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31/3/11

PETITS CRIMS CONJUGALS


TEXT: ERIC-EMMANUEL SCHMITT
TRADUCCIÓ: SERGI BELBEL
DIRECCIÓN: XISCU MASÓ
INTÈRPRETS: RAMON MADAULA i LAURA CONEJERO
PRODUCCIÓ: BITÒ PRODUCCIONS, RAMON MADAULA S.L. i 3XTR3S
TEATRE POLIORAMA


La crisi de parella puja a l'escenari de la mà d'Eric-Emmanuel Schmitt que fa dues temporades va enlluernar al públic barceloní amb El Llibertí (també protagonitzat per la mateixa parella d'actors). Però no ens confonem, les dues obres no tenen res a veure fora de ser del mateix autor i estar interpretades pels mateixos actors. Allà es filosofava, aquí s'interroga sobre la vida, sobre la realitat.

Una parella, Gilles i Lisa, intenta tornar a la seva vida quotidiana després d'un accident domèstic que ha deixat sense memòria a Gilles. És un tornar a començar de nou des de zero i un intent per posar les punts sobre les íes d'aquelles coses que estaven poc clares. El joc amb l'espectador es constant i fins al final, amb una història força ben tramada que no deixa res sense resoldre.

Com ja van demostrar a El Llibertí Ramon Madaula i Laura Conejero tenen una química especial a dalt de l'escenari i a Petits Crims Conjugals això juga molt al seu favor. Tots dos controlen el tó i resulten força convincents. Amb una escenografia realista i molt simple, que amaga poques coses, els actors es deixen portar per un text que es el veritable protagonista de tot. Però com a obra no es troba a l'alçada de El Llibertí, i es queda en un simple entreteniment amb una pàtina de intel·lectualitat en cadascuna de les seves teories.

Xiscu Masó signa una direcció conservadora de l'obra, sense arriscar-se, deixant que els actors portin el seu ritme, de vegades massa pausat. Però malgrat això l'obra es qui porta l'espectador al desenllaç i no a l'inrevés, i després de escassa hora i mitja aquest abandona el teatre amb una sensació de que el que li han explicat ja li sonava.

García Lorca, contra la intolerancia en Pakistán


Lo mejor es callarse si se tienen ideas liberales en Pakistán. Oponerse públicamente a la ley de la blasfemia, que castiga con muerte al acusado, puede ser fatal. Quedó más que comprobado con el asesinato, a manos de radicales islamistas, de Salman Taseer, gobernador del Punjab, el Estado más poblado de Pakistán y después del de Shahbaz Batí, ministro de minorías. Sin embargo hay quien no se calla. Como el grupo de teatro Ajoka, que desde 1992 presenta la obra Mira el 'show' y continúa que critica duramente la ley de la blasfemia, que según muchos activistas es usada para venganzas personales y contra las minorías. Desde el asesinato del gobernador y del ministro, Ajoka ha estado representando esta obra por Pakistán, a riesgo de ser atacados por los fundamentalistas. La obra cuestiona al espectador: puede quedarse callado y ver cómo acusan de blasfemia y llevan a la horca a intelectuales, profesores, trabajadores sociales y todo tipo de ciudadanos. Sin embargo tarde o temprano, el problema les tocará de cerca.

Este grupo de teatro surgió en los ochenta como oposición al régimen del dictador Muhammad Zia ul Haq que comenzó una campaña de islamización del país. Pero ahora, "con una generación de gente que ha crecido rodeada de radicalismo, la función de Ajoka es cada vez más importante", asegura su directora, Madeeha Gauhar.

Todas las obras que representan son de autores paquistaníes, excepto por Bertolt Brecht y Federico García Lorca, que son los únicos dos occidentales que han sido representados. De Lorca han retomado Bodas de Sangre y La casa de Bernarda Alba. "García Lorca es muy relevante para la sociedad paquistaní: escribió de problemas relevantes para su época. Y en estos momentos, Pakistán todavía está sufriendo con ese tipo de represiones", dice Gauhar.

En Pakistán "desafortunadamente hay muy poco espacio para el debate", asegura. Aunque los fundamentalistas son la minoría, tienen el poder de aterrorizar a la gente. La guerra contra el terrorismo podría tener cierto éxito en la eliminación física de los radicales, como talibanes y Al Qaeda, pero sigue quedando el gran reto de cambiar la mentalidad intolerante: "Y para ello la cultura es la mejor manera de llegar directamente a la gente, es el medio más poderoso", dice la directora.

Cárcel y amenazas de muerte

Muchos de sus casi 30 actores han pasado por la cárcel, han recibido amenazas de muerte y sus obras han sido prohibidas. Sin embargo la compañía sigue con sus presentaciones. "No podemos permitirnos el lujo de tener miedo. La supervivencia nos va en ello: nuestro espacio, nuestra fe en lograr un país democrático y secular", dice Gauhar. La entrada es gratis para todo el que vaya a verlos y el grupo se mantiene gracias a donaciones, siendo la cooperación noruega uno de los donantes más importantes.

Por el afán de "logar un Pakistán más libre, secular y tolerante" el grupo pone en escena obras controvertidas para la sociedad paquistaní. Por ejemplo, Burkavaganza, "una historia de amor en los tiempos de la yihad" que se ríe de todos: sociedad, fundamentalistas, partidos políticos, Gobierno y hasta los estadounidenses.

Habla del cada vez más extendido uso del burka en Pakistán. La directora es tajante: "no creo que deba ser prohibido, pero debe haber libertad de no usarlo. Cualquier mujer en buen uso de sus facultades mentales rechazaría usarlo: creo que la mayoría son forzadas por su familia o la sociedad", opina. Para ella, esta prenda musulmana afecta la personalidad y la libertad de las mujeres.

Sexismo

En Pakistán la desigualdad de las mujeres es lacerante: una mujer no puede heredar la misma extensión de tierra que su hermano o se necesitan dos de ellas para que cuente como un testigo en el tribunal. La presión de los extremistas es tanta, dice la directora, que incluso la ex primera ministra Benazir Bhutto se cubría la cabeza con un velo "para proyectar la imagen de una buena musulmana".

Ajoka también representa obras sobre personajes históricos que hablan de tolerancia, como "Bullah" que habla del santo sufí Bulle Shah que pregonaba un mensaje de paz. En la visión de Ajoka, no es necesario importar ideologías de occidente: en el sufismo, que está muy presente en Pakistán se promueve la tolerancia, la compasión y el amor.

Fuente: Ana Gabriela Rojas (www.elpais.com)

El otoño vuelve por primavera


Ha llegado a su 26ª edición y por segundo año consecutivo se llama Festival de Otoño en Primavera, lo que hace pensar que algo que tuvo unos inicios algo jocosos y casi estrafalarios (lo del nombre nuevo, claro) a lo mejor se acaba convirtiendo en una personal seña de identidad. El caso es que, del 11 de mayo al 5 de junio, Madrid acogerá una treintena de espectáculos firmados por grandes popes de la escena mundial como Romeo Castellucci, Luc Bondy, Rimas Tuminas, Peter Brook, Jan Fabre o Israel Galván. Esta edición incide en lo mismo que las anteriores, que no siempre han logrado el mismo nivel de excelencia artística al que se nos ha acostumbrado últimamente: su vocación internacional y su objetivo último de mostrar lo mejor que se produce en el mundo dentro de las artes escénicas.

El festival contará con 31 estrenos (cuatro absolutos y 17 en España). Se inaugura con uno de los dos exquisitos shakespeares que trae la compañía Propeller, integrada únicamente por hombres, como en la época isabelina. Los dos los dirige Edward Hall.

Otra de las más esperadas producciones es la del autor y director italiano Romeo Castellucci, que demuestra gran poder visual, plástico y sonoro en On the concept of the face, regarding the son of God, y la Compañía 111 y su teatro visual y marcadamente físico creado por Aurélien Bory. Para degustadores de clásicos contemporáneos, el concierto de Philip Glass con Tim Fain o el de Laurie Anderson. El gran innovador del flamenco Israel Galván acude con dos producciones y también dentro de la danza está la que llaman heredera del trono de Pina Bausch, la alemana Sasha Waltz. Y para dejar claro que los rusos en esto del teatro son excepcionales, está el impresionante montaje de uno de sus gurús, Rimas Tuminas, con el Teatro Nacional Evgueny Vakhtangov.

Algunos grandes repiten en la muestra. Patrice Thibaud, con dos montajes, Luc Bondy revisitando a Ionesco y Peter Brook con su elogiada y teatral lectura de la obra de Mozart: Una flauta mágica.

Argentina estará representada por directores como Claudio Tolcachir, Lautaro Perotti, Ciro Zorzoli (un descubrimiento) y la conocida actriz Soledad Villamil como cantante.

España aportará dos estrenos absolutos, uno de Angélica Liddell y otro de Eusebio Lázaro. También son producciones españolas la del joven israelí Sharon Fridman, la de la directora, actriz y cantante Fátima Miranda, y una propuesta que fusiona a Lorca y a Shakespeare puesta en pie por Juan Carlos Corazza.

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)

Oriol Grau dirigeix una comèdia sobre la identitat catalana


L'actor i director Oriol Grau dirigeix al teatre Bartrina de Reus l'estrena deMuntanyes nevades (banderes al vent), una obra sobre "la identitat nacional dels catalans". "És un homenatge als polítics municipals, que estan més prop de la gent i reben els insults directament", ha afegit el director. "Crec que hem aconseguit reflectir el que preteníem". L'obra, que es representarà al Bartrina els dies 2 i 3 d'abril i després a Tarragona, és un text del periodista Toni Orensanz que porta a les taules la companyia reusenca Teatre Estable del Baix Camp (Tebac), que aquest any celebra el seu trentè aniversari.

Toni Orensanz ha escrit el text basant-se en la visita que va fer el 1936 a Falset el llavors conseller Josep Tarradellas. "Amb motiu de la visita, es va muntar un gran embolic a l'Ajuntament sobre quines banderes havien de presidir la corporació municipal", ha explicat Orensanz, que, a partir d'aquest fet, ha ordit una comèdia que passa a la sala d'un ajuntament català qualsevol de 150 habitants. "Això segueix passant avui dia, encara hi ha discussions per les banderes quan es produeix una visita", ha afegit l'autor, per a qui es tracta d'una obra "molt de Berlanga" i d'humor "patriòtic i estripat". Segons el seu parer, "Muntanyes nevades" és una obra de "teatre popular" que "vol fer riure a partir de les guerres de banderes i de les neures col·lectives".

Font: www.ara.cat

30/3/11

LES TRES GERMANES


TEXT: ANTON TXÉKHOV
ADAPTACIÓ i DIRECCIÓ: CARLOTA SUBIRÓS
INTÈRPRETS: PEPO BLASCO, ROSER CAMÍ, JORDI COLLET, MIA ESTEVE, EDUARD FARELO, VICTOR PI, ALBA PUJOL, BERNAT QUINTANA, XAVIER RUANO, ANNA SAHUN i ERNEST VILLEGAS
PRODUCCIÓ: TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE MONTJUÏC


Carlota Subirós culmina la seva estada en el Lliure amb un Txékhov sense floritures. Ens trobem amb una escenografia molt nua, amb els mobles imprescindibles que requereix l'acció. Res de vestits d'època, tampoc moderns, els personatges vesteixen de manera simple perquè aquí ho més important és la paraula.

Subirós condensa en dues hores tota l'acció, lluny d'altres versions i el·liminant totes les parts i personatges superfluos. Tot el que hi ha és perquè ha d'estar, sense més. Una versió molt clàssica, amb els actes perfectamente delimitats amb la "caiguda" de teló inclosa però que malgrat tot agafa un ritme massa lent en algunes escenes.

Repartiment de luxe encapçalat per Mia Esteve, Roser Camí i Alba Pujol com les tres germanes, i amb uns secundaris excepcionals com Pepo Blasco, Eduard Farelo o Victor Pi. Petites però significatives actuacions de Bernat Quintana, Jordi Collet i Anna Sahun.

I entre ells, la música que acentua el desig de totes les germanes, però sobre tot la Irina (Alba Pujol), la més petita, de marxar cap a Moscou, el seu paradís, cap a una vida millor. Un text ple d'actualitat que per sort o per desgràcia s'ha complert, nosaltres som aquells que Txékhov veia com a esperança d'una vida millor i estem més o menys com fa 100 anys.

Teatro para ser todos iguales


A veces para la felicidad basta tan solo con una mochila. O por lo menos, a Salva sí le bastaba. Este señor mayor con discapacidad mental no paraba de bailar, feliz como unas pascuas, por el regalo que acababa de recibir. Al pequeño Jorge en cambio no le hacía falta siquiera un regalo: subir al escenario del teatro madrileño Figaro Adolfo Marsillach para actuar había sido suficiente. Risueño y emocionado, repetía de sí mismo "soy un gran actor, la leche". Cualquiera de los otros más de cien discapacitados físicos o psíquicos que acudieron esta mañana al taller de teatro interactivo organizado por la compañía de la actriz Blanca Marsillach, Fundación Repsol y Varela Producciones hubiera valido como ejemplo de la atmósfera que se respiraba.

Por segundo año consecutivo, las tres entidades han organizado una función teatral dividida en dos partes. La primera, fragmentos de la comedia Buscando a Hilary, en versión reducida, adaptada para el público de esta mañana y representada por actores de la compañía de Marsillach: una obra que busca enseñar a los asistentes que hay que perder el miedo al fracaso y a la dificultad. La protagonista, Hilary, interpretada por Blanca Marsillach, es una mujer insegura que alberga en su mente personajes imaginarios que meten el dedo en la llaga de todas sus dudas.

Terminada la obra, el público se hacía protagonista a través del taller interactivo. Actuaciones, bailes, canciones: los chicos y chicas, señoras y señores discapacitados(que los actores llamaban a subir al escenario) respondían con entusiasmo y sin miedo escénico. Todos levantaban la mano para ser elegidos y enfrentarse a los retos que les proponían. Gonzalo (60 años, bigote blanco y gafas) aseguraba ser "actor", pedía un momento para improvisar una performance. Iván, un joven con camisa y vaqueros negros, recitaba un poema. Y Santi, bajito con camisa blanca y corbata azul, cantaba a gritos una canción de David Bisbal haciendo que muchos se levantaran de sus butacas para bailar.

"Con ellos aprendo la humildad. Viven la vida de una forma más plena", afirmaba en el teatro ya vacío Blanca Marsillach a propósito del público de esta mañana. Y el director del área social de la Fundación Repsol, Javier Inclán, aseguraba que gracias al teatro las personas discapacitadas aprenden "muchos valores y trabajan en grupo, se hacen partícipes de una comunidad". Según Inclán, la integración de esta categoría social es una de las "asignaturas pendientes" de la sociedad española. Y Marsillach remataba que una de las claves sería, en el futuro, realizar obras de teatro con un elenco de actores con y sin discapacidad.

Hacía poco más de 10 minutos que el evento había terminado. Con abrazos y besos para todos, tal y como había empezado. Susana, quien en una de las pruebas tenía supuestamente que hacerse de rogar y aceptar solo a los chicos que le sedujeran con una palabra bonita, se levantaba y lanzaba sus brazos en torno al cuello de todos. Y Jorge superaba a pedir de boca el desafío de contar un chiste como si estuviera en la gala de los Oscar. Todos se reían. A nadie le importaba que el cuento empezara con "un francés, un portugués y un español" y terminara con un inglés que, aparecido de la nada, cogía un avión para Portugal.

Fuente: Tommaso Koch (www.elpais.com)

29/3/11

Un Hamlet poético y "dandy" se instala en la Sala Atrium

Un Hamlet poeta, "dandy", filósofo, hijo y amante se instalará a partir de mañana en la nueva sala Atrium de Barcelona en la obra Hamlet-Laforgue, dirigida por Jordi Prat i Coll e interpretada por Raimon Molins, Guillem Gefaell y Cristina Noguer.

El espectáculo parte de un texto de Jules Laforgue, un escritor nacido en Montevideo en 1860, que murió de tuberculosis en París a los 27 años, en el que revisa al héroe de Shakespeare a través de sus múltiples caras y lo enmarca en la corriente simbolista de finales del siglo XIX francés.

Jordi Prat i Coll ha explicado que se trata de una narración "muy poética, muy libre" que lleva a pensar en la escritura automática y muy de "la sensibilidad del siglo XIX". A su juicio, Laforgue dibuja un personaje post-romántico, con ganas de alejarse de la sociedad de su momento para poder encontrarse a sí mismo, en pleno auge del capitalismo, y que sería una especie de "alter-ego" suyo para buscarse en las palabras, "en la pulsión de muerte, de vida y de náusea existencial".

En el escenario, Raimon Molins será el principal protagonista de la historia, complementado por Guillem Gefaell y Cristina Noguer, que encarnarán a varios personajes, desde los enterradores hasta el Laertes de Shakespeare. Hamlet-Laforgue estará en escena entre los días 30 de marzo y 1 de mayo en la nueva sala Atrium, inaugurada en enero de este año, y que asegura una relación íntima entre el público y los actores.

Fuente: www.lavanguardia.es

El humor negro de Bernhard llega a la Sala Muntaner

El teatro satírico y cargado de humor negro de Thomas Bernhard llega mañana a la Sala Muntaner de Barcelona de la mano del director Joaquim Candeja Isaac, que pone en escena El Ignorante y el demente, una obra clásica del repertorio bernhardiano que, sin embargo, es una gran desconocida en España.

Tras cinco únicas funciones en Madrid, El Ignorante y el demente recala en Barcelona durante todo el mes de abril para ofrecer al público la atroz comicidad de Bernhard.

Dos espacios únicos, un camerino y un apartado en un restaurante, son los escenarios donde el autor expone sus principales obsesiones: la enfermedad y el arte.

Josep Albert, Jesús Ruymán, Ana Caleya, Pilar Barrera y Paco Celdrán forman el reparto de esta obra, protagonizada por una aclamada cantante de ópera, su padre alcohólico y un médico forense angustiado por la muerte e incapaz de terminar de escribir el libro científico que le ocupa desde hace veinte años.

El Ignorante y el demente es, desde el escándalo que causó en su estreno en el Festival de Salzburgo en 1972, un clásico moderno, que explora el tema del absurdo en la vida y las presiones que llevan a las personas al borde de la locura.

La escena en la que el doctor realiza una autopsia con 'La Flauta Mágica' de fondo o la simbólica inmolación sobre el escenario son dos buenos ejemplos del lenguaje metafórico de Bernhard.

Fuente: www.lavanguardia.es


La Uña Rota completa la 'Obra Inacabada' de Bertolt Brecht

Dieciocho Libros Inútiles, cuatro volúmenes en la colección Libros del Apuntador, otros tantos Libros robados y, ahora, la editorial segoviana La Uña Rota publica la Obra inacabada de Bertolt Brecht, uno de los escritores más influyentes del siglo XX.

No es casualidad en la editorial que todo lo cuida, -formato, firmas, autores, presentación y ritmos de publicación- haber elegido al dramaturgo, poeta y actor que revolucionó el teatro del siglo XX.

Obra inacabada es el volumen con el que los independientes de La Uña Rota, que llevan quince años en el mercado editorial delicatessen, abren su catálogo de 2011.

El nuevo libro consta de ocho obras hasta ahora inéditas, en castellano, y de una serie de ejercicios prácticos para actores, donde, según los responsables de la editorial, "aparece y puede reconocerse el mejor y más actual Brecht".

La traducción ha sido realizada por Miguel Sáenz y se cierra con un texto de César de Vicente Hernando que en el epílogo plantea hasta qué punto las obras reunidas en el libro son de veras inacabadas, o bien, "formas de indagación como las restantes de su producción".

Con este volumen La uña Rota completa el teatro de Brecht en español, publicado por Alianza y recogido en un solo volumen, en 2006, por la editorial Cátedra.

Entre los textos de la publicación de 230 páginas (16 euros), destacan Aníbal, La panadería, De donde no hay nada no se puede sacar nada, y Caída del egoísta Johann Fatzer que, en palabras del traductor Miguel Sáenz, "destaca con luz propia" dentro de todo el teatro de Brecht.

El libro se completa con tres ejercicios prácticos para actores a partir de composiciones de Brecht basadas en escenas de Shakespeare y Schiller, concebidos para trabajar en el teatro Berliner Ensemble el famoso "distanciamiento", la base del llamado "teatro épico" fundado por Brecht.

Fuente: Teresa Sanz (www.elmundo.es)

28/3/11

¿Es o no es 'Cardenio' de Shakespeare?


Una mujer seducida y un amigo traicionado desatan la trama de Cardenio, tragicomedia de romances, engaños y espadachines que, a pesar de estar servida por el verso shakespeariano, es una gran desconocida para el gran público. La Royal Shakespeare Company (RSC), o lo que es lo mismo, la moderna casa de El Bardo en Stratford-upon-Avon, celebra su 50º aniversario con el estreno de esa "obra perdida" que no se representaba desde hace más de dos siglos y medio, porque su origen opaco ha sido objeto de perenne controversia. Como todo lo que concierne a la figura del mayor dramaturgo de todos los tiempos, de quien se sigue debatiendo desde la autoría real de su producción hasta los verdaderos rasgos de su físico.

Si Shakespeare escribió las obras de Shakespeare, en contra de las teorías conspirativas que lo consideran producto de una "cábala literaria", en el caso de Cardenio lo hizo con la ayuda de otras manos. El material que ha sobrevivido a nuestros días no es el original, sino la adaptación ejecutada en el siglo XVIII por un autor menor bajo el nuevo título de Doble mentira. Por eso su puesta en escena en el teatro Swan de la RSC, el próximo 14 de abril, ha precisado de todo un ejercicio de "arqueología literaria", como subraya el director Gregory Doran sobre una obra que quizá fuera la última del escritor inglés.

Muchos estudiosos de la producción shakespeariana han acabado aceptando que en el ocaso de su vida el autor contó con la colaboración del coetáneo John Fletcher en al menos tres piezas, de las que Cardenio sería la más tardía. Probablemente escrita después de La tempestad, la obra dataría de 1612, la misma fecha en que El Quijote llegó a Inglaterra (siete años después de su publicación en España) con traducción al inglés de John Shelton. ¿Leyó Shakespeare a Miguel de Cervantes? Es posible considerar esa confluencia creativa entre los dos grandes genios de la literatura universal, dado que el Cardenio convertido en protagonista por la pluma shakespeariana parece el mismo personaje secundario con el que se cruzan Don Quijote y Sancho Panza por Sierra Morena.

Que El Bardo se inspiró en un episodio de El Quijote es una de las múltiples especulaciones que suscita Cardenio, representada solo dos veces (en 1612 y 1613) antes de que un incendio destruyera el mítico teatro Globe junto a ese y otros manuscritos. Una referencia literaria constata, sin embargo, la existencia de ese texto con la firma de Shakespeare y Fletcher cuatro décadas más tarde. Pero todo rastro acaba perdiéndose hasta que en 1727 el dramaturgo y editor Lewis Theobald asegura poseer tres copias manuscritas y presenta en escena una adaptación de la obra titulada Doble mentira o Los amantes preocupados, entre la incredulidad general. Fue todo un fiasco y las acusaciones de patraña literaria que acabaron sumiendo a la obra en el olvido han perdurado hasta este mismo siglo.

Tan solo el año pasado, la colección oficial shakespeariana Arden se decidió a anunciar la inclusión de Doble mentira en su catálogo. Es decir, a otorgar finalmente credenciales a la tesis de que Theobald modificó y reescribió una obra genuinamente concebida por William Shakespeare. Esa práctica era de uso común en los siglos XVII y XVIII. Los responsables de la editorial se han apoyado en el "espléndido trabajo detectivesco" del profesor Brean Hammond, de la Universidad de Nottingham, y sus conclusiones de que la pieza rezuma puro Shakespeare. "Aunque nunca podré estar seguro al cien por cien, sí creo que es obra suya", ha declarado el experto después de 10 años de trabajo que se convirtieron en "una verdadera obsesión".

En su remodelada sede a orillas del río Avon, la Royal Shakespeare Company se dispone a abrir la puerta grande a esa producción que divide al mundillo literario entre quienes elogian su brillantez y los que la tildan directamente de fraude.

La institución no podrá ingresar en los anales como la primera que dio ese paso después de 250 años, porque la estadounidense Classic Stage Company se le adelantó el pasado 22 de marzo con el estreno en el Off-Broadway de Doble mentira. La versión de Lewis Theobald llevada a escena se erigió en todo un acontecimiento al otro lado del Atlántico. Pero el proyecto de la RSC (que recupera el título original de Cardenio) abraza mayores riesgos y ambiciones, al proponer "una reconstrucción de la extraordinaria historia de Cardenio" tal como pudieron imaginarla Shakespeare y Fletcher en su "obra perdida". No podría ser de otra manera en la mismísima cuna de El Bardo.

Fuente: Patricia Tubella (www.elpais.com)

Revolució als teatres valencians


Més de 300 professionals de les arts escèniques estan en peu de guerra contra els Teatres de la Generalitat Valenciana (TGV), una institució pública que arrossega un deute de 10 milions d'euros i que, segons els professionals, lluny d'haver vetllat per la bona salut del sector ha dut a cap una gestió “mancada” de planificació, “sorda” a les necessitats de la professió i “totalment opaca” davant de la petició d'informació sobre els seus pressupostos.

Per tot plegat, demanen la dimissió de la directora general de l'ens, Inmaculada Gil-Lázaro, a través d'un extens document en què denuncien nombroses de les seves actuacions des que el 2006 va assumir la direcció de TGV. Aquesta mena d'informe, que s'ha fet públic al web http://inmaculadagillazarodimissio.blogspot.com/ i que està obert a sumar més de les 300 adhesions amb què ara compta, el presentaran avui al registre d'entrada de la Conselleria de Cultura. Entre els que s'hi han adherit figuren noms destacats com el dramaturg José Sanchis Sinisterra, l'actriu Vicky Peña i els directors d'escena Carles Alfaro i Carles Alberola.

A més, coincidint amb el Dia Internacional del Teatre, després de presentar la sol·licitud de dimissió de Gil-Lázaro a la Conselleria de Cultura, avui al matí una destacada representació del sector teatral valencià participarà en una taula redona al centre Octubre de cultura contemporània per tractar el tema. Cap representant de l'administració ha acceptat, però, intervenir-hi.

A l'escrit, signat per actors, productors, directors, dramaturgs, coreògrafs, programadors, gestors i tècnics del món del teatre, la dansa i el circ, consideren que és “urgent i essencial per al futur de les arts escèniques valencianes recuperar l'esperit de servei públic en oposició a l'interès particular o purament polític que es practica actualment”.

A grans trets, pel que fa a la línia artística, se li retreu als TGV “l'absolut desinterès des de la producció pública per la dramatúrgia valenciana”. En 16 anys de vida dels TGV només s'han produït vuit obres dels anomenats nous dramaturgs valencians, i de totes aquestes produccions només una va ser en català. Denuncien també el deteriorament en les condicions d'exhibició de les produccions valencianes, el predomini del teatre i la dansa exclusivament comercials, la promoció deficitària del teatre i la dansa propis i la nul·la sensibilitat cap a l'ús del valencià. Pel que fa a la gestió econòmica l'anàlisi se centra en temes com el desordre pressupostari i la falta de transparència, la primacia del Centre Coreogràfic i Dansa València per sobre de qualsevol altra iniciativa, la redistribució d'ajudes a les sales independents d'exhibició que ha obligat a algunes d'aquestes a deixar de programar, el descens d'un 40% en l'assignació pressupostària a l'ordre d'ajudes, el desmantellament del Circuit Teatral Valencià i els privilegis injustificables a l'actor Pepe Sancho.


Font: Ester Pinter (www.avui.cat)