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30/4/13

Actuar o morirse de pena



Fuente: Alberto Ojeda (elcultural.es)

El teatro camina sobre el filo del abismo. Entre recortes, subidas de impuestos y falta de público, las productoras privadas y las instituciones públicas financian muy contados montajes. En ese contexto, actores y directores deben ingeniárselas para seguir trabajando. Fundar cooperativas, sociedades y asociaciones que posibiliten la autoproducción es la fórmula más socorrida para salir adelante. Recorremos el sector para analizar los ejemplos más significativos de un fenómeno cada vez más frecuente


"Hacer algo que no te permite vivir es terrible". Miguel del Arco expresaba este lamento tras recoger el Premio Valle-Inclán de Teatro, hace apenas un mes. Él es el hombre de moda de nuestra escena. Una auténtica cosechadora de galardones. Sus obras se solapan en la cartelera madrileña. El año pasado, por ejemplo, consiguió hacer un llamativo doblete en dos de los espacios emblemáticos de la ciudad: sus versiones de El inspector de Gogol yDe ratones y hombres de Steinbeck se representaron simultáneamente en el Teatro Valle-Inclán (CDN) y el Teatro Español. Todo un logro que sin embargo no le permite ninguna holgura. De hecho, algunas de sus iniciativas en estas fechas se han quedado en suspenso por falta de financiación. Tenía intención de levantar una adaptación propia de El misántropo de Molière pero la falta de fondos y perspectivas de recuperar inversiones postraron el montaje en el apartadero de las ilusiones truncadas. Suerte que el Valle-Inclán viene acompañado de 50.000 euros. Y Del Arco ya ha confesado que los destinará a la pieza del autor francés. 

Pues si alguien como él, en plena racha, anda así, pueden imaginarse el resto de profesionales del sector. Enfrentados a muro que para algunos ya es demasiado alto y no ven manera de franquearlo. Ni saltándolo ni derribándolo. Pero la vocación es un motor de potente cilindrada. Y son otros muchos los que no se dan por vencidos y siguen ingeniando fórmulas para poder sobrevivir (e incluso vivir) del teatro. Toca reinventarse y asumir nuevas responsabilidades, que no se circunscriben en exclusiva al territorio escénico o artístico. En los últimos meses bajo las producciones estrenadas en nuestros teatros está el patrimonio de actores y directores que se lo han jugado para no quedarse encerrados en su habitación lamentando su suerte. 

Un ejemplo de obstinada persecución de un sueño es el protagonizado porDaniel de Vicente. "Con 22 años he sido autor, director, productor, regidor, administrador...", explica a El Cultural. Tenía todo en su contra. Era demasiado joven. Era un desconocido. Era español ("Sí, parece que a los programadores sólo les interesan los extranjeros que triunfan en Londres, Nueva York..."). Pero al final ha conseguido estrenar Cordón umbilical, una denuncia del carácter endeble de las apariencias, que puede verse en el Teatro Lara, tras su paso por la Sala Triángulo. Desde que empezó a escribir las primeras frases, con 18 años, De Vicente decidió ir metiendo en la hucha una cuantiosa porción del dinero que le dejaban diversos trabajos alimenticios. "Sabía que no me iban a hacer mucho caso, así que tenía que tener yo mismo mis propios recursos para ponerla en pie". Y se la jugó: contrató actores, iluminadores y escenógrafos con sus ahorros. Sin contar con el compromiso de exhibición de ninguna sala. El talento y la suerte le han permitido ganarse su pequeño hueco en la cartelera. 




Muy jóvenes también eran los componentes de Ron Lalá. Fue en el instituto cuando decidieron crear una compañía, que en un principio se limitaba a espectáculos en los que fusionaban música y poesía que rodaban por universidades, salas de conciertos, pequeños teatros... Todo idealismo y diversión. Pero hacia 2004, cuando gracias a Mi misterio del interior se convirtieron en un referente del humor underground, comprendieron que debían adoptar una estructura societaria que les dotara de una cierta seguridad y estabilidad. Sobre todo a la hora de facturar y gestionar sus propias contrataciones y bajas y altas en la Seguridad Social. Y constituyeron una Sociedad de Responsabilidad Limitada, integrada por seis socios que adoptan decisiones de acuerdo a un criterio horizontal (tanto montan, montan tanto...). 

"Hasta la fecha nos hemos autoproducido todos nuestros espectáculos", explica Miguel Magdalena, socio fundador de Ron Lalá. Y les ha ido muy bien. Hasta que llegó la crisis con el mazo y con las deudas. "Entre ayuntamientos, diputaciones, comunidades autónomas... nos debían más 100.000 euros". La compañía se tambaleó. Hubo momentos críticos en que parecía que el único desenlace sensato era poner punto y final a la bonita historia de amistad, risas y escenarios de medio mundo. De la asfixia les salvó algún adelanto de su distribuidora y, advierte Magdalena (de nombre artístico Perilla de la Villa), "una confianza absoluta en nuestro proyecto". Por suerte siguieron en la brecha. Y ahora están embalados, en gran medida gracias a la admiración despertada en Boadella, que cuando les vio haciendo un pase de Siglo de Oro, siglo de ahora les confesó: "Este es el teatro que haría yo si fuese joven". La temporada en el Canal fue un éxito, coronado con una nominación a los Premios Valle-Inclán y otras dos para los Max (a la mejor producción y al mejor musical). La ley de proveedores promulgada por el Gobierno les ha servido además para recibir algunos pagos atrasados. 

Otra Sociedad Limitada ha permitido que estos días se esté representandoFeelgood en Matadero. Todo germinó en el montaje de Todos eran mis hijosdirigido por Claudio Tolcachir en el Teatro Español en 2010. El plantel de actores (Alberto Castrillo Ferrer, Fran Perea, Manuela Velasco...) alcanzó tal grado de complicidad que buscaron por todos los medios seguir trabajando juntos. Le estuvieron dando muchas vueltas a la elección de una obra con la que seguir colaborando. Hasta que encontraron el texto de Alistair Beaton, una disección del impacto que puede tener el poder sobre la conducta humana. Cuando llamaron a las puertas de los productores, sin embargo, no se las terminaron de abrir. Así que se lo montaron por su cuenta. 

"Creamos la compañía Entramados y empezamos a ensayar en una de las salas de la Resad que nos dejaron", explica Castrillo Ferrer a este suplemento. "Luego pagamos a un iluminador y a un escenógrafo para hacer un esbozo de ensayo general en la Resad". La cosa funcionó. Natalio Grueso, director de programación del Área de las Artes de Madrid, quiso coproducirla y llevarla al Matadero. Les quedan dos semanas en cartel. "Los gastos económicos en que incurrimos están cubiertos. Ahora depende de la taquilla si ganamos algo más. Pero yo le he dedicado seis meses casi en exclusiva a este proyecto. No es que sólo haya invertido dinero. También mucho, mucho tiempo que he dejado de trabajar en otros sitios". 

A su caché también renunciaron lo actores El café de Fassbinder, obra que estuvo en el cartel de la Abadía en marzo. La subvención que estaba aprobada se revocó y la posibilidad de llevar a buen puerto el espectáculo naufragó. Las ganas de los actores de subirla a las tablas hizo que terminaran por prescindir de sus cachés para ligar su suerte a lo que sucediera en taquilla. El director británico Dan Jemmet también rebajó cuantiosamente su remuneración. Aun así, los intérpretes de la obra se empeñaban en advertir que su decisión no debía servir de precedente. Lo lamentable es que cada vez se repite con más frecuencia. Alberto Castrillo Ferrer, que en Feelgood es el director, encuentra, no obstante, un aspecto luminoso en esta dinámica:"Creo que se está volviendo a la cultura de compañía. En los últimos años, el actor, en muchos montajes, estaba cada vez más relegado, como si fuera una pieza que se podía sustituir fácilmente. Y eso era una aberración, porque el teatro se sostiene sobre todo en los actores". 





Eso lo saben bien en Teatro de Cerca. Una original propuesta que ahora cumple 10 años y que, en estos tiempos convulsos, no sólo está aguantando muy bien el tipo sino que está sirviendo de modelo para muchos actores y directos que quieren seguir comiendo cada día y trabajar en lo suyo. Esta compañía escenifica sus propias obras a domicilio. ¿Que quiere celebrar un cumpleaños o una fiesta despedida o recibimiento y hacer algo llamativo para sus invitados? Pues rellena que el formulario que tienen en su web y les contrata, eligiendo la obra que prefiera. El grupo nació curiosamente en Port Aventura, donde se encargaban de darle color (malabares, representaciones callejeras...) al parque temático. 

"Queríamos avanzar en nuestra camino profesional. Vimos que teníamos muchos criterios en común y formamos la compañía", explica a El Cultural Carmes Flores, actriz y productora. "Quique Culebras escribió una obra para empezar. Eran dos diálogos. Por un lado, de dos chicas, y, por otro, de dos chicos. Nosotras terminamos antes de prepararlo y para ver si conectaba bien con la gente lo representamos en casa de unos amigos. Gustó tanto el concepto que decidimos especializarnos en ello". De esta pequeña pieza,Carcoma, llevan 352 funciones en casas particulares, aunque tienen un repertorio variado. 

Aparte, los nueve socios que componen la asociación que conformaron también trabajan en espacios más convencionales: en Madrid, por ejemplo, estrenaron en el Círculo de Bellas Artes Fando y Lis, de Fernando Arrabal queno deja de procurarles elogios. Y en la actualidad están en el Espai Brossa de Barcelona. "La verdad es que, en lo que respecta al teatro a domicilio, seguimos en un ritmo muy similar al de antes de la crisis". He aquí un microsector que no ha sido zarandeado por la recesión. Un caso insólito que pone de manifiesto que no hay que dejar de agudizar el ingenio para evitar ser noqueado por el desastre. El ingenio, ese chaleco salvavidas en aguas agitadas...

La Stasi se cita con el escenario en Dresde



Fuente: Sergio Delgado Salmador | Juan Gómez (elpais.com)
Una vez más Alemania se cita con una de esas oscuras etapas de su historia a la que no tiene miedo a enfrentarse. Y no, no se trata de los nazis, esta vez le toca el turno a la República Democrática de Alemania (RDA). En Mis actas y yo (Meine Akte und ich), ocho víctimas y un funcionario del Ministerio para la Seguridad del Estado (Ministerium für die Staatssicherheit) toman el escenario de la Staatsschauspiel de Dresde para recordar sus experiencias con la Stasi.
La función se enmarca dentro del proyecto Vidas paralelas: El siglo XX a través de la policía secreta impulsado por el Festival Internacional de Teatro Divadelná Nitra de Eslovaquia, en el que participan ocho países del antiguo bloque soviético. "Vendrán de Hungría, Polonia, Rumanía y Chequia, entre otros. Yo me encargo de la parte alemana y soy el único que ha sugerido trabajar con testigos de la época", explica desde el otro lado de la línea telefónica en alemán Clemens Bechtel (Heidelberg, Baden Würtemmberg, 1964), director de la obra, estrenada el domingo en Dresde.
La iniciativa pretende rescatar el papel del servicio secreto antes de 1989 dentro del ambicioso marco del festival que busca poner el foco sobre fenómenos sociales y la recuperación de la memoria histórica. "Uno de los puntos clave del proyecto es que se abra un diálogo entre víctimas y funcionarios o autores de crímenes. Deseamos que 20 años después empiecen a sentarse juntos y promover el dialogo".
Los textos de la obra de 90 minutos de duración se escribieron a partir de una serie de entrevistas con los protagonistas: cinco víctimas de la policía secreta y tres que narran su historia desde la perspectiva de la Stasi. Entre ellos, se encuentra Gottfried Dutschke (Hainsberg, Turingia, 1945). Licenciado en Ciencias del Deporte y Biología, el alemán fue arrestado por ayudar a un grupo de amigos a huir de la RDA para reencontrase con familiares al otro lado. “A mis hijos, mi mujer y conocidos ya lo han escuchado, pero se lo quería contar a los jóvenes. Hay gente que quiere acabar con estas vivencias pero debe haber memoria histórica. Esta gente aún existe y podría ser peligrosa”, apunta sin tapujos. Tras arrestar a uno de sus compañeros de universidad en Praga, la Stasi encerró a Dutschke dos años y medio en la cárcel de Gera, una localidad a 133 kilómetros al oeste de Dresde. “Fue terrible. Mi mujer le dijo a mi hijo de 10 años que estaba en el hospital. No les hicieron nada pero estuvieron bajo vigilancia”. Junto a él, opositores, ciudadanos de otros países del bloque e, incluso, algún exfuncionario formaban parte de una prisión en la que Dutschke fue también castigado en una celda de aislamiento. “Me metieron ahí durante tres días por negarme a salir a andar y contestar a un guardia. Fue horrible: sin luz, contacto humano y sin saber hasta cuando”.
El histórico encuentro no ha resultado, sin embargo, sencillo de organizar. “Dar con víctimas que estuvieron en la cárcel o tuvieron malas experiencias es relativamente fácil pero, lógicamente, es más si uno ha tenido algo que ver con la Stasi. Está estigmatizado, es una marca diferenciadora. Normalmente esa gente esconde su biografía”, considera Bechtel. Entre las escasas personas presentes relacionadas con los funcionarios Evelin Ledig-Adam (Vogtland, Sajonia, 1955), evoca la experiencia de su primer marido. Bajista y violinista de profesión, él confesó a su mujer haberse unido a la Stasi en 1984, dos semanas después de haber firmado el contrato. “Se unió para poder viajar y su trabajo consistía en informar sobre otros músicos. Por aquel entonces pensé que era una traición a los ideales. Tenía miedo de hablar de compañeros y de si querían ir a la República Federal. Lo que nunca sabré es si escribió informes también de mí”, sospecha la antiguamente relaciones públicas de un teatro.
Mis actas y yo se suma así a la ya extensa memoria histórica de un país que, a pesar de saldar sus cuentas con la etapa comunista, ha ido aún más lejos en lo relativo a la época nazi. "Sobre ese periodo hay un verdadero diálogo. De niños nos llevaron con el colegio al campo de concentración de Buchenwald y a mí me impactó profundamente. Es algo que no se olvida", comenta Ledig-Adam. "Después de la Segunda Guerra Mundial hubo más juicios y castigos. Ahora, la gente ha viajado mucho, ha visto mundo, están bien educados y a lo mejor ha llegado la fase de pensar", argumenta Dutschke. "Espero que la juventud conozca esto y no piensen solo en coches y cosas banales. Sería triste y peligroso".

El régimen de la RDA como protagonista en la cultura alemana

Entre los escritores quizá fue Ronald M. Schernikau el que mantuvo una relación más estrafalaria con la República Democrática Alemana (RDA): nacido en el Este en 1960, de niño pasó con su madre a la República Federal escondido en un maletero. En Hannover se afiliaría al Partido Comunista y, todavía un escolar, escribiría una novela corta sobre un joven homosexual de provincias. Lo convirtió en una de las jóvenes promesas literarias en alemán. Cuando todo el mundo daba por muerta (con razón) a la RDA, el escritor solicitó la nacionalidad de su país natal. Se instaló en Berlín oriental en 1989, apenas unas semanas antes de la caída del Muro. Su libro de aquellos días Die tage in l. (Los días en L.) lleva el subtitulo “De cómo la RDA y la RFA no se entenderán nunca y menos a través de su literatura”. Nunca se publicó en el Este.
Schernikau murió de algo relacionado con el SIDA en 1991, en la Alemania ya unificada. Había terminado su tremendo mamotreto satírico y trágicolegende (Leyenda. Contiene episodios como “Una canción para Rostock”, donde imagina una imposible victoria de la RDA en Eurovisión y la consiguiente organización del Festival en la ciudad norteña de Rostock. No se publicó hasta 1999.
En el teatro, que disfruta de gran popularidad en Alemania, ha llamado mucho la atención la pieza de 2003 Zeit zu lieben, Zeit zu sterben (Tiempo de amar, tiempo de morir), escrita por Fritz Kater. Pone en las tablas escenas de la vida de varios jóvenes de la RDA, entre nostálgicas y deprimentes.
La autopsia de sus regímenes históricos fracasados es uno de los temas principales en la cultura popular alemana. Hace décadas que interpretar a un nazi en una gran producción sirve de trampolín internacional para actores de lengua alemana. Como segunda opción queda la RDA, cuyo abanico de personajes abarca desde el espía noble de La vida de los otros (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006) hasta la enternecedora comunista enferma de Good Bye, Lenin (2003), de Wolfgang Becker. El thriller sobre la policía política de la RDA y la comedia sobre la caída del Muro fueron enormes éxitos internacionales. Menos conocida fuera, pero también un éxito en Alemania, fue la comedia de Leander Haussmann Sonnenallee(1999). Desde que desapareció en 1990, la RDA ha inspirado una larguísima lista de películas de cine y televisión.

'Kinky Boots' y Tom Hanks destacan en las candidaturas a los premios Tony



Fuente: EFE vía larazon.es
El musical "Kinky Boots" logró hoy trece candidaturas a los premios Tony de teatro, entre cuyos aspirantes destaca además Tom Hanks por su papel en "Lucky Guy" y en los que se quedaron fuera nombres tan populares de la interpretación, como Scarlett Johansson.
La lista de nominaciones divulgada hoy coloca como obra con más nominaciones y una de las grandes favoritas a "Kinky Boots", una adaptación para el teatro de la película británica del mismo nombre producida en 2005, con música de la cantante Cyndi Lauper.
Esta obra narra cómo un joven que hereda una fábrica de zapatos clásicos se lanza a fabricar productos fetichistas y para "drag queens" como única forma de salvar el negocio y los empleos de sus trabajadores.
"Kinky Boots" logró, entre otras, las nominaciones a mejor musical, libreto, música, dirección y coreografía (estas dos últimas para Jerry Mitchell), así como la de actor protagonista, que recae sobre Billy Porter y Stark Sands.
Su principal rival en estos prestigiosos galardones será "Matilda", un musical creado originalmente en Inglaterra y basado en una novela de Roald Dahl, que se hace con doce candidaturas, entre ellas mejor musical, libreto, música, actor principal (Bertie Carvel), dirección (Matthew Warchus) y coreografía.
Completan las nominaciones a mejor musical "The testament of Mary" y "Vanya and Spnia and Masha and Spike".
Por lo que se refiere a obras de teatro, la nueva versión de "Golden Boy" (una obra sobre el mundo del boxeo estrenada en 1937) se llevó el mayor número de nominaciones, entre ellas la del televisivo Tony Shalhoub ("Monk") como mejor actor de reparto.
Destacan también las seis candidaturas de "Lucky Guy", un drama estrenado hace pocas semanas y muy apreciado en Nueva York por su autora (la guionista y directora de cine Nora Ephron, fallecida el año pasado) y por tener a Tom Hanks como protagonista, que se disputará el premio a mejor actor.
El drama narra la historia real del periodista Mike McAlary, sensacionalista e implacable, pero ganador de un premio Pulitzer por una investigación sobre un caso de malos tratos policiales y muerto en 1998 a los 41 años a causa de un cáncer.
Junto a Hanks, se disputarán el Tony al mejor actor teatral Nathan Lane ("The Nance"), Tracy Letts ("Who's afraid of Virginia Woolf?"), David Hyde Pierce ("Vanya and Sonia and Masha and Spike") y Tom Sturridge ("Orphans").
En categoría femenina, Laurie Metcalf ("The Other Place"), Amy Morton ("Who's afraid of Virginia Woolf?"), Kristine Nielsen ("Vanya and Sonia and Masha and Spike"), Holland Taylor ("Ann") y Cicely Tyson ("The Trip to Bountiful").
Sin embargo, en estas nominaciones hay una larga lista de grandes nombres de Hollywood y de los escenarios que están ausentes después de los que se especuló con que podrían ser candidatos.
Scarlett Johansson ("La Gata sobre el tejado de zinc"), Jessica Chastain ("The Heiress"), Bette Midler ("I'll Eat You Last"), Al Pacino ("Glengarry Glen Ross") y Alec Baldwin ("Orphans") son algunos de esos nombres.
Los premios Tony se entregarán en una gran gala que se celebrará el próximo 9 de junio en Nueva York.

Santiago Rusiñol deixa en evidència l'ADN català a 'Llibertat!'



Font: Laura Serra (ara.cat)
Un indià que ha fet les Amèriques arriba a un poble de la costa catalana amb una sorpresa: un nen de color. El petit -que al principi no té ni nom, és "el negre", i l'acaben batejant com a Jaumet- és rebut amb alegria i curiositat pels vilatans. Però l'atracció de fira entranyable passa a ser una amenaça quan es fa gran. Òscar Kapoya interpreta aquest noi que, d'adult, topa amb "el poble gris" que Santiago Rusiñol, des de la seva atalaia de burgès benestant amb la vida resolta, va poder deixar ben retratat en els seus contes i obres de teatre.
Llibertat! -que es podrà veure a la Sala Petita de demà al 9 de juny- hi conflueixen tres qualitats rusiñolianes que van empènyer Josep Maria Mestres a posar en escena una obra estrenada el 1901 al Teatre Romea i que no s'ha vist mai. D'una banda, el pare de L'auca del senyor Esteve domina "l'ADN català, conté moltes de les coses que configuren la nostra manera de fer, inclosa la llengua", que és prefabriana. D'altra banda, hi ha la seva traça per la comèdia, la " indiosincràcia ", en diu Mestres, i també les seves maneres de "gamberro trencador" que enfurisma dretes i esquerres. I, finalment, hi ha el seu compromís social malgrat els seus privilegis. A l'obra denuncia "el racisme", però sobretot "la hipocresia d'un poble que no es considera racista", diu Sergi Belbel. Mestres hi afegeix: "I també denuncia la inconseqüència entre el que es pensa, es diu i es fa".
El director ha esporgat de valent el text original per deixar una versió "polida i punyent", afirma Belbel. Sense afegir-hi ni una paraula, acosta el clàssic a l'actualitat. "L'obra és un toc d'alerta. En els moments difícils, quan els llocs de treball i els privilegis perillen, és quan ens tornem més reaccionaris, i un lema com «primer els de casa» se'l fa seu gent que no ho hauria dit mai -opina Josep Maria Mestres-. Ara que el país va cap a un lloc que il·lusiona, és important de quina manera hi anem. Cal ser conscients que el primer és la justícia social", adverteix.
Un extens repartiment capitanejat per Roger Casamajor, Maife Gil, Tilda Espluga i Jacob Torres interpreta una comèdia coral que transmuta a drama íntim. "No sé si es tornaran a veure una vintena d'actors a escena. Hem retallat en escenografia però no en actors ni talent", va dir mestres. Llibertat! va ser víctima de la retallada de pressupost, que ha afectat tant la producció (l'escenografia costa la meitat i els exuberants vestuaris són reciclats) com el sou de tots els artistes.
"Estem ferits", diu Belbel
Sergi Belbel va resumir la situació crítica de la institució amb la frase: "Estem ferits". Després de retallar funcions, programa i la Sala Petita, la setmana passada es van acomiadar 11 persones. La gerent, Mònica Campos, va anunciar que era una "mesura de mínims" i que hi haurà "més mesures per fer sostenible el projecte".

Josep Maria Miró, Alberto Ramos i Daniela Feixas, finalistes del Premi Quim Masó



Font: ara.cat
'Nerium Park' de Josep Maria Miró i Coromina, 'Només un anunci' d'Alberto Ramos i la Companyia Guanyadora i 'Space Oddity' de Daniela Feixas i la companyia La Banda han estat les obres finalistes d'aquesta edició del Premi Quim Masó a projectes de producció teatral.
Un total de 37 noves produccions teatrals optaven al premi d'enguany que disposava de més dotació econòmica i possibilitat d'exhibició que els anys anteriors. Així doncs el guardó d'aquesta edició finança el projecte guanyador amb prop de 50.000 euros i l'espectacle es programarà en el marc del Festival Temporada Alta 2013 i el Grec 2014.
El jurat que ha avaluat els projectes presentats està format per Sergi Belbel (director i autor teatral), Ramon Simó (director teatral i director del Festival Grec), Andreu Gomila (crític i periodista teatral), Pere Puig (director teatral i de la Sala La Planeta), Josep Domènech (Bitò Produccions) i Guillem Terribas (Llibreria 22), actuant com a secretari.
Enguany, el procés d'elecció ha canviat respecte les passades edicions: els membres del jurat han seleccionat 3 finalistes i el veredicte final del guanyador no es donarà a conèixer fins el proper 6 de maig en el decurs de la presentació dels premis, que es farà a la Sala la Planeta de Girona. L'acte estarà conduit per l'escriptor Josep Maria Fonalleras i comptarà amb l'actuació de Montserrat Carulla amb el seu 'Itinerari de paraules'.
Els projectes finalistes
'Nerium Park', un thriller social de Josep Maria Miró ('El principi d'Arquimedes', 'Gang Bang'), relata en dotze escenes –cada una d'elles corresponent a un mes de l'any i en sentit cronològic – la història d'una parella –Gerard i Marta– des que s'instal·len al seu nou pis, a la urbanització Nerium Park, fins a la desintegració de la parella i d'un model de vida que sempre els havia semblat idíl·lica.
'Space Oddity' de Daniela Feixas ('La dolça Sally', 'Només sexe', 'El bosc') i la companyia La Banda és un thriller apocalíptic amb sentit de l'humor. La proposta narra com l'Eva haurà de vèncer els obstacles per arribar a trobar-se amb la seva mare. La peça posa sobre la taula la relació de la mare i la filla i la d'aquestes dues amb el món exterior. Retrata una societat desintegrada, on s'han perdut tots els drets socials i on la crisi econòmica ha deixat de ser-ho per convertir-se en una normalitat. El projecte presentat estarà dirigit per Mercè Vila Godoy.
'Només un anunci' és un projecte de la Companyia Guanyadora amb un text d'Alberto Ramos ('Els últims dies de Clark K.') que explica com tres personatges (l'Herni, L'Elen i en Diego) han de veure dos esbossos d'anuncis publicitaris, jutjar-los i triar-ne un. Una comèdia que per un costat descriu i aplica una mirada crítica al món de la publicitat i per l'altre se'n riu del que els éssers humans són capaços de fer per amor. El director del projecte seria dirigit per Carles Mallol.

'Rocky' retorna cantant a Broadway

Font: ara.cat 

El nou musical de 'Rocky', una adaptació de la pel·lícula guanyadora de l'Oscar sobre un boxejador de Filadèlfia, es podrà veure ​​a Broadway, en funcions de preestrena, el febrer del 2014.  De moment, no s'ha decidit quin actor interpretarà Rocky Balboa. 
L'espectacle, produït pel mateix Stallone i Stage Entertainment EUA, compta amb música de Stephen Flaherty i lletres de Lynn Ahrens (guanyadors dels premis Tony per 'Ragtime'). Està dirigit per Alex Timbers, aclamat per la crítica musical per 'Here Lies Love' al Public Theater
El musical de 'Rocky', que Sylvester Stallone va escriure i protagonitzar en l'original de la dècada de 1970, es va estrenar a la població alemanya d'Hamburg el passat novembre, i va rebre crítiques positives pel seu realisme i la seva inventiva en la posada en escena de les seqüències de boxa.
D'Hamburg a Broadway
"El cost de producció de la versió d'Hamburg va ser d'aproximadament 20 milions de dòlars (uns 15 milions d'euros) i s'espera que la versió de Broadway costi al voltant de 15 milions de dòlars (uns 11 milions d'euros)", segons ha explicat Bill Taylor, director executiu i productor de Stage Entertainment EUA.
Taylor és conscient que 'Rocky' podria ser percebut com una elecció estranya per a un musical, "hi haurà algunes celles aixecades", assegura. "Però crec que el que veuran els pot sorprendre".
S'espera que la producció de Broadway sigui bastant similar a la d'Hamburg, ha dit Taylor, incloent-hi el final de lluita de Rocky contra Apollo en un ring de boxa i l'ús de la música de les pel·lícules, com el tema musical de Bill Conti i de Survivors 'Eye of the Tiger'. 

29/4/13

Los Olivier coronan a Helen Mirren



Fuente: Patricia Tubella (elpais.com)
La actriz Helen Mirren ha obtenido en la noche del domingo el premio Olivier, el más prestigioso del teatro británico, por su papel protagonista en la obra La Audiencia, donde reedita el personaje de Isabel II que hace siete años le reportó un Oscar. Pero la gran protagonista de la velada ha sido la producción The Curious Incident of the Dog in the Night-Time, que ha acumulado siete galardones, igualando el reto obtenido por el musical Matilda en la edición del año pasado.
La obra que ha arrasado en los premios, y que partía favorita de todas las quinielas, tiene como protagonista a un adolescente que padece el síndrome de Asperger y es un genio de las matemáticas. Ese personaje, al tiempo desafiante y vulnerable, le ha valido al joven actor Luke Treadaway su primer Olivier, frente a la competencia de pesos pesados de la escena como James McAvoy o Rupert Everett. Dirigida por Marianne Elliot –también receptora del Olivier-, The Curious Incident of the Dog in the Night-Time es una adaptación realizada por Simon Stephens a partir de una exitosa novela de Mark Hadddon. La obra fue estrenada el año pasado en el National Theatre de Londres y, a raíz de su éxito, fue luego transferida al teatro Apollo del West End, donde permanece en cartel.
“Quizá la reina merezca más este premio por la actuación más consistente y comprometida del siglo XX y probablemente del siglo XXI”, bromeó Helen Mirren al recoger el premio que le fue entregado por Daniel Radcliffe, el protagonista de la saga fílmica de Harry Potter. La actriz británica se declaró durante años una firme republicana, pero en los últimos años ha ido deslizándose hacia posiciones más cercanas a la monarquía. La Audiencia se centra en las sesiones semanales que la soberana ha venido celebrando con los sucesivos primeros ministros, encarnados todos ellos sobre el escenario por un reparto muy sólido y entre el que destaca Richard McCabe en el papel de Harold Wilson, compensado con otro Olivier.
La votación del público sobre el mejor espectáculo teatral del año ha recaído en el musical Billy Elliot, y el premio a la mejor reposición se lo ha llevado la enésima puesta en escena de Largo viaje hacia la Noche, del Nobel Eugene O´Neill. Top Hat, que rememora la era dorada de Hollywood y a figuras legendarias de la danza como Fred Astaire, se ha alzado con el premio a la mejor nueva producción musical, mientras en el capítulo de reposiciones de musicales ha resultado vencedora Sweeney Todd, junto a sus dos principales protagonistas, Imelda Staunton y Michael Ball.
Los premios Olivier, que en su presente edición han suscitado controversia por incorporar al jurado a empresarios y productores teatrales, han sido retransmitidos en diferidos por la televisión británica por primera vez después de diez años. Sus promotores esperan que ello contribuya a revitalizar la asistencia al teatro, aunque en el caso de La Audiencia y de su actriz protagonista no será necesario porque el cartel de no hay entradas fue colgado en el teatro Guielgud casi en el momento mismo de su estreno. Helen Mirren arrasa también sobre las tablas.

Antonio Najarro: "La danza es uno de los mejores referentes de la Marca España"


Fuente: Laura Martín (elcultural.es)

Lleva un año y medio al frente del Ballet Nacional de España. Diecinueve meses en los que sus objetivos no han cambiado. Si cabe, se han reafirmado: calidad, dinamismo, y trabajo, mucho trabajo. Antonio Najarro (Madrid, 1975) ha trasladado al BNE sus conocimientos de bailarín, coreógrafo y gestor (no en vano dirigió su propia compañía antes de asumir el cargo) con la certeza de que la danza española es uno de los mejores modelos de la Marca España en el extranjero, y de que el BNE ha de ser su embajador. En junio estrenanSorolla, un luminoso homenaje al 150° aniversario del nacimiento del pintor, y en julio Medea, que llevarán también al Festival de Mérida. 

¿Qué balance hace de su año y medio al frente del Ballet Nacional de España?
Muy, muy positivo. Aunque ha sido duro, porque mi objetivo era reestructurar su dinámica, incentivar el nivel artístico y técnico de todos los bailarines y formar un repertorio de coreografías de nueva creación abundante, para comenzar a girar por España. 

¿Le ha ayudado la experiencia de su anterior compañía para enfrentarse a la dirección del BNE?
Por supuesto. El haber sido primer bailarín en el BNE y además dirigir mi propia compañía en todos los aspectos me ha aportado una experiencia muy valiosa. 

Dijo cuando le pusieron al frente que quería que el BNE se moviera mucho por toda España. 
Hemos tenido bastantes giras internacionales: Francia, Japón... Ahora hemos creado un repertorio muy cuidado, con Paso a cuatro de Antonio Ruiz,Medea, Sorolla... Estamos trabajando para girar por España a partir de 2014, y ya tenemos cerradas algunas fechas. 

Siempre ha apostado por espectáculos de fusión. ¿Cómo hermana el ballet con otras danzas?
Muy bien, siempre y cuando, cuando lo fusionemos, lo hagamos con respeto, documentación y calidad. Todas las fusiones tienen bastante éxito, y a mí me interesan porque llaman la atención de públicos diferentes que se adentran en la danza.

Llevan Medea al Festival de Mérida, casi 30 años después de su estreno. ¿Cómo la ha enfocado?
Creo que las coreografías hay que respetarlas absolutamente, así que he intentado buscar referentes. José Granero, por desgracia, ya no está con nosotros, pero hemos contado con Julio Príncipe, que trabajó muy estrechamente con él y que la ha pulido para que tenga el poso y el aroma de cuando se creó. 

También apuesta por la juventud, por coreógrafos jóvenes. 
Creo que la juventud aporta energía e inquietudes. Yo mismo tengo 35 años, y creo que he traído frescura a la dirección del BNE. Los jóvenes están inmersos en la situación de nuestra cultura, y es muy bonito que transmitan esas experiencias con su edad. También suelen ser muy vanguardistas.

Este fin de semana se celebró una gala con coreografías de los propios bailarines del BNE. ¿Cómo surgió la iniciativa?
Fue una celebración para el Día Internacional de la Danza, y para incentivar a los jóvenes coreógrafos, empujarles a tener inquietudes y a expresar. A que creen, a que muestren su creación al público. No quiero un salto generacional, y ahora mismo la danza española esta carente de coreógrafos jóvenes. 

¿Qué futuro le espera a un bailarín que ya es demasiado mayor para danzar?
Hay muchos caminos. La enseñanza, la coreografía, volcarse hacia otros terrenos artísticos que sean compatibles con la danza. Pero coreografiar no lo haces porque se acabe tu vida de bailarín. El coreógrafo nace. Surge a la par que el desarrollo artístico del bailarín, desde que tiene uso de razón, y se madura a través del conocimiento artístico. 

¿Usted tiene tiempo para coreografiar?
Lo intento sacar de donde puedo, porque es una pasión. Para junio tenemos programado Sorolla en las Naves del Español, con coreografías mías y de Arantxa Carmona, Manuel Liñán y Miguel Fuente. 

¿Cree que el incidente del ácido en el Bolshoi distorsiona la imagen que tiene el público del ballet?
Es un caso muy excepcional, muy aislado. Me quedé bastante sorprendido. No se puede asociar para nada al mundo de la danza. Refleja el estereotipo de que los bailarines tienen mucha rivalidad, y eso es algo que existe en todas las profesiones. En el BNE, yo estoy haciendo un enorme trabajo para que exista un compañerismo absoluto. 

¿El flamenco se ha impuesto a la danza clásica española?
Se le ha dado mayor cobertura, sobre todo a nivel internacional. Estoy haciendo un esfuerzo por que brille la danza española, y que el flamenco sea una rama. El BNE tiene que ser el embajador de la danza española. 

La danza es un campo especialmente dependiente de las ayudas públicas. ¿Cómo está sobrellevando los recortes?
Se están notando claro. Pero siempre respondo lo mismo a esta pregunta: en circunstancias como esta surge más el arte, te comes más la cabeza para hacer espectáculos de la envergadura que tiene que tener el BNE, y el arte surge de forma más espontánea. Es hasta bonito. Tenemos que intentar que de lo mínimo se vea lo máximo. 

¿Qué pide para el sector en el Día Internacional de la Danza?
Que haya mucha unión, mucho ánimo y mucho respeto. Que no muera la motivación de los bailarines de luchar por esta profesión, porque es muy bonita. La danza es uno de los mejores referentes para representar la “Marca España”.

El laboratorio teatral de DraftInn



Fuente: Laura Martín (elcultural.es)

Un año después de la creación de DraftInn, este lunes se presenta “oficialmente” la programación hasta el mes de julio. Hablamos con José Manuel Mora, uno de los impulsores de este espacio de investigación, experimentación y diálogo de las artes escénicas. Porque DraftInn, insiste, no es una escuela, ni un teatro, sino un lugar de encuentro y debate. Situado en el barrio de Ventas, algo alejado de ese centro de la capital en el que gravita la mayor parte de la oferta cultural (“algo que no ocurre en otras ciudades europeas”, señala Mora), DraftInn ya se ha posicionado como una oferta interesante con una gran acogida por parte del sector. “Había una necesidad de un sitio así, y al echar a andar ya había colectivos con los que tuvimos sintonía y que se unieron para tirar del carro. Nos estamos ayudando recíprocamente. En momentos así, no se puede caminar solo”, comenta. 


La programación de DraftInn se mueve en torno a varias líneas maestras. Por un lado, los talleres digamos tradicionales, en los que un docente imparte contenidos, como Carles Alfaro en “Pinter versus Chéjov”, Benito Zambrano en su estudio de guionistas y “Peeping Tom´s Artistic Project” de Gabriella Carrizo, dirigido a bailarines o actores con experiencia en el campo de la danza. También se ofrecen talleres de creador a creador, en los que se establece una relación horizontal con los participantes. En este marco se engloba la propuesta de Salva Bolta, “Epicúreos y suripantas: materiales para cocinar una comedia incorrecta”. Se trata de experiencias de investigación que pueden culminar en una representación que se celebrará en otro sitio, explica Mora, porque DraftInn no es un centro de exhibición. Además, se organizan diálogos con autores como Paco León y Fabrice Murgia, y con personajes menos ortodoxos como los toreros Paco Camino y El Juli. “El toreo es una de mis obsesiones”, confiesa Mora, “y cada vez me siento más reconfortado cuando veo una buena corrida de toros. Me confronta con la verdad, en el sentido de ausencia de artificio, y con el riesgo”. Lo cierto es que su situación, cercana al coso madrileño, es apropiada.



Junto con estas propuestas, el centro cuenta con seminarios y residencias internacionales que no necesariamente tienen que ver con el teatro. La idea es fomentar el intercambio de ideas y la nutrición entre los diferentes campos artísticos, además de la investigación. “Por un lado, el teatro tiene que ver con la tradición, con lo ya sabido. Por otro, un teatro que no mire al presente, a las enfermedades de nuestro tiempo, está muerto, es museístico”. El creador, según Mora, se mueve entre ambas corrientes, y a eso se suma la vocación experimental de DraftInn. “Les recordamos que no queremos tanto confrontar al público con lo que ya sabe, sino que investiguen con lo que no sabe, a sabiendas de que el resultado puede ser un fracaso”, explica. 



Su trabajo, y el de todo el equipo detrás de este laboratorio escénico, ha sido reconocido con el premio Te queremos comunicar. La recompensa, una colaboración con Cultproject, es una campaña de publicidad nacional e internacional que les ha llegado como agua de mayo en un momento en el que aún están levantando el proyecto con muchas ganas y esfuerzo. Mora lo agradece: “Sin la visibilidad que nos proporciona el galardón, hubiera sido más difícil”. Porque DraftInn se autofinancia gracias a la aportación de los socios y a las propias actividades y alquileres del espacio, además de la inversión privada y, por supuesto, sin olvidar el trabajo no remunerado del colectivo. La sostenibilidad es ahora su prioridad, pero con un poco de ayuda podría ser una fórmula que también genere trabajo. Por eso, una Ley de Mecenazgo de una vez por todas sería más que bienvenida. Para Mora, “una cosa está muy clara. En tiempos así, hay dos opciones: no hacer porque no hay, o hacer pese a que no haya”. DraftInn se mantiene, a sabiendas de que lo ideal para su crecimiento sería el apoyo privado. De momento, presentan su programa Socios Amigos, una especie de zona VIP en la que sus aliados cuenten con una serie de ventajas por una couta semestral de sesenta euros. 



Paralelamente a la dirección del centro, José Manuel Mora guarda algunas obras en la manga. El tiempo que le falta es su cruz, porque según confiesa no tiene vocación de gestor, sino de dramaturgo. “Pero la vida me puso en esta tesitura, y me envalentoné. Es una responsabilidad que me exige una fuerza y una dedicación. Y creo que DraftInn puede ser la obra más interesante que yo pueda escribir”. 

El TNC diu que els 11 acomiadaments són una "mesura de mínims" per equilibrar el pressupost del 2013



Font: ACN via ara.cat
Els 11 acomiadaments que el TNC va fer efectius la setmana passada d'un total de 128 treballadors són "una mesura de mínims" per tal d'equilibrar el pressupost del 2013.
Per Mònica Campos, gerent del teatre, era "impossible" no afectar la plantilla en aquest ajust, "quan la despesa de personal representa el 46%" del pressupost de la casa. Amb tot, però, la gerent del TNC ha expressat que la institució treballa perquè no hi hagi més acomiadaments en el futur. Tot i això, ha apuntat que caldran més mesures per fer front a la crisi del centre, i no ha descartat que, com a treballadors públics (no funcionaris), no hi pugui haver noves retallades de sous.
Els comptes es van aprovar "amb el problema afegit, nou per al TNC", de la caiguda dels ingressos en la recaptació a taquilla. En dos anys el TNC ha passat d'una ocupació mitjana del 72% al 56%. Davant d'aquesta situació, i també d'una despesa en personal al voltant del 46% del pressupost, que el TNC considera excessiva, era "impossible" ajustar el pressupost sense "afectar" el personal, ha indicat Campos.
A més, la gerent del teatre ha explicat que el pressupost s'ha elaborat sent "molt prudents" quant a la previsió d'ingressos, propis i externs, que finalment s'obtindran. "Creiem que es poden complir les nostres prediccions però tots sabem la situació en què ens trobem, que és molt voluble", ha subratllat.

28/4/13

ELS FERÉSTECS


TEXT: CARLO GOLDONI
TRADUCCIÓ i DIRECCIÓ: LLUÍS PASQUAL
INTÈRPRETS: LAURA AUBERT, ANDREU BENITO, JORDI BOSCH, LAURA CONEJERO, POL LÓPEZ, CARLES MARTÍNEZ, XISCU MASÓ, ROSA RENOM, BORIS RUIZ, i ROSA VILA
DURADA: 1h 30min
PRODUCCIÓ: TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Wow! Ha passat dues setmanes i encara cada vegada que ho recordo se'm desperta el somriure i em quedo amb la boca oberta. No vaig viure èpoques passades del Lliure, com molts altres comparen aquest muntatge amb elles. Simplement fa temps que no vivia un experiència semblant.

No seré qui desvetlli els secrets que amaga el muntatge. Però és un tiovivo des de que comença fins que acaba. Mai havia vist la Sala Puigserver així, tant bé aprofitada, nua i a la vegada tan plena. Els Feréstecs és tot un carnaval pels sentits, l'alegria de viure i poder gaudir de noranta minuts on la màgia del teatre està més present que mai.

El text traduït pel mateix Pasqual és la peça clau d'aquesta brillantor. Com també ho són els actors, un repartiment d'alçada, però malgrat els gran noms hi ha un que no sonava gaire abans i que ara està en boca de tothom Laura Aubert. Increïble, magnètica, colpidora, empàtica, majestuosa Llucieta que ens ha robat el cor.

Queda poca temporada 12-13, no sé si algun muntatge dels que queden superaran això, i molt em temo que passarà molt de temps fins que els meus ulls tornin a veure alguna cosa semblant. Només cal dir que després de la funció del dissabte a la tarda, hagués tornat a entrar a la de la nit, sense pensar-m'ho dues vegades. Sense dubte: imprescindible.

Factoria IT Dansa



Font: Jordi Bordes (elpuntavui.cat)
IT Dansa celebra aquests dies el seu quinzè aniversari. Si el cap de setmana passat va recuperar l'enèrgica coreografia de Naharin,Kamuyot, avui prepara una gala com una de les activitats del Dia Internacional de Dansa i la setmana vinent presentarà un programa amb peces de Duato, Bonachela, Sidi Larbi i Ekman, encara al Mercat de les Flors. La celebració també coincideix amb el centenari de l'Institut del Teatre.
El projecte d'IT Dansa, impulsat per Catherine Allard, ha demostrat des del principi la seva utilitat. La majoria del centenar de ballarins que hi han participat han accedit, posteriorment, a companyies d'arreu d'Europa. Tots en guarden un record i una gratitud que es visualitzarà en la gala d'aquesta tarda i que es comprova també amb l'èxit del grup obert fa poc al Facebook.
Nora Sitges-Sardà (Barcelona, 1978) i Cristina Gallofré (Barcelona, 1978) formen part de la primera promoció d'IT Dansa. Van començar de zero: “No teníem ni barres”, recorda Gallofré, quan van arrencar l'aventura. Durant vuit mesos, van estar insistint amb peces de Nacho Duato, Ramon Oller, Tony Fabre i Jennifer Hanna. Sitges-Sardà celebra l'encert d'IT Dansa de tenir l'opció de treballar molts coreògrafs de vàlua internacional de diferents estils: “És un luxe”, perquè després no sempre hi ha la possibilitat d'experimentar tants camins diferents. Els coreògrafs van cedir els drets gràcies als contactes d'Allard. Avui, tots els directors de companyies saben que a IT Dansa es generen molts bons ballarins. La primera promoció va ocupar-se al 100%. Van copar les dues places de la Nederlands però també van enriquir Metros, d'Oller, i Lanònima Imperial.
Elles van accedir a les audicions d'IT Dansa perquè ja estaven informades de la seva constitució. Gallofré, que tornava de La Haia per integrar-se a l'IT Dansa, fa set anys que no balla professionalment. Avui farà una excepció puntual a la gala. Ella va entrar a la Nederlands Dans Theater de Jiri Kylian. Posteriorment, també va actuar amb el ballet de l'Òpera de Lió. Des de llavors és assistent coreogràfica del mateix Kylian però també d'IT Dansa i d'altres creadors. Sitges-Sardà va saltar d'IT Dansa a companyies independents d'Alemanya i Àustria. Més tard, va convertir-se en una freelance i, amb Pau Bombardó, va engegar el seu projecte de Contrapunctus. Avui continua sent una ballarina activa i també treballa d'assistenta coreogràfica amb autors com ara Jacopo Godani, ballarí de l'esfera de William Forsythe o treballa a la Gärtner Platz de Munic.
Ara, totes dues, que ja havien ballat alguna peça juntes en el seu pas per IT Dansa, presenten en la gala In a changing landscape, una peça d'uns set minuts construïda amb tres dies a Alemanya i quatre més a Barcelona. Dijous assajaven i revisaven moviments gravats a l'ordinador. Per a la foto, van improvisar amb Marc Borràs, un jove de l'actual IT Dansa. Amb la mateixa capacitat d'escoltar el cos de l'altre, es desplaçaven com si fossin companys de professió de llarga trajectòria.
Marc Borràs (Barcelona, 1992) s'acomiadarà aquest any de l'experiència d'IT Dansa. Al gener va aconseguir plaça a Mainz, una població veïna de Frankfurt. D'entrada, era contrari a tornar a Barcelona, després que aconseguís una beca, amb només 15 anys, per poder fer els últims quatre cursos de dansa a l'English National Ballet School. Admet que no coneixia gens l'experiència d'IT Dansa: “No pensava tornar; ara està molt més connectat l'Institut del Teatre amb IT Dansa.” Avui n'està encantat i molt agraït. Lamenta que no sigui “prou coneguda” a Barcelona. Sí que és referència en el món de la dansa. Aquesta jove companyia li ha permès seguir aprenent de coreògrafs i estils que no havia practicat (venia de formació clàssica) i ho ha fet consolidant la seva experiència als escenaris. Mainzballet és una formació neoclàssica però amb una mirada oberta a la contemporània.
D'entrada, IT Dansa va generar recel entre les mateixes petites companyies catalanes, que temien que aquest nou projecte ambiciós els arraconés: els veien com una competència. De seguida, es van veure les bondats d'IT Dansa “com un procés, un trampolí al món professional”, recorda Gallofré. Borràs entén que IT Dansa miri a Europa perquè el mercat de dansa català és massa petit per a tantes fornades de ballarins.

Un centenar d'activitats per celebrar el Dia Internacional de la Dansa

A les penes, punyalades. El president de l'Associació Professional de la Dansa de Catalunya, Xavier Martínez, transmet entusiasme. Aquest cap de setmana, escoles, companyies i professionals celebren el Dia Internacional de la Dansa amb un centenar d'activitats arreu de Catalunya. L'acte central, però, serà demà a la plaça de la Catedral de Barcelona. Es faran dues sessions: a les sis i a dos quarts de set de la tarda. A més de llegir el manifest d'Anna Maleras (en què fa un repàs emocional de la dansa a Catalunya des dels anys quaranta fins a l'actualitat), també es prepara una “mandala coreogràfica” en què uns tres-cents participants d'onze estils diferents ballaran sota la mateixa partitura. També es convidarà el públic a intervenir en aquest acte festiu. El motiu d'en-guany són la dansa i les generacions: la dansa és per a totes les edats i, a Catalunya, hi ha companyies i ballarins professionals de moltes generacions. Al darrere, Martínez no amaga un cert temor per la incertesa econòmica que viuen programacions, companyies, ballarins... arran de la crisi. L'entitat prepara un informe objectiu que serà, avança, demolidor.

Ex-IT, una gala amb les quinze promocions presents

La gala integra els ballarins de totes les promocions d'IT Dansa. Molts fa anys que no es veuen, d'altres ni es coneixen. Els actuals, tot i que intervenen en la rebuda, passen a ser uns espectadors quan l'actuació arriba a l'escenari. I és que la gala comença a les cinc de la tarda amb una acció que han creat Eulàlia Bergadà i Ariel Cohen, dos ex-IT Dansa que presenten la seva labor de coreògrafs. La gala, irrepetible per definició, tindrà una durada aproximada d'una hora i mostrarà treballs de ballarins de les diferents promocions amb coreografies de Guido Sarli (Umma Umma Dance), Íker Gómez, Marcos Morau (La Veronal) i Claudi Bombardó (Contrapunctus), així com Johan Inger, Roberto Zappalà o Tim Rushton. Les ballen exmembres d'IT que actuen en formacions de Suïssa, Alemanya, Suècia, Dinamarca, Escòcia, Anglaterra, Itàlia, Israel i Holanda i de ciutats com ara Madrid, Barcelona i, fins i tot, Canet de Mar.

27/4/13

Retazos de otros países en Madrid



Fuente: Maria Hervás (elpais.com)
El pequeño Abel Caseiro, de apenas un año y medio de edad, asistía a su primer concierto hace dos semanas en el Instituto Francés de Madrid. El grupo elegido por sus padres para su "nacimiento" musical fue Brigitte, formado por las francesas Aurélie Maggiori y Sylvie Hoarau. Estas entusiastas de la estética kitsch, acompañadas por sus tres músicos, ataviados como los chicos de La Naranja Mecánica, cantaron los temas de su primer álbum Et vous, tu m'aimes? con el que han conseguido hacerse un hueco en el panorama musical del país vecino. Las palmas de las manos de Abel intentaban llevar el ritmo de la batería. Lejos de asustarse por el estruendo del concierto, el pequeño gritaba alborozado algunas palabras que ninguno de los que estaban a su alrededor lograban comprender. Aquella noche de viernes, el aforo del teatro del Instituto Francés, afincado en el número 12 de la calle de Marqués de la Ensenada —a unos metros de la plaza de Colón— volvió a desbordarse por la cantidad de jóvenes, grupos de amigos que superaban los 40 e incondicionales de la música francesa que no quisieron perderse el evento.
Conciertos, sesiones de cine en versión original, obras de teatro y alguna que otra conferencia conforman el grueso de las actividades que este centro cultural, perteneciente al Ministerio de Asuntos Exteriores francés, oferta cada mes al público madrileño.
Con el doble objetivo de trasladar las tendencias culturales de París a Madrid y de difundir la lengua francesa, la sede del instituto ha incrementado en los últimos años su volumen de actividades debido a la buena acogida del público, según explica su director, Alain Fohr. "El éxito de nuestra programación se debe, en primer lugar, a la empatía que siente el español por el país vecino. Por otro lado, intentamos fijar una agenda que atraiga a un público contemporáneo. Y, por supuesto, está el contexto de la crisis. En estos tiempos la cultura emerge con más fuerza que nunca. Ante la falta de horizontes, el ciudadano busca espacios donde pueda soñar y que a la vez le inviten a la reflexión y a la convivencia con el resto", sostiene Fohr.
El Instituto Francés es uno de los más de 12 centros culturales extranjeros que tienen su sede en la capital madrileña. El British Council, el Instituto Goethe, el Italiano de Cultura, el Confucio o elCentro Ruso son algunos de los más destacados. Todos pertenecen al servicio exterior de sus países y su finalidad, junto a la enseñanza del idioma, es la promoción de la cultura contemporánea en el ámbito de las artes visuales, la música, el teatro y la literatura.
Una de las características más destacadas de estos centros es que, en la mayoría de los casos, el acceso a sus eventos es gratuito o exige un pago simbólico. Esto provoca verdaderas colas. El pasado miércoles, una multitud esperaba pacientemente en la entrada del palacio de Abrantes, sede del Instituto Italiano de Cultura, para conseguir una entrada gratis para el preestreno de Tormentos, un largometraje realizado con los dibujos de la novela gráfica del célebre guionista italiano Furio Scarpelli (1919-2010).
La misma estampa se suele repetir en las sesiones cinematográficas del resto de institutos. Por no hablar de las conferencias y de las charlas literarias. "La oferta de los institutos es tan variada que a veces cuesta elegir, pero sea cual sea tu elección, siempre sales satisfecha. Es verdad que a veces hay demasiada gente en las salas, pero es cuestión de estar al loro y de suscribirse lo antes posible a su programación", comentaba Nuria Gómez el pasado viernes a la salida del Centro Ruso de Cultura y Ciencia.
Esta profesora de matemáticas, de 32 años, había asistido a la representación teatral de El viaje de la Matrioska, un texto de David Lemos que cuenta la historia de una joven deseosa de sacar la pequeña muñeca rusa que lleva dentro para poder enfrentarse al mundo. Una puesta en escena simple, el desgarro de una joven actriz y las notas de un piano de cola emulaban un viaje en tren que pretendía llegar al interior de cada espectador.
Aunque la mayoría de los institutos utiliza su sede para llevar a cabo sus actividades, también desarrollan parte de su agenda en las instalaciones de otras entidades culturales madrileñas, tanto públicas como privadas. El Círculo de Bellas Artes, las universidades, el Conde DuqueMatadero o La Casa Encendida son algunos de los centros con los que organizan eventos en conjunto. "No podemos quedarnos en nuestros muros. Tenemos que abrirnos físicamente para llegar a más gente", asegura Alain Fohr, del Instituto Francés.
Hay sedes, como el Centro Checo o elInstituto Cultural Rumano, que no cuentan con un espacio suficiente para acoger todas sus actividades, pero que gracias a las colaboraciones externas pueden desarrollar presumiblemente su función. Lo que sí tienen tanto grandes como pequeños es un servicio de biblioteca y mediateca muy especializado y de gran volumen. El acceso a las salas de lectura suele ser gratuito y universal. "Un día vine a una exposición con unos amigos y descubrimos la biblioteca del Goethe. Entramos por curiosidad y nos quedamos impresionados por lo bien equipada que está. Te daban ganas de empezar a estudiar alemán", cuenta Sonia Jiménez, estudiante de Historia, de 22 años. Hace poco más de un año, la biblioteca del Instituto Italiano de Cultura ampliaba su espacio en la planta baja del palacio de Abrantes gracias a la financiación de cuatro ministerios italianos.

300.000 libros

El pasado miércoles su director, Carmelo Di Gennaro, mostraba orgulloso el resultado de las obras de restauración de esta parte en desuso del palacete que se había convertido en un antiguo desguace. "Esta ampliación ha dado cabida a más de 30.000 volúmenes dedicados a la cultura italiana. Además, el servicio de préstamo es gratuito y está abierto a todos los ciudadanos", añade.
La remodelación de la planta baja del palacio también ha afectado a la antigua cafetería —ahora llamada I Saloni di Milano— que se ha convertido en un espacio de vanguardia gracias al diseño del arquitecto Piero Russi. Esta obra no habría podido hacerse sin el patrocinio privado, según informa el propio Di Gennaro. Desde 2008 la partida presupuestaria destinada al Instituto di Cultura se ha reducido en un 60%. Y es que los recortes también han afectado a estos institutos, que se mantienen, sobre todo, gracias a las matriculaciones de sus alumnos.
La coordinadora de programas culturales de la Casa Árabe, Nuria Medina, señala algunas de las medidas que han tenido que tomar a consecuencia de la crisis: "A la hora de celebrar mesas redondas, buscamos especialistas que estén más cerca para ahorrarnos el transporte. También hemos reducido el número de exposiciones pero alargamos su duración en la sala". A diferencia del resto, esta institución —que promueve la cultura y la enseñanza del árabe— pertenece al Estado español.
Lo importante para todos ellos es que los recortes alteren lo menos posible la calidad de la programación y que los madrileños los vean como espacios culturales de referencia. Que sean rincones que te trasladen a cualquier parte del mundo. Aunque no siempre guste la realidad que muestren.
La otra tarde, el joven Ariel López miraba atónito una de las figuras alargadas y sin rostro del escultor Assem Al Bacha, que se exponen en la Casa Árabe hasta el próximo 12 de mayo. Al preguntarle qué es lo que le había impactado tanto, este estudiante de Diseño señaló su referencia: "Manifestantes". Dedicada a los ciudadanos sirios oprimidos por el régimen de Bachar el Asad en las revueltas.


La oferta ahora ‘en cartel’


Danza hip hop: El peso del alma. El teatro del Instituto Francés presenta este espectáculo de danza contemporánea el 7 de mayo a las 20 horas. Cinco euros (Marqués de la Ensenada, 12).
WorkShop de la compañía inglesa 1927. El British Council colabora con la sala Cuarta Pared en este taller en inglés que integra los lenguajes de teatro, cine, animación y música. 10 de mayo de 11 a 14.30. Matrícula gratuita (Ercilla, 17).
Ciclo de conciertos Grandi Voci per Verdi. Con motivo del bicentenario de Verdi, el tenor Francesco Meli y el pianista Matteo Pais protagonizan un recital el 8 de mayo a las 20.00 en el Instituto Italiano de Cultura. Entrada libre. (Mayor, 86).
Lugares de inspiración. Arte del siglo XX en español. Hasta el 31 de diciembre, el Instituto Cervantes expone 74 grabados de prestigiosos artistas españoles y latinoamericanos de la segunda mitad del siglo XX (Libreros, 23).
Cambios de percepción recíproca entre alemanes y españoles a raíz de la crisis. El Instituto Goethe acoge el 22 y 23 de mayo unas mesas redondas sobre el tema. Inscripción gratuita. Sesiones en alemán y español con traducción simultánea (Zurbarán, 21).
Expomanga 2013. La Fundación Japón participa en este espacio con un estand. Del 10 al 12 de mayo en el pabellón La Pipa (recinto ferial de la Casa de Campo).