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29/5/13

Un Shakespeare de 6 hores i 'Les tres germanes' amb un androide i 8 espectacles més del cartell del Festival Grec



Font: Laura Serra (ara.cat)
Aquest dimecres s'ha presentat tota la programació del Festival Grec de Barcelona. La 39a edició tindrà 79 espectacles al cartell –14 dels quals dins el Mini Grec per a públic familiar–, 23 dels quals són internacionals i pràcticament la meitat són coproduccions amb altres espais i companyies. Els eixos de la programació continua defensant els espectacles internacionals, la innovació en els llenguatges escènics, l'anàlisi reflexiu sobre el món actual i la recerca de diferents públics. Tot i que no hi haurà carpes, el centre neuràlgic del Grec serà a Montjuïc però guanya pes l'eix del centre de Barcelona (els teatres vora la Rambla) perquè el director havia treballat amb la possibilitat de no tenir el Lliure com a escenari (per culpa de l'ERTO previst) i havia pactat obres amb aquests teatres cèntrics.
L'espectacle inaugural popular es farà el 30 de juny a l'Avinguda Maria Crisitina, i comptarà amb els concerts d'Els Catarres, Comediants La'n'Busto i la projecció de la pel·lícula 'Blancaneu'. Al Teatre Grec l'endemà, l'obertura oficial constarà d'un espectacle de circ amb música de Txostàkovitx, 'Opus', de la cia. Quator Debussy. Entre les desenes d'estrenes que proposa el festival, se'n poden destacar aquests noms propis.
1. 'Les tres germanes, versió androide'. Mercat de les Flors. El gran renovador del teatre japonès Oriza Hirata presentan un Txékhov amb una germana que és un robot i actua millor que un humà.
2. 'Tragèdies romanes'. Teatre Lliure. 360 minuts de Shakespeare dirigits pel Ivo van Hove. Inclou 'Coriolà', 'Juli Cèsar' i 'Antoni i Cleòpatra' i fins i tot s'hi pot anar a menjar un plat de macarrons.
3. 'Jo Mai'. CCCB: El nou espectacle d'Ivan Morales ('Sé de un lugar') i companyia (Àlex Monner, Marcel Borràs, etc) estrena el teatre del CCCB per al Grec i hi faran activitats amb el públic.
4. 'Puz/zle'. Mercat de les Flors. Sidi Larbi Cherkaoui torna amb la seva companyia Eastman per seguir mostrant el seu univers format de fragments d'orígens diversos,
5. 'Wasteland'. Mercat de les Flors. Lluís Danés dirigeix un altre espectacle de fusió de circ, amb textos d'Eduardo Galeano i música de Lluís Llach.
6. 'La nau dels bojos'. Mercat de les Flors. Un espectacle de la jove companyia la Calòrica que va guanyar el Premi Adrià Gual i que demostra l'aposta del festival per la jove creació que es fa a la ciutat.
7. '100 Femmes'. Teatre Grec. Àngels Aymar fa pujar a escena 100 dones de la ciutat perquè dibuixin un fresc de la seva vida i societat actual. Un experiment.
8. 'Plexus'. Mercat de les Flors. Nous formats i nous llenguatges: teatre, arts visuals, circ i música es donen la mà en aquest espectacle d'Aurélien Bory que interpreta Kaori Ito, un fenomen de la dansa japonès.
9. 'Fuegos'. Teatre Grec. Josep Maria Pou dirigeix l'obra de Marguerite de Yourcenar sobre una decepció amorosa que protagonitza Carmen Machi, Cayetana Guillén, Nathalie Poza i Ana Torrent.
10. Wynton Marsalis i The Jazz at Lincoln Center Orchestra celebren 25 anys al Grec. El festival aposta per espectacles musicals únics, estrenes i concerts especials, com el de Martiro i el bandeonista Rodolfo Mederos.

El teatro europeo y Dario Fo pierden a Franca Rame



Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
Aunque internacionalmente la vida de la actriz, escritora, periodista y dramaturga Franca Rame, fallecida esta mañana a los 84 años en su casa de Milán, ha estado siempre ligada a la de Dario Fo, hay que destacar que cuando ella le conoce él es pintor e incipiente actor, mientras que ella era una reconocida actriz de variedades.
De hecho fue actriz ya de bebé, cuando actuaba como recién nacida en la compañía teatral que tenía su familia. La intérprete había sufrido un ictus el pasado 19 de abril y había tenido que ser ingresada varios días. Esta mañana a las 8.50 ha tenido una crisis de la que no han podido sacarla los servicios de emergencia.
Rame nació en el pueblo de Parabiago (provincia de Milán) en 1929. Empezó con 20 años a trabajar en el teatro y a partir de de su boda con Dario Fo en 1954 se reinventa en el mundo de los escenarios. En 1958 fundó junto con su marido la Compañía Dario Fo-Franca Rame y desde entonces escribieron juntos decenas de obras y alcanzaron un éxito que compaginaron con la movilización política.
Quienes estuvieron cerca del dramaturgo y actor Dario Fo saben que la vida de Franca Rame ha estado ligada a él hasta el punto de que era una continuación de la de la suya. Quienes le conocen profundamente, saben que la vida de este hombre no tiene sentido sin su mujer. Él era el primero en dejarlo claro, hasta el punto de que cuando le concedieron el Premio Nobel en 1997 insistió hasta la pesadez en que quería recoger el galardón junto a Rame, argumentando que su obra no sería la que era sin la mujer con la que tantas obras había escrito. Una obra que el jurado de los Nobel premió “porque, según la tradición de los comediantes medievales, fustiga el poder y restaura la dignidad de los humildes. Con una mezcla de risa y seriedad abre nuestros ojos a los abusos e injusticias sociales”.
Franca animó a Fo a que el dinero del premio, en torno a unos 150 millones de pesetas, se utilizara para crear una fundación llamada El Nobel de los Desvalidos. Desde ese organismo llevaron a cabo acciones como la compra de autobuses para transportar discapacitados. Finalmente la aventura terminó mal porque Rame y Fo vieron que no se utilizaba el dinero en lo que ellos querían. No ocurría así cuando actuaban para recoger dinero que les permitiera a los obreros seguir con sus luchas. “Respaldamos la ocupación de las fábricas por varios meses y los empleados se mantenían con nuestra ayuda. La taquilla de cada noche era para comprarles arroz, vino, todo lo que necesitaban”, comentó Rame a sus compañeros de Remiendo Teatro.
Rame, trabajó ininterrumpidamente con Fo desde 1957 y a partir de 1959 con su compañía estable representan Los arcángeles no juegan a las máquinas de petaco (1959), Tenía dos pistolas con los ojos blancos y negros (1960), Quien roba un pie es afortunado en amores (1961),Isabela, tres carabelas y un charlatán (1963), Settimo ruba un po' meno(1964), La culpa siempre es del diablo (1965), La signora è da buttare(1967)
En 1963 participa en Canzonissima, programa en el cual, también junto a Fo, representan varias escenas que denuncian las irregularidades del sistema político; sin embargo, el programa es censurado y ellos prefieren interrumpirlo para no tener que silenciar sus ideas: a partir de entonces y durante más de veinte años, la pareja no aparecerá nunca en la televisión. Pero sí se convirtieron durante décadas en azote de los poderosos y sobre todo de la Iglesia, el ejército, la policía represiva y Berlusconi. De hecho fueron procesados cuarenta veces por delitos de opinión y las peores consecuencias de aquella persecución las sufrió Franca Rame. Cuando representaban Aquí no paga nadie en la Palazzina Liberty de Milán, Franca fue secuestrada por un grupo de extrema derecha y fue violada brutalmente, llegando a romperle el brazo y dejarla con múltiples e importantes heridas. Ocurrió en los años setenta, en una época en la que su reivindicativa obra fue emulada en la vida real por grupos de mujeres que asaltaron supermercados. El juicio que hubo para castigar ese delito prescribió. Al lado de ese escándalo, que en 1980 les negaran la entrada en Estados Unidos por tener contactos con una organización que apoyaba a presos políticos suena a poco.
A partir de 1968 el matrimonio crea un colectivo teatral independiente que girará por Italia en los circuitos de teatro alternativos con sus propios textos. Ella no sólo fue su compañera durante más de medio siglo, también era la musa, su actriz de cabecera, su representante y coautora de muchas de sus piezas. También escribió textos sobre la condición femenina como Tengamos el sexo en pazPareja abierta o La madre pasota, algunos de ellos escritos conjuntamente con Fo. Rame siempre sostuvo que las gentes de la cultura tenían la obligación de manifestarse: “No pueden quedarse cruzados de brazos, no deben esconderse. No está permitido a los intelectuales, que se consideren como tales, mostrarse indiferentes”.
Sobre su relación con Fo afirmó en una entrevista: “Desde hace más de cincuenta años vivimos juntos, de la mano vamos y a veces, a patadas, como sucede en cualquier familia que se respete, pero nos hemos querido mucho”. En esa misma entrevista con Remiendo Teatro afirmó: “Comencé a actuar a los ocho días de nacida, en los brazos de mi madre. Soy una hija del arte. Lo he hecho todo. Yo no escogí la profesión, me encontré metida en ella, y cuando he comprendido que podría haber hecho mejores cosas en la vida, era ya una señora anciana. Sigo en esta profesión porque a través ella puedo difundir los discursos en los que creo. A mí, ser actriz por ser actriz no me interesa, me interesa el discurso político que hago circular”. La pareja tuvo un hijo: Jacopo, escritor y periodista, del que se representa estos días en el Teatro de Bellas Artes de Madrid La terapia definitiva(basada en la obra Cerebros verdes fritos), interpretada y dirigida por Fernando Cayo.
En España son muchos los profesionales que han puesto en pie obras de la pareja o de Rame, siempre traducidas por Carla Matteini, biógrafa de Fo. Al margen de las escritas sólo por Fo, los textos de Rame han sido puestos en pie por profesionales de la escena como Juan Margallo y Petra Martínez (están haciendo en estos momentos La madre pasota), Magüi Mira, Emilio Hernández, Ángel de Andrés (Pareja abierta), Charo López y José Carlos Plaza (Tengamos el sexo en paz), y muchos muchísimos monólogos, de ella, a veces firmados con Fo, que han sido interpretados por grandes actrices como Esperanza Roy, Rosa María Sardá, Anabel Alonso y muchas otras.

Dos damas de teatro


Fuente: Elisabet Sans (elpais.com)

Les separan dos décadas, pero las une 1988. Ese año, la carrera de Aitana Sánchez-Gijón despegaba gracias a su papel en la película Bajarse al moro, y, en octubre, nacía en Madrid Irene Escolar, en una familia que marcaría su destino. Ahora se han encontrado en el reparto de La Chunga, aunque no por casualidad. Aitana se enamoró de la novela de Mario Vargas Llosa al instante, y sin saber cómo podría enfrentarse a un personaje tan opuesto a ella, según confiesa, tuvo claras dos cosas. Debía convencer al Nobel de Literatura –con quien ya había hecho tres producciones, él también como actor– y hacerle creer que Joan Ollé podía dirigir su adaptación al teatro. Conseguido. Su siguiente paso fue llamar a Irene, solo ella podía ser la Meche de la obra. “Me transmitió tal entusiasmo y tal necesidad de que lo hiciera yo… recuerdo, incluso, dónde estaba cuando recibí la llamada. Fue una sensación de mucha responsabilidad y felicidad que apuesten tanto por ti, y más si es ella”.

“Ella” es una de las actrices más consolidadas del cine y del teatro español. Pero la admiración es mutua. Aitana (Roma, 1968) afirma sin dudar que no se ha cruzado con muchas jóvenes actrices como Irene. “Es el ejemplo de un camino acertadísimo. Está teniendo una carrera muy seria, muy rigurosa en sus elecciones, sobre todo porque apuesta por el teatro, su pasión, no se deja tentar por cantos de sirena”. Aitana, para quien los jóvenes actores deberían hacer más teatro, asegura que ella no necesita sus consejos.
Con solo nueve años, Irene se subió al escenario por primera vez. Nada extraño, teniendo en cuenta que tiene sangre Gutiérrez Caba. “Mi familia siempre me ha ayudado, no para que me dieran papeles, sino para entender la responsabilidad y la disciplina que conlleva esta profesión”. No siente el peso de sus apellidos, pero sí la presión de la responsabilidad. “No va a menos”, advierte Aitana. “Parece que con la experiencia, y si ya tienes una posición determinada, uno puede relajarse. En absoluto. Cada vez es un reto nuevo y la expectativa de la gente es mayor. Y hay que estar a la altura e, incluso, superarlo si puedes”.
Entre teatro, cine y televisión, las dos lo tienen claro. Es en el teatro donde encuentran los papeles que les gustan, los más completos. “Siempre ha habido personajes femeninos más fuertes, sobre todo a medida que cumples años. En el cine eres el objeto de deseo unos años, luego pasas a ser su madre”, lamenta Aitana. “De actriz buenorra nunca me ofrecen nada, creo que tampoco lo soy…”. Ante la sorpresa de Aitana, Irene añade: “Tampoco ando buscando eso”.
Aitana adora los ensayos y los momentos de creatividad que estos permiten, “querría ensayar siempre”. Irene se quiere quedar donde está, donde es feliz. “Estoy en la edad de formarme, ya habrá tiempo para ganar más dinero… el día que decida dar el salto será porque ya tenga una base sólida. Es una escuela maravillosa, no hay sitio donde esté mejor que aquí”.
Hasta el 16 de junio en un principio, y ahora hasta el 30 de junio ya que la función ha sido prorrogada, las dos actúan en el teatro Español de Madrid, donde han notado la bajada de público por la subida del IVA. Tras mencionar esa cifra maldita del 21%, se dirigen a sus camerinos. El de Aitana, decorado con una portada de la revista Rolling Stone con Don Draper y dos playmobil de sus hijos. A Irene, entre otras cosas, siempre le acompaña una foto de su abuela, Irene Gutiérrez Caba: “Cosas que te hacen emocionalmente vulnerable, el teatro es un lugar para estar totalmente abierto”.

La modernidad del verso clásico



Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
Empezó sin grandes metas. Es más; sin ninguna meta, al menos profesional. Pero el caso es que hoy, la actriz Marta Poveda, se ha convertido en poco tiempo en uno de los hallazgos del teatro en verso, gracias a la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), que dirige Helena Pimenta, y al duro trabajo que ha hecho en el último año para convertirse en una Rosaura que tenía que medirse nada menos que con Calderón, con La vida es sueño y con Blanca Portillo como Segismundo.
Sus orígenes profesionales no dejan de sorprender. Ella recuerda que cuanto tenía 16 años, y hoy duplica esa edad, tenía el pavo muy subido, y muy muy rarito: “Andaba metida en pensamientos muy existencialistas y oscuros, planteándome eso de la vida y la muerte; una época en la que veía cine hasta la madrugada; a mi madre se le ocurrió apuntarme en la Cuarta Pared”. En esa popular sala alternativa madrileña, donde se exhiben espectáculos y se imparten cursos y talleres, empezó su andadura: “La Cuarta es un espacio alucinante; descubrí a Bertolt Brecht a Sanchis Sinisterra…, con la suerte de que el segundo está vivo y coleando, pude formarme con él, se convirtió en mi maestro y hoy en compañero de trabajo”, apunta la joven actriz.
Eso fue el principio. Antes de trabajar en montajes de Sanchis, con directores como Josep Maria Mestres, Juanfra Rodríguez, Javier G. Yagüe, Álvaro Lavín, Luis Olmos y en la afamada Burundanga de Jordi Galcerán, bajo la dirección de Gabriel Olivares. Y series de televisión y cine, donde ya ha sido protagonista de un par de películas de Daniel Diosdado e Ignacio Oliva, respectivamente.
“Pero lo del teatro me hace sentir una responsabilidad muy grande. En el terreno artístico me exijo hacer algo para participar y empezar una lucha en la que deberíamos estar todos; trato de aportar mi grano de arena para conseguir que el teatro, en mi país, se convierta en una vía de expresión importante, y para eso tenemos que empujar todos, en el caso de los actores con el poder creativo”. Pero aún le pesa más el compromiso con el público: “Después de hacer algo tan inmenso a nivel humano y filosófico, como La vida es sueño, que me ha proporcionado la experiencia más importante de mi vida, se toma conciencia de cómo un personaje que llega a las entrañas de la gente, puede conseguir que alguien cambie, aunque sean cinco minutos; eso es un privilegio muy grande y al que es muy difícil acceder, de ahí que sienta una gran responsabilidad”.
Rosaura le ha dado la vuelta como un calcetín: “Después de interpretarla no soy, ni muchísimo menos, la misma”. A pesar de su inexperiencia en el verso no le dio miedo trabajar con la Portillo: “No lo tuve gracias a ella, porque es una compañera excepcional, lo que me daba pánico era medirme con Rosaura y Segismundo y enfrentarme al verso, pero soy trabajadora y no hay nada que uno no pueda lograr si trabaja, trabaja, trabaja…”.
Ha debido darle resultado. Tras esta primera experiencia con el verso barroco, Pimenta la ha llamado para hacer la protagonista del próximo estreno de la CNTC, La verdad sospechosa, una deliciosa comedia de Juan Ruiz de Alarcón con la que se inaugura el próximo Festival de Teatro Clásico de Almagro el 4 de julio.
Después de su experiencia la actriz tiene más claro que nunca que el actor debe tener formación en el texto clásico: “En el verso; yo no lo hice, pero esa técnica es fundamental, aunque parezca antiguo, el verso afrontado desde nuestros días puede ser algo muy moderno, lo interesante es afrontarlo desde donde estamos y si no tienes la técnica no puedes evolucionar”, comenta Poveda quien, aún siendo consciente de que se puede ser actor, y muy bueno, sin pasar por el verso, recomienda vivamente a sus colegas que no le den la espalda. “Esto es igual que todo. Músicos, bailarines, pintores, todos parten de unas bases clásicas; para nosotros debería ser igual, porque transitar por el verso proporciona resortes diferentes y, sobre todo, te ayuda a dominar la musicalidad y el ritmo desde otros parámetros; la disciplina que te impone, en lugar de limitarte, te abre puertas, da libertad. El verso es infinito”, dice tras lo cual recuerda la teoría de Peter Brook que defiende que los obstáculos obligan a buscar vías diferentes para salvarlos, y por eso uno se vuelve más creativo.

Alcoi esdevé l'epicentre del teatre al País Valencià



Font: Ausiàs Bermell (elpuntavui.cat)
Entre el 29 de maig i l'1 de juny, Alcoi es convertirà de nou en epicentre del teatre al País Valencià amb quatre dies replets de programació.
Entre els 18 espectacles que conformen la Mostra, cal destacar l'estrena d'Homenatge a T' (de La Dependent, en homenatge a Ovidi Montllor), 'El Nom' de Joel Joan o 'El Tipo de al Lado' de Josep María Pou i amb Maribel Verdú i Antonio Molero.
Novament, la 23a edició de la Mostra de Teatre d'Alcoi, acull el millor de la professió teatral valenciana així com d'altres territoris d'arreu l'Estat, que consideren aquest aplec com a un bon aparador per a catapultar els seus muntatges.
Sense cap dubte, per a Alcoi és un goig especial acollir aquesta nova edició de la Mostra, que retorna al seu format habitual i òptim després d'un any en què les circumstàncies han obligat a alterar el decurs habitual del certamen.
Malgrat la crisi, malgrat totes les complicacions amb què el món cultural ha de conviure en un entorn cada vegada més difícil per al desenvolupament de l'art i la creació, Alcoi no podia deixar de costat al teatre, i per això la ciutat continua amb la seua aposta per promoure les arts escèniques en una cita anual ben consolidada i reconeguda.
Aquesta 23a Mostra de Teatre serà una edició molt especial pel que representa per a l'esdeveniment la superació de l'important sotrac que ha hagut de patir l'àmbit escènic amb unes polítiques d'ajust que han esdevingut en injustes retallades, quan no mesures que ofeguen el desenvolupament econòmic del sector.
El fet d'haver représ aquesta fira d'arts escèniques ha de ser una mostra de que, a poc a poc, l'escena aconseguirà redimensionar-se i guanyar el seu futur i és per això que la Mostra no només oferirà la possibilitat d'accedir a un ampli ventall d'espectacles de qualitat, sinó que amés, també servirà de fòrum per a que la professió teatral puga debatre propostes, consensuar fórmules d'èxit, i encetar noves oportunitats per a que el sector teatral continue sent un dels motors de la indústria cultural.
Alcoi i la seua Mostra estan disposats a contribuir a aquesta recuperació, desitjant el millor dels futurs a tota la gent del teatre.

Wert achaca la bajada de público a la disminución de la oferta



Fuente: EFE vía abc.es
El ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, ha asegurado hoy que el descenso de espectadores en las artes escénicas se debe fundamentalmente a la «dramática» disminución de la oferta, y que la subida del IVA al 21 por ciento «no es la causa única ni principal» de esa bajada.
En respuesta a una pregunta en el pleno del Congreso del diputado socialista José Andrés Torres Mora sobre el balance del Gobierno de las consecuencias de esa subida, Wert ha asegurado que, echando «la vista atrás» y comparando las cifras de espectadores de las artes escénicas de los tres últimos años, se aprecia que la subida del IVA no es la causa «única ni principal» del descenso.
«La principal, desgraciadamente, es que se ha producido una dramática disminución de la oferta», porque la promoción de artes escénicas estaba «fuertemente pivotada desde la iniciativa de las administraciones públicas, básicamente las corporaciones locales».
Frente a ese descenso en la recaudación del sector, el Ministerio de Educación y Cultura busca, según su responsable, «alternativas» y «políticas de incentivos» que compensen esa situación.
Subida desorbitada


Por su parte, el diputado socialista ha recordado que en septiembre del año pasado ya avisaron al Ministerio de que esa «desorbitada» subida del IVA tendría «graves consecuencias» para el sector económico cultural y para las cuentas públicas.
Torres Mora ha recordado que, según los datos del Ministerio de Hacienda, con la subida del IVA se han recaudado en el último trimestre de 2012 un total de 4 millones de euros más que en el último trimestre de 2011, a costa -ha dicho- de la «caída de la actividad del sector en un 22 por ciento, 328 millones de euros».
Además, ha precisado que un informe reciente de la Federación de Empresarios del Teatro señala que la recaudación en el sector de las artes escénicas ha bajado un 24 por ciento en el último trimestre, «2.800.000 espectadores y mil empleados menos», por lo que ha pedido a Wert que «rectifique» y retire «esta injusticia».

Sau tindrà un musical de grans èxits: 'Boig per tu'



Font: Laura Serra (ara.cat)
És tan evident que la música de Sau forma part de la memòria col·lectiva de diverses generacions que semblava estrany que a ningú se li hagués acudit de convertir-la en la banda sonora d'un musical. Mentida: el director Ricard Reguant i al músic Pep Sala ho tenien entre mans des de fa vuit anys i, de fet, n'havien fet el guió d'una pel·lícula i d'una sèrie per a TV3, dos projectes que no es van acabar duent a terme. De tota manera, la idea seguia latent; el que no hi havia era finançament. Fins ara. Per fi han trobat una empresa que ha cregut en el projecte i en la seva rendibilitat, la productora de cine Silencio Rodamos, que amb un pressupost de 280.000 euros -i, per ara, sense cap ajut públic- portarà a escena el musical teatral Boig per tu.
L'equip creatiu serà el mateix que va embastar el primer projecte: el director Ricard Reguant, el músic Pep Sala -que s'ocuparà dels nous arranjaments dels temes i la direcció musical-, el dramaturg Joan Gallart i la coreògrafa Maite Marcos. Junts estan treballant en un musical jukebox que enllaçarà 25 cançons del grup, a l'estil d'espectacles com Mamma Mia! El director va defensar ahir aquest format, que està en l'essència del gènere musical, i va assegurar que s'han esmerçat per integrar cançons i argument sense calçador. "El que explica té interès encara que no coneguis Sau. I hem defugit totes les referències a Catalunya perquè es pugui entendre a Liverpool i a Cincinnati", deia Reguant.
"Boig per tu no serà una obra sobre Sau -diu Reguant-, sinó una història de gent jove on hi ha les constants de les cançons del grup: l'amistat, l'amor, la lluna i el bar, on es reuneixen els amics. La cançó Boig per tu era un cant a la lluna, per qui no ho sàpiga". "Intentem defugir la visió pessimista de la joventut. Serà de bon rotllo, amb gent amb inquietuds i ganes de divertir-se", explica Gallart. Dotze actors -i dos covers - seran els protagonistes d'un muntatge coral amb 5 músics tocant en directe. Aquesta setmana es faran els càstings per escollir-los entre 250 preseleccionats de 400 candidats. Començaran a assajar al setembre i el 12 d'octubre estrenaran a l'Atlàntida de Vic. Després d'una minigira aterraran al Barts de Barcelona el 2 de desembre per fer-hi temporada dos mesos.

27/5/13

BARCELONA



DRAMATÚRGIA i DIRECCIÓ: PERE RIERA
INTÈRPRETS: MÍRIAM ISCLA, EMMA VILARASAU, JORDI BANACOLOCHA, ANNA MOLINER, PEP PLANAS, PEPA LÓPEZ, CARLOS CUEVAS i JOAN CARRERAS
DURADA: 1h 30min + 20 mins (entreacte) + 45 minuts
PRODUCCIÓ: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

Barcelona és el text que la Sala Gran del TNC necessitava com a revulsiu d'una temporada artística nefasta. Pere Riera agafa el timó d'un vaixell a la deriva i ens explica la història de dues dones durant el 17 de març de 1938 quan els Nacionals bombardejaven sense descans la Ciutat Comtal. Potser sí que Barcelona ens parla d'una família de la burgesia benestant i no s'embolica a explicar-nos la lluita de la classe obrera durant els bombardejos, però la por, el no saber si la casa aguantarà o si hauran de recollir les runes es troba molt present.

Entremitges una història d'amistat que amaga moltes coses, algunes s'expliquen, altres queden perquè cada espectador es faci la pròpia versió dels fets. Tres actes: matí, tarda i nit; més de dues hores i mitja i molts temes que han quedat pendents. Li sorprendrà potser a qui s'esperi un drama, no seria el cas. La ironia i el sarcasme inunden tot el text, el més important és la barreja d'incertidumbre amb la joie de vivre. I no és fàcil parlar d'un tema tan escabrós, de la manera que ho fa el Pere Riera, no molestant ningú, simplement és una història més, que podia o no haver-se viscut en aquella data.

Gran plantel d'actors entre els que destaquen una cada vegada més consolidada Anna Moliner com a Victòria; la Míriam Isla com a Núria, força allunyada dels seus papers més còmics i gran encert veure que pot meravellar fent riure que fent patir, com és el cas; l'Emma Vilarasau, que deixa fora la gran part dels seus clixés habituals i ens regala grans moments (escena del ball inclosa). Tot hi els grans noms, hi ha un, el Joan Carreras que deixa escapar (malgrat la millora del tercer entreacte) el que podia ser un interessant secundari.

Hi ha influències de tot tipus des de Txèkhov fins al mateix Haneke, però del que no podrà fugir mai el Pere Riera és del segell Josep Maria Benet i Jornet. Aquest cop el fill (Riera) ha superat clarament al pare (Benet) des del punt de vista dramatúrgic i de discurs. Però si que es troba a faltar, potser, una mica de risc, de sortir dels convencionalismes tradicionals i anar un pas més enllà. Tot i això, no em queda cap dubte que arribarà amb el temps.

Al col·loqui un espectador li va demanar al Pere Riera que escrivís un spin off de Barcelona centrant la trama en l'Elena i la Núria, agafant com a punt de partida vint anys enrere. Cap dramaturg escriu personatges femenins com ho fa el Pere Riera i crec que tots ens hem quedat una mica amb el dubte de que s'amagava darrere d'aquest meravellós tango. Potser en la llarga trajectòria que li espera a Pere Riera com a dramaturg tregui una estoneta per explicar-nos-ho. De moment, als seus peus, Pere. Tothom dempeus que això es mereix un gran: Bravo!

26/5/13

DE ITALIANADAS Y OTRAS HISTORIAS


Por Elisa Díez

Hay miedo, mucho miedo dentro del sector. Miedo a qué pasará en los próximos meses. Miedo a que el grifo se cierre, miedo a lo desconocido, pero sobre todo miedo al CAMBIO. Sí, señores no nos engañamos o el teatro cambia o se queda para unos pocos recalcitrantes que hablan de que siempre ha sido así por los siglos de lo siglos y que no va a cambiar ahora.

Pero semana tras semana las estadísticas de ocupación de los teatros nos avisan que el cambio de modelo es necesario e inminente porque estamos a punto de morir de gloria. Esta mañana me he despertado con la entrevista del Sergi Belbel donde este miedo era palpable, él habla de desprofesionalización del teatro. Yo les respondo que el teatro que él lleva defendiendo más de siete años es un teatro burgués, que se ha acomodado en su poltrona y que ha perdido de vista que fuera de la burguesía de la parte alta de la ciudad hay todo un mundo cultura muy amplio.

El nuevo modelo, que desde diferentes ámbitos se reclama, no pretende acabar con la profesionalidad del teatro, no iremos ahora en pro de lo amateur (aunque la mayoría de profesionales han comenzado así) sino en levantar cuerpo y alma de las butacas y hacer al actor y al espectador partícipes de una experiencia inolvidable que comienza con la compra de una entrada de teatro.

Olvidémonos por un momento de los altos precios de algunas salas, del maldito IVA y de los gobiernos que nos quieren ahogar y volvamos al arte, a la cultura, a lo sensorial. Empiezan a haber propuestas que no tratan al público como un ser estúpido que sólo quieren sentarse en una butaca a ver que le echan (que para eso ya nos sentamos en el sofá y hacemos 'play' en el mando del televisor). Espacios poco convencionales, igual de profesionales que una platea a la italiana, pero que buscan una interacción, que el público salga del teatro de manera totalmente diferente a la que entró.

El viernes a la entrada de Barcelona, actualmente al Teatro Nacional de Catalunya, personal del teatro difundía una encuesta entre los espectadores. Pregunta: ¿Qué cambiarías del TNC? En el espacio para responder apenas cabía una frase completa, ¿en serio? Tengo para escribir tres folios y sólo me dejan escribir una frase: Necesario y urgente cambio de modelo de gestión, administración y artístico. Y se me acabó el espacio.

Pero no nos engañemos, no sólo está el TNC, hay muchas más salas en Barcelona. Algunas de las cuales han abierto esta temporada. Tengo que reconocer que acabo de volver del Teatro Akademia, que me maravilló en su apertura, por ser el primer teatro con paredes blancas, un hecho diferencial que bien le valía un aplauso. El resto de veces que he ido, las telas negras cubren las paredes blancas y su diferencia se ha vuelto mínima con cualquier otra sala de la ciudad. Y otro hecho que llama la atención son sus gradas. El Akademia lo tiene todo para ser un espacio polivalente, de esos que mencionaba antes de juego con espacio y público. Su dirección y gestión han optado por convertirlo en una sala más convencional, aburrida y en un más de lo mismo.

El futuro, que es mañana, no está en lo de siempre, en más de lo mismo. El hecho diferencial de ofrecer un plus en programación artística, gestión y espacio marcará que el público escoja entre la amplia oferta de tradiciones a la italiana o de espacios donde la sorpresa y las experiencias serán las protagonistas. Yo prefiero dejarme sorprender que seguir viviendo experiencias ya conocidas y volver a exclamar: ¡Estoy harta de más de lo mismo!

Sergi Belbel: ´Si pudiera, la derecha prohibiría el teatro´



Font: Elena Vallés (diariodemallorca.es)

Dramaturgo. El Premio Nacional de Literatura Dramática visita mañana el Club de DIARIO de MALLORCA para hablar de teatro en tiempos de crisis. El catalán, que acaba de escribir el guión de una película sobre Amadeo de Saboya, concluirá su etapa como director en el Nacional de Catalunya el 30 de junio. Su próximo proyecto: dirigir lo nuevo de Jordi Galcerán

Si España fuera Cataluña, una tierra con una tradición reciente de mecenas, ¿ya tendríamos ley de mecenazgo?

En efecto, esa tradición data del siglo XIX. De hecho, toda la cuestión del catalanismo depende mucho de esa burguesía que decidió apostar por unas infraestructuras que defendieran la lengua. El Liceu es un ejemplo. Lo pagó la burguesía catalana. En cambio, el Teatro Real de Madrid lo pagó la Administración porque no tenían una burguesía semejante. Si España fuera Cataluña, no sé si tendríamos ya ley de mecenazgo, pero como mínimo los artistas sabríamos a quién presionar para que la hicieran.

¿Pasa el futuro de la cultura por la tan cacareada alianza público-privada?

Dicen que sí. Es una situación que ya se da en países como Inglaterra. Allí, las empresas se comportan un poco como el ministerio de Cultura. Ponen dinero y reciben exenciones fiscales muy ventajosas. Aquí los empresarios ponen poco porque no reciben ningún beneficio. Por eso creo que la ley de mecenazgo sería una buena solución.

¿No teme, sin embargo, por el dirigismo de los intereses privados? Por ejemplo, un grupo de artistas está luchando por que la Tate Modern rompa relaciones con la pretrolera BP. A veces, las empresas buscan lavar su imagen invirtiendo en cultura.

Es un debate que también está sobre la mesa. De momento, esta situación no se ha dado en España. Quizá pueda suceder en algún momento, sobre todo cuando la aportación que hagan sea más grande y deseen tomar decisiones. Por eso, creo que la ley de mecenazgo al sector público debería ir siempre unida a una ley de transparencia.

En España están apareciendo nuevas fórmulas teatrales y salas alternativas que están teniendo bastante éxito de público. En cambio, el teatro más tradicional pierde gas. ¿Hacia dónde vamos?

En esta cuestión que comenta, hay un hecho muy peligroso: la posible desprofesionalización del teatro. Hemos luchado durante 20 años para conseguir que nuestro trabajo sea un empleo normal y corriente, con su contrato, su seguridad social. Con la crisis, parece que todo esto se desmorona. El teatro en los garajes o en los pisos es algo que ya se hizo en Nueva York en los años sesenta, y me parece que está muy bien. Pero si comporta el fin de la profesionalización, estoy en contra. Está claro que, si no hay oportunidades, uno se agarra a estas propuestas. Pero hemos de seguir luchando por la dignificación. ¿Por qué crees que hay ahora en Cataluña más dramaturgos que nunca? Pues por los veinte años de profesionalización que llevamos. Sin la dignificación de nuestro trabajo, podemos caer en el amateurismo.

Estos espacios alternativos a veces se venden como laboratorios llenos de futuro. 

¿De futuro? Son más mausoleos y tumbas. Es cierto que en ellos se ve mucho talento, pero porque de momento los llevan personas que son profesionales, que vienen de una etapa en la que el teatro se ha profesionalizado. ¿Habrá tanto talento en ellos dentro de diez años si la gente ha de trabajar de camarera para después poderse dedicar mínimamente al teatro? Estos espacios y fórmulas están bien como complemento, pero no como finalidad.

¿Debería haber en los teatros públicos del país más compañías estables?

Sí. En España sólo está la Compañía Nacional de Teatro Clásico y poca cosa más. En el Teatre Nacional de Catalunya no hemos podido hacer compañía por cuestiones presupuestarias. Una compañía estable consolida un público, crea un star-system, un flujo. Pero el coste de 40 actores sólo lo puede asumir un organismo público con mucho dinero, cosa que ahora es impensable. Intenté hacer algo parecido con el T6, con nueve actores fijos, y funcionó muy bien. Pero se tuvo que desintegrar con el desmantelamiento de la Sala Tallers, una situación que ojalá sea momentánea.

¿Hasta qué punto ha de ser beligerante el gestor de un teatro al que se le imponen recortes que éticamente desaprueba?

Llega un momento en que la beligerancia es dar puñetazos a la pared. Nos podríamos quejar mucho, pero acabas trabajando con lo que tienes. Ves que cierran plantas de hospital y causa una especie de angustia la queja continua por que a ti te han recortado para el teatro. La rebelión creo que la hace cada uno a su manera. En el teatro, creo que tenemos que hacer productos para que la gente reaccione. Pienso, por ejemplo, en la obra que hay ahora en el TNC, Barcelona, de Pere Riera. La gente tiene claro que esta pieza, ambientada en la Guerra Civil, está hablando en parte de lo que sucede ahora. La gente que ve esta obra se pone en pie cada día, aplaudiendo fuerte. Su reacción es muy catártica. Creo que la gente tiene ganas de manifestar su descontento con lo que está pasando.

¿Adónde conduce la política de reposiciones desarrollada por gran parte de los teatros?
No hay más remedio. Con una compañía estable en un teatro, no hablaríamos de reposiciones. Ahora mismo reprogramar obras de éxito es una manera de dar rentabilidad a las salas. Por otra parte, creo que también habría que desprogramar lo que no funciona, y es algo que no se hace. En un teatro público, cuando una obra no funciona, sientes que tienes mucha responsabilidad porque es dinero público, de todos.

Entonces, ante las bajas ocupaciones de los teatros, se abre la eterna pregunta: ¿qué se le ha de dar al público, lo que quiere o lo que necesita?

Es el gran debate. Hemos de evitar que nos dé la espalda el público. Pero de aquí a vender el alma al diablo... Un buen ejemplo es la obra de Pere Riera que comentaba: es una pieza comprometida, dura, con momentos cómicos. Es un producto atractivo y trabajado que no cae en lo complejo e insondable. El teatro privado ha de luchar para conseguir llenar la sala con lo que el público quiere. El subvencionado y el público nos hemos de preguntar: ¿cómo lo hacemos para no rebajar la parte artística y que siga viniendo público? Es complicado con el precio de las entradas, caras e infladas con el 21% de IVA.

Con el teatro, ¿quién se porta peor: la derecha o la izquierda?
Sin duda, la derecha. Lo digo sin ningún tipo de pudor. Les molestamos; si pudiesen, nos prohibirían. Hace 77 años, fusilaron a Lorca. No hay que olvidarlo. Y nadie dijo nada. La izquierda no es que nos adore, pero nos ha de tolerar más.

¿Ha notado una reducción de la presencia del teatro balear en Barcelona?

Sí. Entre 2000 y 2008, vi mucha fuerza tanto en la dirección de los actores como en la dramaturgia. Hubo mucha presencia. En los últimos dos años, parece que ha sucedido alguna cosa en las islas.

¿Echa de menos las colaboraciones con el Teatre Principal de Palma?

Aquello funcionó bien. Mort de dama fue un éxito. Es una pena que aquello cayera en saco roto.

¿Ha visto Acorar?

Aún no, pero tengo el libro. Lo tengo pendiente.

¿Siguió la polémica de los Premios Max?

¿A qué se refiere?

¿Son los Max los premios del teatro de Madrid?

Parece ser que sí. Cuando uno lee "categoría a mejor autor en catalán o valenciano", exclama: "Madre de Dios". El teatro catalán tiene una especificidad que no se tiene en cuenta. Era increíble que un espectáculo tan bueno como Incendis [Oriol Broggi] no tuviera nominaciones. 

No hubo ni una sola mención a Anna Lizaran durante la gala. 

Eso fue muy fuerte y desagradable. En serio, es que a veces parece que nos obligan a querer la independencia.

De lo que ha puesto en pie durante estos ocho años, ¿qué sería imperdonable que tumbara su sucesor Xavier Albertí?

Debe desarrollar su proyecto con total libertad. Vista su trayectoria, se espera que haga un teatro con rigor intelectual y compromiso. Si ha de cambiar algo de lo que puse en pie, que lo haga.

'Dido i Aeneas', el debut en l'òpera del Cor Jove de l'Orfeó



Font: Laura Serra (ara.cat)
El mig centenar de cantaires del Cor Jove de l'Orfeó Català faran avui i demà un pas més en la seva carrera musical. Dido i Aeneas, de Henry Purcell, serà el seu debut en l'òpera, al Petit Palau. El seu director, Esteve Nabona, va demanar al director d'escena Marc Rosich que instigués els joves estudiants de cant d'entre 16 i 25 anys a moure's per l'escenari, sense la formalitat i seriositat dels faristols i els uniformes. "La música antiga requereix en certs moments una delicadesa, subtilitat, rigor i transparència que sempre la fa difícil d'interpretar, però un cop entres en escena t'adones que en comptes d'haver de dividir el cervell entre la música i la interpretació, és un pot comú, i que una cosa ajuda l'altra. L'escena fa més lògica la música", diu Nabona.
Rosich va escollir aquest famós drama barroc anglès perquè el cor és present a escena pràcticament durant tota l'obra i, a més, hi ha sis papers més entre bruixes i personatges que permeten foguejar com a solistes sis joves talents de l'Orfeó Català. Encapçalen el repartiment tres solistes professionals: la mezzosoprano Elisenda Arquimbau i el baríton Esteve Gascon -tots dos, professors de l'Orfeó, que interpreten Dido i Aeneas- i el contratenor Jordi Domènech (Sorceress). "Volíem donar l'oportunitat als nostres cantaires, però no volíem que això fos un concert de final de curs, així que hem agafat membres del cor que donen una tessitura que passarà inadvertit que no són cantants professionals -diu Nabona-. Una òpera de Verdi o Wagner requereix una maduresa de solistes que no ens hauríem ni plantejat. La música antiga ja està pensada per a unes veus més joves". De fet, Dido i Aeneas es va estrenar el 1688 en un orfenat de noies de Londres i, per tant, Nabona pressuposa que les veus devien ser tan joves com les del seu muntatge.
Des del febrer, el cor ha assajat la part musical per poder-se posar a les ordres de Rosich amb seguretat. Pel director -que ja té molta experiència en el món coral i en espectacles educatius-, es tracta d'un graó més en l'aprenentatge dels joves. Tots han estat formats des de petits en diferents cors, són estudiants a l'escola de l'Orfeó i alguns -els escollits de solistes- ho compaginen amb altres centres com el Conservatori del Liceu i l'Esmuc amb l'objectiu de ser professionals. "Han après què vol dir, a més de fer la nota bé, alhora fer teatre. Perquè darrere d'una òpera hi ha música i hi ha teatre, emocions. I s'hi han llançat amb molta rauxa. La posada en escena parteix de les sessions que hem fet amb ells per aixecar les tres dimensions de la part coral de Dido i Aeneas ", explica Rosich.
El projecte -una coproducció del Cicle Coral de l'Orfeó Català i el Festival d'Òpera de Butxaca i Nova Creació que dirigeix Rosich, aixoplugat dins el Festival de Música Antiga- servirà per posar a prova el Petit Palau transformat en un teatre. Tot i que gairebé no hi haurà escenografia, excepte un sofà i unes projeccions del cantaire Aleix Viadé, sí que s'ha adaptat l'espai perquè tingui un fossat per a la vintena de músics de l'orquestra mallorquina Ars Musicae. El repte: omplir 400 localitats per cada funció.

Pepa Plana i Claret Papiol, premiats a la Fira del Clown



Font: Emili Agulló (elpuntavui.com)
Més d'un miler de persones van passar ahir per Vilanova de la Muga durant la segona edició de la Fira del Clown, amb divuit actuacions de pallassos tant a l'aire lliure com al recinte de la sala. En el certamen, Pepa Sala i Claret Papiol van rebre, respectivament, els premis honorífics de Pallasso de l'Any 2013 i 2012.
Entre les actuacions, Plana va representar l'espectacle Giulietta, la primera actuació en solitari que fa a Europa des que va fitxar pel Cirque du Soleil per participar en la creació del muntatge Amaluna al Canadà. Plana va agrair el premi qualificant-lo com “una petita pentinada d'ego”, i va desitjar que després del seu –el segon que atorga la fira– en vinguin molts més.
El certamen també incloïa tallers de circ, clown de carrer i maquillatge per a petits i adults. I en el pla professional, l'Associació Gironina de Teatre (AGT) i l'Associació de Professionals de Circ de Catalunya (APCC) hi van celebrar la trobada d'una vintena de pallassos i pallasses d'arreu del país. Papiol explicava que els professionals coincideixen en el fet que “manca un circuit propi” per a una especialitat que toca el teatre gestual, la dansa i el mim i que sovint s'engloba dins del circ, però que va més enllà.
El sector, que pateix la pujada de l'IVA, necessitaria més iniciatives com la de l'Ajuntament de Peralada, que a més de públic va mobilitzar ahir 40 voluntaris. Amb vista a l'any vinent, el repte del municipi és allargar la fira durant tot un cap de setmana. El col·lectiu, explicava Papiol, es planteja també aprofundir en intercanvis internacionals amb altres països, com ara Itàlia.

25/5/13

ELS GUAPOS SÓN ELS RAROS


DRAMATÚRGIA i DIRECCIÓ: ENRIC CAMBRAY
INTÈRPRETS: DAVID ANGUERA, RICARD FARRÉ, MARTÍ SALVAT i ENRIC CAMBRAY
DURADA: 1h 30min
TEATRE GAUDÍ

Cada vegada hi ha menys dubte que el món és pels que s'arrisquen, pels que no es conformen amb el que tenen i busquen més enllà. Un clar cas el tenim en el fins ara actor multidisciplinar, l'Enric Cambray, ja se li ha quedat petit el traje d'actor i ara s'arrisca com a dramaturg i director de teatre.

Els guapos són els raros tenen un target molt determinat, un públic jove, urbà i si són fans dels Manel millor. Una servidora, no ho és, i també va entendre i vaig entrar al joc. Divertida, enginyosa i irònica la primera hora, que perd una mica de força els darrers 30 minuts. Potser és el primer error de l'òpera prima que aspira a allargar-se quan amb 20 minuts menys hagués estat més que suficient.

Tres actors joves, però suficientment preparats per captivar el públic i ficar-se'l a la butxaca des dels primers minuts. El mateix Enric Cambray també interpreta, i es noten les tablas, es troba com peix a l'aigua i ens regala uns 15 minuts d'interpretació d'autèntic luxe.

Cultura actual però amb un viatge al passat, els noranta van marcar a tota una generació i Cambray ha volgut fer-los un petit homenatge. Els guapos són els raros et deixa una sensació de positivisme power després d'haver vist una barreja entre Salvados por la Campana i Verano Azul. Això sí, crec que després de veure-la, els ous Kinder han passat a tenir una dimensió desconeguda. Beneïts els que s'arrisquen i ens demostren que el teatre sempre tindrà futur.

Y la obra continuará



Fuente: Liz Perales (elcultural.es)

La media de edad del público de teatro supera los 40 años, por lo que la renovación de las plateas es hoy una de las labores más urgentes que acucian al sector. Hay experimentos aislados que están resultando eficaces, como Microteatro o ciertos programas dirigidos a un público infantil. Son ejemplos que se alejan de los hábitos de consumo tradicionales del aficionado teatral, tanto en sus fórmulas dramáticas como en los espacios de exhibición, mucho más íntimos. En esta temporada ha hecho su aparición en Madrid otro nuevo formato, TeatroEnSerie, que busca captar un público joven, precisamente el que disfruta con las series de televisión.


Aplicando la receta de “si los espectadores no van al teatro, habrá que llevar el teatro allí donde se encuentren”, el actor Fran Calvo ha promovido TeatroEnSerie, una comedia seriada que se inspira en las sitcom de televisión y que viene representándose en la librería La Buena Vida de Madrid desde principios de temporada con el título Días como estos. Calvo cuenta cómo durante su estancia en Estados Unidos pudo percatarse de lo habitual que es ver allí teatro en lugares dedicados a otros fines: un supermercado, un museo, una estación de tren... La fórmula permite llegar a espectadores que no están habituados a ir al teatro, pero también exige un tipo de obras cuyo argumento esté al servicio de las condiciones físicas del espacio en el que se va a representar. “Buscaba una fórmula para ganar espectadores y fidelizarlos y entonces fue cuando se me ocurrió hacer una serie teatral de cuatro capítulos. El siguiente paso fue contactar con Luis López de Arriba, autor y director de escena, al que le interesó el proyecto y con el que fui formando el equipo. En realidad, la idea era también escribir una obra cuyo argumento viniera dictado por la sala donde íbamos a actuar, y tanto Luis como yo tuvimos en mente desde el principio una librería”. El apoyo de Jesús Trueba, propietario de La Buena Vida, que les brindó el espacio, les animó a seguir por el camino emprendido.



Días como estos sigue el esquema de series como Friends, aunque lógicamente emplea un lenguaje teatral. Tienen un escenario principal, la librería, al que acuden todos los personajes y en el que se suceden los acontecimientos. Los personajes son el propietario Martín y sus empleados, familiares y amigos. Al igual que la citada sitcom, cada capítulo, de no más de 40 minutos de duración, se comprende por sí solo, sin necesidad de ver los anteriores, aunque hay un juego de tramas y subtramas que se dejan abiertas para despertar el interés del espectador por saber qué ocurrirá. Como exige el género, al principio de la representación un actor se resume lo sucedido en los capítulos precedentes.



El tono de la serie es realista. El propietario de la librería, Martín (interpretado por Nacho Rubio), es el personaje central, un insatisfecho al que no le gusta la vida que lleva. Ni siquiera está contento con su oficio, que heredó directamente de su padre. En realidad, la librería es su hogar, pero también su cárcel. Decide desaparecer un tiempo y dejar al cargo del negocio a su amigo Alberto (Fran Calvo), que quiere ser escritor. Elena (Inma Gamarra), el personaje más cómico e inocente, y Ana (Inma Isla), la intelectual, son otras empleadas de la librería.



Por la serie desfilan muchos más personajes (la madre de Martín, una crítica literaria...), a los que el actor Miguel Uribe se presta a interpretar con eficacia. Una trama de relaciones amorosas, no siempre correspondidas, de encuentros y de amistades, sirve para desarrollar esta comedia optimista, que nos habla de no temer al cambio en nuestras vidas, de las oportunidades que se nos abren cuando menos lo esperamos.



“Además de las series de televisión, la obra sigue el esquema de películas como Alta fidelidad, de Stephen Frears, pero el lenguaje que empleamos es totalmente teatral, pues aquí, a diferencia del cine o la televisión, sólo disponemos de un espacio para recrear escenas. Por ello, la dramaturgia echa mano de monólogos e incluso de otros elementos dirigidos a romper con la cuarta pared”, explica López de Arriba.


Ensayos que inspiran


Por otro lado, el espacio, actúa también como un personaje: “Hemos querido aprovechar al máximo la librería, pues la escenografía nos viene dada sin tener que recrearla. Hemos querido desarrollar cada capítulo en un espacio del local. Además, argumentalmente, nos provee de personajes, los que imaginamos que pueden dejarse caer por un establecimiento abierto al público y que son los que suele interpretar Miguel Uribe”.



La serie consta de cuatro capítulos y, según cuenta Fran, el proceso de escritura se ha visto culminado con el de ensayos: “Hemos trabajado en unwork in progress. Estrenamos el pasado mes de septiembre el primero de los capítulos y, mientras lo representábamos, Luis iba escribiendo el siguiente y ensayándolo con los actores, hasta que estuvo listo para estrenarlo en noviembre. En este año hemos presentado el tercero, en marzo, y el cuarto, en mayo, así que la serie completa sólo la hemos podido ofrecer durante este mes”. En total, calculan que la han visto ya unas 3.000 personas.



Las horas de ensayos han sido definitivas para perfilar y dar profundidad a los personajes gracias a las aportaciones de los actores: Martín ha ganado en ironía y su conciencia del mundo es mayor de la que figuraba en el papel; Ana muestra una fragilidad más creíble; Alberto se aleja del cliché del intelectual incomprendido para convertirse en un personaje tierno y ácido a la vez, y Elena ha pasado de ser un contrapunto inocente a ganar luz y determinación.



Las funciones tienen lugar los viernes y los sábados, a dos capítulos por día, y al terminar la actividad de la librería. El aforo es limitado, para unas 45 personas, pero la cercanía de los actores y el entorno tan apropiado en el que se sucede la historia, con las estanterías atestadas de libros, corrige la ausencia de una iluminación apropiada y de otros elementos escénicos. Por otro lado, los promotores ofrecen unos precios muy populares, ya que las entradas, si es compra anticipada, cuestan ocho euros con derecho a una consumición.



Por el momento, el equipo estudia prorrogar durante el mes de junio en La Buena Vida, incluso organizar una maratón para exhibir la serie completa. Pero su pretensión es presentar TeatroEnSerie por librerías de toda España. Para ello buscan patrocinadores y colaboradores que contribuyan a sostener el trabajo de los actores y, en este sentido, han lanzado una campaña de crowdfunding que garantice su futuro. Una nueva revolución en la escena está en marcha.

Bambalinas en la ‘suite’ real



Fuente: Sergio C. Fanjul (elpais.com)
Si el teatro ya es de por sí tridimensional, esto es como el salto a una cuarta dimensión: aquí el espectador está incrustado dentro de la obra y se mueve libremente dentro de la enorme escenografía que es un hotel, en este caso, el lujoso hotel InterContinental. Once actores guían a los espectadores, que van en parejas, de escena en escena de lo más alto a lo más bajo, atravesando el sistema circulatorio que anima al edificio. Esta experiencia teatral se llama Inside (www.popuptheatrics.com) y se puede ver en el InterContinental los viernes, sábados y domingos hasta el día 23 de junio.
La cosa surgió cuando el director escénico Darío Facal supo en Nueva York de este nuevo concepto concebido por la compañía PopUp Theatrics, de Ana Margineanu y Tamilla Woodard. Representaban pequeñas piezas teatrales en habitaciones de hoteles de México y Nueva York. “La diferencia es que aquí decidimos que no se representasen solo unas escenas individuales, sino que hubiera un hilo argumental que las uniera a todas a través de las instalaciones del hotel”, explica Facal. Parejas que entran absurdos bucles de discusión, cajas misteriosas, extraños descubrimientos, personas maniatadas en rincones extraños…
“Enseguida me enamoré de las partes traseras del hotel y de la posibilidad de que los espectadores, que siempre están en los espacios públicos, pudiesen salir de estos espacios más lujosos y ver las partes de trabajo”, dice Facal.
En efecto, algunas escenas ocurren en lugares como la lujosa Suite Real (400 metros cuadrados, con un precio de 4.500 euros la noche, aunque si resulta ocupada por un cliente se prevé utilizar otro espacio), el office de la gobernanta, los sótanos, pasillos, escaleras o ascensores. Los espectadores son guiados por actores que en ocasiones les separan y que les dan pequeñas pistas para continuar su camino a través del edificio, un poco como si nos hubiéramos metido en un videojuego 3D. Además, cada uno de los dos espectadores lleva un teléfono donde escucha una voz: “La idea es que la voz no llegue a ser un personaje, sino que sea un narrador omnisciente. Aunque las voces vayan cambiando, la relación con el espectador es la misma, como una especie de acercamiento a la esquizofrenia, en el sentido de escuchar varias voces dentro de tu cabeza”, explica Mario Tardón, uno de los dramaturgos.
Como lo que escucha cada espectador es diferente, al final sacarán diferentes conclusiones, aunque hayan visto lo mismo. Para la experiencia, diferentes dramaturgos, en un proceso creativo que duró tan solo una semana, escribieron textos para los actores, todos ellos alumnos de la escuela Work in Progress, que dirige Facal.
Ultimamente se ven florecer muchas propuestas teatrales en formatos micro y espacios no convencionales. “Es cierto”, comenta Facal, “pero las cosas no merecen la pena por el mero hecho de hacerse un espacio no convencional. Lo que aporta valor es aprovechar las posibilidades de ese espacio, como tratamos se sacarle partido al hotel”.
“Este proyecto”, explica Tardón, “tiene que ver mucho con la época en la que vivimos. Se está generando una nueva dinámica de relación social, hace unos años tal vez un hotel no se prestase a esto, pero estamos abriendo mentes y la colaboración entre espectadores, creadores y espacios nos está llevando a investigar cosas que son deudoras de esta época. No se podría haber creado en otro momento”.