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31/7/15

SÓCRATES


AUTOR: MARIO GAS y ALBERTO IGLESIAS
DIRECCIÓN: MARIO GAS
INTÉRPRETES: JOSEP MARIA POU, CARLES CANUT, AMPARO PAMPLONA, PEP MOLINA, BORJA ESPINOSA, RAMON PUJOL y GUILLEM MOTOS
DURACIÓN: 90min
FOTO: JERO MORALES
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, TEATRE ROMEA y FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CLÁSICO DE MÉRIDA
TEATRE ROMEA

Por poco que sepas, algo sabes de Sócrates, aunque sólo sea por lo que es mundialmente famoso: "Sólo sé que no sé nada". Para los que estudiamos en otras épocas aprendimos su cuidado por la palabra, por la libertad, por la justicia, por la honradez, por el conocimiento. Hoy en día son palabras desgastadas y algunos van a oírlas como parte de su postureo. El individuo, ciudadano o no, que tenía a mi lado soltó antes de empezar: "Somos intelectuales por venir a ver una obra sobre Sócrates". Ahí queda eso, al medio minuto de empezar la función le sonó el móvil, la intelectualidad quedó en entredicho.

Sócrates es Josep Maria Pou o Josep Maria Pou es Sócrates, no me ha quedado muy claro donde empieza el actor y acaba el personaje. Le va como anillo al dedo. Un hombre de palabras, una entonación poderosa, una manera de explicar la historia amigable, sincera. Pou hace que Sócrates sea interesante incluso para aquellos a los que le cueste la filosofía.

El Teatre Romea se queda pequeño, no sólo por las entradas agotadas, sino porque la escenografía de Paco Azorín más bien pensada para la magnanimidad del Teatro de Mérida queda encerrada en el escenario del Romea. Falta visibilidad, no sé como se verá desde platea, desde el segundo anfiteatro se pierden algunas réplicas y se intenta inútilmente presenciar el monólogo a pie de platea de Amparo Pamplona, uno de los momentos más cómicos de la noche. Le hubiera quedado mejor el traje del Anfiteatro del Grec, si hablamos de Atenas que mejor paisaje.

Pero Josep Maria Pou no está solo, aunque lleve el peso de la función, le acompaña un coro de voces de entre los que destaca Pep Molina y Carles Canut, a lo que la experiencia gana a la hora de explicar la tragedia de Sócrates, que se niega a salvarse de la muerte, comprando su libertad. Honestidad hasta el final. Hora y media de alimentación para el intelecto, un tanto adormecido debido al calor excesivo de la sala. Ahora ya sabemos algo más.

Reinventarse o morir: las nuevas formas del teatro madrileño


Fuente: Maria Robert (elpais.com) | Foto: Samuel Sánchez

Nueva York, 1950. En The Club Room una famosa y veterana actriz habla sobre la dulce y perversa Eva. Es imposible olvidar a Bette Davis en 'Eva al desnudo'. Ahora, una nueva Margot Channing volverá a reinterpretar esa escena en un lugar insólito, lejos de la gran pantalla. Será en el bar de los madrileños teatros Luchanadurante todo el mes de agosto.

Madrid es una ciudad de teatros, pero elegir obra no es sencillo. La programación es amplia. La oferta, incontable. Los nuevos tiempos han provocado una explosión de géneros que han difuminado las líneas que los separan. Hay obras para todos los gustos. La apuesta de los Luchana por 'Citas de cine: un encuentro con Bette Davis', de la compañía Teatro en Sitios, demuestra que no es solo una frase hecha.
Los antiguos cines de Chamberí fueron reconvertidos en un espacio multisala, con propuestas alejadas del teatro tradicional. “Somos una reinvención del teatro off, pero fuera de la precariedad que sufren estas”, explica Jorge de las Heras, uno de sus impulsores. El apoyo de inversores como Juan Diego o Fran Perea, ha permitido sacar adelante un proyecto en el que se mezclan propuestas que van de lo clásico hasta lo experimental. Una buena opción para es 'Mujeres Desesperantes' una comedia escrita por Carla Guimaraes y Pepe que estará todo agosto. Lo original, más que el contenido del texto, es el continente. Se puede comprar una entrada con pack de teatro y cena.
Los Luchana, además, se han sumado a la tendencia de otros teatros de dedicar una programación especial a los niños. Tienen en cartel varias obras como Papá, quiero ser mago o Bin atrapagenios, algo que ya hizo el Teatro del Barrio con actividades como percusión para bebés. El proyecto del Barrio propone otras actividades gratuitas. Este mes tiene programado una verbena para mayores y noches de guateque amenizadas con la música del DJ 'El Duende'.
Salas alternativas mucho más pequeñas, cómo Biribó Teatro han adoptado una estrucutura aún más innovadora. Han montado en su primera planta un ambigú para tomar un tentempié, leer obras de teatro y libros de interpretación y técnica. Sus precursores, Crismar López y Joaquín Navamuel, lo han tenido difícil, pero confían en el proyecto. “El teatro tiene que evolucionar, por eso queremos que nuestra sala sea algo más y se convierta en un lugar de encuentro”, sentencia López.

30/7/15

LA IMAGINACIÓN DEL FUTURO


DRAMATURGIA: LA RE-SENTIDA
DIRECCIÓN: MARCO LAYERA
INTERPRETACIÓN: DIEGO ACUÑA, BENJAMÍN CORTÉS, CAROLINA DE LA MAZA, LUIS MORENO, PEDRO MUÑOZ, CAROLINA PALACIOS, RODOLFO PULGAR, BENJAMÍN WESTFALL y GENÍS CASALS
DURACIÓN: 85min
FOTO: PABLO DE LA FUENTE
PRODUCCIÓN: LA RE-SENTIDA, FESTIVAL INTERNACIONAL DE LA CREACIÓN CONTENPORANIA DE TERNI (ITALIA) y LA FUNDACIÓN TEATRO A MIL
TEATRE LLIURE MONTJUÏC (GREC 2015)

Y llegó el final del Grec 2015 y el espectáculo que le da sentido, el último y el mejor. Controvertido, con una campaña de desprestigio detrás por algunas asociaciones chilenas por ficcionalizar la historia y con unos espectadores deseosos de ver aquello que para algunos debería estar prohibido, reírse de todo para acabar reflexionando sobre la risa y el mundo.

El teatro es ese lugar que lo mismo ríes que lloras, que bramas que te enamoras, pero sobre todo es el lugar para la reflexión, donde pensar sobre lo que te están mostrando y sobre lo que te quieren decir, de momento, no está prohibido. Toquemos madera.

La compañía chilena La Re-sentida utiliza el humor, la crueldad, el sarcasmo, la irreverencia para crear un espectáculo de política ficción que parte del momento en el que el presidente Salvador Allende está grabando su discurso de despedida, sitiado por las fuerzas armadas, que posteriormente darán un golpe de estado junto al general Pinochet. El montaje no se basa en la realidad histórica sino que toma el hecho histórico para imaginarse una realidad alternativa, lo que pudo estar pasando, pero no pasó. Y mientras ponemos al presidente a dormir como si fuera un bebé, aunque la caricatura es más bien de gobernante inútil, títere en manos de sus ministros y asesores, adicto a la cocaína y inútil de gobernarse a sí mismo y por ende a su país.

La puesta en escena es impresionante. Durante el grueso del espectáculo el escenario se transforma sin parar, para dar cabida a los números musicales: extraordinarios momentos que no sólo no rompen el ritmo de la historia, sino que confieren un halo de sueño incumplido y una poesía visual a medio camino entre la utopía y lo grotesco.

La sobreexposición de la Coca-Cola, la música reggaeton o electro latina, la crítica a la cultura burguesa inmóvil, la crítica al poder de Estados Unidos con el anacronismo de sus ídolos (Hannah Montana, Bart Simpson o Britney Spears) todo forma parte del circo, de que las ideas son muy bonitas de escuchar pero hay que ponerlas en práctica. Por eso a La Re-sentida le ha quedado perfecto el espectáculo, la bala fue directa a donde más duele. Podría haber sido distinto, quizás sí, nunca lo sabremos.

Un auto disparo acabó con la vida de Salvador Allende al que ahora se le recuerda como un héroe revolucionario. En La imaginación del futuro queda retratado más como un iluso que no conocía para quién gobernaba. Y aunque sólo se pueda cambiar el pasado en la ficción, la realidad nos invita a no repetirlo en el presente y no pensar que de eso se encargan otros. La Re-sentida nos ha puesto una primera piedra brillante para la reflexión, el resto es tarea nuestra. Sin renuncias. Y aunque nos sangre el corazón la cabeza grita ¡Bravo!

Una nueva generación de teatreros


Fuente: Rosana Torres (elpais.com)
Quiénes y cómo son hoy Romeo, Segismundo, Laurencia, Absalón y otras muchas criaturas que pueblan desde hace siglos los territorios del teatro clásico. Cómo desde una mirada joven, enérgica y escudriñadora se nos puede contar dónde encontrar a esos personajes en nuestra historia más contemporánea, en Ciudad Juárez la lopiana Laurencia nos habla del dolor de las mujeres, en Guantánamo nadie mejor que Segismundo para reflexionar sobre el poder y la pérdida de libertad o en Mendoza es Macbeth quien nos hace ver la violencia en México. Al tiempo se nos muestra cuál es la relación de todos ellos con la sociedad que les rodeaba, con la sociedad que nos rodea. Cómo se les puede analizar y observar desde los puntos de vista más dispares para poder jugar con ellos, reflexionar a través de ellos, corromperlos, reinventarlos y, sobre todo, gozarlos, incluso desde la provocación, la muerte, el dolor, la ironía...
Una posible respuesta a estas y otras muchas cuestiones se puede encontrar buceando en las relecturas y reinterpretaciones que muchos jóvenes profesionales del teatro hacen de los textos clásicos. Está claro que las tablas barrocas atrapan como pocos a las nuevas generaciones de creadores escénicos y a los grupos emergentes propietarios de las últimas tendencias del teatro contemporáneo. Ello se debe también a impulsos externos como Almagro Off, una propuesta nacida hace un lustro como parte del Festival de Teatro Clásico de esa ciudad manchega, que acaba de cerrar con éxito su trigésimo octava edición.
Almagro Off nació convertido en certamen internacional, en el que se pueden lanzar arriesgadas conclusiones, y en el que pueden participar jóvenes de todo el mundo, como directores o dentro de colectivos, pero con una trayectoria que no supere los cinco montajes y con la firme decisión de recrear algún texto del periodo barroco.
A lo largo de estos cinco años han llegado más de 400 propuestas de las que cada año una decena han encontrado el apoyo para encarnarse sobre el escenario. Ello supone que sean vistas no solo por espectadores al uso, sino por un buen puñado de programadores, distribuidores y gestores culturales que posibilitan que los espectáculos valiosos puedan tener vida más allá de Almagro, haciendo giras no solo nacionales. Una plataforma que es especialmente amable con los montajes que se hacen con el premio del certamen.
Este año el jurado de Almagro Off, por unanimidad, ha querido otorgar el primer premio a la compañía griega IDEA Theatre Group y su enérgico, inteligente y divertido montaje Romeo and Juliet for 2. “Un puzzle teatral de varios géneros y estilos, donde destaca el virtuosismo en la composición de los personajes, además de un espléndido trabajo musical en vivo, todo ello sin dejar de transmitir la esencia de la obra de Shakespeare, proporcionando momentos de comedia y drama, humor y ternura, risas y emoción, amor extremo y muerte”, en palabras del jurado.
Natalia Menéndez, directora del Festival de Almagro y muñidora de este certamen está más que satisfecha con la trayectoria de Almagro Off. “Desde el principio fue de mis mayores apuestas y los objetivos se han cubierto más de lo esperado, dando vida nacional e internacional a estos espectáculos”, apunta. “Pero de lo que estoy más orgullosa es de la respuesta de los profesionales: lo han entendido, quieren estar, y en cada edición se nota que cada vez está importando más este certamen”, celebra. Menéndez tiene claro que inventó este proyecto por sentido común: “Es lo que nos habría gustado a mi generación, haber tenido cuando empezamos, con un espacio como La Veleta, una estupenda sala polivalente; además Almagro Off nació con personalidad, no como un engendro que tiene que fermentar”.
Almagro Off también desarrolla talleres con expertos en dramaturgia, verso y música y genera espacios de debate y diálogo con profesionales del sector: actores, directores, dramaturgos, técnicos, agentes artísticos y un largo etcétera.
El espectáculo que se hizo con el galardón en el primer Almagro Off fue La vida es sueño por la Compañía de Titiriteros de la Universidad Nacional de San Martín de Argentina. Tras estrenarse en Almagro, emprendió un circuito internacional de presentaciones cosechando críticas y galardones, realizando en 2011 y 2012 funciones en España, Italia, Brasil y el interior de Argentina.
Giulio Cesare, de Andrea Baracco, ganador del II certamen hizo giras por Inglaterra, España e Italia. La compañía Obskené terminó siendo multipremiada en diversos festivales tras su paso por el tercer Almagro Off con Fuenteovejuna, breve tratado sobre las ovejas domésticas, delicioso montaje que aún continúa su gira. Y el pasado año, Mendoza, de la mexicana compañía Los Colochos, tras hacerse con el primer premio, fue reclamado en diversos escenarios de España, Alemania, La Habana, y en 2015 siguen realizando funciones en todo el territorio mexicano.
También los espectáculos que han tenido una mención especial del jurado dentro de Almagro Off obtienen repercusión. De hecho, los espectáculos de Almagro Off han estado presentes estos años tanto en eventos de carácter público como el Festival Don Quixote de París, el Festival de Olmedo, el Frinje, Festival de Donosti y en numerosos teatros y salas privadas.

29/7/15

IL N'EST PAS ENCORE MINUIT...


CREACIÓN: COMPAGNIE XY
ARTISTAS EN GIRA: ABDELIAZIDE SENHADJI, AMAIA VALLE, ANDRÉS SOMOZA, CAROLINE LE ROY, ALICE NOEL, ANN-KATRIN JORNOT, ANTOINE THIRION, AURORE LIOTARD, CHARLIE VERGNAUD, DAVID BADIA HERNÁNDEZ, DAVID COLL POVEDANO, DENIS DULON, EMMANUEL DARIÈS, EVERTJAN MERCIER, GUILLAUME SENDRON, GWENDAL BEYLIER, JÉRÔME HUGO, MOHAMED BOUSETA, ALEXANDRE FOURNIER, THOMAS SAMACOÏTS, THIBAUT BERTHLAS, XAVIER LAVABRE y ZINZI OEGEMA
DURACIÓN: 60min
FOTO: JOSEP AZNAR
AMFITEATRE GREC (GREC 2015)

Preciosista noche la que disfrutamos el lunes, y otros el martes, al Anfiteatro Grec. El circo acrobático de la compañía XY que dejó maravillados a toda una platea que se lo agradeció puesta en pie durante un buen rato. El escenario era el más adecuado para hacer brillar sus ya conocidos castillos humanos, al más puro estilo catalán de castellers. Pilares humanos que no se conforman con montar sino que adornan con acrobacias imposibles que dejaron boquiabierto a más de uno.

Il n'est pas encore minuit... habla del grupo, de la masa, del colectivo confrontándolo con el individuo. Comenzando por una pelea dancística inicial para formar el grupo y seguir construyendo y derribando pilares, grupos para cuestionarse las nociones de trabajo, solidaridad, esfuerzo, rigor y juego, mucho juego. No sólo de circo bebe la pieza sino que la danza también adquiere un protagonismo relevante, bien sea en formato contemporáneo (como en la "pelea" inicial) o bailando el lindy hop, un baile social de los años 20, previo al rock&roll y que no entiende de individualidades, sino que no hay lindy hop sino hay grupo.

El ritmo, la flexibilidad de los cuerpos e incluso la humanidad, porque el vivo y en directo a veces provoca que no todo salga como el guión dicta enamoran. El circo es al humor, lo que el humor es al circo, es decir, imprescindible y en Il n'est pas encore minuit... es visible y ablanda la transición entre aquellos momentos en los que el corazón se te encoge tras un doble mortal, por ejemplo. 

Dos años ha tardado XY en crear el espectáculo, pero le ha salido redondo. Ni un ápice para cerrar los ojos y dejar de soñar. La medida de los elementos es un acierto, cada nueva acción irá seguido segundo a segundo por los ojos de algún espectador que busque, una vez más, el asombro. Una hora pasa volando, seguro que más de uno pediría "un poco más" para seguir maravillándose con más acrobacias. Pero el punto y final no es el aplauso, es lo que te ha quedado vivo por dentro. ¡Bravo!   

28/7/15

POR UN NUEVO GREC


Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Después de un mes de maratón cultural, el Grec 2015 ha presentado sus cifras provisionales de ocupación. Más espectadores, 9.000 (6.000 de pago y 3.000 invitaciones) son las cifras que para Ramon Simó simbolizan que su modelo de festival se ha consolidado y goza de la aprobación por parte de los ciudadanos de Barcelona.

La música, con 48 espectacles y el 75% de venta i el 82,82% de ocupación total con invitaciones, vuelve a ser el bastión del Grec por delante de los otros géneros (teatro, circo y danza). El teatro con 47 espectacles, y a pesar de que casi iguala a la música en espectadores, se queda en porcentajes muy inferiores (50,96% de venta y 61,76% de ocupación total con invitaciones). La danza con 13 espectáculos ha sido uno de los aciertos de este año al alcanzar el 60,82% de venta i el 85,82% de ocupación total con invitaciones. El circo relegado en esta edición al último plano y en una expresión mínima de tan sólo tres espectáculos, una lástima ya que en ediciones anteriores había dado muy buenos resultados tanto al público como a la venta de entradas, ha alcanzado el 57,16% de venta y el 66,84% de ocupación total con invitaciones. Datos, estos últimos muy ficticios porque no se tienen en cuenta las entradas del espectáculo de la compañía XY que se ha representado entre el lunes y el martes de la última semana de festival en el Anfiteatro.

De un total de 94 espectáculos entre las cuatro disciplinas, 16 han conseguido agotar las entradas, 11 han alcanzado el 90% de ocupación, 14 el 80% y 12 el 70%, lo que quiere decir que más de la mitad de la programación está por encima de la media de ocupación total del Grec 2015 que se encuentra en 71,78% (incluyendo las invitaciones).

2017, un nuevo Grec
Ramón Simó se ha mostrado satisfecho de los resultados y más allá de las cifras ha destacado la calidad artística de la que hemos disfrutado en el festival ha sido muy buena. Y, aunque ya hablamos de consolidación de su modelo de Grec, la presencia de la nueva Comisaria para la Cultura, Berta Sureda, alertaba de cambios futuros. 

El nuevo gobierno del consistorio mantendrá el año de contrato que le queda a Ramon Simó pero el Grec de 2017 tendrá nuevo director. Este otoño se iniciarán conversaciones desde el ICUB con los distintos agentes culturales para analizar el actual modelo y proponer cambios. Uno de ellos será el director del festival que se eligirá mediante concurso público en el primer trimestre del 2016. Ramon Simó no descarta presentarse si el nuevo modelo que se propondrá después de las conversaciones se adapta a lo que el considera que puede llegar a ser el Festival Grec. Eso sí, tendrá que someterse al concurso como el resto de los candidatos.

Berta Sureda no augura cambios de presupuesto en un futuro. De los 4,6 millones de € que disponían el año antes de la llegada de Ramon Simó, se han pasado en 4 años a los 3 millones de €, con un claro aumento de los espectáculos y haciendo "mans i mànigues" como el propio Simó afirma. Lo que sí ha apuntado Sureda es un cambio en la conceptualización del espectáculo, y aunque hay mucho que estudiar, uno de los pilares para el nuevo equipo será conjugar la cultura de base dentro de las grandes infraestructuras culturales. Algo que evidentemente ya tiene piedras puestas en el modelo de Simó, pero que se potenciará en futuras ediciones.

Montjuïc or not Montjuïc
Sin duda uno de los debates más controvertidos del modelo de Ramon Simó ha sido concentrar la mayoría del festival en la montaña de Montjuïc, dejando de lado el resto de la ciudad. Berta Sureda, con la mirada atónita y nerviosa de Ramon Simó, ha expresado su voluntad (compartida por muchos) de abrir el Grec a la ciudad (no puede ser que lo que se llama un Festival de Verano de Barcelona sólo pase en Montjuïc, opinión personal). Pero Sureda va más allá de extender el festival por los distritos de la Ciudad Condal, ya piensa en llevarlo al área metropolitana, todo ello sin variar el presupuesto. Simó la miraba y no daba crédito. 

Lo que sí está claro es que después de escuchar todos los puntos de uno y de otro ha faltado, como casi siempre, una autocrítica. En cuanto a los datos, y pese al ligero repunte, Simó se escuda en que la temporada en general ha sido mucho más floja de lo que cabía esperar (tendremos que esperar a los datos de ADETCA el 7 de septiembre) con porcentajes en los últimos meses entorno al 45% y levantarnos durante julio era tarea complicada.

Si hablamos de públicos y su concepto de transversalidad (el público de la música puede ir a ver teatro y al revés) esta edición sigue aumentando y el Grec sigue teniendo como preocupación como comunicarse con ellos. Pero lo que sí falta, y por mucho que diga Simó el Grec no es para todos los públicos en cuanto a precios se refiere, una política de abonos para todos aquellos que quieran ir a 5, 10, 15, 20 o más espectáculos puedan permitírselo sin tener que vender un riñón. Y, aunque haya quien piense que son 4 gatos, de 4 en 4 se llena una platea. Quizás la Tarifa Plana del TNC sea una utopía para muchos fuera de la institución, pero es hora de que el precio deje de ser la excusa.

Sea como fuere, el Grec 2015 es uno de los que mejor me lo he pasado personal/profesionalmente. Lo que no quiere decir que haya sido bueno artísticamente. Para mí, ha sido el más flojo de la era Ramon Simó. Falta circo y sobra música. Si en la edición anterior no echamos de menos habernos ido a Aviñón, este año más de uno ya hubiera cogido la maleta a mitad de julio. Está claro que nunca llueve a gusto de todos, pero tiene que seguir lloviendo.

La Asamblea de Atenas como chirigota gaditana



Fuente: Alberto Ojeda (elcultural.com) | Foto: Juan Echanove

Juan Echanove lo que le tira es la comedia y la carcajada incisiva. Buena prueba es cómo se gestó su versión de La asamblea de mujeres. Jesús Cimarro tenía ganas ya de que se doctorase en el Teatro Romano de Mérida como director. En la edición anterior del festival le propuso hacer el Calígula de Camus, retrato humanísimo de la enajenación del tirano. Echanove se aplicó. Le buscó las vueltas al texto pero algo no funcionaba. "No tenía el cuerpo para adentrarme en la densidad del drama. No me excitaba y no encontraba nada que me permitiera comunicarme con el presente", confiesa a El Cultural.

Buscó entonces un 'plan b' que desembocase en sensaciones más lúdicas y hedonistas. Esa era la premisa exigida por Echanove para arremangarse. Rastreó decenas de comedias: griegas, romanas, de nuestro Siglo de Oro, del periodo de esplendor en la Comédie Française, de la Commedia dell'Arte italiana... Un ejercicio que le permitió constatar “la ilación histórica y artística” de un género muchas veces mirado por el encima del hombro.

La bombilla se le encendió cuando llegó a Aristófanes. La asamblea de mujereses una de las 11 comedias que han sobrevivido de las 40 que escribió, un corpus dramatúrgico pleno de beligerante ironía que se cobró muchas víctimas, entre ellas Sócrates, al que satirizó sin piedad en Las nubes. La pieza se orquesta en torno a lo que aparentemente es una broma: las mujeres toman el control de la política ateniense a través de un sibilino 'golpe de Estado' dado en el parlamento. Una manera de rebelarse contra la incompetencia de sus representantes varones, que han hundido la Liga de Delos en la desolación (Aristófanes la remató en el 392 a.C, poco después de que Atenas sucumbiera al empuje espartano).

Es ese estado crítico el que le da coartada a Echanove para arrimar su versión a nuestros convulsos días. "Aristófanes no escribe esta obra para reivindicar a las mujeres. Él era un machista y un reaccionario, como casi todos sus coetáneos. Escribe para mofarse y lacerar a los gobernantes", advierte. Sobreentiende Echanove que el comediógrafo heleno venía a decirles algo así: hasta las mujeres son capaces de hacerlo mejor que vosotros, inútiles.

Y por ahí va armando el paralelismo entre ambas épocas: "Vivimos bajo un trauma similar. Nuestra Guerra del Peloponeso es la crisis financiera, el recorte de la soberanía de los Estados y la saturación informativa, que hace imposible formarse una idea clara de lo que sucede. Aristófanes, si viviera, estaría metiendo el aguijón en asuntos tan desconcertantes como que la economía de Europa dependa de unos fondos de inversión controlados por cuatro jubilados de Iowa. Hoy día a mí me cuesta mucho explicarle a mi hijo qué significa la palabra democracia".

Pero no es una monserga contestataria lo que quiere endosar al público emeritense. Lo cierto es que La asamblea de mujeres daría pie para excursos politológicos: algunos identifican este título como un precedente del ideal socialista, ya que las mujeres, cuando toman el mando, abogan por una colectivización de los bienes. Aunque Echanove no renuncia a ese trasfondo crítico y -digamos- trascendente, su intención es que la gente pase un buen rato. Sin más. "Estamos en verano, al aire libre. Toca disfrutar y yo lo que quiero es organizar una fiesta. Siempre que leía este texto creía que podía representarse como una juerga".

Esa premonición la ratificó Echanove durante una madrugada insomne, ya cuando el proyecto de montar La asamblea estaba en marcha. En el duermevela vislumbró a unos actores que "hacían cosas muy raras sobre el escenario", moviéndose en aparente anarquía festiva. Cuando se acercó al proscenio, se dio cuenta que estaban en el carnaval de Cádiz y que tales presencias histriónicas conformaban una chirigota. Ese es el código y el tono que le ha estampado al montaje, en cuyo reparto encontramos a Pastora Vega, María Galiana, Pedro Mari Sánchez, Sergio Pazos... Y a Lolita Flores, elevada a las alturas por su conmovedora encarnación de la Colometa en La plaza del diamante firmada por Joan Ollé. Aquí abandera la revuelta femenina en la piel de Práxagora, la lideresa ateniense con la que la actriz y cantante se ha mimetizado desde el principio: "Es una mujer como yo, inquieta, que quiere cambiar las cosas, que lucha por la igualdad, con mucho temperamento, muy decidida, muy enérgica y muy capaz".

Son también cualidades esenciales para afianzarse sobre el intimidante escenario del Teatro Romano, convertido por Echanove en una gran elipse con forma de moneda de diez céntimos. Él lo conoce bien como actor. Allí se ha subido ya cuatro veces. "Es curioso: cuando asistes como espectador te parece un espacio gigante pero como actor, concentrado en las tablas, te parece pequeño". En su reválida como director, tras Visitando al señor Green y Conversaciones con mamá, intenta conjugar ambas perspectivas y afilar el bisturí de Aristófanes, para clavarlo, con la anestesia del humor y la música de Javier Ruibal, sobre el caos contemporáneo. "Siendo absolutamente fieles al texto podemos contar la realidad de ahora. Eso es lo que me motiva al trabajar con los clásicos. No creo en el teatro como museo ni en los espectáculos-vitrina".

26/7/15

LOS ESQUITERS


DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS con la colaboración de JUAN MIRANDA
CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: NAO ALBET, ALFREDO BACCETTI, DALLAS BAYLEY, MARCEL BORRÀS, MICHAEL DILIGENT y KRISTINA WESTAD
COMPOSICIÓN MUSICAL: NAO ALBET y MARCEL BORRÀS  a partir de las composiciones de BADBADNOTGOOD
DURACIÓN: 50min
FOTO: FELIPE MENA
PRODUCCIÓN: GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA, LA BRUTAL, TEMPORADA ALTA y CCCB
TEATRE CCCB

En su búsqueda por acercarnos a nuevos mundos, nuevos lenguajes, nuevas maneras de contarlo lo mismo pero diferente, el dúo Nao Albet y Marcel Borràs han combinado el pensamiento ilustrado con el mundo del Skater. Diferentes, sí, no hay duda pero que al menos por 50 minutos parecen tener más cosas en común de las que parecía a simple vista.

El telón de fondo es la libertad definida a través de un sinfín de frases de escritores y filósofos como Platón, Molière... monólogos sobre qué papel juega la universidad en el aprendizaje humano y el eterno dilema si es el conocimiento quien otorga al hombre la libertad.

Pero la parte más sorprendente es la coreografía dancística de los cuatro 'esqueiters', que no sólo actúan si no que ellos y sus tablas se mueven rítmicamente al compás de la música y junto con el juego de luces, protagonizan la que es sin duda la imagen más preciosista del espectáculo.

El humor y la multiplicidad de idiomas: castellano, inglés, francés, italiano y noruego es otra de las señas de identidad habituales en los montajes de Nao Albet y Marcel Borràs que no pueden faltar. Y, aunque Los Esqueiters no van en la onda de Mammon, uno de los mejores montajes de la temporada y que ha dejado el listón creativo muy alto, Los Esqueiters es un agradable entretenimiento para las calurosas tardes de verano.

THE CIVIL WARS


CONCEPCION, TEXTO y DIRECCIÓN: MILO RAU
TEXTO e INTERPRETACIÓN: KARIM BEL KACEM, SARA DE BOSSCHERE, SÉBASTIEN FOUCAULT y JOHAN LEYSEN
INVESTIGACIÓN y DRAMATURGIA: EVA-MARIA BERTSCHY
DURACIÓN: 130min
FOTO: MARC STEPHAN
PRODUCCIÓN: MILO RAU e INTERTIONAL INSTITUTE OF POLITICAL MURDER
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM, GREC 2015)

Quizás uno de los espectáculos que más curiosidad despertaba fuera The Civil Wars. Hace dos años, Milo Rau nos dejó impactados con Hate Radio, pero esta vez la curiosidad mató al gato. La búsqueda por elaborar una trama con la actualidad europea, basada en que le lleva a un joven a alistarse a los grupos terroristas islámicos como la jihad, la culpabilidad de la educación, de la familia (y más concretamente de los padres o la ausencia de estos).

Nos recibe un enorme púlpito por aquello de las religiones diversas en una Europa todavía más. Lo sagrado y los temas tabú de aquellos que más vale no hablar, pero que saldrán de las intervenciones de los protagonistas. Todo un set preparado para grabar. De acuerdo, es teatro documental, o quizás ¿deberíamos tachar teatro para dejarlo en documental?

Estamos en una sala excesivamente grande para que desde más allá de la sexta fila el espectáculo deje de tener sentido. Porque para los que estábamos sentados más lejos la función se nos hizo insoportable. Fue como asistir al rodaje de una película, pero desde un kilómetro de distancia. Incapaces de distinguir alguna cosa más allá de lo que la pantalla nos mostraba, nos perdimos el proceso (no estoy segura de si había algo que perderse tampoco, pero bueno en cualquier caso no lo vimos). Teatro más bien poco, reducido a los cambios de lugar de los personajes. Los sobretítulos colocados justo debajo de la pantalla, con letras en blanco, combinaban muy bien con el blanco y negro de las imágenes, eso sí, flaco favor para los que nos hubiera gustado combinar letra e imágenes. Imposible sin dejarse los ojos en el intento. 

Milo Rau nunca da respuestas en sus espectáculos sino que se limita a lanzar preguntas para que sea el espectador quien piense la contestación más plausible. Si la pregunta de partida era realizar una análisis sobre los fallos de la sociedad europea actual para intentar adivinar qué falla, la respuesta es que los datos aportados por el montaje son insuficientes para hallar la solución al problema. Nos hemos perdido en la casuística personal de cada caso, sin adentrarnos en el problema. Hay problema. No hay respuestas. Europa es culpable, todos somos europeos, todos somos culpables. Simplista a más no poder. Lástima.

24/7/15

LA CLAUSURA DEL AMOR


DRAMATURGIA, CONCEPCIÓN y DIRECCIÓN: PASCAL RAMBERT
TRADUCCIÓN y VERSIÓN: COTO ADÁNEZ
INTERPRETACIÓN: ISRAEL ELEJALDE y BÁRBARA LENNIE
DURACIÓN: 115 min
FOTO: FEDE SERRA
PRODUCCIÓN: BUXMAN PRODUCCIONES y KAMIKAZE PRODUCCIONES
TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2015)

A todos aquellos que su pareja les ha dejado en un momento u otro de la vida, sabrán que por muy bien que lo afrontes, se pasa mal. Si lo dejas de buenas, también, pero si la ruptura es una pesadilla el dolor va más allá de los límites inimaginables. Y aquí, sin límites encontramos La clausura del amor. No será fácil, pero por suerte, hoy es sólo ficción.

La clausura del amor son dos monólogos al cien por cien de intensidad. Como si entráramos en un ring de boxeo y los dos púgiles combatieran entre sí pero los golpes le tocaran recibirlos al espectador. Una escenografía blanca, vacía, fría a los ojos del público. No hay nada en que resguardarse. Observamos los golpes, los disparos certeros, primero de él, cincuenta minutos casi sin pausa, sin respiro, luego ella más de lo mismo. Un sinfín de reproches, ataques personales un constante juego con el lenguaje: desde las metáforas a la manera de hablar de uno y otro personaje. Atónitos presenciamos la escena, sólo rota al acabar el primer monólogo para homenajear la inocencia. Inocencia que se rompe, se hace añicos, diminutos y las heridas comienzan a sangrar.

No hacen falta puñetazos para llorar, el dolor más poderoso viene de la mano de la palabra. Ellos se vomitan el uno al otro toda la mierda contenida durante los años. Son seres humanos aunque en algún momento puedan parecer dos bestias ansiosas por ganar la batalla. La presa, un día se le llamó amor. Hoy ya no queda, ha sido reemplazado por el odio hacia el otro, pero más que nunca hacia uno mismo.

La clausura del amor es una maratón interpretativo a la altura sólo de unos pocos. Es una obra difícil de interpretar, con un desgaste actoral como pocas. Por ello, mi más sincero aplauso escrito a Israel Elejalde y Bárbara Lennie, que con acierto se han aventurado en ella. Se queda una sin palabras para describir la ferocidad que ambos imprimen a sus personajes. Difícil el aguante de mantener el embate y de responder con la misma fuerza. De hacer vivo el texto desde el primer minuto hasta el último. Brillante combate interpretativo donde quien gana es el espectador.

Al final, en medio de la oscuridad y antes del aplauso se te queda el cuerpo vacío y frío. Como se dice durante la obra: "El amor es un cadáver y tu llevas su piel". Abandonas la sala y sientes como si alguien te hubiera dado un golpe en medio del pecho. Tu también lo has sentido. Te ha llegado. "Me lo quedo" ¡Qué pulsión, qué ritmo, qué grandes!

23/7/15

Recomana.cat salta a la ràdio amb una sèrie de programes especials sobre el festival Grec



Elisa Díez, Butaques i Somnis, a Cooltura F.M.: http://www.ivoox.com/recomana-3-22-07-15-audios-mp3_rf_5183289_1.html

Recomana, Associació per a la Promoció de les Arts Escèniques, estrena espai a la ràdio. Durant dues setmanes, del 20 al 31 de juliol, el programa Recomana.cat especial Grec seguirà tota l’actualitat del festival amb entrevistes, tertúlies i un repàs a l’agenda diària. L’espai neix de la col·laboració entre Recomana i l’emissora CoolturaFM.com, que estrena estudis a Barcelona.

Recomana.cat especial Grec compta amb la coordinació del periodista Christian Machío, i serà conduït per Jaume Garcia. El programa s’emetrà de dilluns a divendres amb una durada de 15 minuts, entre les 20.00 i les 20.15, i donarà veu als principals protagonistes del festival. (Reemissió el dia següent de 14.00 a 14.15).

Els dilluns, dimecres i divendres, una tertúlia amb crítics teatrals vinculats a Recomana servirà per repassar i valorar els espectacles de la programació del Grec. Els dimarts, el programa girarà al voltant d’una entrevista amb actors i directors d’alguns dels muntatges del cartell del festival. I els dijous, una agenda repassarà les estrenes i les propostes més destacades de la cartellera. A més, cada dia s’oferiran dades de rànquings elaborats a Recomana.cat que poden ajudar els espectadors a fer la seva tria i descobrir-li propostes. I també diàriament l’espai inclourà fragments de les crítiques publicades a Recomana.cat en la veu dels seus autors.

Recomana.cat especial Grec es planteja com l’inici d’una llarga col·laboració entre Recomana.cat i Cooltura FM. L’emissora i el portal especialitzat en la prescripció d’espectacles (més de 40  crítics hi fan sentir la seva veu a través de la web Recomana.cat) treballen per poder oferir un programa setmanal d’arts escèniques a partir de la tardor vinent.

Recomana, Associació per a la Promoció de les Arts Escèmiques, va néixer el juny de 2013 com a plataforma virtual que aglutina 40 crítics en la pàgina web Recomana.cat. Recomana és un projecte professional d’acompanyament a l’espectador, amb la voluntat de garantir-li la major satisfacció en el consum cultural. Recomana ofereix a l’usuari un ampli ventall de crítiques de la cartellera barcelonina i de bona part de Catalunya, i també accions presencials relacionades amb determinats espectacles.

Cooltura FM és una emisora de ràdio online fundada l’any 2004 per l’Associació Hostafrancs Comunicació de Proximitat amb vocació social i cultural i dedicada principalment a la cultura i l’art. Amb seu a Sabadell, l’any 2010 va sumar emissions a través d’ FM i TDT. 

Quatre autors teatrals reflexionen sobre la crisi a Europa


Font: Berta Vilanova (ara.cat)
Què vol dir estar en crisi? Com es viu als diferents països d’Europa? I cap on ens porta l’euro? Són algunes de les preguntes sobre les quals vol reflexionar el Festival de Dramatúrgia sobre la Crisi, PIIGS, que aquest any celebra la segona edició a la Nau Ivanow del 23 al 25 de juliol, en el marc del festival Grec. Es tracta d’una mostra de quatre obres teatrals, escrites per autors emergents internacionals, que parlen sobre la crisi a Europa. “Vam obrir una convocatòria i vam triar les quatre propostes que ens semblaven més interessants”, explica el dramaturg i director Antonio Morcillo, un dels creadors del festival juntament amb l’actriu i directora Beatriz Liebe i la gestora cultural Rosa Moliner. “Al festival diverses companyies professionals de teatre faran una lectura dramatitzada de cada una de les obres seleccionades”, afegeix. 
En la convocatòria de l’anterior edició del festival només van poder-hi participar dramaturgs originaris dels països PIIGS (Portugal, Irlanda, Itàlia, Grècia i Espanya), però aquest any ho han pogut fer també autors procedents de la resta d’Europa. “Els PIIGS són els països més pobres de la Unió Europea i els que pateixen més la crisi del nostre continent, però enguany hem pensat que també seria interessant conèixer com viuen la crisi els altres territoris”, comenta Morcillo.
El festival PIIGS té dos grans objectius. D’una banda, donar a conèixer noves veus de la dramatúrgia, i, de l’altra, contrastar les diverses realitats de cada país i debatre sobre la crisi a Europa a partir de propostes teatrals internacionals. “Volem que el públic tingui l’oportunitat de conèixer nous autors i textos, i alhora pugui escoltar la veu de testimonis que estan vivint la crisi en diferents llocs d’Europa”, diu Morcillo, que considera especialment interessants els col·loquis que es faran després de cada lectura dramatitzada. “El públic podrà parlar amb els autors i fer-los preguntes, i a l’inrevés. A més, també hem organitzat trobades entre els dramaturgs emergents de fora i els de Catalunya perquè puguin intercanviar experiències i reflexionar sobre què significa fer teatre en un context de crisi econòmica i d’identitat”, explica Morcillo, que espera que aquest espai permeti als autors establir lligams entre ells i d’aquesta manera puguin sorgir nous projectes de cara al futur.
“Esperem superar la crisi”
Els autors que participen en aquesta nova edició del PIIGS són: Emanuele Aldrovandi, d’Itàlia, amb l’obra Balenes, que serà interpretada per la companyia Nus Teatre; Tanja Sljivar, originària de Bòsnia i Hercegovina però resident a Alemanya, amb Però la ciutat m’ha protegit, a càrrec de la companyia LAminimAL Teatre; Javier Sahuquillo, d’Espanya, amb Los últimos de Filipinas, que presentarà la companyia Arcadia, i finalment Maria Tranou, de Grècia, amb Cap por que ens deixi, de la qual farà una lectura dramatitzada la companyia Sargantana. “Ens agradaria consolidar el festival perquè creiem que és una proposta molt nova i fresca”, comenta Morcillo, i conclou: “Tot i que esperem superar la crisi ben aviat”.

22/7/15

Jaume Miró: “Als llocs petits sovint s’hi troben les grans històries”


Font: Cristina Ros (ara.cat)
Jaume Miró (Cala Millor, 1977) no sap com va arribar a escriure la seva primera obra de teatre, quan encara era un estudiant de la UIB. Aquella peça, Noctàmbuls, inspirada en la pintura Nighthawks, d’Edward Hopper, es va convertir amb el pas del temps en el nom de la seva companyia, amb la qual acaba de guanyar el guardó al millor espectacle teatral dels premis d’Arts Escèniques 2015, que atorga l’Associació de Teatres i Auditoris Públics, per l’obra Dels llargs camins. Ell, com a autor, ha guanyat el premi al millor text. En el seu haver ja hi ha més d’una desena d’obres de teatre i diversos premis, sobretot per les dues obres que responen al gènere del teatre documental i que estan centrades en la Guerra Civil: Dels llargs camins i Diari d’una miliciana (premi Teatre Principal 2012 i premi Bartomeu Rosselló-Pòrcel 2013). Precisament aquesta darrera obra es representarà per primera vegada a Barcelona el 17 d’octubre, al teatre Porta4.
Diari d’una miliciana , tot i centrar-se a Son Servera, el poble mallorquí on vostè viu, té molt a veure amb Catalunya. 
Sí, és una obra que m’interessa molt que es vegi a Catalunya perquè sorgeix d’un diari d’una miliciana catalana, del qual l’historiador Josep Massot i Muntaner va trobar una còpia en un arxiu de València. La miliciana fou una de les cinc joves assassinades a Manacor en temps de la Guerra Civil. Qui les va capturar? Què passà després? L’objectiu era descobrir la identitat exacta de la miliciana, però només hem aconseguit saber que havia treballat a telègrafs a Sabadell o a Barcelona. Ella escriu el diari en castellà però amb molts catalanismes, i a les seves pàgines parla de les germanes Daria i Mercè Buixader, assassinades amb ella. Tampoc no s’ha trobat l’original del diari. I com més vegades es representi l’obra, sobretot a Catalunya, més possibilitats hi ha d’identificar-la.
Vostè forma part de l’associació Memòria Històrica de Mallorca. 
Hi ha famílies de Catalunya que es posen en contacte amb nosaltres per trobar els cossos dels seus familiars. Cerquen com tancar un capítol. Hem treballat molt en les fosses, i s’ha de tenir en compte que bona part de les fosses de Son Servera són de catalans. A la platja de Son Servera hi ha una fossa que deu contenir entre 300 i 600 cadàvers.
Gairebé no se’n parla, d’això. La sorra ho ha cobert tot. 
A Son Servera els qui hi vivim ara venim d’una generació que va decidir no parlar-ne, per causes polítiques però sobretot per motius psicològics.
Diria que fa un teatre ideològic? 
No vull fer teatre ideològic. El que faig, almenys en les obres com Dels llargs camins i Diari d’una miliciana, és un teatre documental. Investigo i escric sobre el que m’interessa. M’ajuden a definir-me i a entendre com és el lloc on visc. Puc habitar en un municipi petit, però als llocs petits sovint s’hi troben les grans històries. I, en tot cas, el que vull és intentar posar llum on hi ha ombra.
Què ens diu de fer teatre i, en particular, de fer-ne a Mallorca? 
A mi m’agrada escriure teatre perquè és el vessant més sociable de la literatura. A més, té molts efectes col·laterals: pots escriure, dirigir, fer l’escenografia, actuar... Normalment jo prefereixo no dirigir les meves obres. En primer lloc, per distanciar-me’n, però també per poder centrar-me a escriure. Pel que fa al teatre a Mallorca -és sabut-, les condicions són molt difícils. Aquí l’escenografia ha de caber dins una furgoneta, no només pels costos sinó per poder canviar d’escenari cada dos per tres. Si ho miram en positiu, Mallorca és un centre de creació que et permet créixer molt perquè has de començar i moure’t força temps a baix de tot.
Li diran que la nostra illa és turisme. 
Mallorca, en bona mesura, s’ha convertit en un parc d’atraccions. A l’estiu tenim plens que es fan insuportables i una feinada. I a l’hivern bona part de la població no té res a fer. Seria molt important engegar un debat sobre el turisme i els límits. Pens que no es pot plantejar aquest debat només des de l’òptica capitalista, sinó que ho hem d’analitzar des de l’ètica, des del punt de vista mediambiental i també des de la raó. A vegades pens que ens fa falta un bon novel·lista de ciència-ficció que ens faci veure Mallorca d’aquí cent anys i així potser ens adonem que cal que hi hagi un equilibri entre la qualitat de vida i el turisme.
Un plantejament que va fer a L’Atlàntida.
En cert sentit sí. Vaig intentar esbrinar com pot afectar el turisme a Mallorca. Pens que els creadors hem de fer utopies i distopies, tenim l’obligació de generar preguntes, i el que voldria és que l’espectador trobi respostes als interrogants i dilemes que els planteges en cada obra. Com a autor treball per trobar respostes. El teatre, la literatura, és coneixement, i això els fa necessaris. Si saps on és l’estrella Polar passaràs més gust de contemplar la nit.

El incierto futuro del Teatro Pavón


Fuente: José Luis Romo (elmundo.es) | Foto: E.M.
El pasado lunes, la directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Helena Pimenta, presentaba junto a José María Lasalle, Secretario de Estado de Cultura, y Montserrat Iglesias, directora del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música), la rehabilitación del Teatro de la Comedia. Tras 13 años cerrado y unas obras valoradas en 21,6 millones, la CNTC estrenará allí el 15 de octubre su versión de El alcalde de Zalamea, protagonizada por Carmelo Gómez y Joaquín Notario. 
Que Madrid recupere uno de sus templos escénicos con más solera supone una gran noticia para los amantes del teatro en la ciudad y, sin embargo, esa alegría se torna en incertidumbre cuando se vuelve la vista hacia el Teatro Pavón, el coliseo que la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha usado como sede durante estos años de destierro. Este centro cerró sus puertas al público el pasado 17 de mayo con una representación de La celestina y son muchos los que se preguntan cuando volverá a verse un espectáculo en sus tablas... incluida su propietaria, la actriz y directora Amaya Curieses. Cuando se le pregunta por sus planes para el Pavón, ella se ríe socarronamente. «Perdona, estos días todos me hacéis la misma pregunta y la verdad es que no sé que contestar... Estoy en manos del INAEM». 
Curieses compró junto a José Maya el Teatro Pavón en 1999, cuando éste llevaba casi una década en estado de semiabandono. Su intención era estrenar allí textos clásicos y, desde 2002, lo venía alquilando a la Compañía Nacional de Teatro Clásico a través del INAEM. Allí la CNTC ha logrado éxitos históricos su montaje de La vida es sueño, protagonizado por Blanca Portillo. «Nosotros, cuando llegó la crisis les rebajamos el alquiler, ahora mismo les cobramos en torno a los 32.000 euros. Yo soy una mujer de teatro, no una empresaria», cuenta Amaya Curieses, quien acaba de estrenar una obra en elfestival de Almagro, «me gustaría llegar a un acuerdo con el INAEM pero están muy misteriosos... ahora la compañía está ensayando en el teatro El alcalde de Zalamea. Nunca habían utilizado el Pavón para ensayos y es muy raro. Yo quería haber aprovechado este tiempo para hacer mejoras, como la climatización del teatro, y no he podido porque están ellos. Estamos pendientes de firmar una prórroga del contrato... pero algo pasa porque no nos llaman». 
Una de las ilusiones de Curieses sería que la CNTC siguiese usando el Pavón como segunda sede. «Igual que el Teatro Español tiene el Matadero o el Centro Dramático Nacional se divide en dos teatros, podría ser una opción. Sobre todo si quieren darle más impulso a la Joven Compañía».

INAEM

Sin embargo, desde el INAEMaseguran a este periódico que el 31 de enero de 2016 dejarán el Teatro Pavón para centrar sus actividades en La Comedia. ¿Qué sucederá entonces con un centro que, inaugurado por Alfonso XIII en 1925, es uno de los escasos ejemplos de arquitectura art decó de Madrid? «No lo sé, yo he tenido ofertas, claro. Mucha gente viene y pregunta pero no hay nada concreto porque no hemos firmado nada con el INAEM y para nosotros, ellos tienen preferencia. Todo está en el aire». 
Lo que está claro es que al Teatro Pavón, el lugar donde Celia Gámez estrenó muchas de sus míticas revistas, le queda por delante una larga reforma. «Antes de irse tienen que dejarme el teatro como lo encontraron. Tiraron el ambigú para hacer despachos, cambiaron la embocadura del escenario, convirtieron la sala de ensayos en las taquillas... Todo eso me lo tienen que arreglar». 
Precisamente, el Pavón ha encarado unas obras recientemente para reabrir el bar de sus bajos. «Hemos descubierto las antiguas molduras y las hemos restaurado». Pero, si definitivamente el INAEM cumple con lo dicho yse va el 31 de enero, el bar que han inaugurado no tendrá espectadores a los que atender, ya que según Curieses, «a esas alturas no da tiempo a organizar una programación». Así pues, de cara a la próxima temporada Madrid habrá ganado un teatro para perder otro. «Eso sí, yo te aseguro que tengo toda la intención de que esto siga siendo un teatro pase lo que pase».

Otra despedida

El cierre eventual del Teatro Pavón, situado en la calle Embajadores, número 9, es especialmente dramático para el barrio, que hace un par de meses despedía a otro centro escénico puntero. Se trata de La casa de la portera, ubicada en la calle Abades, y que se convirtió en una de las salas independientes que más expectación causó durante los dos años que abrió sus puertas. Ideado por José Martret y Alberto Puraenvidia para levantar su Ivan Off, en ese espacio uno podía encontrarse entre el público al Nobel Vargas Llosa o Nuria Espert. Allí jóvenes dramaturgos como José Padilla, Paco Bezerra o Juan Mairena estrenaban sus imaginativas propuestas a dos calles del hogar de Lope de Vega, Calderón o Tirso. Toda esa efervescencia teatral, del Siglo de Oro a los novísimos, de la que podía presumir esta zona de Madrid es ya historia. Sólo queda esperar que el Pavón vuelva a abrir a sus puertas pronto en un barrio que se ha quedado huérfano de teatros.

César y Cleopatra o el peso de la inmortalidad


Fuente: Fernando Díaz de Quijano (elcultural.com)

Julio César y Cleopatra. Menuda historia. Roma y Egipto. Pasión, sexo, ambición, poder, geopolítica. Dos personajes rematadamente clásicos y trágicos. Por eso se justifica su presencia, desde esta noche, en el Festival de Teatro Clásico de Mérida, aunque el texto que los devuelve a la vida sea contemporáneo. Los responsables son la pareja formada por Emilio Hernández y Magüi Mira. Él lo ha escrito y ella lo dirige.

La obra enfrenta a los Julio César y Cleopatra reales, enmarcados en su tiempo histórico, con los personajes inmortales que son hoy y que, dos mil años después, vuelven la vista atrás y se asombran (se indignan) del devenir, decepcionante para ellos, de la Historia.

Este "combate a cuatro" cuenta con la veteranía de Emilio Gutiérrez Caba y Ángela Molina, que encarnan las versiones "inmortales" de los personajes, mientras que los jóvenes e históricos Julio César y Cleopatra son interpretados por Marcial Álvarez y Lucía Jiménez, que han trabajado anteriormente a las órdenes de Magüi Mira. De hecho, Álvarez lo hizo el año pasado en Pluto, también en el Festival de Mérida.

La directora ha vuelto este año al mismo teatro romano por deseo del responsable del festival y productor Jesús Cimarro. Para Mira, es el empresario teatral perfecto: "En nuestra obra, Julio César cree que las abreviaturas a. de J.C. y d. de J.C. significan antes y después de Julio César, en vez de Jesucristo. Yo digo que en el panorama teatral significan antes y después de Jesús Cimarro".

La relación del general y dictador romano con la última reina del Antiguo Egipto se inició en medio de la disputa que ésta mantenía con su hermano y esposo Ptolomeo XIII por el gobierno del país. En aquellos años, el Imperio Romano tenía mucho interés en convertir Egipto en una provincia romana más y solía intervenir en su política interior. Según las crónicas de la época, Cleopatra enamoró a Julio César, que se convirtió en su amante y protector y se estableció con ella en Alejandría, donde la pareja venció a las tropas de Ptolomeo. Poco después tuvieron un hijo, Ptolomeo XV, apodado Cesarión, y se trasladaron a Roma. Tras el asesinato de Julio César en los idus de marzo del año 44 a.C., Cleopatra, que nunca fue aceptada por el pueblo romano, regresó a Egipto.

En César y Cleopatra, "como nos pasa a todos cuando miramos atrás", los personajes evalúan sus aciertos y sus errores, sus méritos y sus culpas. Pasados dos milenios, el dolor se disipa y algunos recuerdos trágicos se vuelven cómicos. Otros conservan intacto todo el dramatismo, incluso en "el limbo de la eternidad", explica la directora. "Hay mucho humor y también momentos de gran crudeza. Y, sobre todo, una reflexión muy interesante sobre la condición perecedera del poder". Cleopatra y César construyeron un capítulo de la Historia, pero todos sus logros se desvanecieron con el tiempo.

Con la puesta en escena, Mira ha querido plasmar todas esas reflexiones "de la manera más física posible", explica. Para eso ha contado con la música original de David San José, coreografías de Emilio Castejón y "cuatro actores en estado de gracia". La directora nos asegura que el resultado de todo ello es "un espectáculo muy minimalista pero con mucha potencia, en la que todos los medios están al servicio del texto y los actores".

Aunque la cultura popular está llena de obras en las que aparecen Cleopatra y Julio César, asegura Mira que el romance entre ellos "ha sido poco contado desde la ficción", a pesar de su enorme atractivo. "Es una historia de fusión total, de pasión física y objetivos comunes como líderes políticos", afirma la directora. Una de las obras más conocidas que han tratado la relación entre ambos líderes fascinantes es César y Cleopatra, de George Bernard Shaw, estrenada por primera vez en Newcastle en 1899. No obstante, la directora asegura que ellos han partido de cero para levantar la suya, salvo algunas influencias inevitables como la ópera Julio César en Egipto, de Händel, y mucha documentación que garantiza el rigor histórico.

Magüi Mira interpretó a Cleopatra en 1997 a la dirección de José Carlos Plaza y el personaje ya nunca abandonó su pensamiento. "Es uno de esos personajes femeninos que marcan la involución posterior de la mujer. Ahora las mujeres libramos una intifada silenciosa hasta recuperar poco a poco nuestro lugar en el mundo, pero Cleopatra demuestra que en un pasado lejano, en algunos lugares como el Egipto antiguo, la situación de la mujer fue infinitamente mejor de como fue en los siglos posteriores. Cleopatra fue una mujer culta, instruida en las artes y las ciencias, que hablaba 9 idiomas a los 20 años, preparadísima para gobernar, y fíjate dónde está hoy Egipto".