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26/1/14

JO MAI


CREACIÓN y DIRECCIÓN: IVAN MORALES
DRAMATURGIA y COACH: ANNA ALARCON
INTÉRPRETES: MARCEL BORRÀS, LAURA CABELLO, ÀLEX MONNER, ORIOL PLA i XAVI SÁEZ
DURACIÓN: 1h 40min
PRODUCCIÓN: GREC 2013 FESTIVAL DE BARCELONA, CCCB, BITÓ PRODUCCIONS, CAET y COMPANYIA PRISAMATA
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Entré con miedo a el Lliure de Gràcia. Tenía demasiado presente el recuerdo de Sé de un lugar, los comentarios de amigos y conocidos nos habían sido demasiado halagüeños y algunos incluso me disuadían a no ir: "No es tu tipo de obra" (me encantaría saber cuál es mi tipo de obra). Pero pese a todo me decidí a entrar en una sala donde el 80% del público era adolescente. 

No habían pasado ni diez minutos y ya me había olvidado de Sé de un lugar, de que no era mi tipo de obra y me había dejado llevar por la trama y los personajes. ¡Y qué enganche! No sabia si estaba en el 2014 o a principios de los 90, la atmósfera me trasladaba de una época a otra. Referencias actuales pero teñidas de aquellos noventa del siglo pasado.

Héroes desdichados, sueños rotos, ansias por triunfar y cada personaje con una historia por contar, nada aburrida. Una Jam o un concierto. El público en gradas, pero presente, alusiones a no ser una pared, sino a involucrarse en la historia. Personajes dispares pero con coincidencias, historias de vida pero no necesariamente urdidas para atrapar a la jauría de adolescentes que poblaban la sala. Jo Mai habla de adolescencia pero va más allá, a los que ya la hemos pasado hace años, no nos es indiferente, nos toca y nos hace pensar en los "ninis" actuales.

Disposición a tres bandas del Lliure de Gràcia, escenario vacío en el medio, solamente los instrumentos, guitarras y batería  forman parte de una escenografía que no necesita muebles sino palabras y actores creíbles que las llenen. La banda comienza a tocar, Jo mai os diré cuál es mi tipo de obra porque Jo Mai lo sabré. Pero si sé, que he salido de Jo Mai hipnotizada, así que quizás esté en el buen camino. 

VÀNIA


TEXTO: ANTON CHÉJOV
ADAPTACIÓN: ORIOL TARRASON
INTÉRPRETES: PEP AMBRÓS, ANNABEL CASTÁN, MIREIA ILLAMOLA, ARNAU PUIG i BERNAT QUINTANA
DURACIÓN: 1h 40min
PRODUCCIÓN: LES ANTONIETES amb el suport de TEATRE LLIURE i la NAU IVANOW
ESPAI LLIURE

Desde 2009 y aquel El mal de la joventud ha pasado algo más que cinco años, Les Antonietes se han hecho grandes, pero no de edad (aunque también) sino de público y de reconocimientos. Todavía recuerdo que cuando la fui a ver, sólo unas treinta personas ocupaban sus butacas en la Muntaner, hoy el Espai Lliure se les ha quedado pequeño, por lo que han tenido que ampliar una semana más de funciones para que el público pueda seguir disfrutando de esta maravilla teatral.

Conocemos las obras de Chéjov como un autor pesimista, oscuro, obras con un ritmo pausado donde los personajes ven transcurrir el paso del tiempo sentados, sin ideas de cómo cambiar su destino. Olvídense de ese Chéjov porque Les Antonietes son todo luz. Vitalidad, ganas de vivir, asqueados por la vida que llevan, por lo que se están convirtiendo y por querer descubrir lo que hay fuera, lejos de donde se encuentran.

Hay libros que vuelan, hay vodka, hay fiestas, hablan, se ríen, todo a un ritmo vertiginoso que no estamos acostumbrados a ver en un montaje de Chéjov. Hay ganas de vivir, ganas de cambio, ganas de disfrutar de la vida. Algunos personajes saldrán mejor parados que otros, pero el viaje es apasionante. 

Genialmente adaptada y dirigida por Oriol Tarrason y como ya pasara con Stockmann el mayo de 2013 en la Muntaner, Pep Ambrós nos regala un brillante interpretación, tanto sobrio como borracho, consigue que los espectadores, o al menos una servidora, empaticemos con su sufrimiento, con sus ganas de salir de esa miseria interna. Cautivadora Mireia Illamola, su interpretación seduce al público que se deja engañar (o no) por su larga melena rubia que acompaña con ojos de no haber roto ningún plato. Y vaya si los rompe (por supuesto, en escena). Annabel Castan le vuelve a tocar el papel de sufridora y lo clava, sufrimos y mucho hasta el final. Pero para aliviar tanto sufrimiento, el papel de bufón le ha tocado a Arnau Puig que no hace soltar una risotada de vez en cuando.

Un clásico, sí, pero diferente. 1h y 40 minutos demasiado cortos que nos dejan ganas de más. En mayo vuelven a la Muntaner. Esta temporada nos hemos portado demasiado bien y nos han recompensado con doble ración de Les Antonietes. ¡Que lo disfruten!

FUM


DRAMATURGIA y DIRECCIÓ: JOSEP MARIA MIRÓ
INTÉRPRETES: JOAN CARRERAS, LLUÍS MARCOS, CARME ELÍAS i ANNA SAHUN
DURACIÓN: 1h 45min
PRODUCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA i BITÓ PRODUCCIONS
SALA PETITA (TNC)

Gran decepción de este enero. Fum se ha quedado en eso, prometía mucho pero no nos ha regalado nada. Admiradora de la dramaturgia de algunas de las obras de Josep Maria Miró como El principi d'Arquimedes, no me acabo d'explicar el esquema dramatúrgico de esta.

Empecemos, se presenta como un thriller, lo cual ya me hizo la idea de que todo lo que pasara había de tener el ritmo del género. Error, hay escenas cortas, que se van sucediendo, pero una detrás de otra no aportan nada. Sobre la mitad de la obra te preguntas qué está pasando, qué nos viene a explicar el autor con esto. En un thriller los acontecimientos se precipitan, pero aquí no hay nada que precipitarse, porque no pasa nada.

Sí, dos parejas encerradas en un hotel mientras las revueltas en la calle no les permiten salir, cada una está allá por motivos distintos. El personaje de la Carme Elías inicia un juego, todos se verán implicados, pero ya está. Así nos pasamos 1h y 45 minutos, largos muy largos porque falta argumento, porque el ritmo es lento, porque no se nos explica nada.

Carme Elías está magnífica haciendo de mujer manipuladora, como quien mueve marionetas, pero no hay más. El resto deambula por las habitaciones del hotel y por el salón. La puesta es escena es magnífica, es el Nacional no esperábamos menos, el continente genial para un contenido inexistente que se diluye en media hora.

Y para rematar la tarde me fui a ver La dona que perdia tots els avions a la Tallers, actividad complementaria de Fum. Si su lectura hace un par de años, me dejó aburrida en la butaca, su puesta en escena no ha sido para menos. No sé si  el humo no me ha dejado ver los aviones o simplemente fue una tarde de sábado perdida en el Nacional.

LO ÚNICO QUE NECESITA UNA GRAN ACTRIZ ES UNA GRAN OBRA Y LAS GANAS DE TRIUNFAR


CREACIÓN: A partir de LAS CRIADAS de JEAN GENET
DIRECCIÓN: DAMIÁN CERVANTES
COMPAÑÍA: VACA 35 TEATRO EN GRUPO (MÉXICO)
DURACIÓN: 50min
SALA ATRIUM

Nunca olvidaré que en septiembre recién llegada a FiraTàrrega me dijeron: "Tienes que ir a ver la obra de Vaca". No tenía ni idea de que iba, ni quien era, ya me imaginaba la vaca en medio del escenario/plaza... A la cuarta persona que en menos de diez minutos me habló de Vaca, ya estaba suplicando a prensa una entrada para ver tan sumo prodigio. Agotadísimas las entradas de un garaje donde las colas eran inmensas. Damián Cervantes su director, quería que todos pudiéramos entrar, y así fue. 

Fueron los 50 minutos más alucinantes de mi vida teatral. Desde el principio no conseguía separar mi vista. Daba igual que estuviesen fregando el suelo, cocinando o bañándose. Era mágico, no había artificialidad, la naturalidad de sus gestos, de sus movimientos, parecía que no había interpretación alguna, todo era fácil. Ya había caído, estaba ensimismada. Las actrices podían hacer lo que quisieran, porque a mi ya me tenían ganada.

Hace dos meses, me enteré que desembarcaban en la Sala Atrium, y sabía que iba a volver, tenía que repetir la experiencia, al lado de una persona que no la hubiera visto. Estaba entusiasma y por segunda vez, salí con una sonrisa en la boca. Son 50 minutos, no hay más pero dan para mucho, para descubrir a dos actrices maravillosas, una obra fantástica y tener claro que Vaca 35 ya ha triunfado y se la recordará durante mucho tiempo. No os explico más, id a verla, buscad la magia y compartirla.

Gracias Vaca 35, simplemente genial.

HACE...


tres meses que no escribo una crítica. Lo dejé de hacer por presiones, estaba cansada de los unos y los otros. Lo odio y me gusta cuando después de dejar de teclear hay alguien que lo lee y lo discute, con respeto. Pero hace tres meses alguien se saltó las normas a la torera y empezaron las acusaciones personales, tras una reflexión crítica y con las navidades a la vuelta de la esquina decidí tomarme un respiro.
Hoy decido volver, he seguido viendo teatro, me he seguido enfadando con los que piensan que los espectadores, críticos o no, somos estúpidos. Pero bueno, creo que con IVA o sin IVA eso va a seguir pasando, tengamos la platea llena o vacía. Ni lleno ni vacío plateas, las visito, las vivo y lo seguiré haciendo con la crítica del sentido común. 

Let's start!

23/1/14

Anna Lizaran, homenajeada en el Teatre Lliure con una exposición



Fuente: EP & Kim Manresa (foto) vía lavanguardia.com

El Teatre Lliure inaugurará este jueves la exposición dedicada a la actriz fallecida Anna Lizaran, que ocupará el 'hall' y el vestíbulo del teatro de Montjuïc, y de la que se instalará una parte en el centro que posee en Gràcia el día 24, todo ello con motivo del primer aniversario de la muerte de la artista el 11 de enero.

La exposición se inaugurará una hora y media antes de que comience la obra Un enemic del poble, de Henrik Ibsen -y con versión de Miguel del Arco en base a la de Juan Mayorga- para que los espectadores puedan verla, aunque tendrán tiempo hasta julio, cuando el Festival Grec pondrá el cierre a la muestra.

La muestra girará en torno a las raíces, trayectoria y personalidad de la actriz Anna Lizaran, y será un recorrido sentimental por la memoria de la actriz, muy implicada en la fundación del Lliure. La exposición es un homenaje a la figura de Lizaran, así como también una forma de difundir su legado artístico.

El bar de la sede del Lliure de Gràcia acogerá la primera parte de la muestra, donde se repasan su nacimiento, familia, los inicios de su pasión por el teatro, la fundación de la compañía Comediants y también del Lliure.

En el Foyer del Lliure de Montjuïc se repasará toda su trayectoria artística, tanto la vinculada al Lliure como la que no, así como su faceta televisiva y cinéfila. También habrá dos espacios que recogen los premios que ha conseguido a lo largo de su trayectoria profesional, así como el vestuario que ha utilizado en algunas de sus obras más características, como La bella Helena, El ball y La Bête, que no llegó a estrenar porque cayó enferma.

La muestra se complementará con un volumen biográfico que recoge la documentación expositiva y recoge escritos del director del Lliure, Lluís Pasqual, del exdirector del TNC Sergi Belbel y del cineasta Ventura Pons, así como de 50 actores, directores y colegas del ámbito teatral. Lizaran fue considerada la gran dama de la escena teatral catalana, en la que brilló durante las últimas cuatro décadas y en la que dejó un vacío destacado.


Cartel de lujo para el Festival de Circo de Figueres



Fuente: ACN vía lavanguardia.com

El Festival Internacional del Circo de Figueres (Girona), que se celebrará del 20 al 24 de febrero, ha presentado este miércoles los últimos dos espectáculos que faltaban para completar el programa de la tercera edición. Se trata de la contorsionista estadounidense, Jordan Mc Knight, de sólo dieciséis años y considerada una de las cuatro mejores del mundo en su especialidad, y del plato fuerte de este edición: la Troupe del Circo Nacional de Pyongyang, una de las compañías más prestigiosas del mundo que presentará un espectáculo inédito en Europa.

Según Genís Matabosch, director del festival, estas actuaciones suponen "un reconocimiento internacional" a la proyección de un certamen que "ya está entre los mejores del mundo". La ciudad de Figueres y los responsables del certamen ya lo tienen todo a punto para que se dé el pistoletazo de salida el próximo 20 de febrero en la tercera edición del festival Internacional de Circo Ciudad de Figueras.

La alcaldesa de Figueres, Marta Felip, y el director artístico del festival, Genís Matabosch, han presentado las dos funciones que faltaban para cerrar el cartel y las 20 actividades paralelas y gratuitas que se realizarán en la ciudad. Marta Felipe ha avanzado que a menos de un mes de levantar el telón ya se han vendido 15.000 de las cerca de 26.000 entradas disponibles, un hecho, agregó, que demuestra la proyección de un festival que en su tercera edición se situará "entre los mejores del mundo" y que supondrá un revulsivo económico para la ciudad.

Dolor salvaje a dos palmos de la butaca


Fuente: Clara Morales (elpais.com)
Más de 20 personas cruzan la puerta de madera que franquea el número 48 de la madrileña calle Huertas. Vuelven a hacerlo, 45 minutos más tarde, callados como si algo se les hubiera quedado atravesado en la garganta. Ha sido la obra Breve ejercicio para sobrevivir, de Lautaro Perotti, quizás contagiados por el cansancio del personaje que interpreta Bárbara Lennie o la tartamudez del de Santi Marín. Eso es lo que les pesa, lo que les ha mantenido pegados a las bancadas de La pensión de las pulgas, sala teatral de pequeño formato inaugurada en noviembre que programa el reestreno de la pieza hasta el 17 de febrero.
Esta versión de Tennessee Williams (una fusión de No puedo imaginar el mañana, una de sus obras en un acto, y Función para dos personajes) no es ninguna comedia. Y además se representa a un metro escaso del público en un espacio con aforo de 35 personas. Para Bárbara Lennie, una locura: "El fin de semana pasado estaba aterrada de reestrenar aquí, me parecía una experiencia salvaje y absurda. Pensé: '¿Por qué estamos haciendo esto?". La respuesta: repetir el éxito cosechado en febrero de 2013 en La casa de la portera. Este drama entre dos personajes que solo se tienen el uno al otro fue visto por más de 300 personas —en una sala con poco más de 20 butacas— y el triple se quedó en lista de espera.
El primer desafío era el texto, que mantiene la estructura de No puedo imaginar el mañana pero añade los elementos metateatrales de Función para dos personajes. El resultado es una escenificación del dolor y el miedo entre dos intérpretes alejados, por motivos distintos, del mundo de la actuación. La propuesta de Perotti, siguiendo el tono de la sala bonaerense Timbre 4 que fundó junto a Claudio Tolcachir (La omisión de la familia Coleman), era despojar el texto de todo rastro de "artificio": nada de música, casi ningún juego de luces, fuera el maquillaje. Solo los actores frente al público. Bárbara Lennie encarna la consecuencia de esta apuesta de dirección: "Esta vez he dejado de pensar que estoy haciendo un personaje, sino que soy yo en esa situación. No hay más".
Al servicio de esto, el espacio lanzado por el director José Martret y el escenógrafo Alberto Puraenvidia —padres también de La casa de la portera— en el antiguo local de la Central de Cine. La primera planta del edificio, remodelada para contener la versión moderna de Macbeth que dirige el propio Martret, sirve también de hogar a los personajes de Williams. Perotti buscaba "una casa, o un espacio que pudiera parecerlo y que tuviera la intimidad de un hogar". Así llegaron a las creaciones de Puraenvidia. "Cuando entramos en La casa de la portera para ensayar estaban asustados, tenían unas caras...", recuerda Perotti señalando a sus actores. Santi Marín viene a completar la memoria del director, entre risas: "Los primeros días nos chocábamos con los pies de la gente. Esto es un espacio mucho más grande en comparación. Pero el susto es el mismo".
Sobre todo, comparado con los proyectos que frecuentan los intérpretes. De Breve ejercicio para sobrevivir a la teatralidad de Tomaz Pandur, del que Marín es colaborador habitual (La caída de los dioses, Medea, Hamlet), hay un trecho. Casi el mismo espacio que tiene que salvar Lennie entre la gira del Misántropo, de Miguel del Arco, en la que está embarcada, y la sala de la calle Huertas.
No siempre ha sido así: los actores ya estuvieron en 2009 en el hall del Teatro Lara para representar El trío en Mi bemol, de Antonio Rodríguez. Y, si no está claro que las salas alternativas sean el futuro, sí son, aparentemente, el presente: "Tengo al menos tres amigos que han abierto salas. Todo este momento tan lamentable tiene algo muy excitante, de ebullición" dice Lennie. Perotti aporta su visión, la que ha visto renacer el teatro bonaerense tras la crisis de 2001: "Allí se celebraba que con dos pesos te hacías una obra. Y el Gobierno se empezó a retirar de la producción, total, como con dos pesos te haces una obra... Pero claro, tenemos que vivir de esto, tenemos que comer. El rol del Estado sigue siendo importante".

14/1/14

Jo Nesbø versionará "Macbeth"


Fuente: abc.es
Jo Nesbø va versionar la obra trágica de Shakespeare «Macbeth». El escritor de novela negra ha sido la última elección del proyecto Hogarth Shakespeare, cuyo objetivo es rescribir la literatura del genio británico para el público del siglo XXI como parte de las celebraciones del 400 aniversario de la muerte del dramaturgo inglés en 2016.
El creador de la serie best seller del detective Harry Hole ha declarado ante el reto: «Macbeth es una historia cercana a mi corazón puesto que trata los temas sobre los que escribo desde que comencé». Y ha descrito la obra del dramaturgo inglés como «un thriller sobre la lucha de poder, en un ambiente sombrío y tormentoso,como el de las novelas negras, en una mente oscura y paranoica»
Su protagonista «tiene el código moral y la mente corrupta, la fuerza personal y la debilidad emocional, la ambición y las dudas», continúa el autor, cuyos libros han venido más de 20 millones de copias en todo el mundo.
«No voy a intentar hacer justicia a William Shakespeare o su historia», ha afirmado el literato, «simplemente voy a coger lo que encuentre útil y escribir mi propia historia. Y sí, voy a tener el descaro de llamarla ''Macbeth''».
Otros autores que han sido elegidos para formar parte del proyecto Hogarth Shakespeare son Margaret AtwoodHoward Jacobson,Anne Tyler y Jeanette Winterson. Estos escritores han recibido el encargo de realizar versiones de «La tempestad», «El mercader de Venecia», «La fierecilla domada» y «El cuento de invierno», respectivamente.

9/1/14

Un teatro a la luz de las velas


Fuente: Patricia Tubella (elpais.com)
Un escenario a la luz de las velas y nada más, como en tiempos de Shakespeare. El nuevo teatro londinense Sam Wanamaker Playhouse se estrena esta noche del jueves en Londres sin otro artificio lumínico que el despliegue de un centenar de candelas, a la manera de aquellos espacios de la época jacobina donde se representaban las obras puertas adentro durante el invierno. El proyecto nace como un complemento del vecino del Globe, la fiel reproducción del teatro en el que el Bardo exhibió al aire libre sus piezas de mayor renombre, y que hoy ejerce de sede de la Royal Shakespeare Company en la orilla sur del Támesis.
Las dos casas del teatro cubrirán a partir de ahora una temporada ininterrumpida (el Globe, la primavera y el verano; su hermano, el otoño y el invierno), cumpliendo el sueño del actor director y productor estadounidense Sam Wanamaker. Suyo fue el empeño de construir una réplica del Shakespeare Globe, inaugurada en 1997 y cuatro años después de su muerte, que imaginó acompañada de un segundo escenario cubierto para prorrogar la vida de las obras frente a las inclemencias del tiempo. De hecho, la coraza de ese teatro adicional llegó a levantarse, pero hasta ahora sólo había alojado talleres y actividades administrativas. La recaudación de 7,5 millones de libras en donaciones -porque la filosofía de la compañía pasa por no depender de ayudas públicas- ha hecho posible su reciclaje en una sala única en su especie.
El diseño del teatro en el que esta noche se preestrena la tragedia La Duquesa de Amalfi, de John Webster, está inspirado en la colección de bocetos más antiguos que se conservan de un teatro jacobino, y que fue hallada en una biblioteca de la universidad de Oxford en los años 60’. Sin iluminación eléctrica, puesto que hablamos del siglo XVII. Faltaban todavía cien años para que las velas fueran sustituidas en los escenarios, primero por lámparas de queroseno o gas y más tarde por la despampanante iluminación eléctrica que el teatro Savoy de Londres inauguró en 1881.
Los responsables de la Sam Wanamaker Playhouse han tenido que idear un férreo dispositivo de seguridad para conseguir el visto bueno de las autoridades (y el servicio de bomberos) a la hora de reponer los cirios como recurso teatral. Efectista y diferente. William Shakespeare reconocería ese teatro, es su conclusión sobre un espacio que podría emular a la Blackfriars Playhouse, donde la compañía del gran dramaturgo actuaba en los meses invernales. El director artístico del nuevo teatro, Dominic Dromgoole, lo considera sin embargo más un arquetipo de los espacios cerrados de la época jacobina que la reproducción de un edificio concreto (a diferencia del Globe).
Cuando la actriz Gemma Arterton (una antigua chica Bond formada en la Royal Shakespeare Company) comparezca esta noche en escena transmutada en la desgraciada duquesa de Amalfi, en el sitio web del teatro permanecerá colgado el llamamiento al público para recaudar los últimos y ya pocos miles de libras necesarios para cuadrar los números del presupuesto. Un donante anónimo y muy generoso apoyó desde el principio la iniciativa, ofreciendo igualar cada libra que se consiguiera (es decir, doblando de facto la cantidad total recaudada). El objetivo de ese esfuerzo ha sido no solo revivir la misma escenografía de tiempos de Shakespeare sino también hacerlo a precios asequibles al público. El lleno absoluto, por todos estos motivos, está garantizado en la Sam Wanamaker Playhouse.

2/1/14

Una fuerza de la naturaleza actoral


Font: Gregorio Belinchón (elpais.com)

A riesgo de caer en el tópico, Sergi López se mira las manos, gordezuelas, con dedos más de labrador que de actor de cine, y exclama: “Un jabalí. Pienso mucho en ese animal. Le doy vueltas al asunto”. Un jabalí escarba, atraviesa los campos de cereales y de girasoles pisando la mies y abriendo su camino; un jabalí es rotundo, rápido, solo ataca si le hieren o se siente muy amenazado; un jabalí siente suya su tierra; un jabalí, si hablara, sería de los que exclamarían: “Al pan, pan, y al vino, vino”. Y todo eso está en este tipo de Vilanova i la Geltrú –donde vive aún, desoyendo cantos de sirenas parisienses y barcelonesas–, que cumple hoy 48 años, que ya ha rodado 60 películas –cifra que él repite con sonrisa pícara y ojos grandes–, que ya ha estado seis veces concursando en el Festival de Cannes (la última, este año, con Michael Kohlhaas) y que estrena Ismael, otra apuesta de Marcelo Piñeyro por el dramote con buenos sentimientos, que juguetea con arrojarse al barranco del almíbar, pero que finalmente sale con brillantez adelante. A López le ha tocado un papel que muchos pueden ver muy cercano a su carácter: el del amigo comprensivo del prota (Mario Casas), que en cuanto aparece la madre (Belén Rueda) entra a matar con todo su encanto y su savoir faire para el género femenino. “Hicieron algo que en mí funciona: me dieron el guion y me dijeron que lo leyera. Nada de ‘lo he escrito para ti”, cuenta durante este encuentro en Madrid con El País Semanal. “El guion es una pieza maestra de relojería, porque todos los personajes han sufrido algo y aun así es una película luminosa. ¿Un papel cercano a mí? En su manera de ver la vida, en su felicidad en las cosas sencillas, en su lado bufonesco, desde luego. Contemporiza, parece estar de vacaciones, se convierte en los ojos del espectador. Pero no se me dan tan bien las mujeres. Las llevo mejor cuando es un guion escrito. En mi vida soy supertímido. Yo tengo gracia en el acercarme, en la campechanía, en el sentirme cercano. Luego, coger una mano, ir a más, ni de lejos. Con el tiempo vas mejorando, haciendo lo que puedes [carcajadas]. En la obra de teatro que represento ahora me quito la camiseta y paso una vergüenza… Todo porque un día lo hice en el ensayo y gustó el gesto”.

Sesenta películas rodadas por todo el mundo, una imagen de actor europeo como pocos otros la tienen en el ncine español: “No se acaba de entender. Es una cosa inexplicable. Va pasando el tiempo y lo asumo poco a poco: hago cine, soy actor de cine, que es una expresión que me suena a marciana. Aún parece ayer cuando me decían: ‘Quédate en Francia, que te vendrá bien para tu carrera de cine’. Y yo pensé: ‘¿Mi carrera de qué? A lo sumo haré dos películas de inmigrante, tres con suerte’. No sé, no lo entiendo. Me va bien: en francés tengo acento, en inglés tengo acento, en español no estoy seguro [risas]… La cosa va durando. No entiendo por qué, pero sí comprendo que las cosas que haces te abren puertas. La gente del cine va viendo mis trabajos y mi carrera se va alimentando. En la calle, el público me conoce, sabe mi nombre, pero pregúntales por una película mía. No tienen ni idea. No me importa, de verdad”. El catalán nunca ha tenido reparos en viajar: en su filmografía hay más películas francesas que españolas –“me costó arrancar aquí; cuando empezaron a llamarme, pensaban que yo vivía en París”–, rodajes en Londres, Tokio… “¿Cómo no? ¿No quería ser actor? Pues vas adonde te llamen, que encima es chulo”. Puede que por eso tenga un César francés, y ningún Goya, aunque haya sido tres veces candidato. O que haya pisado más veces el Festival de Cannes que el de San Sebastián. ¿Y eso cómo se compagina con la familia en Vilanova? “Mejor de lo que pensaba. Porque si eres el prota, como mucho estás fuera seis semanas. Y si no, son quince días de trabajo y repartidos en tres meses. Y cuando estoy en mi pueblo tengo todo el tiempo para la familia y no como mi hermano, que trabaja al lado y está todo el día fuera. Procedo del teatro, ya estaba acostumbrado a eso de estar en un escenario en fin de año o el día de Navidad o en fin de semana. Trabajas cuando los otros descansan”.

El teatro. Sergi López ha vuelto a él con 30/40 Livingstone, coescrita, codirigida e interpretada en asombroso dúo con Jorge Picó, su compañero de estudios en la escuela parisiense del mítico Jacques Lecoq: “Era un sitio muy especial, porque no te enseñaban a interpretar, sino a generar cosas, a ser actor creador, huyendo de las rutinas como las del cine”. Hace añosya colaboraron en Non solum (aunque era un monólogo de López) y ahora están de gira con ese prodigioso, bufonesco –en la sabia mezcla que esconde esa palabra de reír zahiriendo y metiéndose con el poder– 30/40 Livingstone. En la obra, López, que no para de hablar, encarna al hijo de un juez que decide dejar todo atrás e irse a buscar, a encontrar ese algo más que le pide su cuerpo. Y en ese proceso encuentra a un extraño ser, mitad ciervo, mitad hombre (Picó), que se expresa solo con gestos. En pantalla, López es contenido; en la vida diaria le gusta expandir su cuerpo; en el escenario es un huracán, un pulpo de múltiples brazos, un elefante, una gacela, un actor con un dominio absoluto de cada una de las partes de su físico, que maneja con ductilidad. En un momento parece pesar 20 kilos menos; en otro, 20 más; pasa de la adolescencia a la vejez en un chasquido de dedos. Y se burla, se burla, se burla. De todos: de los corruptos, los arrogantes, los inocentes, los listillos, los creídos, de la bondad ajena y de la idea rousseauniana del hombre natural, de los cuñados trepas… El humor, usado para algo más. A López le apasiona, pero no puede disfrutarlo completamente: el día del estreno de su temporada madrileña sufrió encanta el teatro. Empecé con otra obra a dos con Toni Albà, que empezó a hacerse conocido por la televisión. Y a mí comenzaron a llamarme para cositas de cine. Así que a veces la representaba yo con un sustituto, y otras, él con el sustituto. Me llegóWestern [1997], el viaje a Cannes. Hubo un momento en que lo tuvimos que dejar porque la gente iba a ver la obra del Toni y del Sergi [se le escapa el catalán, su lengua materna], y aquello era un cachondeo, nunca estábamos uno de los dos”. Estuvo tres años sin hacer teatro, por miedo a no poder cumplir los compromisos. “Pero me bullía, me bullía, Jorge Picó y yo hablamos y nació Non solum. En el teatro, tú arrancas las cosas; en el cine debes esperar a que te llamen. Ya puedes decirle a un director de cine todo lo que te encantaría trabajar con él, que si no te telefonea…”. Suena el móvil de López, lo que provoca una carcajada. Es su novia. “Mis hijos se ríen de este cacharro. No tiene ni Internet. Bueno, ellos también pierden los suyos”. Se pone las gafas, suspirando por tener que usarlas, mira la pantalla, responde, y lucha, brega contra el teclado y el menú. No cambiará a una tecnología superior.
Con el tiempo, López dice que ha ido encontrando su sitio, su lugar en la industria, que se reconoce en lo que hace. A pesar de que el cine sea un arte incontrolable, insondable para un actor: “El cine tiene algo de misterioso. Cómo el montaje cambia todo lo que hayas hecho bien o mal en el rodaje. Qué pones, qué quitas. Es fascinante. Aquí el actor sí que está al servicio de otro, subordinado a los gustos de otros. Y me parece bien. No tengo quejas. No hay fórmula que explique qué funciona o qué no. Bueno, como la vida. Te puedes tirar toda la vida queriendo algo y nunca lo logras, y en cambio obtienes otras recompensas. O cuando ya parece que tu objetivo es inalcanzable, te viene por otro lado… Mira, en Francia se ha generado una idea de mí curiosa: creen que soy francés, formo parte de su imaginario colectivo. Y todo es por el cine. Lo que se vio en pantalla, lo que se cayó en la mesa de montaje, los estrenos que tuvieron éxito y los que no, todo eso conforma la imagen que tienen de mí. Solo conozco a alguien que te cuenta una peli, que es igual en guion, que es idéntica en rodaje y que es igual en pantalla: Guillermo del Toro. Hasta era capaz de saber lo que iba a recaudar. Por eso es un genio. Sin embargo, el resto es un misterio. Ruedas una película que crees que no significará nada, y crece y crece. Hay algo, hay algo… No sé”.
En Francia empezó haciendo de buen tío y de emigrante. “Llegó Harry, un amigo que os quiere, y me cambió la carrera, porque allí fue un fenómeno. Sobre todo en la calle. De repente me tocaron los personajes marcianos, esos que no sabían a quién ofrecer. Pensaban que con mi acento era difícil saber de dónde procedía. Como no vivo allí, encima no tengo presencia mediática, ni saben si tengo hijos… Sí que trabajo mucho con Manuel Poirier, que es con quien yo he ido de la mano en el cine, y que tiene su público de autor”.
En España tampoco se sabe algo más. “Con 30/40 Livingstone, la gente me dice: ‘¡Si haces el payaso!’. Pues claro, es que siempre lo he hecho. Mis amigos del teatro de toda la vida, cuando me ven en el cine, se parten y me echan en cara si voy de actor serio, que si no se tragan que vaya de sensible o de asesino. Igual por la calle: como hago cine en Francia, que suena a elitista, no saben muy bien qué pensar de mí”. Y lo mismo le pasa en su carrera. “Como recuerdan Solo mía, Harry, un amigo que os quiere y El laberinto del fauno, me adjudican el rol de villano, y solo he encarnado a malvados en cinco de mis sesenta películas”.
Solo hay un sitio donde sí saben cómo es Sergi López: Vilanova i la Geltrú. “Allí formo parte del paisaje. Soy el famoso del pueblo, claro, pero tomo el café en el bar, soy una palmera más de la plaza. ¿Sabes quiénes flipan? Los turistas franceses, que de repente me ven y se sorprenden, mientras que el resto de los clientes del bar se ríen”. También es el pueblo de sus sinsabores. Durante cuatro años, hasta 2012, el actor era uno de los tres dueños del restaurante Negrefum, una apuesta por el producto de kilómetro cero, el local y de temporada, y por comer sin prisas. Tuvieron que cerrar. “Fue una frustración. Pensé que iba a durar. No queríamos vivir de ello, sino montar un sitio de referencia, de encuentro gastronómico. Teníamos margen… pero empezamos a perder, a perder. Y aún arrastraremos eso un tiempo”. A López le encanta comer. Con El laberinto del fauno, Del Toro le hizo adelgazar 14 kilos. “Me hubiera encantado quedarme en ese peso. Pero están los jamones, el lomo embuchado. Y mientras pensaba si adelgazar de nuevo, seguía comiendo. Mira, aquí estamos, hablando de perder peso mientras comemos”.
Desde abril, Sergi López es vicepresidente de la Acadèmia del Cinema Català. “Me metí en la academia porque me gustaba la idea que me proponían: incentivarla como lugar de encuentro de colectivos, con ganas de aunar esfuerzos varios, de apoyar iniciativas, de reunirse con gobernantes para sacar adelante leyes. No me ocupa mucho tiempo, pero más del que me esperaba”. El actor no esconde su independentismo, que le alimenta desde crío: “Es un momento en que la gente en Cataluña se está moviendo mucho. Me interesa esa posibilidad de hacer un país nuevo, y estar en la academia te permite señalar las cosas que no están bien y que se podrían mejorar. Aprovechemos este empuje. Creo que todo va ligado: lo que ocurre en Cataluña –que reconozco que conlleva una aspiración identitaria–, en el resto de España, en Grecia, en Ucrania, esta sensación de que la gente de la calle se plantea el cambio de las cosas, que esto no va bien. Por eso no vale una independencia para repetir los mismos manidos esquemas de poder. Creo en plantearnos preguntas, en buscar soluciones que apoyen al colectivo, porque hoy día muy poca gente decide muchas cosas… y encima se beneficia de ellas. Romper con las élites actuales. La independencia de Cataluña no puede ser un sitio al que llegar, sino un punto de partida. Es una oportunidad de oro, siempre que no repitamos modelo o nos marquen ese nuevo modelo los que crearon el anterior. A lo mejor sueno a inocente, pero es que el sistema capitalista ha fracasado, y emerge el asambleario. Que lo más subvencionado en España sean los bancos, es evidente, ¿no? Algo no cuadra. ¿Cambiar para que nos sigan gobernando los bancos alemanes? Eso no es independencia ni es nada”.

Llevan al teatro las dos obras de Hilary Mantel ganadoras del Booker

Fuente: Patricia Tubella (elpais.com)

La trama de intrigas en la corte de los Tudor que esta temporada escenifica la Royal Shakespeare Company no responde a una de las grandes obras del Bardo, sino al universo recreado en las novelas de la escritora superventas Hilary Mantel. Esta autora británica que aúna el aprecio de la crítica y el público ha colaborado en la adaptación a las tablas de los dos títulos que le merecieron sendos premios Man Booker, En la Corte del Lobo y su secuela Una Reina en el Estrado (ambas en editorial Destino), un doble estreno que arrasa en la taquilla teatral de Stratford-upon-Avon. Londres deberá esperar a que finalicen las representaciones, el 29 de marzo para conseguir el traslado a la capital de uno de los hot tickets del 2014.

La figura central de los dos libros es el estadista Thomas Cromwell, mano derecha de un Enrique VIII desesperado por tener un heredero varón y que intenta obtener del Papa la anulación de su matrimonio con Catalina de Aragón. La negativa del Pontífice sellará la ruptura con la iglesia de Roma y la segunda boda del rey con Ana Bolena hasta la caída en desgracia de la dama…. El escritor Mike Poulton ha sido el encargado de trasladar la ficción histórica de Mantel, una narración innovadora y moderna de aquellos acontecimientos del siglo XVI, al formato del teatro. Ambos estuvieron en contacto permanente hasta la puesta a punto de una producción cuyo preestreno en diciembre, en el teatro Swan de la compañía shakesperiana, desbordó todas las expectativas: las entradas ya se habían agotado cuando salieron a la venta medio año antes.
Tal es el gancho de Hilary Mantel, escritora, crítica literaria y articulista, que tras una dilatada producción consiguió el reconocimiento definitivo gracias a la primera entrega de su proyectada trilogía. En la Corte del Lobo le procuró el galardón más preciado de las letras anglosajonas (2009) y, tres años después, Una Reina en el Estrado le brindaba el hito de convertirse en la primera pluma británica en recibirlo por segunda vez. Ahora ultima la tercera y última novela de la serie (The Mirror and the Light) que todavía no tiene fecha de salida en el mercado.
El Cromwell que maniobra en la compleja estructura del poder hasta convertirse en el consejero indispensable de Enrique VIII, el hombre que maneja los hilos tras el juicio y ejecución de Ana Bolena porque el monarca se ha encaprichado de la doncella Jane Seymour (la tercera de sus siete esposas), es interpretado en el escenario del Swan por un rostro familiar entre los televidentes británicos. Aunque bregado en el teatro y en la propia compañía Royal Shakespeare Company, el actor Ben Miles debe su popularidad al ramillete de series de la pequeña pantalla en las que ha participado, como la humorística Coupling o el drama Dracula. Otro asiduo de la parrilla televisiva, Nathaniel Parker, le acompaña en el papel del rey, un año después de haber encarnado con éxito en el West End al ex primer ministro Gordon Brown en la obra La Audiencia (un gran éxito protagonizado por Helen Mirren, transmutada en Isabel II).
El fenómeno de las novelas de Mantel trasciende de las librerías no sólo para recalar por todo lo alto en el teatro. La BBC proyecta la traslación a televisión del primer título de la trilogía novelística, y para ello ha reclutado a uno de los nombres más rutilantes de la escena, el actor Mark Rylance en el rol protagonista de Cromwell. El personaje erigido en la gran estrella de la función y de la temporada.

El tràngol de portar una obra de teatre a la pantalla gran


Font: Erik Piepenburg (The New York Times via ara.cat)
Tracy Letts sap que la seva obra, August: Osage County -aquí, senzillament, Agost-, és un cavall guanyador. La història mordaçment divertida d'una família trencada d'Oklahoma va guanyar el premi Tony, el Pulitzer i gairebé tots els altres guardons a la millor obra després que s'estrenés a Broadway el 2007. A Catalunya, l'adaptació dirigida per Sergi Belbel, en la qual es va poder veure l'últim gran paper d'Anna Lizaran, va fer rècord de públic al Teatre Nacional i es va endur tres premis Butaca. "Està provada en combat", va dir Letts en una entrevista. "L'obra s'ha posat a prova repetidament, així que no hi ha dubte". Però, ¿com funcionarà en una pel·lícula una història plena d'humor negre sobre gent intractable -especialment la matriarca Violet i les seves tres filles- ficada dins d'una antiga casa de les planúries d'Oklahoma? Letts ho esbrinarà ara que l'adaptació cinematogràfica d'Agost, protagonitzada entre d'altres per Meryl Streep i Julia Roberts -que no eren a la versió teatral-, arriba als cinemes. A les sales catalanes ho farà el 10 de gener.
"Sé que hi ha una dimensió en la pel·lícula que no és en l'obra: el comtat d'Osage", ha dit el dramaturg i actor (ha coprotagonitzat la tercera temporada de la sèrie Homeland ). La posada en escena no podia mostrar el que estava més enllà de les parets de la casa, i el públic probablement no conegui el territori. "Però portar-los a casa meva i mostrar-los el paisatge és com... profund, per a mi, un tipus que no només ha escrit una obra de teatre sinó que ha escrit una obra de teatre que és en certa manera autobiogràfica. El paisatge en si esdevé un personatge", diu Letts.
El camí de l'escena a la pantalla és difícil per als dramaturgs. Una pel·lícula que s'assembla massa a una obra de teatre pot semblar que no tingui vida i visualment pot quedar unidimensional. Però, d'altra banda, dóna a un director massa poder sense barallar-t'hi ni un cop, i ja no serà la teva història -per descomptat, si estàs en això pels diners de Hollywood, llavors tant hi fa-. Aquestes són les lliçons que van aprendre diversos dramaturgs quan les seves obres van passar a la pantalla gran.
ALFRED UHRY
'Tot passejant Miss Daisy' (1989)
Vaig tenir molta sort perquè tenia un director (Bruce Beresford) que havia dirigit diverses obres de teatre convertides en pel·lícules. Em va dir: "Deixa'm veure l'esborrany". I, quan el va veure, va afegir: "Has reescrit la teva obra. No has de parlar tant, en les pel·lícules. No cal dir: "Vaig a buscar el cotxe", ho has d'ensenyar. Enlloc de diàleg, dóna'm només una descripció de com recordes que imaginaves les coses". Així que en part va ser descriure la manera en què la llum del sol entrava a través de les persianes o els Reader's Digest apilats al radiador o com polir la plata amb un vell raspall de dents; eren coses que recordava. Jo diria que la lliçó és: simplement digues la veritat. I no la diguis massa vegades.
JOHN PATRICK SHANLEY
'Dubte' (2008)
Vaig fer Dubte al teatre (2004) i després com a pel·lícula i òpera (estrenada ara fa un any) -a Catalunya es va poder veure primer al cinema i el 2012 al teatre dirigida per Sílvia Munt amb Ramon Madaula, Rosa Maria Sardà i Nora Navas-. Vaig voler ser-hi per fer servir els nous mitjans que teníem per expressar la història de la manera que requeria. Em vaig adonar que si el sacerdot està oferint un sermó, s'ha de veure la congregació. Així que la pel·lícula va sorgir com una idea fílmica en lloc d'una idea de teatre. No és tan fàcil aconseguir que la gent vagi a veure una pel·lícula i compri crispetes per veure monges i sacerdots discutint. Realment tenia por.
TRACY LETTS
'Bug' (2006)
'Killer Joe' (2012)
'Agost' (2012)
Va ser decisió meva el fet de seguir la Bàrbara [la filla d'Agost interpretada per Julia Roberts al cinema i Emma Vilarasau al TNC] fora de casa al final de la pel·lícula, que és diferent de com acaba l'obra. Bé, em corregeixo. L'obra acaba amb la Violet [Meryl Streep/Anna Lizaran] sola a la casa, amb les seves filles que l'han deixat. Així és com acaba la pel·lícula, també. Però vaig decidir que veuríem el que passa una mica més tard. En el meu guió original, crec que la manera com havia descrit la Bàrbara era una mica més negra, més fosca. El director John Wells va prendre la decisió de no filmar-la així. La interpretació és potestat del director, en la pel·lícula. No es veu exactament com ho vaig posar sobre paper, però sí que vaig escriure que la Bàrbara sortia de casa. Hi ha un punt en el qual aixeques els braços i dius: "És la pel·lícula d'en John". No ets l'última autoritat del muntatge.
JOHN GUARE
'Sis graus de separació' (1993)
Jo vaig ser el que va haver de triar amb qui havia de dirigir-la. Vaig tenir l'oportunitat de conèixer un munt de directors. Els vaig entrevistar. Em vaig quedar molt sorprès amb el que volien fer amb l'obra, com redreçar la cronologia. En Fred Schepisi va dir que li encantava l'obra i la volia seguir [i va ser l'escollit]. L'única condició dels estudis MGM va ser que havíem de fer una prova a Will Smith. Vaig dir, solemnement: "¿Una estrella de sitcom a la meva obra?" Però en Fred i jo el vam conèixer al backstage d'El príncep de Bel Air i al cap tres minuts em vaig adonar que era el personatge d'en Paul. Imagina't: 35 milions de persones deixaven entrar el paio a casa un cop per setmana! Jo n'estava encantat. Va ser molt gratificant.
NEIL LABUTE
'En companyia d'homes'
(1997)
'La forma de les coses' (2001)
La primera gran lliçó que vaig aprendre, fa força anys, és: sigues pacient. La meva primera obra que tenia com a opció per als cineastes va ser Rounder (un títol que amb el temps es va convertir en l'obra The distance from here ). Vaig esperar un any perquè es fes la pel·lícula, cosa que mai va arribar a passar. Finalment, vaig acabar tan frustrat que vaig fer la meva pròpia pel·lícula, En companyia d'homes. Així que, segons com, la segona gran lliçó hauria de ser: sigues impacient.
AARON SORKIN
'Alguns homes bons'
(1992)
En el que em concentrava, durant l'adaptació del guió, era simplement a fer una reescriptura: escriure-ho millor. Mai he escrit res que no m'agradés tenir l'oportunitat de millorar. Alguns homes bons ha sigut la meva quimera durant 25 anys. Fa uns anys vaig fer un projecte nou per a una producció del West End. Sóc més vell i amb més experiència, i em pensava que ho podria escriure millor... També vaig aprendre que una càmera no era només un dispositiu per gravar interpretacions, que tenia un vocabulari propi. El públic pot no saber parlar aquesta llengua, però l'entén amb fluïdesa. Si fas un zoom in lent cap a un got d'aigua, es converteix en un got d'aigua significatiu, i ja pots tallar aquell text que tant t'agradava de l'obra de teatre sobre com d'important era el got d'aigua.
TERRENCE MCNALLY
'The Ritz' (1976)
'Frankie and Johnny' (1991)
Aconsegueix el millor director que puguis, que comparteixi el teu punt de vista, i lluita pels actors que desitgis. Amb The Ritz vaig tenir ofertes temptadores per fer-ho amb estrelles i directors famosos, però mai m'he penedit de la meva decisió [mantenir la majoria de l'elenc original de Broadway]. El que més em va agradar de les meves dues primeres pel·lícules és que vam preservar grans actuacions. Si et preocupes pel resultat final, has d'estar preparat per no acceptar el primer acord.
CHARLES FULLER
'Història d'un soldat' (1984)
El que no sabia abans de fer el guió d' Història d'un soldat era que escriure per a cinema és com portar un autobús, on cada viatger -i amb raó- té alguna cosa a dir sobre on està anant el teu autobús. Escriure obres de teatre, en canvi, és com anar en moto: tu ets l'únic responsable d'on va a parar el viatge i encara que tinguis algú gaudint del viatge amb tu, has de ser conscient que les motos només poden portar pocs viatgers.
Quan una obra de teatre passa al cinema, gairebé sempre deixa d'existir com a obra de teatre -explica el dramaturg Jordi Galceran, de qui han portat al cine Paraules encadenades i El mètode Grönholm sense que ell en fes el guió-. L'escena és efímera i el cinema roman en el temps. Quan parlem de Sleuth [ La huella ], per exemple, tenim al cap la pel·lícula amb Michael Caine i Laurence Olivier. L'obra d'Anthony Shaffer ha desaparegut. En aquest cas hi va haver sort, però si l'adaptació és dolenta, la teva història per sempre més serà dolenta. Per això és important estar molt a sobre de les adaptacions cinematogràfiques que es fan de les teves obres. Una cosa que jo no he sabut fer mai. Ni ganes.