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31/1/13

Hofesh Shechter, la carta internacional del Mercat



Font: Laura Serra (ara.cat)
El Mercat de les Flors va tenir l'oportunitat ahir de mostrar tota la seva capacitat i potencial. La relació que el centre de dansa manté amb la companyia de l'israelià Hofesh Shechter els va servir d'exemple paradigmàtic. El director, Francesc Casadesús, va apostar per aquest creador "quan ningú no el programava": "L'hem seguit ara que s'ha fet gran i el volen a tot arreu. Creiem en les relacions a llarg termini". Shechter va agrair aquest suport i gairebé va comparar Casadesús amb Mick Jagger, que va obrir un estudi per ajudar músics joves. "Potser Jagger no és la persona més responsable del món, però va entendre què necessitem els artistes. L'art és espiritual i virtual, però al final necessita una cosa molt física: temps i espai".
I això és el que ha fet el Mercat. El 2010 van coproduir-li l'espectacle Political/Mother i ara, convertit en una companyia estrella amb seu a Anglaterra i gran projecció internacional, li han ofert durant un mes la fàbrica de creació del Graner, situada al barri de la Marina, per assajar el pròxim espectacle, que recorrerà el món exhibint el segell barceloní. A canvi, la companyia actuarà el cap de setmana al Mercat amb un programa doble que reuneix dues de les millors peces del coreògraf: Uprising i The art of not looking back.
"Aquest espai de creació és excepcional i ens permet jugar una carta a escala internacional", apuntava Casadesús. El centre es va obrir fa poc més d'un any i hi han passat 43 companyies. Ahir s'hi assajaven fins a quatre muntatges en diferents estudis. Acullen residències, assajos, tallers, audicions i cursos. Un 60% de les companyies són catalanes. Shechter refermava la singularitat de l'espai: "Només conec un lloc que tingui estudis com aquests, la Royal Opera House de Londres, i mai podria llogar-la. Al món hi ha teatres increïbles, però tenen estudis petits on no es pot treballar bé". El pack que ofereix Barcelona, amb el Mercat com a centre d'exhibició i el Graner com a espai de creació, és molt competitiu.
Una explosió física
Shechter tot just ha posat les bases del nou espectacle que s'estrenarà a l'octubre: "Hem experimentat i surto amb una paleta d'emocions i una forta sensació de vida", va dir. Per ara, el que podrà veure el públic català de divendres a diumenge al Mercat -les entrades estan gairebé exhaurides- són dues peces que són la cara i la creu. Uprising la va crear el 2006: "Hi volia explorar la fisicalitat i energia masculina; volia deixar-la anar com els gossos corren al camp". La força, la ràbia, el moviment dels set ballarins et fa preguntar -apuntava- si "les explosions socials són fruit de la urgència del moment o una necessitat que es repeteix". Aquest va ser el seu primer gran èxit. El 2009 li van encarregar que creés el revers: The art of not looking backés una peça per a sis ballarines sobre la seva visió de la dona, vinculada a un fet que l'ha marcat: "Quan tenia dos anys la meva mare va marxar de casa", va dir el coreògraf.
Ahir fins i tot els polítics van voler ser a la presentació. El tinent d'alcalde, Jaume Ciurana, i el conseller de Cultura, Ferran Mascarell, van lloar la feina del Mercat i van lamentar que el ministeri de Cultura hagi tornat a rebaixar la seva aportació (és de 300.000 euros, un milió menys que el 2007). El conseller va dir que la retallada de la Generalitat (hi aporta 1,28 milions, 80.000 euros menys que el 2007) l'ha cobert l'Ajuntament (que ha incrementat el suport fins a 1,4 milions). L'única sortida que hi veu Mascarell és política: "Canviar les regles del joc".

Xavier Torras: "Les obres amb compromís acaben interessant al públic"

Font: Ariadna Trillas (ara.cat)

"¿Veu com el piano és al costat del públic? És així durant l'obra. No l'hem posat aquí per a l'entrevista", s'afanya a dir Xavier Torras (Barcelona, 1980) tot just veu entrar el fotògraf al petit Teatre Almeria, a Gràcia, on s'acaba de renovar l'espectacle Over the moon, amb direcció de David Pintó. La música de Torras i les veus d'Ivan Labanda, Elena Gadel, Víctor Estévez i Patrícia Paisal sostenen l'espectacle. El pianista va començar a tocar el piano als set anys. Aviat va descobrir que sense no s'expressava igual. Quan era adolescent ja dirigia els seus companys de classe en petites obres musicals que havia compost ell mateix, de les quals ara diu que s'avergonyeix. Ha estat professor a l'escola de teatre musical Memory i director musical d'obres de gran format com Mamma mia! iJesucristo Superstar, i d'espectacles com Live in burlesque a El Molino. Dirigeix OrquestART i ha ensenyat cant a presos al programa El coro de la cárcel.
Com neix Over the moon?
Pensàvem que calia regenerar el teatre musical. No volíem emocionar l'espectador des de l'efectisme d'un gran espectacle, sinó des de la sinceritat.
Fa molta pinta d'identificar-se amb Jonathan Larson.
Totalment! Larson buscava noves maneres de fer teatre amb música, va fugir de les obres d'entreteniment. Rent era una adaptació de La bohème, però Larson va intentar fer-hi una foto de la Nova York de finals dels 80. Va preguntar-se: "Jo sóc un bohemi? Sóc compositor, però he de treballar tot el dia com a cambrer per guanyar-me la vida..." Jo sóc compositor, com ell. I em preocupen coses que a ell el preocupaven.
A Larson el preocupava sentir-se vell perquè arribava als 30. No em deprimeixi…
Però pensi que va escriure una gran obra que no va veure estrenada perquè va morir abans, així que el seu temor va ser profètic. Tenir 30 anys ara no és el mateix que tenir-los llavors. Ara lluitem pels nostres somnis però la vida ens fa lluitar per arribar a final de mes. ¿Podem ser idealistes? Larson deia: "Al final, artista ho pot ser qui s'ho pot permetre". Però tot i això, ell convida a aixecar-se de la cadira i a fer passos.
No tinc clar que es transmeti un missatge optimista.
Amb Larson hi ha un cert desengany amb la vida i amb el món. Però sempre es deixa una porta oberta al canvi. Les coses canvien si tots decidim canviar-les.
Una por que no paralitza.
Exactament. Una por que convida al moviment. A mi m'agrada pensar que les cadires (l'únic element de l'escenografia) signifiquen la comoditat. Tens moltes cadires, i no has de fer que tota la teva vida es basi en una sola cadira on t'asseguis i prou. T'has d'activar!
Realment, es fa estrany. El teatre musical s'identifica amb l'entreteniment.
Se'ns hi ha acostumat. Però és un gènere dramàtic, que permet remoure. Richard Rodgers o els germans Gershwin tenien molta inquietud, feien crítica i denúncia. Però a partir dels anys 20 els productors van apostar per l'evasió. Era el període d'entreguerres. I després només es van reprendre els grans espectacles per passar una bona estona. El gènere permet molt més. De Rentem va emocionar que un personatge digués que, com a músic, li agradaria fer una cançó per la qual ser recordat sempre. Brutal! Però aquest corrent no interessa a gaires productors.
De fet, el productor d' Over the moon és el seu germà [Jordi Torras].
Qualsevol altre només hauria mirat les possibilitats de taquillatge. Ens acaben de prorrogar l'espectacle perquè la gent omple el teatre. Però sobre el paper era un plantejament de risc pur: un espectacle monogràfic d'un autor que va fer una obra i va morir. Hi ha personatges sense nom i cognom que defensen idees, sense escenografia. Però les obres amb compromís acaben interessant el públic.
Forçosament els feia falta una sala petita.
Era clau la proximitat física amb l'espectador. Calia una sala de petit format, i sense grans artificis, ni escenografia, ni una gran orquestra. Si jo aixeco les mans del teclat i deixo de tocar i un actor deixa de cantar, s'ha acabat l'espectacle.
Vostè no ha hagut de fer de cambrer. Viu de la música.
Cert. Compagino la direcció d'OrquestART amb la meva carrera com a compositor i com a pianista. No és fàcil fer que les tres coses convisquin. Totes tres demanen molta dedicació.
Com va ser l'experiència d'ensenyar als presos?
Jo ensenyava conceptes musicals i valors de la vida als presos sense que se n'adonessin. El treball en equip l'entenien ràpid: en un cor, aprens ràpid. Si en una secció un desafina és un desastre. S'han d'unir perquè allò soni bé.
Ja ha escrit la cançó per la qual espera ser recordat?
No. M'agradaria aconseguir-ho, però al mateix temps m'agradaria no tenir mai la sensació d'haver-ho aconseguit.

Aitana Sánchez-Gijón: “Trabajar en este sector se está convirtiendo en una proeza”

Fuente: Antonio Jesús Mora Caballero (elpais.com)

No es la primera vez que se sube a los escenarios bajo las órdenes de la directora británica Tamzin Towsend, ya lo hizo hace unos años con Un Dios salvaje. La actriz Aitana Sánchez-Gijón (Roma, 1968) visita el Teatro Lope de Vega de Sevilla con Babel, un thriller emocional que narra la historia de dos matrimonios que se son infieles y que arranca con una misteriosa desaparición.Sánchez-Gijón, que comparte obra con Francesc Albiol, Jorge Bosch y Pilar Castro, ya prepara para primavera su próximo estreno teatral, La Chunga, un texto de Vargas Llosa, y su regreso a televisión con una nueva serie, Galerías VélvetBabel estará en cartel desde este jueves hasta el próximo domingo.
El título de la obra es una clara crítica a la falta de comunicación entre los seres humanos…
La obra plantea muchas cosas, pero una de ellas es esa. Como, a veces, parece que hablamos idiomas diferentes, como no llegamos a entendernos con las personas más cercanas y, sin embargo, tenemos una facilidad de comunicarnos con desconocidos, con alguien que conocemos una noche en un bar. Además, la obra resalta esa mala costumbre de hacer juicios de valor sin conocer todos los puntos de vista de la historia y como, casi siempre, nos induce al error.
¿Incluso con la pareja?
(risas) Incluso con nuestra pareja. Esta trama de infidelidades cruzadas también muestra ese sentimiento de insatisfacción permanente del ser humano.
Towsend describe la obra como la historia de unas personas que se encuentran en crisis buscando rencontrarse con lo que se fue y añorando lo que nunca se llegó a vivir. ¿Qué añora Aitana Sánchez-Gijón?
Ahora mismo me encuentro en una etapa de vida nada nostálgica, me siento muy satisfecha con mi vida. No siento que me haya perdido nada.
En la obra hace doblete, ¿cómo es la experiencia?
Ya en el espectáculo anterior, ‘Santo’, interpretaba a tres personajes en tres obras distintas, cada una de media hora. Supone un reto, un estímulo.
El hecho de que cuatro actores interpreten nueve papeles ¿es una señal de la crisis que atraviesa el sector?
No, no, Andrew Bovell ya la escribió así hace más de 14 años. Quiere expresar que, en el fondo, todos somos varias personas.
¿Se encamina el sector al dicho de trabajar por amor al arte?
Vivimos en una situación muy precaria. Se trabaja el triple por la mitad de la mitad que cobrabas antes. A penas se hacen película, la televisión tampoco pasa por su mejor momento y en teatro cada vez es más difícil salir de gira. La subida del IVA ha sido un duro golpe. Trabajar en este sector se está convirtiendo en una proeza.
¿Tanto se nota la subida?
Es brutal. Según compañeros del sector, desde septiembre, el número de espectadores ha caído un 30% y no solo eso, también ha bajado el poder adquisitivo de los ciudadanos. Si unimos esos dos factores… la bomba explota. Está influyendo mucho. Pero a ver en qué queda este afán recaudatorio porque, como dicen unos colegas, el 21% de cero es cero. Si cae el número de espectadores también cae la recaudación. El sector está herido de muerte.
¿Qué medidas debería tomar el Gobierno?
Debería dar un impulso a la ley de Mecenazgo, que está en el limbo, ni para adelante ni para atrás; debería bajar el IVA y dejarlo en lo que se esperaba, en el 10%; y, por supuesto, parar esta oleada privatizadora, no solo en la cultura sino también en la educación, sanidad…
Y ahora vuelve a televisión con una serie…
Además de otras propuestas teatrales muy interesantes, este proyecto me supone una tranquilidad profesional, y más viendo cómo está el panorama. Es una obra de calidad, un personaje importante,... Es un gran estímulo.

L'Offenbach més teatral



Font: Xavier Cervantes (ara.cat)
La crisi, com el fantasma de l'òpera, viu a les costelles del Gran Teatre del Liceu. És el signe d'un temps i un país, però no és només cosa nostra. "Últimament m'han fet preguntes sobre la crisi en quatre països diferents", va dir ahir el tenor nord-americà Michael Spyres al Liceu, durant la presentació d'un nou muntatge d' Els contes de Hoffmann. "És una època difícil. En l'últim any se n'han anat en orris tres produccions en què havia de treballar. Però hem de sortir a treballar i canviar les coses", va afegir Spyres, que debuta al Liceu amb l'òpera d'Offenbach.
L'opinió del tenor és similar a la del director escènic francès Laurent Pelly. "La crisi també es nota en els pressupostos de cultura a França i als Estats Units, si els comparem amb els de fa deu anys. Però l'aspecte positiu de la crisi és que ara es fan més coproduccions, i això fa que les òperes tinguin més circulació", diu Pelly. El baix nord-americà Oren Gradus encara va més lluny, i hi veu un altre aspecte positiu. "Fa un mes que sóc a Barcelona. Al Liceu he vist Rusalke, ara programa Els contes de Hoffmann i després Street scene, de Kurt Weill. Als Estats Units tindríem La BohèmeToscaMadama Buterfly i altre cop La Bohème. El públic de Barcelona té molta sort de tenir un teatre com el Liceu, que s'atreveix a tirar endavant", diu Gradus.
Quan Pelly parla de coproduccions es refereix a l'òpera Els contes de Hoffmann ,que aplega els esforços del Liceu i les òperes de Lió i San Francisco. Primer s'estrenarà a Barcelona, on se'n podran seguir onze representacions entre el 4 i el 23 de febrer sota la direcció musical de Stéphane Denève.
Amplificar el misteri
Els contes de Hoffmann és l'obra mestra de Jacques Offenbach (1819-1880), composta a partir d'un llibret de Jules Barbier inspirat en tres contes de l'escriptor romàntic alemany E.T.A. Hoffmann. Offenbach va morir abans d'acabar l'òpera, la qual cosa ha motivat que se'n facin moltes versions. "El llibret original no està complet, i això obliga a completar les llacunes", recorda Denève. La versió que se'n veurà al Liceu elimina els passatges recitatius, que substitueix per diàlegs parlats. "Això ens permet recuperar la tensió dramàtica i tenir un fil conductor més clar", diu Pelly, responsable -amb la col·laboració de l'escenògrafa Chantal Thomas- d'una posada en escena que vol "amplificar el misteri de l'obra". Pelly ha construït una escenografia amb trenta canvis de decorat que basteixen "un dispositiu mòbil": "Com si fóssim dins el cap de Hoffmann i visquéssim la seva fantasia sobre la creació artística", descriu el director escènic.
Pelly i Thomas s'han inspirat en les pintures grises, d'alè expressionista, del belga Léon Spilliaert (1881-1946). Segons Pelly, "en el món d'aquest pintor els objectes quotidians i familiars adquireixen una dimensió fantasmagòrica", justament la que ha volgut traslladar a l'univers del protagonista de l'òpera, un poeta amb una genialitat tocada per la beguda, enamorat d'una cantant i assetjat per la musa de la poesia, enfadada per la falta d'atenció.
El to fantasmagòric de l'escenografia s'adiu amb les circumstàncies de la composició original. "Offenbach volia fer una obra mestra abans de morir, i això es nota en l'obra, perquè hi aboca temes com la mort, els elements fantàstics i el misteri de les melodies", explica el director musical, que considera que la melodia és un dels aspectes més destacats de l'obra.
Offenbach i Barbier van escriure l'òpera presentant l'enfrontament de Hoffmann amb una força diabòlica representada per quatre personatges que interpreta un mateix baríton. Al Liceu tots quatre els cantarà el parisenc Laurent Naouri en el primer repartiment i Oren Gradus en el segon.
La veu de Natalie Dessay
També els quatre rols femenins estan escrits per a una mateixa soprano, però a Barcelona la francesa Natalie Dessay només n'interpretarà un en el primer repartiment, tot i que en el segon sí que hi haurà una sola soprano, la cubana Eglise Gutiérrez. "Crec que és impossible que pugui cantar els quatre papers -explica Dessay, de 47 anys-. Abans tenia més passió pels grans reptes artístics com aquest, però m'he fet gran i ara m'he tornat més raonable".
Al Liceu Hoffmann serà Michael Spyres, una força de la naturalesa que els últims nou anys ha interpretat 45 papers diferents. "Estic acostumat a tirar-me a la piscina", diu l'incansable Spyres.

Cirque du Soleil, de vuelta al origen

Fuente: Miguel Ayanz (larazon.es)

¿Hay algo más básico, más inherente al concepto que todo el mundo tiene del circo, que los payasos? Acaso un circo pueda pasar sin leones, sin equilibristas, sustituirlos por más trapecistas o sin más prescindir de éstos. Pero los payasos son una constante. En Kooza, el espectáculo que a comienzos de enero recuperó el Cirque du Soleil en Londres, los payasos son los reyes. También la simplicidad y el riesgo, dos variables que la gran compañía canadiense había cambiado con mayor o menor fortuna, en algunos de sus títulos recientes, por otras como la teatralidad o la espectacularidad. Donde Corteo apostaba con éxito por una compleja puesta en escena de belleza felliniana o Zarkana intercalaba una cuasi ópera rock de elaborada tecnología, Kooza, un montaje de 2007 visto en Canadá, Japón y EE UU, pero que no nos había visitado aún, vuelve a los orígenes: puro circo y alegría, números espectaculares en vez de escenarios epatantes y un mayor protagonismo del clown. «Sigue siendo básicamente Cirque du Soleil, pero con raíces clásicas. No trata de ser nada más que lo que es», explicó recientemente en Madrid su creador y director, David Shiner.
La rueda de la muerte


«Me centro mucho en los artistas, en una historia sencilla que sea fácilmente comprensible. He tratado de buscar los mejores acróbatas que he podido para el show y los mejores clowns. Tu espectáculo es tan bueno como lo son tus artistas». Y esto, dicho por alguien que antes de meterse a dirigir fue un prestigioso payaso, tiene doble valor. En pleno corazón aristocrático londinense, en el imponente y circular Royal Albert Hall, Kooza se abre a sus 4.000 espectadores –suelen ser 6.000, pero ha habido que prescindir de parte del aforo para encajar el escenario– como una caja de sorpresas de vivos colores en la que el rey, el inocente, el timador, el maquinista o el perro loco son algunos de los habitantes cómicos de la pista. En el resto de la gira el espectáculo se verá, como es habitual, en la carpa del Cirque, con capacidad para 2.600 espectadores. En Madrid, el Grand Chapiteau estará instalado en Puerta del Ángel a partir del 1 de marzo. Y traerán, esta vez sí –«Zarkana» se lo dejó en Nueva York–, el número roba aliento de la rueda de la muerte, uno de los más impactantes en el que dos artistas se la juegan en una enorme estructura giratoria metálica con forma de ocho de cerca de una tonelada de peso. Pero no es el único que el público de Londres aplaudió a rabiar: una trapecista individual que salta en el aire a toda velocidad, un dúo de monociclo que parece desafiar los puntos de gravedad, un artista asiático de cuidada elasticidad y fuerza que se eleva sobre sus manos en una torre de sillas de siete metros de alto o los ejercicios aéreos de una troupe en la báscula, clásicos pero efectivos, están entre lo mejor de un espectáculo redondo en la parte técnica. También uno de los de menor formato del Cirque. La estética, como siempre, va en gustos. La apuesta de Marie-Chantalle Vaillancourt para el vestuario bebe de los cómics, de la pintura de Klimt, Mad Max, los viajes en el tiempo, la India y Europa del Este,según explica la compañía. «En esencia, menos es más. Ésa es mi filosofía. Pero a la vez es muy colorido, hay preciosos vestidos, mucha comedia, tiene personajes estupendos y tiene mucha poesía», prosigue Shiner. Aunque, asegura, la melancolía se queda fuera. «Es un espectáculo ganador», sentencia el director con entusiasmo.
El arte de robar
Uno de los números más curiosos lo protagoniza un carterista profesional, que saca a un «voluntario» del público al que despluma con habilidad mientras le marea con una cháchara rauda. El reloj, la cartera, incluso la corbata de un tal Alf, volaron en segundos. El Cirque hizo su propio casting para este número: convocó en la cafetería de su sede a carteristas y vió cómo se defendían en plena faena.

La vuelta al mundo con María Pagés

Fuente: R. Salas (elpais.com)

Será un año agitado. En medio de la tormenta de la crisis y sus dramas capitales, la bailarina y coreógrafa María Pagés inicia una larga gira que la mantendrá en escenarios internacionales desde marzo hasta septiembre. Cuando EL PAÍS esta semana ha intentado hablar con ella, estaba en Tokio presentando esta especie de vuelta al mundo a través de tres de sus últimas creaciones que han sido reconocidas por la crítica y por su éxito ante públicos variopintos. Entre otras perlas literarias, José Saramago le dedicó esta frase concluyente: “Ni el aire ni la tierra son iguales después de que María Pagés haya bailado”. Pagés, en más de una ocasión, ha acudido a la materia escrita del portugués para encontrar la inspiración la su baile y su creación coreográfica.
María Pagés nació en Sevilla y comenzó a despuntar profesionalmente en la compañía de Antonio Gades, estando ya reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del arte flamenco; se dice de ella que entiende el arte como algo ilimitado y que ha conquistado un lugar propio en el panorama de la danza mundial. Utilizando los códigos fundamentales del lenguaje flamenco e investigando dentro y fuera de su ámbito expresivo particular, Pagés ha demostrado una pujanza en el entendimiento del flamenco como un arte en evolución, contemporáneo y vivo, en cierto sentido, ha superado en sus coreografías las diferencias culturales, convencida de que los intercambios artísticos, vengan de donde vengan, favorecen una mayor comprensión universal. Según sus propias palabras, “el flamenco es un claro ejemplo de cómo la unión entre culturas, razas y religiones, puede crear un eco común”.
Tres creaciones, tres temas universales


Utopía es una declaración de principios con forma de baile flamenco que nació de la admiración de la artista por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer. Una reflexión emocional sobre el anhelo, la imaginación y el instinto de los seres humanos para soñarse a sí mismos en un futuro mejor. Utopía es, en su esencia, el título de una danza poetizada que se estructura en ocho partes (o versos) que convocan poemas de Baudelaire, Benedetti, Neruda, Machado, Larbi El Harti y el propio Niemeyer, incorporando además palabras del Quijote de Cervantes.
Poemas que ahondan sobre la solidaridad, el compromiso, el exilio, la fugacidad de la vida, la pequeñez de los hombres en un cosmos indiferente a sus miserias y grandezas, y -ahora más que nunca- sobre la necesidad de la imaginación y el idealismo como motores necesarios para el cambio.
Autorretrato nace de un encuentro con una idea y con un creador en el año 2006. María Pagés conoce en el Teatro Español de Madrid al gran bailarín ruso-americano Mikhail Baryshnikov, que la invita a bailar en el BAC (Baryshnikov Arts Center de Nueva York). Allí le sugiere que se embarque en una obra muy personal, que la mostrara tanto como persona, como bailaora y creadora. Así nació Self portrait, embrión del actual y más desarrollado “Autorretrato”. Un punto de inflexión en la trayectoria de la artista, la pieza se estrenó en el Forum Theater de Tokio en el año 2008, y es expresión de un momento de reivindicación y plenitud artística.
“En Sevilla hablo de la Sevilla que soy y de la que forma parte de mí. El reflejo de una de esas miles de almas que, como a toda ciudad, la configuraron. En Sevilla hablo de lo trágico y lo cómico, de lo irónico, de las ceremonias religiosas y paganas, de las academias de baile, de mi visión de la danza flamenca como danza universal, de todos esos símbolos que conformaron mi personalidad; recurriendo con orgullo a sus poetas, sus cantaores, a sus grandes artistas de una cultura milenaria, conocidos o anónimos de un pueblo con un sentido estético rico y particular, profundamente barroco” (Texto manuscrito de Pagés a propósito de la reposición de esta obra en 2013).


Gira internacional 2013, María Pagés y su compañía


  • Ottawa, Canadá National Arts Center/Autorretrato: 27 de marzo
  • Toronto, Canadá Sony Center for Performing Arts/ Autorretrato:30 de marzo
  • Quebec, Canadá Grand Théâtre/ Autorretrato: 2 de abril
  • Montreal, Canadá Place des Arts/DANSE DANSE/ Autorretrato: 4 al 6 de abril
  • Baden Baden, Alemania Festspielhaus/ Sevilla:12 y 13 de abril
  • Hong Kong Sha Tin Town Hall/ Utopía: 19 y 20de abril
  • Tokio, Japón Bunkamura Theatre/ Utopía:18 y 19 de mayo
  • Kitakami, Japón Kitakami Sakura Hall/ Utopía:22 de mayo
  • Hyogo, Japón Hyogo Performing Arts Center/ Utopía:25 de mayo
  • Mont-de-Marsan, Francia Festival Internacional Flamenco/ Utopía:1 de julio
  • Moscú, Rusia Festival Chéjov Moscú/ Utopía: 8 al 14 de julio
  • Lisboa, Portugal Culturgest/ Utopía:21 de septiembre

Una bailarina del Bolshói, amenazada tras la agresión a su director

Fuente: Rodrigo Fernández (elpais.com)

Svetlana Lúnkina, bailarina de 33 años del Teatro Bolshói, ha pedido que le extiendan su permiso para poder permanecer más tiempo en Canadá, donde se encuentra actualmente, debido a que asegura haber recibido amenazas. La portavoz del Bolshói, Katerina Nóvikova, confirmó que el teatro accedió a la petición de Lúnkina.
Según la versión de la bailarina está asustada después de que un enmascarado vertiera ácido en la cara al director artístico del ballet del Bolshói, Serguéi Filin. Lúnkina reconoció que sus relaciones con Filin habían sido tensas y que hace poco este habría dicho que ella no retornaría. Al mismo tiempo, Lúnkina dijo "sentir una profunda compasión" por la familia de Filin y confiar en que "los que cometieron ese crimen sean capturados". Señaló también que esperaba poder regresar más tarde al Bolshói.
En cuanto a las amenazas que ha recibido, manifestó no están relacionadas con su profesión, sino con el conflicto surgido entre su marido, el productor Vladislav Moskaliov, y el humorista Vladímir Vinokur. Ambos eran socios en el proyecto de una película sobre la legendaria prima bailarina Mathilde Kschessinska (1872-1971).
El prestigioso diario Izvestia, que fue el primero dar la noticia sobre Lúnkina, explica que Moskaliov propuso reemplazar al famoso director Alexéi Uchítel por otro después de que este rechazara varios guiones, pero Vinokur se negó rotundamente y dijo estar incluso dispuesto a sacrificar la divulgación de la película en el extranjero pero mantener a Uchítel como realizador. Poco después, el marido de Lúnkina quedó marginado del proyecto y los juristas de la Fundación de Vinokúrov le exigieron el pago de más de 2,7 millones de euros, que Moskaliov rechaza categóricamente. Según Izevstia, la Fundación ha enviado copia de la demanda judicial contra Moskaliov no solo al ministerio del Interior y a la fiscalía general, sino también a los principales teatros de ballet del mundo.
En los textos que los abogados de Vinokúrov han mandado a los teatros se dice, siempre según Izvestia, que Moskaliov habría legalizado parte del dinero robado en Canadá "con la ayuda de su esposa", es decir, de Lúnkina.
Vinokúrov opina que a Lúnkina "nadie la envió a Canadá y nadie la amenaza. Como pretexto para no regresar dice que la amenazan, pero ella es simplemente la esposa de una persona que ha cometido un delito y que se esconde en Canadá".
Lúnkina está convencida de que en caso de regresar a Moscú su familia puede ser objeto de provocaciones e incluso de arresto. Nóvikova, al confirmar que el Bolshói le prolongó el permiso, señaló que si esa decisión está relacionada con las actividades de su marido, no ve "cómo el teatro puede influir en el asunto. Anna Pávlova también abandonó Rusia por las actividades de su esposo". "El Bolshói no puede garantizar a Svetlana su seguridad, esto es evidente, simplemente no tenemos recursos para ello", agregó. La bailarina, sin embargo, considera que el Bolshói se muestra impotente por otra razón: Filin no quiere que ella vuelva al ballet del Teatro.
Mientras tanto, los médicos hicieron el lunes a Filin una nueva operación a los ojos y los oftalmólogos han llegado a la conclusión de que su vista mejora. Probablemente continúe su tratamiento en Aachen, Alemania, adonde viajaría la próxima semana acompañado por un médico ruso.

Una artista en las antípodas del ballet



Fuente: R. Salas (elpais.com)
Lisbeth comenzó a tomar clases de ballet clásico a los seis años. Hoy, a simple vista, está en las antípodas del arte académico. En sus palabras es asÍ: “Bailar siguiendo un método ya no basta como ingrediente único de una creación relevante. La danza contemporánea no puede separarse de la performance. Creemos que para conseguir decir lo que necesita ser dicho, uno debe incluir todos los aspectos de lo físico en la ecuación”.
Lisbeth Gruwez es uno de los puntales de la danza belga contemporánea, y ahora presenta en La Casa Encendida de Madrid su último trabajo, It’s going to get worse and worse and worse, my friend. La pieza, que se estrenó en Bruselas en enero de 2012 y cuenta ya con una extensa gira europea a sus espaldas, es una aproximación al poder de la palabra, a los efectos del discurso sobre quien lo escucha, pero también sobre quien lo genera. Inspirándose en la figura del telepredicador norteamericano de ideología ultraconservadora Jimmy Swaggart y en la gestualidad de dictadores como Adolfo Hitler o Benito Mussolini, la coreógrafa y bailarina belga y el compositor Maarten Van Cauwenberghe unen las posibilidades del verbo (hablado) y el movimiento corporal (danza) en esta pieza que habla “del poder de la palabra y del discurso como arma y herramienta de poder para el que la pronuncia”.
En el desarrollo de esta creación, el discurso sobre el que trabaja la pieza evoluciona y crece en una desesperada crispación: la del que quiere convencer, dejando finalmente al descubierto su verdadera y profunda naturaleza, la violencia. Se trata de un juego de relaciones de poder entre la intérprete femenina y la voz masculina. Es una interpretación de Lisbeth Gruwez que, con su fortísima presencia escénica, atrapa poderosamente desde el principio hasta el final; en una suerte de estudio coreográfico sobre este particular estilo de narración oral. La pieza ha recibido reiterados elogios de la crítica europea. “It’s going to get worse and worse and worse, my friend” fue seleccionada para Het Theaterfestival de 2012 (Holanda) y el jurado opinó que “raramente imagen, movimiento, luz y sonido se refuerzan tan poderosamente. Una sutil obra maestra que consigue introducirnos en un estado de hechizo”.
Lisbeth Gruwez ha trabajado junto a coreógrafos muy conocidos como Win Vandekeybus, Anne Teresa de Keersmaeker, Jan Lauwers, Sidi Larbi Cherkaoui y Jan Fabre, quien creó para ella el solo Quando l’uomo principale è una dona, representado en más de doscientas ocasiones.
Lisbeth Gruwez en 1991 fue admitida en el Stedelijk Instituut voor Ballet de Amberes, y estudió danza contemporánea en P.A.R.T.S, la escuela dirigida por la coreógrafa Anne Teresa De Keersmaeker. Ha trabajado con la compañía Ultima Vez del cineasta y coreógrafo Win Vandekeybus (Pasolini Project of Heaven and Hell) y con nombres de la danza contemporánea internacional como Iztock Kova (Away From Sleeping Dogs.), Jan Fabre (As Long As the World Needs a Warrior’s SoulJe suis sang,Quando l’uomo principale è una dona), Jan Lauwers (Images of Affection), Grace Ellen Barkey (Few ThingsCry Me a River) y Sidi Larbi Cherkaoui (Foi); también Lisbeth ha protagonizado la película Lost Persons Area por la que fue nominada como Mejor Actriz en los Premios de Cine Flamenco y en 2009 coreografíó e interpretó junto a Juliette Lewis un videoclip para la banda de la actriz, Juliette & the Licks.
It’s going to get worse and worse and worse, my friend. Lisbeth Gruwez. La Casa Encendida. 4 al 6 de feberero. 22 horas.

Per un públic nou



Font: Juan Manuel Játiva (elpais.com)
La trobada dels professionals de les arts escèniques que va tenir lloc a Alcoi a les darreries del novembre passat va ser tan destacada per la novetat de la iniciativa i pel nombre de participants —amb més de cinquanta exponents en les meses de debat i altres tants a l’altra banda— que renuncià a l’objectiu d’establir unes conclusions a favor del diàleg obert. La fotografia d’aqueix diàleg ha estat per fi revelada i distribuïda entre els interessats.
No era previsible l’aparició de brots verds en una situació com l’actual, però sí que s’hi constatà una preocupació creixent pel públic, una necessitat de cooperació i de coordinació més gran del sector, l’afirmació que hi ha ajudes publiques més enllà de les minvades caixes autonòmiques, provincials i municipals, i, fins i tot, algun cas d’èxit.
El punt de partida era (i és) dramàtic, expressat de maneres diferents: “desarticulació progressiva del sector”, amb “problemes afegits al sector del públic i la dansa”, fins a arribar a parlar de la crisi com a excusa “per a continuar destruint totalment el sector” per l’Administració pública en un “tomb neoliberal” associat al “menyspreu de la cultura”, que deixa “en les mans del mercat la possibilitat d’accés dels ciutadans a la cultura”. Retalls i impagaments pel sector públic se sumen a la tendència d’optar pel pagament en taquilla en lloc de fer-ho per caixets. Més enllà de la mirada vers l’Administració, els professionals de les arts escèniques també subratllaren la disminució considerable de públic, “la desconnexió entre els professionals amb més experiència i les noves generacions de professionals” i una altra desconnexió, potser encara més preocupant: “S’ha perdut el contacte amb la societat, tal volta no es fa el que els interessa o”, confessaven en la mesa de distribució i exhibició, “no sabem fer-los arribar correctament les nostres propostes”, mentre en la mesa de gestors i responsables de circuits es parlava de la pèrdua de públic tan alarmant i la impossibilitat de “mantenir les programacions amb els nivells d’ocupació actuals”.
El cas de Teatres de la Generalitat, ja desaparegut, va ser tractat, i molt críticament, a banda. La creació del consorci aglutinador de tots els organismes culturals de la Generalitat, CulturArts, a costa dels nous esdeveniments que estan tenint lloc ara, com el nomenament d’un director general, es va considerar com “una oficina liquidadora més que no un motor per a la reactivació del sector teatral”.
Així les coses, i considerant que el títol del congrés era “Mirant al futur”, els reptes són “potenciar la relació amb el públic i la creació de nous espectadors com a via de futur”; els canvis en les polítiques culturals i, en particular, teatrals, i, sobretot, les iniciatives que podríem anomenar sinàptiques, de relació. Expressions com ara “coordinació”, “cooperació”, “complementarietat”, “col·laboració” i semblants es reiteren i es reforcen. Sinapsis entre administracions i professionals, o entre el sector escènic i l’audiovisual. Dins dels mateixos col·lectius de les arts escèniques, entre productors, creadors, companyies, programadors, actors i distribuïdors. De la coordinació “entre poblacions pròximes” a la “creació de xarxes de coordinació per a organitzar gires o circuits”. No hi va faltar la referència a “relacions noves i mercats nous a l’estranger”, o a les plataformes per a coordinar gires.
“Hem d’aconseguir estar units”, es reafirmà en la mesa d’alternatives de treball en xarxa, “sense grans estructures ni una despesa considerable en aquestes”.
I no es deixà d’al·ludir a la relació amb el públic.
Es parlà de “potenciar la relació amb el públic i la creació de nous espectadors”, i també de “regenerar el públic potenciant polítiques de fidelització i atracció d’altres segments de població”.  Quant a la creació de públics, es destacà “l’educació dels espectadors”. Una nota d’optimisme en aquest capítol la donà la valoració dels dotze anys d’experiència del Circuit Café Teatre valencià, creat per dos actors que van veure aqueix espai necessari i quasi buit i que obtingueren el suport dels locals integrants i el patrocini d’espònsors privats. La “consolidació plena” d’aquest circuit és avalada pel nombre d’espectadors, “una mitjana de 150 persones que acudeixen diàriament a cada local, la qual cosa suposa una xifra de 2.000 espectadors per setmana, si fa no fa”. L’augment de funcions setmanals com fa l’Olympia representa una altra opció per a compensar la caiguda de públic.
La mesa de festivals reuní per primera volta quasi una desena de certàmens valencians, des de la Mostra de Pallassos de Xirivella fins al Cabanyal Íntim. La reducció de pressupostos en tots els casos, constatable i considerable, no impedí l’aposta per mantenir-ne la celebració en tot cas. L’esperit de cooperació quedà palés en aquesta mesa, ja que d’allí va nàixer la idea de celebrar trobades anuals per a intercanviar experiències.

El adiós escénico de Trisha Brown



Fuente: Roger Salas (elpais.com)
La gran dama de la danza posmoderna se retira; lo anunció de manera discreta el pasado mes de diciembre y estas actuaciones en enero en la Brooklyn Academy of Music serían las últimas; con 76 años, hará dos danzas nuevas por última vez a la vez que se exhibirán algunos otros números de su catálogo. Lo mires por donde lo mires, el anuncio de Trisha Brown (Aberdeen, Washington, 1936) no es una buena noticia, y al hilo surgen muchas preguntas. ¿Un discurso que se agota? ¿Un tiempo (artístico) que termina? ¿Efectos del drama global? El título del artículo de anteayer de Alistair Macaulay en The New York Times, en su poética síntesis, abre la espita de la reflexión y de la especulación: “Danza pura, puro final”. Macaulay se pregunta cómo debemos reaccionar las personas ligadas al mundo de la danza ante un anuncio similar al que ha hecho Philip Roth en la literatura. Hace menos de un año, el panorama de la gran danza moderna recibió la otra fatal noticia del cierre de la compañía de Merce Cunningham, pero es que Trisha está muy viva. El peso de la edad, aunque se piense en ello, no es una total justificación. Es verdad que surgen nuevos creadores, algunos ya encumbrados, y que han crecido a la sombra e influencia de personalidades como Brown y Cunnigham. Pero algo pasa. No son noticias que se acepten cómodamente, y es que, probablemente la intuición artística habla de un cambio severo, de una transformación radical del género.
Entre los años sesenta y setenta del siglo XX Trisha Brown sentó las bases de un vocabulario rupturista a ultranza, inconforme y remodelador. El posmodernismo la abrazó como su líder en materia de danza y por algo es ella, de una serie de nombres más, la que ha quedado en cabeza. Sus obras siguen viéndose con gran interés y en los ballets de la Ópera de París o de la Ópera de Lyon (entre otras grandes sedes de danza) de vez en cuando, se ponen en cartel títulos suyos. No es exagerado decir que el valor real de su obra trasciende los géneros. Es un tipo de laurel reservado no sólo a los grandes, sino también a quienes dejan un sello distintivo en la evolución del arte; Trisha tiene esa especificidad. Desde hace más de 50 años baila, pero desde hace 30 es imprescindible para el género.
Coreógrafos actuales como David Gordon, Mark Morris y Stephen Petronio citan con orgullo su influencia entre maternal y estilística. Se trata de unas variaciones que van más allá del lenguaje y pasan a la poética esencial, pues Trisha ha sido además, una encendida defensora del análisis coréutico y de la fluidez de presentación, dos factores capaces de afectar la estructura coreográfica, de dotarla y de elevarla. Es estos juegos de laboratorio vital entra la tecnología, a la que siempre ha estado muy abierta Brown, desde el sonido (las músicas posibles) a los registros (cinematográfico o videográfico). Y ha estado cerca de los grandes de diversas tendencias, con todos establecía una comunicación aparentemente fácil, pero que sobre todo es honesta y decidida: pintores como Robert Rauschenberg; performer de la música como Laurie Anderson; estrellas del ballet como Mikhail Baryshnikov.
Trisha contó en una entrevista como llegó a Nueva York en 1961 con las ideas no muy claras. La ciudad se lo dio todo después, ese caldo de cultivo algo turbio pero siempre prometedor. Menos de 10 años después, ya fundó la compañía que hemos conocido hasta hoy. Un crisol de experimentaciones diversas y a veces, endiabladamente contradictorias.
Su persona siempre habla de esa fluidez, no había más que verla en escena con su tropa, a la par y en una distinción que apenas era la de su canosa melena beethooveniana agitándose en esa gestualidad particular que sin huir del naturalismo es sofisticada a su manera. Una manera personal de ser siempre una líder de la abstracción.

30/1/13

Mascarell veu com un "mal menor" el tancament de la Sala Tallers del TNC i el reajustament de la programació



Font: ACN via ara.cat /Foto: ara.cat
El conseller de Cultura, Ferran Mascarell, ha assegurat que les mesures preses per la direcció del TNC són "el mal menor dins del que s'intenta afrontar i resoldre". Mascarell s'ha referit així a les decisions del TNC, donades a conèixer el passat divendres, de tancar la Sala Tallers, vinculada al projecte T6, com a sala d'exhibició durant dos anys i reajustar les programació del que queda de temporada traient 70 funcions. Durant la presentació de l'espectacle del coreògraf britànic Hofesh Shechter al Mercat de les Flors, Mascarell ha agraït a la direcció del TNC com ha afrontat la situació de minva de públic i d'ingressos. 
Preguntat per les mesures preses pel TNC anunciades a finals de la passada setmana, Mascarell ha destacat que tant el consell d'administració, el mateix director del TNC, Sergi Belbel, com l'equip de gerència "fan una feina magnífica per garantir el futur i la continuïtat del teatre". En aquest sentit, ha defensat que aquestes decisions s'han pres per "evitar problemes futurs", al temps que ha apuntat que la part del TNC fixada pel contracte programa ha tingut "dificultats" per complir-se com a conseqüència de la baixada del consum, "especialment per l'IVA".
El conseller ha destacat que és d'agrair la bona gestió i la forma com la direcció del TNC ha encarat la situació de minva de públic i d'ingressos. "El TNC està garantit i té un equip al capdavant molt bo i fan molt bé la feina", ha assenyalat Mascarell, qui ha lamentat que se'n vegin afectats alguns creadors que no podran fer allò que tenien previst "amb la mateixa fortalesa" o s'hauran d'esperar. Així mateix, ha indicat que aquest "és el mal menor".
Mascarell ha assegurat que en una altra època i moments "probablement" la Conselleria de Cultura hauria pogut compensar-ho. En aquest sentit, ha criticat que Catalunya està mal finançada i que no té cap fons de reserva per ajudar els centres culturals que no els hi van bé les coses.
El relleu de Joan Francesc Marco al Liceu
Sobre el relleu de Joan Francesc Marco com a director general del Gran Teatre del Liceu, Mascarell ha destacat que és una decisió del consell d'administració i ha manifestat que és cert que el 7 de juliol acaba el contracte de l'actual director general i en algun moment s'afrontarà què és més convenient fer. El titular de Cultura ha dit que Marco "tant podria ser renovat com no" en el càrrec.

La nova direcció de la sala s'enlaira amb circ



Eoloh és un espectacle de circ contemporani que imagina com Èol, el déu del vent, impedeix que s'enlairi un avió del qual tots els espectadors s'han transformat en passatgers. L'espectacle és per a tots els públics i, per tant, que ningú pateixi per trobar-hi un espectacle angoixant en què pugui passar por. Tot és un joc i el viatge, que finalment es podrà fer, permet que el públic visiti els planetes lúdicament. Al Barts de Barcelona, s'hi està fins al 5 de març.
L'espectacle, que recorda molt a l'estètica de Cirque du Soleil, es realitza dins de teatres. També hi ha contorsionistes, trampolí, cub, barra russa, números aeris, Akroboys, pallassos i malabars. En total, hi treballen 20 artistes de circ, que tenen el suport de 13 tècnics. El muntatge, de prop d'una hora i mitja de durada, té tretze especialitats circenses. En la tempesta final, garanteixen una nevada de deu quilos de neu. També és clau el vent que dispara la figura del fons, el déu Èol: llança l'aire fins a 160 quilòmetres per hora, la velocitat perquè pugui enlairar-se un avió d'hèlix, segons els organitzadors.
La productora Letsgo ha construït un nou espectacle, després de l'èxit de, The hole. Des de setembre, Eoloh fa una gira per l'Estat espanyol, que acaba a Logronyo el 17 de març.

L'humorista Berto Romero estrena espectacle a l'Alexandra Teatre



Font: ara.cat
Han passat prop de tretze anys des que Berto Romero va estrenar La apoteosis necia amb la companyia teatral El Cansancio. Amb aquest monòleg, en què parla de les dèries de l'adolescència, ha voltat per tot Espanya fins ara. "La vida d'una obra hauria de ser de cinc anys, però La apoteosis necia s'ha dilatat molt en el temps, perquè l'havia de combinar amb la televisió", argumenta l'humorista.
Era, però, el moment de fer un canvi: "Ja no tenia sentit continuar amb un punt de vista que ja no és el meus, he canviat", afegeix. Si a 'La apoteosis necia' parlava dels pares i els avis, del primer amor o de la recerca de la primera feina, a Berto Romero sigui con nosotros, reflexiona sobre la paternitat: "Parlo de ximpleries, del meu nou paper a la societat com a pare responsable, de la sexualitat sana, lliure i divertida, de l'obsessió per fer esport de molts homes quan arriben als 40...". Romero prefereix passar per l'actualitat de puntetes: "Tocarem l'actualitat una miqueta però des d'una perspectiva no sagnant, no em ve de gust que la gent surti del teatre deprimida", assegura. 
Berto sigue con nosotros s'estrena el 7 de febrer a l'Alexandra Teatre de Barcelona i l'humorista té previst actuar dues vegades a la setmana fins l'estiu. Romero pot haver madurat però no desisteix en la seva obsessió per cantar i ballar, fins i tot, s'atreveix amb el hip-hop. 

Torna l'èxit teatral 'Sé de un lugar', ara a La Villarroel



Font: L. S. (ara.cat)
Sé de un lugar ha sigut un dels espectacles de petit format més exitosos dels últims anys. Després d'estrenar-se a la sala petita de La Seca el gener del 2012, va córrer el boca-orella i va fer que s'exhaurissin les entrades. El Teatre Romea li va donar una segona oportunitat a l'inici d'aquesta temporada i el va situar al vestíbul del teatre. Ara és la sala La Villarroel la que acull el muntatge d'Ivan Morales. 
Sé de un lugar descriu els estralls de la separació d'una parella, interpretada per Anna Alarcón i Xavier Sàez. L'obra de Cia. Prisamata, escrita i dirigida per Ivan Morales, es qüestiona si és possible l'amor després de l'amor. 
L'obra, que va rebre el premi Butaca al millor muntatge de petit format, es podrà veure cada dimarts (a les 20.30h) i dimecres (a les 22h després d'Adreça desconeguda).

Escena Contemporánea ofrecerá cuatro semanas de la última vanguardia en teatro, danza y performance



Fuente: EP vía larazon.es
Escena Contemporánea da el pistoletazo de salida a la programación de su XIII edición, que se celebrará del 30 de enero al 24 de febrero, cuatro semanas de teatro, danza y performance que acercarán al público de la Comunidad de Madrid lo último de la vanguardia escénica nacional e internacional.
Según ha informado el Gobierno regional, el espectáculo de danza 'Islandia', a cargo de la compañía La Veronal, inaugura Escena Contemporánea este miércoles, en la Sala Roja de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid.
La pieza, con dirección de Marcos Morau y dramaturgia de Pablo Gisbert-El Conde de Torrefiel, toma como punto de partida el país nórdico para apuntar preguntas sobre la sociedad actual y buscar respuestas mediante el lenguaje corporal.
También esta primera semana se subirá al escenario del Teatro Lagrada la compañía valenciana El Pont Flotant. Con 'Algunas personas buenas' los cuatro miembros del colectivo proponen un juego teatral lleno de sentido del humor e ironía sobre la capacidad de compromiso del individuo y la dificultad de mantener siempre una actitud coherente. Podrá verse los días 30 y 31 de enero a las 21 horas.
'España, último trabajo de Cooperativa General Humana, es una acción/performance desarrollada con la participación de varios protagonistas de un espectáculo urbano espontáneo, que trabajan actuando en la Puerta del Sol bajo disfraces de héroes de la ficción infantil. El proyecto, que se representará del 1 al 3 de febrero a las 20.00 horas en los exteriores del Edificio España, plasma sin adornos un imaginario colectivo latente y cotidiano.
De Italia llega 'Teatro Sotterraneo' con 'Dies irae_5 episodi intorno alla fine della specie'. En la Sala Cuarta Pared los días 1 y
2 de febrero a las 21 horas, estos florentinos combinarán una absoluta simplicidad de medios con un pensamiento teatral complejo para representar una historia sarcástica y lírica sobre la evolución humana.
La Sala Triángulo acoge el estreno absoluto del espectáculo teatral 'Cuerdas' (2 y 3 de febrero a las 20.30), de la compañía madrileña Los Lunes, con texto de Bárbara Colio (Premio Nacional de Dramaturgia de México, 2009) y dirección de Fefa Noia. Esta historia sobre tres hermanos hijos de un funambulista de fama internacional podrá verse también en el Centro Cultural Paco Rabal de la Comunidad de Madrid el 16 de febrero a las 20 horas.
Onírica Mecánica, compañía dirigida por Jesús Nieto, cierra la programación de la primera semana de Escena Contemporánea con 'Morfología de la ceguera', una experiencia sensorial que transcurre en completa oscuridad y cuestiona el sentido de lo real a través de las historias de personas invidentes. En cartel el día 2 de febrero a las 21.00 horas en La Nave de Cambaleo (Aranjuez) y los días 15 y 16 de febrero a las 21 horas en la Sala Cuarta Pared.

Una 'Traviata' low-cost para el bicentenario de Verdi



Fuente: EP via abc.es
La celebración del bicentenario de Giuseppe Verdi en 2013, que va a provocar la representación de sus obras en todos los teatros de ópera del mundo, llegará a partir del 30 de enero al Nuevo Teatro Alcalá, ha informado el teatro en un comunicado.
La compañía Estudio Lírico ha programado un mini ciclo de obras de Verdi que, tras la representación de Il Trovatore Rigoletto, culmina con la inmortal Traviata entre el 30 de enero y el 10 de febrero. Un homenaje sin precedentes que reúne en escena a solistas y figuras del canto internacional y a la Orquesta Filarmónica Mediterránea, todos dirigidos bajo la batuta Elena Herrera, quien fuera directora de la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de Brasilia, de la Orquesta Sinfónica de Sao Pablo y Paraiba. Ha dirigido, por varias temporadas la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, así como las orquestas sinfónicas de Palma de Mallorca, Córdoba, y Oviedo.
Precios populares

Desde hace años Estudio Lírico pone en cartel obras maestras de la lírica, pero también producciones de ballet y teatro, a precios populares, pero con un montaje similar al de los grandes teatros. Por ejemplo, en esta Traviata hay hasta 80 artistas en el escenario, pero los precios están entre 25 y 35 euros.
La compañía Estudio Lírico y la Orquesta Filarmónica Mediterránea presentan este extraordinario programa dedicado al gran maestro de la ópera. Desde sus comienzos, la compañía Estudio Lírico ha desarrollado una intensa labor musical y escénica, presentado su repertorio en la red de teatros de Castilla y León y en las principales plazas y teatros de España y Portugal con un gran éxito de crítica y público y representando los distintos títulos de su repertorio en sucesivas temporadas.
Ópera y zarzuela

La Compañía Estudio Lírico surge en el panorama musical español en el año 2003 por iniciativa de la musicóloga y profesora Belkis Domínguez y el director de escena y tenor lírico Lorenzo Mock que seleccionaron a un grupo de jóvenes músicos, cantantes líricos, actores y bailarines españoles y latinoamericanos con el objetivo de ofreceróperas y zarzuelas de calidad y para llenar el espacio dejado por las grandes producciones extranjeras disponibles sólo en tournés y únicamente accesibles para grandes espacios.
La Orquesta Filarmónica Mediterránea está compuesta por 35 profesores de escuelas de música y conservatorios de la comunidad de Madrid y ha realizado numerosas giras por España y Portugal con un amplio programas de música romántica y religiosa. Como orquesta estable de la compañía Estudio Lírico ha interpretado numerosas zarzuelas y óperas.
Las representaciones tienen lugar en el Nuevo Teatro Alcalá (calle Jorge Juan, 62 de Madrid), desde el miércoles 30 de enero al domingo 10 de febrero, de miércoles a viernes a las 20:30 horas; sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas.