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22/9/15

BLUF


DRAMATURGIA: JOAN YAGO
DIRECCIÓN: ISRAEL SOLÀ
INTÉRPRETES: XAVI FRANCÉS, AITOR GALISTEO ROCHER, JÚLIA TRUYOL, ESTHER LÓPEZ, MARC RIUS
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: ALBA LAJARÍN
PRODUCCIÓN: LA CALÒRICA y GREC 2015 FESTIVAL DE BARCELONA con la colaboración del AJUNTAMENT DE VILADECANS
SALA BECKETT

La Calòrica vuelve ha hacer una radiografía de situaciones habituales en la sociedad actual. Cuando lo tenemos todo y seguimos insatisfechos, cuando nuestros sueños no se han cumplido y queremos cambiar la realidad para intentar aspirar a que se cumplan o simplemente cuando alcanzamos una determina edad sin haber conseguido algo de lo que nos proponíamos. Vivimos en una sociedad donde la insatisfacción es nuestro pan de cada día, y a la que la joven compañía barcelonesa quiere aportar su granito de arena cómico.

Yoan Yago vuelve a tirar del humor, la imaginación, el surrealismo presentados en bloques cortos pero directos y que nos llenan de reflexión y carcajada a partes iguales, Bluf tiene historia, no seria de aquellas con principio, nudo y desenlace pero si observamos un desarrollo de los personajes, lo cual se agradece. Excelente puesta en escena y dirección de Israel Solà que ha sabido sacarle todo el jugo a la hilaridad de los personajes, midiendo al milímetro los tiempos.

No puedo parar de reír al recordar la interpretación de extremos de Aitor Galisteo, geniales son también las interpretaciones tanto en río como separadas de Júlia Truyol y Esther López. Y Xavi Francés entre la ternura y la lástima se sigue coronando como uno de los nuevos grandes cómicos del país.

Admito que desconozco la cultura de las novelas gráficas norteamericanos en las que se basa la puesta en escena, pero el surrealismo de la pieza es digno de mención. Como, a mi entender, resulta tan poco chocante (cosa que puede preocupar) ver al hombre abeja sentado en el sofá. Lejos de la ciencia-ficción estadounidense, Kafka estaría orgulloso.

Y aunque su anterior espectáculo Sobre el fenòmen las feines de merda no me acabó de convencer, firmo donde sea para que el camino que emprenden con Bluf sea muy fructífero. En primavera, el Tantarantana les espera en un proyecto del que no se sabe nada. De momento, hasta el 11 de octubre no te pierdas Bluf en la Sala Beckett.

14 compañías compiten por los 16.000€ del Gran Premio BBVA Zirkòlika de Circo

Font: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

El próximo martes, 29 de septiembre a las 20h descubriremos quien se llevará el Gran Premio Zirkòlika de Circo 2015 entre las 14 compañías nominadas. El jurado ha tenido la difícil tarea de escoger a los nominados entre los 49 proyectos presentados. El premio en esta edición aumenta en 2.000€ su cuantía, equiparándose así al de la disciplina de teatro y convirtiéndose en uno de los mejores dotados de las artes escénicas de Cataluña.

El premio reconocerá la mejor producción de circo de un artista o compañía catalana y será entregado durante la tradicional Nit de Circ, que contará con los artistas premiados en la pasada edición y en la que aparte del gran premio se otorgaran otros como: el mejor espectáculo, el mejor número, la mejor compañía emergente, la mejor iniciativa para la proyección del circo, premio especial, premio de pintura y premio de votación popular. Además los premios cuentan con un nuevo patrocinador, la Fàbrica de Creació de les Arts en Viu de L'Estruch de Sabadell, que ofrecerá una residencia de creación y programación del espectáculo durante el 2016.

La sexta edición de la Nit de Circ tendrá como hilo conductor la compañía de payasos de Rhum i Cia, premio al mejor espectáculo de payasos Zirkòlika 2014 y además contará con las actuaciones de: Circ Pistolets (equilibrios), Irene Estradé de A Plom i Vol (cuerda lisa), Sergio González de En diciembre (rueda Cyr) y Jordi Serra y Amanda Delgado de Vol de Ment (Cuadrante Ruso). Además los 8 músicos del grupo Hora de Joglar serán los encargados de la banda sonora de la noche.

Los nominados 

Mejor espectáculo

Esquerdes de Hotel Locandi 
Pals de Cíclicus 
Sifonòfor de Animal Religion 
Xarivari Blues de Circo Los 

Mejor número de circo 
Bunkai de Amer y Àfrica (equilibrios acrobáticos y mano a mano)
Escalat de Manel Rosés (equilibrios) 
Scratch de Acrobarouf (báscula)
Simbiosis de La Fem Fatal (trapecio doble) 
Into the shadows de Maria Villate (equilibrismo y contorsión)

Mejor compañía emergente:
En Diciembre
Oriol Escursell
Imaga 
Sugar
Vol De Vent

19/9/15

CIARA



TEXTO: DAVID HARROWER
TRADUCCIÓN: YANNICK GARCÍA
DIRECCIÓN: ANDRÉS LIMA y MARTÍ TORRAS MAYNERIS
INTÉRPRETACIÓN: ÀNGELS BASSAS
DURACIÓN: 1h 20min
FOTO: GERARD RANCHAL
PRODUCCIÓN: ÀNGELS BASSAS, BOHÈMIA'S y AJUNTAMENT DE FIGUERES
TEATRE AKADÈMIA

Estamos acostumbrados a dos tipos de monólogos: los stand-up (los del club de la comedia, para entendernos) y los intrínsecos (donde la protagonista te explica su historia pero que explotan para dentro). Sin embargo, Ciara, explota para fuera, es el público el que recibe el interrogante, quién es preguntado, quién es juzgado. 

Ciara es una mujer que vive y ha vivido en un mundo de hombres, los cuales se han creído siempre con derecho a todo, y mucho más fuertes que ella. Pero la situación nos demuestra lo contrario. Aquella flor empieza a desperezarse dentro de su capullo y sale despedida como si de una bala se tratara. Vive en un mundo de gánsters, pero no todos son masculinos.

Impresionante interpretación de Àngels Bassas a la que te cuesta mantener la mirada fija, cuando mientras te explica su tragedia se te queda mirando, con los ojos como si te perforaran, mientras la empatía te atrapa y te sientes parte de su drama.

Con una escenografía desnuda, impotente vacío el de las paredes blancas características del Teatro Akadèmia, la voz circula libremente. No hay trabas para un texto que pocas veces te permite respirar. Necesita de tu atención, de aquellos que hasta el final no te desvela sus verdaderas intenciones. 

Habla de cuadros, de arte, de familia, de relaciones, y de una sociedad tan corrupta que ni los pilares más fuertes la sostienen. Ciara es un montaje de cocción lenta, de aquellos que poco a poco van entrando hasta que llegan a un punto donde explotan. No te dejan hecho añicos, porque no hay lecciones, simplemente una historia, la geganta (ens) ha despertat.

Alberto Conejero: "Le debo a Lorca mis primeros sueños de ser poeta y dramaturgo"


Fuente: Fernando Díaz de Quijano (elcultural.com) | Foto: Marcos GPunto

El talento de Alberto Conejero (Jaén, 1978) ha sido premiado en los últimos meses por partida múltiple. A principios de año, el Centro Dramático Nacional estrenó La piedra oscura, un ejercicio de memoria histórica y poética con el que este dramaturgo ha recuperado la figura de Rafael Rodríguez Rapún, el último gran amor de Federico García Lorca. La obra, puesta en pie por el director Pablo Messiez y los actores Daniel Grao y Nacho Sánchez, narra un encuentro -el único elemento ficticio- entre Rapún, teniente republicano, y un soldado adolescente del bando franquista responsable de su custodia en un hospital militar. En agosto, Conejero ganó con este texto el Premio Ceres al mejor autor teatral y, debido al rotundo éxito que tuvo la obra en el María Guerrero la temporada pasada, el teatro madrileño vuelve a programarla en su Sala de la Princesa del 18 de septiembre al 18 de octubre, y ya están las entradas agotadas para todo el mes.

¿Cómo llegó al personaje de Rafael Rodríguez Rapún y por qué decidió escribir sobre él? ¿Su objetivo era trascender el tópico del amante de Lorca que más le hizo sufrir?
Llegué por los Sonetos del amor oscuro, que fueron escritos en los altibajos de su relación. Quería saber quién era ese muchacho, estudiante de ingeniería de minas, secretario de La Barraca y compañero de Federico en los últimos años de su vida. Es difícil resumir a un hombre en unos cuantos adjetivos pero Rafael fue el hijo de un frutero y una criada que a fuerza de ideales y de empeño se situó en el centro de una de las experiencias culturales más importantes de este país. Un hombre cabal y comprometido con su tiempo, que intentó amar y ser amado por ese cometa que fue García Lorca. Y también una víctima de nuestra guerra, muerto cuando tenía tan sólo 25 años.

El texto de la obra está dedicado a Tomás, hermano de Rapún, que a sus 95 años compartió con usted sus recuerdos y le dejó acceder al archivo familiar. ¿Cómo transcurrieron aquellos encuentros y cómo fue el proceso de documentación para la obra?
Por desgracia fueron menos de los que hubiera deseado. Tomás estaba muy débil ya de salud. He escuchado varias veces las entrevistas que me concedió y doy las gracias por ese regalo. Pero fue absolutamente generoso conmigo, al igual que sus hijas Marga y Sofía. Me han permitido el acceso a la memoria de su familia de un modo que yo nunca podré agradecer. De las muchas alegrías que siento por la acogida del texto y de la función, quizá de las más altas es ésta de saber que, de algún modo, Tomás y Rafael han llegado al corazón de muchos.

¿Han cumplido sus expectativas el montaje de Pablo Messiez y el trabajo de los actores?
Pablo, Dani y Nacho han hecho la función que yo soñé para mi texto. Ahora me es imposible no verlos y pensarlos si he de volver a sus líneas. Son tres artistas excepcionales, dotados de una sensibilidad desbordante y de una generosidad espléndida.

Se repone la obra y las entradas ya están agotadas. ¿Esperaba el éxito que está teniendo La piedra oscura?
No. Yo no pienso cuando estoy escribiendo si va a tener éxito o no. Porque además el éxito tiene que ver muchas veces con lo azaroso y muchas veces es ruido sucio. He escrito otros textos que esperan su turno y que, para mí, tienen la misma fuerza que La piedra oscura. Es cuestión de que se produzca el encuentro, el momento. Yo supe que algo importante iba a suceder cuando se formó el equipo allí donde importa: en lo artístico.

Este verano recibió el prestigioso Premio Ceres. ¿Ha cambiado la percepción que tiene de sí mismo como dramaturgo?
Es tanto el tiempo que los dramaturgos pasamos en la invisibilidad que no puedo más que dar las gracias por ese reconocimiento. Me alegro muchísimo por todos los que me han apoyado todos estos años y por todo el equipo de La piedra oscura. Yo agradezco mucho el cariño pero la escritura se mueve en otro sitio más íntimo que no se ha modificado.

¿Cuándo nació su admiración por Lorca y qué le debe?
Nace en la primera adolescencia y el descubrimiento de su poesía fue para mí un punto de no retorno hacia un lugar más pleno, más luminoso y más honesto. Le debo los primeros sueños de ser poeta y luego dramaturgo. Y eso es de lo más importante que nadie nunca me ha entregado.

Por sus comentarios acerca de la obra, parece que le interesa especialmente el asunto de la memoria histórica como "brújula" para el presente y el futuro. ¿Cree que España aún tiene una deuda con su pasado? 
Creo que España tiene problemas con el relato de su pasado y eso nos impide construir el del futuro. Pero La piedra oscura habla de la memoria como un espacio de justicia, de la compasión y de la necesidad de encontrarnos con el otro. Quiero pensar que este país puede llegar a acuerdos mínimos, como que dar sepultura digna a sus compatriotas no es abrir heridas sino restituir dignidad.

¿Cómo llegó a ser dramaturgo?
Llegué a la dramaturgia por la poesía, que se llevó y aún se lleva la gran parte de mis lecturas. Uno de mis grandes anhelos por cumplir es publicar poesía. En el teatro pude dar albergue a esa pasión por el lenguaje pero además contar historias y compartirlas con otros. También tuve unos excelentes profesores de literatura y de griego clásico en un instituto público de un barrio del extrarradio de Madrid que alimentaron mi sueño de convertirme en dramaturgo.

De sus primeros textos, ¿cuál ha sido más importante para usted, sentimental o profesionalmente?
De los primeros textos le tengo especial cariño a Húngaros (2002), que ganó el Premio Nacional de Teatro Universitario y se publicó en Primer Acto. Volví a él en 2011 para presentarlo en el Festival de Dramaturgia Contemporánea Europea de Chile. Es un texto en el que ya están presentes muchos de los temas y obsesiones que me han acompañado posteriormente.

¿Qué proyectos tiene por delante en los próximos meses?
La dramaturgia de tres clásicos: Odisea, Rinconete y Cortadillo y El arte de amar. Y conseguir publicar mi primer poemario.

¿Se puede sobrevivir como autor de teatro en este país, incluso teniendo éxito?
Yo nunca he vivido del teatro y me parece imposible que pueda llegar a hacerlo. Creo que es fácil calcular los derechos de autor de una sala como la Princesa. Por fortuna me dedico a la docencia, oficio que me entusiasma y que me mantiene en guardia, permitiéndome escribir el teatro que deseo escribir. Como profesión puede ser ingrata y poco rentable pero la dicha de escribir y estrenar es impagable.

18/9/15

EL GRITO EN EL CIELO


TEXTO y DRAMATURGIA: EUSEBIO CALONGE
DIRECCIÓN: PACO DE LA ZARANDA
INTÉRPRETES: CELIA BERMEJO, ENRIQUE BUSTOS, GASPAR CAMPUZANO, IOSUNE ONRAITA y FRANCISCO SÁNCHEZ
DURACIÓN: 1h 15min
PRODUCCIÓN: LA ZARANDA. TEATRO INESTABLE DE ANDALUCÍA LA BAJA
TEATRE ROMEA

Es de admirar el riesgo que supone programar en un teatro comercial medianamente grande una compañía como La Zaranda, cuyos montajes no son fáciles, donde las risas están entrecortadas por la crítica, por una situación que al finalizar se te queda como un pesado poso en el estómago.

Con muy poca escenografía se construye el horror, de los cuerpos, de la senectud, de aquellos que han sido arrinconados por hijos y demás familiares porque ya no sirven, a los que viven esperando la muerte. Pero no se deprimen, ellos buscan una salida. Sus sueños, todavía intactos, luchan contra la muerte, porque la vida les importa y la valoran, quizás más que los que les arrinconaron.

El grito en el cielo es una tragicomedia con gran carga poética y una potencia poco vista en el terreno visual. Una extraordinaria iluminación del mismo Eusebio Calonge se funde perfectamente con el espacio escénico de Paco de la Zaranda y la música de Richard Wagner para convertir la oscuridad en momentos tétricos.

En la parte interpretativa encuentro algún "pero". Así como la parte del movimiento está genialmente representada, el exceso de repeticiones y las voces exageradas de los protagonistas para hacer reír a los espectadores caen en el esperpento más rancio. Todos hemos tenido la oportunidad de tratar con señores mayores y no conozco a ninguno que hable de la manera que lo hacen los protagonistas. No hacía falta que viniera el "cuñao" a escena.

No sé si en su huída han llegado al cielo o al infierno, pero yo les dejaría un tiempo en el purgatorio, para que limen las pequeñas asperezas y entren poco a poco por la puerta gran de los cielos.

17/9/15

PSICOSI DE LES 4.48


AUTORA: SARAH KANE
TRADUCCIÓN: ANNA SOLER HORTA
DIRECCIÓN: MOISÈS MAICAS con la colaboración de IVAN MORALES
INTÉRPRETE: ANNA ALARCON
DURACIÓN: 1h 20min
PRODUCCIÓN: THE THREE KEATONS
LA SECA

Hay autores malditos porque nadie les quiere representar, por su dificultad, por la conexión con el público que requieren, porque necesitan una digestión lenta y porque para algunos "no venden". Entre ellos, Sarah Kane. Hace algunos años que busco textos suyos, los encuentro en inglés, no hay traducciones, y pocas veces se representan. Tan maldita y tan de culto porque una vez que entras en su universo, ya es muy difícil salir.

Sólo por el hecho de haber saltado saltado al ruedo de la valentía, de haber optado por un texto tan difícil, lleno de oscuridad, el último que escribió antes de suicidarse y ponerlo en escena, toda la compañía se merece un sonoro aplauso. No diré que es el que más me impresionó (ese honor se lo lleva Blasted, el que tuve que releer porque creía haberlo entendido mal, pero no) pero la poética del texto y la factura física y mental que exige este monólogo a la actriz que lo interprete es tan potente como el suicidio artístico de la intérprete que se lance a él con o sin red.

Impresionante escenografía a tres bandas, que al principio le juega un mal papel al montaje, sobre todo en la primera parte, donde en numerosas ocasiones la actriz da la espalda a buena parte del público durante su monólogo y te quedas en la sombra esperando que te mire, que tu también seas el punto de atención de sus quejas, de sus súplicas.

Totalmente hipnotizada por la interpretación de Anna Alarcon. Potencia y ternura a partes iguales para dibujar un ser que se ha cansado de vivir, que ya no tiene esperanzas ni cree en la felicidad, en el amor, en la vida. Eléctrica como si me hubieran sentado en una silla de tortura pero de la que no pudiera o quisiera escapar. Atónita a todo lo que está sucediendo delante de mis ojos. Sarah Kane nunca estuvo tan viva como en el cuerpo de Anna Alarcon. 

Me gustaría pensar que Moisès Maicas ha puesto la primera piedra para seguir montando otros textos de la autora británica, que Psicosi 4.48 no es flor de un día. Que alguien podría dejarme de nuevo sin respiración representando el ya mencionado Blasted. ¡Por favor, que alguien me diga que no estoy soñando! 

16/9/15

De la Beckett de los autores a la Beckett de las compañías


Fuente y foto: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Cambio de ciclo y en medio del impas de cambio de sede, la Beckett presenta la que será la última temporada al barrio de Gràcia. Con la vista puesta en las dos salas que formarán parte de su nueva sede de Poblenou, la Beckett inicia la temporada con tres compañías jóvenes pero ya conocidas por el público barcelonés.

Pocas novedades de cara a esta temporada, teatro contemporáneo, compañías conocidas, dramaturgos catalanes y la ilusión de poder llenar la sala de público que respalde sus propuestas. De momento van con pies de plomo y sólo han presentado su primer trimestre, sin tener muy claro si podrán seguir en la sede de Gràcia a partir de enero, ya que su contrato con Nuñez y Navarro finaliza a finales de año, todo son buenas caras para que al menos puedan acabar la temporada y las obras avancen a buen ritmo para trasladarse a su fábrica de creación de Poblenou.

Se notan los nervios, la temporada anterior los números no fueron los esperados, no sólo para la Beckett, sino en general y la búsqueda de nuevos públicos es el leiv motive de la temporada, la programación de tres de las compañías con más tirón de la cartelera nos lo deja claro. Para los que quieran ver los tres espectáculos de las tres compañías, la Beckett se lo pone fácil con una especie de abono para los tres montajes, que se puede adquirir en taquilla o online, y que supone el ahorro de más de 20€.

LA CALÒRICA presenta Bluff del 16 de septiembre al 11 de octubre, después de pasar por el Temporada Alta y el Festival Grec. Una comedia sobre la insatisfacción que surge de la gente que ya ha alcanzado su meta en la vida y que por lo tanto debería ser feliz, pero no lo es. Con una estética cercana a las novelas gráficas americanas, Bluff nos hará reír a principios del otoño.

LA RUTA 40. Recién llegados de Fira Tàrrega donde han presentado La col·leció  de Harold Pinter del 15 de octubre al 8 de noviembre y nos explican las reacciones del público a este texto casi desconocido del dramaturgo contemporáneo inglés. Nadie dijo que Pinter fuera fácil de explicar, como tampoco lo es de representar. Los personajes de La col·leció juegan con la verdad para conseguir lo que quieren. El lenguaje volverá a ser el arma que utilicen los personajes para ganar su batalla y será el espectador el que tenga que averiguar por donde van los tiros.

LA VIRGUERIA afirma que dejará el pesimismo que obras anteriores y se meterá de lleno en una comedia de humor negro llamada Snorkel de la que poco se puede contar porque de momento se acaba de empezar a ensayar y es un work in progress de su autor Albert Boronat. Personajes que se encuentran y que tendrán en común el punto de vista desde el que miran la realidad.Del 12 de diciembre al 6 de enero lo descubriremos.

Actividades paralelas

Además de los tres espectáculos, las compañías en colaboración con la Beckett está desarrollando actividades paralelas. Después de las funciones del 24 y el 25 de septiembre, La Calòrica recuperará Ekstraordinarnyy de Joan Yago, una comedia rusa alocada que se pudo ver en el Aixopluc del Lliure. Además el mismo 25 de septiembre a las 20h se ha organizado una mesa redonda con miembros de las tres compañías que debatirán sobre sus procesos de creación. El 23 de octubre a las 20h, las tres compañías en otra mesa redonda debatirán sobre sus procesos de producción. El 29 de octubre a las 19:30h Mireia Aragay nos acercará algunos de los texto cortos de Harold Pinter y nos dará una perspectiva sobre La col·leció.

Spoiler del segundo trimestre

Para acabar un apunte, una de las compañías más vinculadas a la Sala Beckett en los últimos años, Sixto Paz, volverá a llenar la sala de historias durante el segundo trimestre de la temporada, habrá que estar atentos. Esto no ha hecho más que empezar.

15/9/15

¡Viva el riesgo! ¡Viva la Hiroshima!


Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis) | Vídeo: Sala Hiroshima

Hace tres meses que abrió sus puertas la Sala Hiroshima al barrio de Poble Sec y ya es imprescindible y de obligatoria visita para todos aquellos a los que les canse ser un espectador convencional. El 25 de septiembre es la fecha para iniciar el punto y seguido de una programación que ya dio sus primeros frutos entre abril y julio y que vuelve a optar por los espectáculos internacionales, este primer trimestre de artistas pocos conocidos, y en el segundo trimestre de nombres más consolidados.

La danza vuelve a ser la protagonista de la programación, aunque también habrá hueco para la música, la performance, el teatro de objetos y el teatro, siempre y cuando no sea puro teatro del texto, del que huyen. Los géneros híbridos tan de moda, serán la base de esta nueva programación.

Un dato a tener en cuenta y es que en estos primeros tres meses de programación, los espectáculos estarán creados/interpretados en un 65% por mujeres.

La primera temporada completa de la sala tendrá dos objetivos primordiales: Consolidar su línea artística y segundo plantear estrategias de desarrollo vinculando diferentes entidades culturales locales e internacionales que les permitan en un futuro colaborar y coproducir espectáculos.

A parte de estos grandes macro objetivos, y tocando con los pies en el suelo, también se marcan tres líneas de actuación: ampliar la oferta cultural internacional de la ciudad (con 6 compañías extranjeras en tres meses), seguir apostando por jóvenes creadores (como Alejandro Curiel, recién salido del Instituto del Teatro) y llegar a más públicos a través de la creación de ciclos en la colaboración con otros agentes culturales como el Espai Erre (ciclo Fenòmens), La Poderosa (cicle Retro/2026) y el Festival Salmon (Mercat de les Flors). Gaston Core, su director artístico se ha fijado en el público extranjero, aquellas personas que viven en Barcelona pero que raramente van al teatro porque no encuentran una propuesta que vaya con ellos.

Si en un primer momento el bar se preveía que fuera un instrumento para llegar a más público, los primeros meses indican que el público ha venido directamente a la sala, sin pasar por el bar. A pesar de ello, la idea continúa siendo la de organizar actividades paralelas en el bar para buscar un tipo de socialización al estilo de Buenos Aires.

Toda la programación la encontrarás en su web, de la que destacaré mis imprescindibles, aunque verlo todo sería deseable pero es imposible:

EL BANQUET de Laura Vilar y Miquel Barcelona (18 de octubre a las 18h y a las 20h). Nunart. Performance/Danza. Seis bailarines y un músico más dos invitados (otro músico y un artista de perfil multidisciplinar). EL resultado una propuesta de creación itinerante sobre la integración de la diferencia.. El cuerpo sigue reaccionando al aprendizaje ancestral de que un grupo mirándolo fijamente le quiere hacer daño. Agresión, intimidad, sutileza, desconfianza, canibalismo es la asociación de ideas propuesta.

FOREST WHERE THE STARDUST PIKAru de Yuko Kawamoto (Japón, 21 de octubre 20:30h). New butoh. Yuko apuesta por una expresión enérgica y potente y su presencia es tan fuerte que puede cambiar toda la atmósfera simplemente quedándose quieta. Una pieza sobre víctimas, infancia y cómo comenzar desde cero.

MIX EN SCENE de Amaranta Velarde. (29 y 30 de octubre a las 21h). Danza/DJ set. Esta pieza la vi el pasado junio en La Poderosa y me impactó por el juego de música, performance y coreografía. La misma bailarina lo hace todo, pincha en directo, baila y acciona partituras coreográficas de una manera sorprendente. La propuesta es una viaje que superpone estilos y principios artísticos, utilizando estrategias de postproducción i el espíritu de DJ de la apropiación, la manipulación y versionado de materiales.

HOSTIANDO A M de Agnès Mateus. (11, 12, 13, 14, de noviembre a las 21h y 15 de noviembre a las 19h). Teatro/Manifiesto. Llevo meses persiguiendo esta pieza por diferentes espacios, y esta vez no me la pienso perder. Una mezcla de violencia, música, performance y cabaret que denuncia la realidad del día a día y que utiliza la violencia como la única vía que el mundo entiende para salir de la pantomima en la que se ha convertido.

BONNE, BELLE, DOUNCE de Alejandro Curiel (5 de diciembre a las 21:30 y 6 de diciembre a las 19h). Teatro de objetos/Creación escénica. Especáctulo complejo para un creador novel pero prometedor sobre una relectura de Las Criadas de Jean Genet. Una interrogación sobre la identidad y nuestro lugar en el mundo respecto al otro. Gran componente físico y de gesto, más que textual llena de contrastes rítmicos, fragmentación y repetición. 

PLA FIX, LATUNG LA LA de David Ymbernon. (21, 22 y 23 de diciembre a las 19h). Teatro de objetos/Creación escénica. Espectáculo familiar. David Ymbernon me persigue, llevo toda la Fira de Tàrrega escuchando a la gente hablar de su trabajo y por fin, espero, poder verlo en directo. Un espectáculo casero que se ha venido representando en su casa, donde toda su familia participa, una película de animación teatral, "cocinada" con imágenes y música en directo. 

14/9/15

FIRA TÀRREGA. DOMINGO 13 SEPTIEMBRE



¿QUÉ HACEMOS CON LA ABUELA? The Cross Border Project. Castilla y León. 50min

He de confesar que sólo me quedé 20 minutos a esta experiencia que sobre papel parecía una buena idea. Un espectáculo de calle, participativo, con carácter educativo y sobre el alzheimer, buenos elementos para una montaje que no va acabar de cuajar. La plaza mayor a rebosar, micrófonos para los intérpretes que mostraban una escena que después voluntarios del público podían reinterpretar. Durante los veinte minutos vi unos cuantos ejemplos. 

En ningún momento perdí la perspectiva de que estaba en Tàrrega porque entre el calor del mediodía y los micros por un momento puedes creer que estás en medio de la Costa de Sol en uno de los macro hotel en una clase de cualquier cosa para jubiletas. 

El problema no era ni la calle, ni la cantidad de gente que se agolpaba para presenciar el montaje, sino que no había por donde agarrar la dramaturgia, escena inconexas, de las que fui incapaz de discernir. El ritmo del espectáculo tampoco ayudaba mucho a no acordarte que el sol caía de plano, hasta que prefería hacer un pies para que os quiero.


SAPUCAY. Nuevas Dramaturgias. Chroma Teatre. Catalunya. 45min

Entre todos los espectáculos de Fira Tàrrega este me llamó la atención por la frase de la sipnosis "un Dallas aborigen". Nuevas dramaturgias de una compañía que me fascinó con su primer montaje Boquitas Pintadas, una visión particular del libro de Manuel Puig que se pudo ver al Versus Teatre con gran éxito.

Esta vez es Juan Miranda quien se encarga de la dramaturgia y de la dirección de una obra difícil de digerir. Con un texto escaso, el montaje transcurre entre silencios, gritos y movimiento físico. Sin escenografía, más allá de una barrera o una tanca de encerrar al ganado, son las tres actrices en las que recae el peso de la función.

Tres mujeres salvajes acostumbradas a vivir en un mundo dominado por los hombres, luchan, se rebelan ante que se muestra ante sus pies. Pero tanto la dramaturgia, la dirección como la interpretación es muy floja, en seguida se le ven las costuras al montaje. Al final todo parece a un culebrón de segunda categoría con acento argentino.

Lo que sí es cierto que el espacio escogido por la compañía les juega muy en contra, el polideportivo municipal. Sería un punto a su favor haberse representado en un espacio al aire libre o en un espacio/sala pero mucho más pequeño, necesita intimidad.

Sapucay es uno de las dos decepciones de Fira Tàrrega, un intento por explorar nuevos campos dramáticos que no han tenido el resultado dramático esperado. Otra vez será.



URBAN NATION. For Nina. Ova and Unda. Danza. Estados Unidos. 50min

Casualidades de la vida, antes de abandonar Tàrrega me quedé prendada de la danza urbana de Urban Nation. Sólo iba a presenciar sus primeros minutos, pero me quedé como hipnotizada con sus movimientos de break dance, hip hop, danza contemporánea. La primera pieza dedicada a Nina Simone, con unos ritmos más suaves y que recordaban en algunos momentos al Swing de los años 20. En la pieza de dúo la calle tira más y la cultura urbana de hace presente con hip hop, house y vogue para reivindicar el club nocturno como espacio para la creatividad, la inspiración y la creatividad. 


Y un "The End"
Inspirada puse punto y final (feliz) a una edición de Fira Tàrrega llena de buenas propuestas, que de bien seguro veremos pronto en una versión de sala en las carteleras de Catalunya y España. Los números mandan, 13.000 entradas vendidas, 85% de ocupación (datos provisionales). Con la mochila cargada de experiencias, emociones y un sinfín de historias regreso a casa mientras cuento los días para la edición del 2016. Apunta: del 8 al 11 de septiembre de 2016, Tàrrega nos volverá a acoger. ¡Ganas!

13/9/15

FIRA TÀRREGA. SÁBADO 12 SEPTIEMBRE


LOS CUERPOS. Danza. Cortez-Fontán. Argentina. 50min

Una historia de amor. Dos hombres, dos cuerpos que se buscan, que trasmiten su individualidad, que se unen en colectivo, que se buscan frenéticamente. Se encuentran, se funden, surge la pasión, esa fuerza que todo lo puede, hasta llegar al odio, a una violencia física brutal, que poco a poco nos devuelve al espacio de lo tierno.

Ramiro Cortez y Federico Fontan han arrasado en Tàrrega con su gran componente físico. Una danza complicada, no estamos acostumbrados a ella pero que impacta que deja un rastro optimista entorno a la figura del ser humano.

La iluminación ayuda a subrayar los momentos donde la intimidad se hace presente y parece que no existieran unos ojos que los miran. Y aunque para la Fira de Tàrrega se ha optado por un escenario a nivel del suelo, donde los cuerpos se empequeñecen (dependiendo de la distancia en donde te sitúes), quedan por debajo de la mirada; el espectáculo ganaría en fuerza si estuvieran con escenografía alzada y fuera el espectador quien tuviera que levantar la mirada. A pesar de ello, Los Cuerpos es un montaje de aquellos que merece mucho la pena ver por su singularidad y de los que todo el mundo habla.





MOST OF ALL, YOU'VE GOT TO HIDE IT FROM THE CHICKS. Performance. Carla Rovira. Cataluña. 60min

Este es uno de los espectáculos que tienes que hacer cualquier cosa por entrar, aunque las entradas se hayan agotado y te tengas que esconder detrás de una cortina. Maravilloso, para grandes, para pequeños, de aquellos que vas a tardar en olvidar y por desgracia de aquellos también que vas a tardar en volver uno que se le parezca o esté a su nivel. ¡Qué disfrute!

Carla Rovira monta una granja de pollos que se rebelan contra sus padres, contra los dictámenes que estos les quieren marcar porque "dicen que son adecuados a su edad". Nos explicarán qué es el teatro para ellos, qué les mueve, qué temas le interesan y que aunque les intentemos esconder las cosas se dan cuenta de todo, todo lo saben y sienten igual las cosas que los adultos, a ellos también les duele.

Maravillosa performance tanto la parte de calle como la de sala, donde te tienes que dejar llevar, no cerrarte a las propuestas y vivir el teatro como si fueras un pollito pequeño. Ávidos de nuevas aventuras y experiencias, dejarte sumergir en un mundo de posibilidades infinitas, aptas para todos los públicos interesados a ser llevados a otro lugar, donde las cosas son distintas y la palabra compartir se vuelve protagonista.

Desde la perfomance inicial con baile incluido al más estilo Maria Isabel con su "Antes muerta que sencilla", pasando por una etapa de desarrollo y conclusión que recuerda vagamente al "Rebelión en la granja" de George Orwell. En esta granja los pollos son pequeños pero tienen las ideas bien claras y saben cómo hacerlas realidad.

Irreverencia, sentido del humor, ganas infinitas de provocar pero sin olvidarnos de que la vida está para jugar y para divertirse porque si no se vuelve muy aburrida. Hemos tenido miedo de lo que nos pudiera pasar en manos de 4 pollos, pero no nos podíamos mover de nuestro sitio ante la avalancha de creatividad y buenas vibraciones que recibíamos. ¡Yo también quiero ser pollo!



WASTED. Teatro. Íntims Produccions (Ivan Morales). Catalunya. 80min

Seré sincera fue leer el nombre de Ivan Morales en el programa y lanzarme de cabeza, era imprescindible. A veces, tanta precipitación puede salir rana, pero no es el caso, ni de lejos. Para los que hayan visto Litus de Marta Buchaca el tema de la obra les resultará familiar, pero los elementos que lo acompañan son tan potentes, que el tema es lo de menos. 

Tres amigos se reúnen para pasar una noche de fiesta y rememorar a un cuarto amigo que se murió y del que todos ellos estaban muy unido por uno u otro motivo. La pérdida les dejó un gran vacío y ha supuesto para ellos que no hayan podido entrar en la edad adulta y en el fondo sigan viviendo una adolescencia eterna. Drogas, alcohol, infidelidades es la carga de una mochila que luchan por dejar atrás.

Todo pasa en una sola noche, un viaje lleno de curvas hacia la vida de estos personajes. Con Wasted, la compañía de Lleida Íntims Produccions consolida su prometedor inicio con El Lloc, del que han pasado dos años y se nota el crecimiento interpretativo de todos los actores, al mismo tiempo que la mano de Iván Morales. Éste ha sacado su mejor artillería, los fans reconocerán "el toque made in Morales" del montaje: disposición del espacio, iluminación, espacio sonoro... todo medido, todo preparado para que el público vaya maravillándose y el montaje sea de aquellos que poco a poco te va entrando a dentro para al final explotar.

Cabe apuntar la maravillosa colaboración de Los Corderos en el movimiento, tan preciso en un espacio escenográfico tan reducido, y que además en los momentos de explosión dramática consiguen electrizarte para hacerte vivir aquello que los protagonistas están sintiendo. Vibrante.

El espacio es tan especial como difícil de trasladar fuera de Fira Tàrrega. Una especie de garaje con el techo muy bajo, una sensación de claustrofobia que te hace presagiar que entras en una especie de club secreto, humedad, tierra y oscuridad ponen el resto para que la experiencia sea única e irrepetible. Larga vida a Wasted, y aunque la experiencia será completamente diferente en la adaptación a sala, seguro que más de uno quiere seguir explotando. Bravo.    



ETM: The Initial Approach. Danza. Michelle Dorrance. 60min

Las recomendaciones decían que tanto si te gustaba el claqué como si lo odiabas tenías que ver el espectáculo. Platea llena y expectante por ver el que iba a suceder en el escenario. El show comienza y la sorpresa mayúscula con él. Bailarines de primera división que mezclan, el chaqué con instrumentos de percusión, la música en directo, la danza urbana, el body percussion e incluso uno de ellos nos fascina con su voz. 

Si bien es vierto que es un espectáculo con un carácter muy comercial, sin una dramaturgia presente en otras danzas contemporáneas como el hip-hop, ETM: The Initial Approach nos muestran en un amplio abanico de ejercicios puntuales su maestría dancística.

El montaje tiene un gran pero que es la iluminación, escasa y muy simple que no ayuda nada al espectáculo, com un diseño de luces mejor se hubiera completado la espectacularidad de los pasos.

Espectáculo completo donde los haya, apto para todos los públicos y un buen inicio en el tap dance actual para aquellos que se quedaron en la época de Shirley Temple. El claqué tiene una gran tradición en Estados Unidos y aquí sólo nos llegan espectáculos de manera residual, esperemos que esta sea la primera piedra de una nueva y esperada "moda".

12/9/15

FIRA TÀRREGA. VIERNES 11 DE SEPTIEMBRE






PIANO SUITE. Teatro de humor. Teatro Necessario i Mattatoio Sospeso. Italia. 50min
Surrealista comedia que mezcla clown, acrobacias, música y danza vertical. Teatro de calle sorprende y apto para todos los públicos. De un edificio aparentemente normal aparecen tres  personajes estrambóticos con una misión, desahuciar a un pobre pianista, que se ha quedado en el paro, necesitan su piano. Él se resistirá por todos los medios a desprenderse de su instrumento y comenzará una serie de peripecias imposibles, ¿Quién se quedará con el piano?

Con una entrada directa al público, con alusiones a que este abandone el lugar para no presenciar el desahucio, la compañía Teatro Necessario comienza poco a poco a meterse al público en el bolsillo. La gente ríe pero los hábiles clowns no consiguen que nos movamos una pizca de nuestro sitio y miramos hacia arriba, porque lo mejor está por suceder. 

El mejor momento del espectáculo sucede en las alturas. Es cuando, a través de las enloquecidas acrobacias dejan boquiabierto al público, que sigue atónito cada nueva locura con ansia. Pero no sólo de acrobáticos vive el espectáculo, durante un momento, el edificio de llena de danza vertical, preciosismo vertical que provoca que el público rompa a aplaudir.

A pesar del piano, la música no tiene la presencia que desearía en el montaje. Queda relegada a un muy segundo plano donde acompaña la escena más que acapara el protagonismo. A Piano Suite le queda acabar de afinar todas las teclas para que el ritmo no decaiga en algunos momentos, aunque, eso sí las risas están aseguradas.

CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO. Teatro. Vaca 35. Catalunya. 90min

Hace dos ediciones enamoraron Tàrrega con su teatro lleno de humanidad y en esta edición forman parte de los imprescindibles de la Fira Tàrrega. Cambian de registro, de la intimidad de su anterior montaje, donde la tristeza invadía toda la escena, esta vez estamos invitados a una fiesta, aunque no podemos desvelar los detalles.

Una vuelta a los orígenes, a los recuerdos de infancia, a recordar aquellas personas que dejaron una huella en nuestra vida y ya no están, aquellos de los que aprendimos lecciones que aún nos sirven para seguir caminando.


Vaca 35 vuelve a optar por la honradez como norma de sus espectáculos, aquí no hay doblez, es un espectáculo lleno de costuras, de cocción lenta y de dramaturgia colectiva. Pequeñas historias, relatos de individuos anónimos, pero que seguramente nos recuerden a alguien, porque todos hemos sufrido el dolor de una pérdida.

Pero a pesar del dolor, la música se impone, no deja que el llanto acabe su camino mejilla abajo, como si costara hablar del pasado, de nuestros muertos, de aquellos que fueron asesinados por sus creencias, por ser quienes eran, duele y la mejor medicina para el dolor es la música, y que no pare.

A Vaca 35 se le ha unido la compañía La Rueda (anteriormente TeatroDeCerca). Es México, es Catalunya, es el mundo, somos seres humanos. Hay tradiciones, cada uno elige como honrar a sus muertos. Se nos muestra la noche de los muertos de México y su ritual, una auténtica pasada para los sentidos. Hay que dejarse llevar. Los sentimientos se te quedan a flor de piel pero te vas con muy buen gusto de boca.


LA CENA DEL REY BALTASAR. (Los Números imaginarios) Ensamble del Pastor Lobo. Teatro. Madrid. 90min

Estamos invitados a una cena muy especial, los elegidos se sentarán a la mesa, el resto se quedaran en la barrera. La compañía los Números Imaginarios hace posible lo imposible como mezclar un acto sacramental de Calderon de la Barca con teatro de inclusión del espectador.

A pesar de que la decadencia es el tema más recurrente de la obra, el parte cómica es la mejor parte del montaje. Nos recibe un hombre que sueña que es el Rey Baltasar (quien impulsó la construcción de la torre de Babel) y nos invita a cenar para rememorar sus victorias. En vez de encontrar un ambiente de alegría por la conmemoración, nos recibe un ambiente desolador, con un personaje débil, inútil y que sólo atiende al dictado de los que un día fueron sus súbditos.

La cena del rey Baltasar necesita de unas tijeras para cortarle los 30-40 minutos que le sobran al espectáculo y una lija para limar una dramaturgia donde el acto sacramental está demasiado forzado, no hay transiciones, lo que hace pensar que se ha introducido con calzador. La fórmula podía servir para representar un acto sacramental, como es el caso, como otro texto corto clásico. Simplemente se tendría que cuidar los impasses para que no se noten los saltos entre el texto y lo añadido. 

El papel del espectador es elegido por uno mismo, dependerá de las ganas de cada cual de ser más o menos activo. Te puedes quedar en la oscuridad, sentado y sin mediar palabra o puedes ser partícipe del ágape de una comida más espiritual que terrenal.


LA GENT. Pérez & Disla + Cia. Teatro. País Valencià. 70min

Como si fuera una reunión secreta nos sumergimos en una sala para decidir algo que sólo saben unas cuantas personas y que el resto asistimos impávidos a la retahíla de nombres y conceptos jurídico que no somos capaces de discernir. El juego ha comenzado, somos partícipes de una gran decisión, que tendremos que tomar al final del espectáculo.

Y aunque los organizadores nos suelten sus discursos como si fueran robots programados, el resto querrá dar su opinión y ahí empezará el debate, entre los que optan por una reunión más democrática donde todo pase por el voto de los presentes y los que les parece una burocracia excesiva tener que pedir el consentimiento general para llevar a cabo sus propuestas.

La gent es una radiografía del proceso participativo llevado al extremo. Sin llevarnos a conclusiones moralistas si nos explican cómo la democracia se rige por unas normas, con unos órganos de decisión, que consultan teóricamente a los ciudadanos cada cierto tiempo si las decisiones que han tomado les sirve para validarlos en el poder por un periodo mayor de tiempo.

No hay trampa ni cartón, el espectáculo es fresco, ágil, participativo pero sin violentar al espectador, los más tímidos y vergonzosos encontrarán un hábitat para ellos. Los actores son público y el público son actores, no hay paredes, ni caretas, todo fluye y al final te sorprendes por pensar que todo llevado al exceso, al límite se acaba por deformar, y aunque tanta participación no sea buena, La gent consigue su propósito conseguir que nos replanteemos ciertos parámetros participativos que hasta el momento se veían como inamovibles. És hora de que cadascun digui la seva.

11/9/15

FIRA TÀRREGA. JUEVES 10 DE SEPTIEMBRE


CAIDA LIBRE. Danza. Dir: Sharon Friedman. Madrid. 50min


Somos verticales, pero no siempre podemos mantener la horizontalidad. Caemos, sin fin, a veces con red, donde una y mil manos salen a nuestra ayuda, para ayudarnos a levantar, otras vez nos topamos con la horizontalidad. Todos hemos sido esa persona que levanta a otros que han optado por caer. Una y mil composiciones diferentes en caídas libres, en movimientos ágiles, constantes, a veces repetitivos, misma piedra, mismo destino: caer. La coreografía de Sharon Fridman es una constante rítmica, de movimientos acompasados pero salvajemente dispuestos y perfectamente ejecutados.




COMPRA'M. Multidisciplinar. Compañía: Insectotròpics. Catalunya. 45min


Explosión creativa que deja apabullado al público. Cuarenta y cinco minutos de intensidad feroz donde una metralleta de relatos sobre el vacío, el gusto por lo superfluo, las modas, la sociedad de consumo, los egos, los mitos se da cita en una caja de Pandora de donde sólo sale vacío y desazón. 

Insectotròpics ha creado un montaje excesivo tanto en contenido como en forma. ¿Cómo explicar el exceso de la vida actual con más exceso? Una amalgama de lenguajes escénicos (pintura música, teatro, video, cine) que poco a poco se van desgastando porque en vez de sumar, restan, existe impacto pero los minutos no juegan a su favor.

A pesar del abuso del timing, la atención queda capturada durante instantes en los que la superposición de imágenes impactan como balas en la mente del espectador, dejándole un poso de pensamiento sobre cómo vivimos, cómo queremos vivir y cómo quieren que vivamos en una sociedad donde la pérdida del individuo sobre los gustos de la masa es dominante y cómo convivimos con ello.

Compra'm consigue lo que busca el impacto, el primer estímulo para que el espectador consiga completar el discurso y vaya más allá. La primera piedra ya está puesta de un discurso más profundo que un mero impacto.

8/9/15

MIRA QUE CUESTA "AIXECAR EL TELÓ"


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Pues sí, ayer ya se abrió la temporada teatral con esa macro gala retransmitida en diferido por TV3 en la que todos querían que fuéramos de tiros largos y al final muchos optamos por los jeans. Polémicas aparte, no tengo mucho de lo que hablar. Quiero decir, yo soy la primera que me gusta una gala más que a un tonto un lápiz, pero después de ver los Tony, los Globos de Oro o los Oscars, me pones un Aixeca el teló y no hay hipnotizador que me despierte.

Y tiro de ironía porque no me gusta sufrir. Primer fallo, nos convocan a las 21h para ver a un hipnotizador de pacotilla haciéndonos mover las manos como si estuviéramos en una sesión de aqua gym de un hotel en Benidorm, si fuimos tietes en medio de la inmensidad del Liceo, bueno fueron, a mi me pilló tuiteando. 

Precisamente fue Twitter quien nos salvó del sopor, qué gran invento dedicarnos a destripar la gala a base de 140 caracteres. Pocas alabanzas en una noche donde una vez más muchos sacamos el cuchillo para hacer sangre. Si bien es el cierto que el sector no pasa por sus mejores momentos, IVA's y demás (falta de riesgo, innovación, regeneración, autocrítica...), la gala de Aixeca el teló no va a hacer entrar las ganas de entrar al teatro a nadie que ya no vaya normalmente, más bien lo contrario, salen por patas. 

Y Broadway, siempre miramos a los genios, y los intentamos copiar, pero la copia es mala, y vamos de mal en peor, ¿la solución? Si por activa y por pasiva las galas han demostrado ser inefectivas, porque no cambiamos el chip y no inventan una buena campaña de marketing online (ya que quieren captar nuevo público, que mucho me temo pero está abandonando el televisor a marchas forzadas) y hace que la gente no sienta vergüenza ajena, sino que digan "mira, esto me puede interesar". Mucho me temo que si esta era la catorceava gala, la quinceava se celebrará aunque sólo lo vean las pocas tietes que quedan sin smartphone.

Musicales, musicales, y más musicales, pero un minuto y medio de danza, parece que algo dejaron a la improvisación y una opera, entre tanta canción a parece Shakespeare, por eso de que los clásicos siempre venden. Pero nada de drama, el drama no vende. El amor sí, por eso nos inundaron de besos, que a más de uno se le debió subir el azúcar.

Las cifras para luego

Entre tanta dulzor, por la mañana a los periodistas nos habían dado los datos de la temporada pasada, nada dulces más bien amargos. Una subida de apenas el 1% con respecto a la temporada anterior, que si indagamos más bien son tablas, ya que se debe al aumento de los musicales y al descenso de butacas de alguno de los teatros más grandes de la ciudad. Obviamente los espectáculos más vistos son musicales: Mar i Cel, Sister ActPolonia, El Musical.

Para Xavier Marcé, presidente de ADETCA, hay síntomas de que esta sea la temporada de la recuperación (el año pasado dijo una cosa similar...). Con 3 puntos más de ocupación de la temporada pasada, 57,58%, hay motivos para el optimismo. Los precios se han mantenido estables, las salas pequeñas la mediana está en 11€, en las salas grandes (baja un 5,6%) entorno a los 20€, los musicales suben (32,64€) y también los del Liceo (74€, con polémica de los abonados incluida). El más afectado en precios es el teatro familiar que baja a los 9€ de media.

ADETCA se ha marcado tres objetivos para esta temporada: la bajada del IVA (incluso por debajo de lo que estaba antes de la subida), conseguir atraer a más público (para llegar al reto de los 3 millones de espectadores, ahora no se llega a los dos millones y medio) y solucionar el problema de público de los meses de mayo a agosto, en mayo porque cae estrepitosamente la afluencia y en agosto porque la mayor parte de las salas bajan sus persianas. Marcé apunta al turismo como posible aliado contra el sol en los meses donde se cambia las plateas por las playas.

Toni Albadalejo, ANEXA y organizador de la gala, afirmaba en rueda de premsa que la gala se había concebido para que los periodistas no nos durmiéramos entre tantas cifras. No sé si era coña o iba en serio, pero para la próxima me quedo nadando entre números, mucho más divertido, donde vas a parar.

6/9/15

ANDRÉ Y DORINE


DRAMATURGIA: GARBIÑE INSAUSTI, JOSE DAULT, IÑAKI RIKARTE, EDU CÁRCAMO, RONALDO SAN MARTIN
DIRECCIÓN: IÑAKI RIKARTE
INTÉRPRETES: JOSE DAULT, GARBIÑE INSAUSTI y EDU CÁRCAMO
MÁSCARAS: GARBIÑE INSAUSTI
DURACIÓN: 1h 20min
FOTO: GONZALO JEREZ
PRODUCCIÓN: KULUNKA TEATRO
TEATRE POLIORAMA

He de decir de entrada que no soy especialmente fan del teatro de máscaras, las experiencias previas que había tenido con él no habían sido del todo satisfactorias porque las máscaras no se modulan como una cara y la pérdida de gestualidad afectaba negativamente a la interpretación del montaje, pero el caso que nos atañe no ha sido así. Las máscaras que ha diseñado Garbille Insausti nos hacen olvidar que son máscaras y nos permiten ver e imaginar personajes, uno detrás de otro, tan humanos que incluso hasta asustan.

André es escritor, Dorine violinista, juntos han llegado a esa edad en el que las manías forman parte de la vida cotidiana y la hacen más llevadera. De repente, el protagonista principal hace acto de presencia, el Alzheimer, Dorine se empieza a olvidar de las cosas más básicas y es André y su hijo quien la tienen que ayudar a recordar.

André y Dorine es una tragicomedia donde el Alzheimer se trata con un cuidado extremo. La ternura, la emoción y un punto de comicidad en las acciones son las notas más características de la obra. No hay sentimentalismo, se huye de la lágrima fácil aunque no cabe duda que algunos espectadores tendrán que recurrir a un pañuelo para secárselas porque la emoción que despiertan algunas escenas se deja notar a flor de piel.

Maravillosas interpretaciones, no hay texto, toda la intensidad de la obra se juega en el apartado gestual, que con sumo cuidado desgranan los actores. La música sin letra acompaña a los cambios de escena. La escenografía, un poco alejada de la boca del escenario, en un principio, deja de parecerlo cuando el juego de luces hace su aparición. 

André y Dorine es una obra única, que emociona, invita a pensar y reflexionar lo duro que es asumir que nos hacemos mayores y que poco a poco dejamos de ser uno mismo, con o sin enfermedad. Aunque siempre habrá alguien a nuestro lado para recordárnoslo. Con el corazón en un puño, a la salida sientes unas ganas terribles de llamar a tus padres para decirles "os quiero", para recordárselo, por lo que pueda pasar. 

5/9/15

LA EXILIADA, LA NEGRA, LA PUTA, EL CARACOL Y LA MÍSTICA


TEXTO: ANNA ALBADALEJO, MARIA JOSÉ GUISADO, PEDRO LOZANO, PATRÍCIA PARDO, MARIBEL BAYONA
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: MARIBEL BAYONA
INTÉRPRETES: MARIBEL BAYONA, MARIA JOSÉ GUISADO, ALEJANDRA MANDLI y MERCÈ TIENDA
CANTANTE/ ESPACIO SONORO: VICKYLEAKS
DIRECCIÓN y CREACIÓN COREOGRÁFICA: SANTI DE LA FUENTE
DURACIÓN: 1h 20min
FOTO: EL VINCLE
PRODUCCIÓN: TEATRO DE LO INESTABLE
TEATRE TANTARANTANA

Ser mujer es complicado, se es una y muchas a la vez. Vivimos de sueños, de miedos, de deseos, de cosas inalcanzables. Amamos, respiramos, sufrimos, reímos, escuchamos, nos aterramos y a veces todo a la vez. Somos libres pero vivimos encerradas la mayor parte del tiempo en cárceles que nos auto creamos. Somos dueñas de nuestro destino, y lentamente tenemos de romper las cadenas y salir a alcanzarlo.

La exiliada, la negra, la puta, el caracol y la mística son 4 mujeres o cinco que buscan su centro, su equilibrio en contraste de todo lo que sucede a su alrededor, de sus perturbaciones, de sus miedos, de aquello que no les deja avanzar y que las encierra una vez más en su cueva, en su cárcel personal, en su propio yo.

El montaje a medio camino entre la coreografía y el teatro de texto potencia con su puesta en escena su lado más poético. Después de un inicio tristemente desperdiciado, ya que le cuesta arrancar, entramos en los submundos personales de estas mujeres, pequeñas escenas, en modo monólogo o con diálogos entrecortados. Coreografías de libertad, aunque por momentos todas parecen seguir el mismo ritmo, son autómatas, están presas, ya lo dicen "la libertad es la cárcel más grande del mundo".

Con un texto difícil con frases simples, cortas, directas, de las que te hacen pensar, preguntarte qué, cómo, dónde, cuándo y una puesta escena onírica con una iluminación milagrosa que resalta, acentúa y deja volar la imaginación. Sensacional la ruptura de la cuarta pared, con un juego metateatral que al principio descoloca al espectador, inesperado, pero que poco a poco acaba de cuadrar las piezas del puzzle. La guinda del pastel corre a cargo de Vickyleaks y su espacio sonoro, una voz que choca, extraña pero potente a medio camino entre la rabia y la ternura.

Esta vez sí, a la salida de la sala había pasado algo, todavía tenía interrogantes de lo que había sucedido en escena, aquello que mis ojos no consiguieron descifrar, aquello para los que otros tenían respuesta. En el teatro como en la vida, no todo tiene que tener un sentido.