada silenci, cada paraula de la seva interlocutora. El seu és un exercici de paciència, de mantenir-se perfecte i disciplinat a cada segon, mantenint el ritme de la peça i en un tira i afluixa constant amb els diàlegs entre el Dr. Feldmann i Stephanie. Aquesta aparença de contenir-se davant de totes les envestides dialèctiques de la seva companya a l'escenari, fan que brodi notablement el seu personatge.

El tercer personatge, la violinista, Cornelia Lörcher, rememora el passat musical d'Stephanie i li recorda allò que mai més podrà tornar a fer, el seu món, la seva vida, que mai recuperarà.

Duet per una sola veu conjuga un bon text amb dos dels millors actors de la Companyia Teatre Romea, que normalment queden relegats a papers secundaris a d'altres funcions i que per fi han tingut un paper a l'alçada de les seves qualitats interpretatives. La millor obra del que portem de temporada i un imperdible d'aquestos que exigia més temps de vida.

TODOS LOS GRANDES GOBIERNOS HAN EVITADO EL TEATRO ÍNTIMO



CREACIÓN Y DIRECCIÓN: DANIEL VERONESE
INTÉRPRETES: MARA BESTELLI-ELVIRA (PIPI) ONETTO, CLAUDIO DA PASSANO, OSMAR NUÑES, SILVINA SABATER, MARCELO SUBIOTO
PRODUCCIÓN: COMPAÑÍA DANIEL VERONESE y IBERESCENA
ESPAI LLIURE (TEATRE LLIURE)


Para todos aquellos que vieron la primera parte del homenaje de Daniel Veronese a Henrik Ibsen, Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo, les habrá sabido a poco. Volviendo a retomar las características principales del teatro del creador y director argentino, esta pieza pierde la frescura y la potencia teatral que se pudieron ver en El desarrollo de la civilización venidera. Entonces era Nora la protagonista, ahora es Hedda.

Si bien el personaje de Ibsen es una mujer fuerte, con las ideas muy claras desde el principio y que necesita un cambio vital importante, para Veronese, Hedda se convierte en una duda constante, necesita cambiar pero es demasiado inestable en sus emociones. Permanece durante toda la función jugando con el espectador, haciéndole creer que el final esperado y ya escrito no se producirá.

Los personajes está vez viven dentro de un teatro, son carne de función, piensan, actúan, respiran a tenor de lo que el público podía esperar de ellos. Algunos repiten, como Mara Bestelli, en un papel con ciertas similitudes al anterior, pero que la actriz sabe perfectamente cómo hacerlo diferente. Hedda es Silvina Sabater, que con luces y sombras dibuja un perfecto guión.

Todos los gobiernos han evitado el teatro íntimo batalla con la diatriba de las relaciones personales, sociales, los deseos individuales, lo que la sociedad espera de cada uno y lo que cada uno desea para sí. Todo ello sobre una pátina de lo que podría ser un inicio de crítica al uso del teatro actual como mero entretenimiento de masas.

Veronese vuelve a mostrar que detrás de cada clásico aún hay vida, y que entre el principio y el desenlace de cualquier obra, se encuentra lo más suculento de la función. Aunque segundas partes nunca fueron buenas, ésta sería la excepción que confirma la regla.

8/5/10

La verdadera madre coraje


La verdadera Madre Coraje no es la de Bertolt Brecht. La auténtica Madre Coraje es Cindy Sheehan, la mujer que se plantó ante el rancho de George W. Bush en Texas para saber por qué había muerto su hijo en Irak. Y la historia de esa ama de casa que un día cogió unos pocos bártulos para pedir explicaciones al presidente de Estados Unidos que había mandado sus tropas a invadir un país es la que cuenta Madre paz. La obra, que mañana comienza sus funciones en el Teatro Galileo, es un texto de Dario Fo y Franca Rame que dirige Carlos la Rosa y representa un reparto encabezado por María José Goyanes.

La actriz regresa así al mismo espacio donde representó su última obra hace un par de años. Si entonces interpretaba a una asesina de su marido que se enfrentaba a una pijita que le tocaba como compañera de celda, ahora cambia de registro y se mete en el papel de una mujer a la que el mundo se le viene encima cuando recibe la noticia de que lo que más quiere ha muerto en un sitio lejano. "Para Cindy es un 'shock' terrible, como para cualquier madre que pierde un hijo", explica Goyanes.

La situación la cambia por completo. Pasa de ser "una ingenua ama de casa" a una persona que busca la información que le haga comprender lo que ha pasado por lo que entabla contacto con los grupos que se oponen a la guerra. Hasta que un día, después de ver un documental sobre las mentiras de la invasión, Sheehan decide plantarse ante la casa de vacaciones del presidente y pedir una entrevista con él en la que le explique los motivos de la muerte de su hijo y de otros 2.000 soldados más en Irak.

"Eso es lo más conmovedor de todo, lo que te llega directo al corazón", reflexiona la actriz. "El cómo una persona sencilla, desde su pureza y su ingenuidad es capaz de cuestionar a todo un gobierno, a toda una maquinaria burocrática, a la que al principio no hacen caso, pero que se acaba convirtiendo en un grano en el culo" de los defensores de la guerra. Para Goyanes, la clave está en "la determinación, la fe de las personas que con su protesta sencilla ante algo en lo que no creen acaba moviendo el mundo".

En el caso de su insistencia empezó a cambiar la situación en Estados Unidos. Al principio la mujer fue vista como una excéntrica o medio loca que aportaba algo de colorido en plenas vacaciones de verano. Pero poco a poco, atrajo la atención de los principales medios de comunicación de todo el mundo consiguiendo que más personas, incluidos famosos como Susan Sarandon o la veterana de las protestas contra la contienda de Vietnam, Jane Fonda, se sumaran a su protesta y preguntaran en nombre de qué, si del petróleo o de otros intereses, comenzó la guerra. Hasta que lo que fue una pequeña acción se convirtió en una marcha desde Texas a Washington.

Todo eso aparece en el texto de Fo y Rame. Madre Paz es una obra en la línea comprometida de la pareja y con la profundidad que les caracteriza. "Tiene una estructura atípica, con 'flash backs' que presentan a Cindy con su hijo antes de alistarse u otras situaciones y el uso de pantallas, pero manteniendo la sencillez y conmoviendo desde el inicio, que arranca a una altura impresionante», dice Goyanes, que nunca había interpretado una obra del Nobel de Teatro y de su mujer. Los dos autores mantienen el tono amable y divertido que les caracteriza en la forma, del que luego emerge un duro y poderoso fondo.

Fuente: Rafael Esteban (www.elmundo.es)

Enron se arruina en el teatro


Realidad y ficción comparten un destino común. Una obra británica sobre el colapso de la compañía Enron fracasa también en los escenarios de Broadway. Tras apenas 15 funciones, sus productores estiman que, como la crisis finaciera, este espectáculo ha caído tabién en la bancarrota con pérdidas de más de cuatro millones de dólares.

Parece que es un tema complicado en Estados Unidos, ya que pese a las buenas críticas y la nominación a los Tony que recibió el montaje en Reino Unido, los periódicos más importantes de América aportaron comentarios "poco entusiastas" a la obra, según informa la 'BBC'.

Sus productores opinan que el cierre de la obra, Enron es "bastante menos atroz" que la realidad que llevó a la empresa energética de Texas que constituyó un verdadero fraude de miles de millones de dólares en 2001. Por orgullo británico o por su importancia en el mundo económico, se han hecho eco de la noticia casi todos los periódicos británicos.

De acuerdo con Mateo Byam Shaw, uno de los productores, la representación podía confundir y perturbar al público conservador de Broadway. La visión del dramaturgo vodevil Lucy Prebble y el director Rupert Goold pudo parecerles "inquietante, extraña, extravagante y de alguna manera anti-estadounidense" informa 'The Times'.

Pero otros culpan de este fracaso al crítico teatral del periódico 'New York Times', Ben Brantley, que ejerce un poder mucho mayor sobre Broadway que cualquier individuo sobre la escena teatral. Este periodista escribió:"es una exploración del humo y espejo de las prácticas financieras que no es mucho más que humo y espejos en sí mismo"(...)" No se ha dado, según yo, un tratamiento teatral adecuado a la historia de Enron", como se puede leer en el periódico norteamericano.

Fuente: María Jurado (www.elmundo.es)

6/5/10

Sam Mendes desencadena su tempestad


Sam Mendes estrena en el Teatro Español La tempestad, un montaje basado en la obra de William Shakespeare que se podrá ver en el escenario madrileño hasta el 9 de mayo y que forma parte del Bridge Project, una iniciativa transatlántica que une al londinense Old Vic y a la neoyorquina Brooklyn Academic of Arts para mayor gloria del 'Bardo de Avon'.
Con intérpretes como Stephen Dillane -ganador del premio Tony por The Real Thing-, Michelle Beck, Ron Cephas Jones, Thomas Sadoski, Juliet Rylance y Christian Camargo en el reparto, la obra explora las intrigas políticas tejidas en torno a Próspero, duque de Milán que ve cómo su hermano Antonio le arrebata su puesto, lo que desencadena una explosión de furia. Gracias a la ayuda de seres invisibles a medio camino entre los dioses y los hombres, elabora un sortilegio con el fin de vengarse. Sin embargo, acaba perdonando a sus enemigos y permitiendo el matrimonio entre su hija Miranda y Ferdinando, el hijo del rey de Nápoles.
Enfrascado en este proyecto, Sam Mendes ha tenido poco tiempo para pensar en Kate Winslet, la mujer con la que se casó en 2003 y de la que se ha separado recientemente. También le ha servido como 'anestésico' ante la suspensión del rodaje de la nueva entrega de James Bond, que iba a dirigir antes de que los problemas económicos de la Metro Goldwyn Mayer dejasen sin fecha el regreso del Agente 007, quedando su agenda cinematográfica en blanco.
Se trata del segundo desembarco del Bridge Project en Madrid, después de que el año pasado actores como Ethan Hawke (Gattaca) o Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona) representasen otras dos joyas de Shakespeare, El jardín de los cerezos y Cuento de invierno, con un extraordinario éxito de público -más de 160.000 euros recaudados- y de crítica. Para esta ocasión, Mendes, el oscarizado director de American Beauty, ha elegido Como gustéis, una obra que ya llenó el patio de butacas del Español entre el 29 de abril y el 2 de mayo, y La tempestad.
Los orígenes del Bridge Project se remontan a 2002, cuando Sam Mendes llevó al Donmare Warehouse de Londres dos textos clásicos: Tío Vania, de Chejov, y Noche de reyes, de Shakespeare. Poco después, las trasladaba al Harvey Theatre de la Brooklyn Academic of Arts. Fue así como el realizador británico -que se inició en la escena a finales de los años ochenta y que formó parte de la Royal Shakespeare Company- comenzó a elucubrar la idea de articular un cauce para que artistas procedentes de ambos lados del Atlántico se beneficiasen mutuamente de sus conocimientos y talentos.
Mendes encontró al perfecto aliado para llevar a buen puerto su propósito en la figura de Kevin Spacey, al que había convertido en una suerte de Humbert Humbert atrapado por la moderna ‘lolita’ Mena Suvari en American Beauty. El protagonista de Beyond the Sea había debutado en el teatro con una obra de Shakespere (Enrique IV) y desde 2004 desempeñaba el puesto de director artístico del Old Vic de la capital británica. La tercera pata del proyecto sería Joseph V. Melillo, productor ejecutivo de la Brooklyn Academic of Arts (BAM) desde 1999. Caro Newling, viejo colaborador de Mendes, completaría el póker de ases necesario para poner en marcha la idea.
En 2009 comenzaba a funcionar el Bridge Project, representando un programa doble de obras clásicas con el que la compañía recorrería el mundo. El jardín de los cerezos y Cuento de inviernofueron las elegidas para la puesta de largo de una iniciativa que pasó por escenarios como el Singapore Repertory Theatre, el Ruhrfestspiele Recklinghausen alemán o el The Edge Performing Arts Centre neozelandés y que culminó en el Athens & Epidaurus Festival griego.
Este año, las representaciones arrancaron en enero en Nueva York y finalizarán en agosto en Londres. En el camino habrán quedado Hong Kong, Singapur, París, Madrid, Recklinghausen (Alemania) y Amsterdam.
Un periplo que viene a demostrar el apego de Sam Mendes, un director que siempre ha resaltado que sus películas más comerciales no son sino una forma de conseguir financiación para otras aventuras más personales, hacia el teatro. No es extraño ya que este cauce de expresión le viene como anillo al dedo a un realizador que encontró en él a su primer amor y que no se muestra dispuesto a abandonarlo. De momento, ya ha confirmado que el Bridge Project contará con otro año de vida.
Fuente: Óscar Bellot (www.abc.es)