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26/7/17

DOUAR



DIRECCIÓN ARTÍSTICA y COREOGRAFIA: KADER ATTOU
INTÉRPRETES: SIM’HAMED BENALIMA, FOUAZ BOUNECHADA, AMINE BOUSSA, MABROUK GOUICEM, RACHID HAMCHAOUI, SALEM MOUHAJIR, CHAOUKI SAÏD y HICHEM SÉRIR ABOALLAH
MÚSICA: MANUEL WANDJI
DURACIÓN: 60min
FOTO: JOAO GARCIA
PRODUCCIÓN: CIE ACCRORAP-DIRECTION KADER ATTOU
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

La inmigración como punto de partida y de final. Douar nos habla de esos inmigrantes que han conseguido el sueño, algunos ya de segunda generación que desde el confort de su casa en un país occidental como puede ser Francia miran con anhelo lo que pasa en su país de origen, Algeria. Las danzas urbanas son el lenguaje vertebrador para explicar la historia de estos jóvenes de diferentes países pero con algo en común, viven en un país, donde sueñan con la libertad y el ascenso social pero sueñan con el país de sus padres.

La sala MAC se nos abre con un letrero luminoso, un anuncio de locutorio en francés que anuncia las maneras de comunicación con el país de sus sueños. Poco a poco de él van surgiendo los nueve bailarines de la pieza. Rap, Hip-Hop, todo un serial de danzas urbanas, combinadas en determinados momentos con algún momento de teatro de gesto. Poderosísima capacidad de sorprender al público con las acrobacias de este tipo de danza.

Se combinan momentos con un ritmo más rápido, pero también momentos en los que se necesita tocar la fibra. El principal es el momento donde la inmigración se ha hace más visible en modo paquete/maleta envuelta y atada con cinta de embalaje. Su travesía por el desierto, ese que tanto a costado alcanzar y que cada uno vive a su manera, con mayor o menor resignación, con más o menos aceptación.

Se echa de menos algún personaje femenino en un elenco totalmente masculino. El papel de la mujer en la inmigración vuelve a quedarse en un segundo plano. Como ya pasó en el caso de Halka (en aquel caso había dos mujeres), aquí directamente se interpreta en masculino. En la ficha artística quedan relegadas al diseño de vestuario.

Douar son sesenta minutos intensos de entretenimiento para aquel espectador que no necesite ir más allá, pero que dan que pensar. Un más que interesante discurso entre medias de las diferentes disciplinas de danza. Uno de los dos espectáculos de danza más interesantes de este Grec 2017, juntamente con We love arabs, que han conseguido convencer con un discurso que transpasa la danza.

24/7/17

CINE


AUTORÍA, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ITSASO ARANA y CELSO GIMÉNEZ
INTERPRETACIÓN: ITSASO ARANA, FERNANDA ORAZI y PABLO UND DESTRUKTION
VOCES: ROBERTO BALDINELLI, JAVIER GALLEGO, MIREN IZA, EDUARDO G. CASTRO y ADRIANA SALVO
DURACIÓN: 85min
FOTO: MARIO ZAMORA
PRODUCCIÓN: FESTIVAL DE OTOÑO A PRIMAVERA DE MADRID, LAS NAVES. ESPAI DE CREACIÓ DE VALÈNCIA y LA COMUNIDAD DE MADRID
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM, GREC 2017)

Desconcertada tras ver uno de los montajes más esperados de este Grec 2017. Y no porque no fuera sobre cine. El título hace referencia a kiné, que en griego quiere decir movimiento. El mismo que empuja al protagonista a buscar sus orígenes. Sino porque por muy preciosista que puede parecer el montaje desde fuera y lo interesante del tema, la dramaturgia se ha quedado a medio camino, en un quiero pero no puedo.

Cine habla de uno de los más de 300.000 casos de niños robados en España entre 1930 y 1980. Una historia como hay miles, pero en la que su protagonista que al igual que el espectador inicia su viaje para saber quiénes son sus padres biológicos y ese viaje es el espectáculo. De Madrid a Donostia, Italia y Barcelona. Entre medio de la historia principal, otras historias y el público mientras tanto disfruta de la más que notable banda sonora del espectáculo.

Una mezcla entre imaginación, realidad y ficción que desde la platea, a veces, es preciosista, a pesar de la tragedia, de la falta de respuestas que recibe el protagonista, y de aquellas respuesta que hacen daño. Historias que durante años se han escondido y que a pesar de haber salido a la luz, no importan a la mayoría de los que podrían aportar un poco de luz entre tanta oscuridad.

Desde la primera sorpresa que se lleva el público nada más entrar en la sala, veremos todo el espectáculo con unos cascos (headphones) puestos, una decisión que más allá de subrayar la incomunicación que sufre el protagonista buscando respuestas a su situación no es demasiado entendible. Entre la escena y la platea también existe un telón transparente que nos deja entrever las diferentes acciones, pero que da la sensación de estar viendo cine, de esa especie de pantalla que no buscas cuando lo que quieres es disfrutar del teatro. Definitivamente son dos elementos que alejan al espectador de lo que llamamos magia del teatro.

La misma pantalla nos deja apreciar la multiplicidad de capas que tienen los personajes que interpreta, una siempre brillante Fernanda Orazi, que no vemos tanto como nos gustaría por tierras barcelonesas. Es una pena que, por ejemplo, la escena de la cafetería queda lejos de los ojos del espectador, al fondo del escenario de la OM, me hubiera encantado poner cara a lo que sólo fueron palabras, y eso que estaba sentada en la quinta fila, no me quiero imaginar si hubiera estado en la última.

La disposición de los elementos en el escenario es difícil de explicar en un espectáculo que ganaría mucho con la cercanía del público. Al igual que es difícil de discernir el porqué de la dramaturgia. Si bien es cierto que se basa en una historia real, no entiendo que esté tan poco vestida. Ya no sólo de la manera abrupta que tiene de acabar, que porque el intérprete de la canción final te dice que el espectáculo ha acabado sino seguirías esperando que alguien colgara el The End

No sólo le falta ritmo, cosa que es evidente, en casi 90 minutos se pueden explicar uno y mil casos, sino también profundidad, es como si se pasara por la historia de puntillas. Una cosa es que sea un tema delicado y otra bien diferente es que lo cubramos todo con un velo que sólo nos deje ver parte de la historia. Ritmo, profundidad y crítica. El dramaturgia pasa de puntillas por la historia y se moja tan poco que ni siquiera se atreve a juzgar o a provocar al público para que juzgue por sí mismo. Si una de las funciones del teatro es la de provocar preguntas o cuestionar ciertos temas, Cine me ha dejado con el símbolo de pregunta bien abierto.

20/7/17

UTOPIA



DRAMATURGIA: PAU MASALÓ y FERRAN DORDAL
DIRECCIÓN: PAU MASALÓ
INTERPRETACIÓN: CRISTINA ARENAS, EDUARD AUTONELL, MELCIOR CASALS, MARINA CONGOST, ÀLEX MOREU y JÚLIA RODÓN
DURACIÓN: 80min
FOTO: ALFRED MAUVE
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA y COMPANYIA IGNÍFUGA
SALA HIROSHIMA (GREC 2017)

Un gran mesa alargada nos recibe nada más entrar en la sala; a la izquierda un pequeño apartamento como escondido en la oscuridad. Sobre la mesa un pantalla. Como se nos introduce en el programa de mano estamos delante de un collage de experiencias ante el significado de la palabra 'utopía'. 

En la mesa nos reciben sentados 5 actores/conferenciantes: Cristina Arenas, Eduard Autonell, Melcior Casals, Marina Congost y Júlia Rodon. La línea que separa el personaje del intérprete es fina. Siguiendo por la moda de mantener el nombre del actor al personaje se busca la máxima naturalidad. Melcior Casals ejerce de sabio, el será el encargado de exponer las diversas teorías político-social-filosóficas entorno al concepto de utopia. El resto de los ponentes se dedicarán a intentar entorpecer el discurso, intentando aportar sus propias experiencias para aportar ritmo.

Entre esas piedras en el camino del Melcior destaca una sublime Cristina Arenas, que utiliza la mejor arma, el humor. Sus acotaciones son hilarantes. Al igual que Marina Congost que intenta contener la verborrea filosófica de su compañero de mesa, pero que al no conseguirlo, las caras y los gestos que nos muestra son memorables.

La mesa representa la parte teórica de la utopía, la explicación de aquello que algunos han soñado con alcanzar en algún momento de sus vidas. A su lado nos encontramos una habitación donde reside Àlex Moreu, que harto de la vida en la ciudad, de tener que actuar por intereses, se marcho a vivir al campo en una cabaña, con sus normas e intentando sobrevivir sin o con poco dinero. Volviendo de alguna manera a recuperar la vida de las sociedades primitivas: el trueque, el cooperativismo, las personas. Él vive en su propia utopía, ha creado su comunidad utópica. No todo es teoría también hay práctica.

Entre medias encontramos la Barcelona del 92, una versión de la canción infantil ‘Big Rock Candy Mountain’, un viaje a la India con el posterior descubrimiento de la comunidad utópica Auroville, la relación entre el arte y la utopía, el utópico de casa nostra: Perejaume o incluso la utopia de ‘Las tres hermanas’: no hay nada más utópico que querer viajar a Moscú. 

La mezcolanza que en un montaje normal seria too much, la Companyia Ignífuga con la fantástica dramaturgia de Pau Masaló i Ferran Dordal (ganadora del Premi Adrià Gual 2016, que otorga el Institut del Teatre) ha conseguido dotarlo todo de un sentido y de que mientras te ríes de los momentos más surrealistas del montaje, esa surrealidad te lleve a cuestionarte las preguntas que subyacen continuamente del mensaje.

Utopia es un montaje crítico con la sociedad hipócrita que nos rodea, aquella que busca su propia utopia, a medio camino en una búsqueda de la felicidad pero siempre desde la búsqueda del propio beneficio. El público no es un agente pasivo, durante todo el espectáculo si per propia voluntad, cada persona no se ha cuestionado así misma, tendrá su momento final para hacerlo, aquí nadie sale indemne. 


PS: La camiseta de Marina Congost no tiene desperdicio. Es toda una pequeña utopía en sí misma. De modo general, creo que todavía no. Pero la Companyia Ignífuga está poco a poco poniendo su pequeña gota, su aportación, en ese mar general.

19/7/17

ONES



DRAMATURGIA: CREACIÓN COLECTIVA DE ONA BENEÏT, JOAN TOMÀS MÁRTINEZ y JOAN FULLANA
DIRECCIÓN: JOAN FULLANA
INTERPRETACIÓN: ONA BENEÏT
DURACIÓN: 50min
FOTO: ONES
PRODUCCIÓN: COL·LECTIU ONES con la ayuda de ILLENC
MERCAT DE LES FLORS (PB, GREC 2017)

Nada más entrar en la sala nos encontramos a la protagonista jugando a unos de esos juegos tan adictivos de juntar joyas o alguna cosa similar. Nos pide una partida más, y es que esto va de redes, de aplicaciones, de estar todo el día mirando para una pantalla como si nos tuviera absorbidos el cerebro, bueno quizás ya hace tiempo que nos lo absorbió.

Ones es un espectáculo con un objetivo claro, atraer a ese público joven que pasa sus horas muertas delante de la pantalla, pero intentando hacerle pensar en algo más, que detrás de cada nick de las una y mil aplicaciones que manejamos cada día: Facebook, Whatsapp, Tinder, Instagram… hay una persona, un ser humano que piensa, actúa, que tiene sentimientos y miedos. 

En este monólogo, la propia Ona se va preguntando si la tecnología lo ha invadido todo para siempre, si el ser humano ha dejado de mirarse a la cara, a hablarse, a compartir ratos juntos sin estar conectados mediante una pantalla de móvil. En definitiva si el ser humano está destinado a desaparecer. Al mismo tiempo se nos enseña la impaciencia en la que vivimos y lo que estas aplicaciones han conseguido, no sólo que estemos pendientes constantemente del aparato, sino que sólo nos interesa lo más inmediato y no vamos más allá.

El discurso que se desprende del montaje es de sobras conocido, lo hemos sentido antes. Con todo y eso, Ona intenta rellenarlo con anécdotas propias, su miedo a morir y su deseo de convertirse en ‘amortal’, una persona que sólo pueda morir por accidente y no por enfermedad. Un toque científico fuera de las Ones, o una conexión más profunda de la que una aplicación nos puede ofrecer.

Al hablarnos de un tema tan conocido, a Ones le falta ritmo. A pesar de que su duración es menos de una hora, el montaje cae en la repetición y el ritmo se vuelve lento y no acaba de conectar con un público que ya ha superado la adolescencia. Eso sí, cabe destacar la facilidad expresiva Ona Beneït que le da al monólogo un tono de naturalidad desde el principio. Quizás, simplemente habiendo pulido un poco el ritmo dramatúrgico, el público no caería en un dejà vu, de esto ya me suena.

EL BUIT



BASADO EN EL LIBRO EL BUIT DE ANNA LLENAS
IDEA ORIGINAL DEL ESPECTÁCULO: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS y SERGI OTS
ADAPTACIÓN ESCÉNICA, CREACIÓN y DIRECCIÓN: SERGI OTS
CREACIÓN y COREOGRAFIA: CIA ESTAMPADES y CIA IMPÀS
INTÉRPRETES: BERTA ESCUDERO, ELENA MASÓ, NEUS MASÓ, MARIONA MOYA y PAULA RADRESA (según reparto)
DURACIÓN: 45min
FOTO: EL BUIT
PRODUCCIÓN: CIA ESTAMPADES, CIA IMPÀS, FESTIVAL TEMPORADA ALTA 2016 y KREAS- AJUNTAMENT DE GIRONA
MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2017)

Al entrar en la sala nos encontramos una caja blanca, el escenario y dentro de él otra caja blanca enorme con ruedas, que poco a poco se le irán quitando las capas, cual cebolla y se despertará la magia. Con un inicio muy marcado por la presencia de la danza, el espectáculo va mutando hacía un circo más orgánico, cuerda, acrobacias, rueda…

El buit es una espectáculo concebido para ser disfrutado a partir de los cinco años, pero una se pregunta en platea si los temas de los que trata están lo suficiente pulidos para que niños de esta edad puedan comprenderlo más allá de que visualmente sea precioso, toda una maravilla, para grandes y pequeños.

El miedo, ese factor implacable que nos encontramos en nuestra vida, el encontrarse con un agujero interior, cómo establecer la relación con ese miedo interior a hacer cosas, a tirarnos a la piscina sin pensárnoslo dos veces son los temas principales del montaje. El buit realiza toda una investigación sobre ese vértigo que no nos permite avanzar y nos muestra cómo ir venciendo al monstruo que hará que poco a poco el agujero se vaya empequeñeciendo.

Todo esto sin mediar una palabra, simplemente basándose en técnicas de circo y movimiento/danza. Además de la amplia riqueza visual con la que cuenta el espectáculo, según los entendidos del teatro familiar, estamos delante de un espectáculo de otra división, a lo que están acostumbrados a ver, el humor también tiene un peso importante. La incertidumbre se lleva mejor con una sonrisa.

Sin olvidarnos que tenemos la platea llena de infantes, y el mensaje tiene que ser positivo al final. Un final lleno de color que contrasta con la predominancia de los colores neutros del resto del espectáculo, donde la iluminación de Pep Arumí y Maria Martín pone el toque cálido a la acción. La escenografía de la Cia Estampades, la Cia Impàs, Laura Martín y Sergi Ots es excepcional. De hecho el montaje técnicamente supone un importante salto hacia delante del tradicional teatro familiar. Andreu Vilar Juanola es el encargado de la composición musical que supone la cuadratura perfecta del círculo.

El buit es un espectáculo valiente que trata al público de tú a tú, sin importarle si tiene cinco o ochenta años. Al fin y al cabo los miedos, aunque vistan un traje distinto aparecen cuando somos pequeños y, en la mayoría de casos, nos acompañan también durante buena parte de nuestra vida adulta.

15/7/17

PERRA DE NADIE



CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: MARTA CARRASCO
COLABORACIÓN ARTÍSTICA (VIGILANTES DE LA NOCHE): DOMINIQUE FALDA
DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: MARTA CARRASCO, PEP CORS y ANTONI VILICIC
CREACIÓN DE LA BANDA SONORA: MARTA CARRASCO
DURACIÓN: 60min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: COMPANYIA MARTA CARRASCO
SALA HIROSHIMA (GREC 2017)

Si hay una palabra que describa mi estado durante la hora de duración del espectáculo sería embelesada. La potencia escénica de Marta Carrasco me produce que no pueda despegar los ojos de sus actos. Con un público cómplice, Perra de Nadie recupera la figura de Lili, ya presente en su último espectáculo B-Flowers, y la transforma en una perra, para transcurrir por sus espacios más íntimos, allá donde nadie llega. Del maltrato inicial, a la liberación, la vuelta a la infancia, y finalmente un empoderamiento más que merecido después del viaje. 

A pesar de que el título podría presagiar una dureza temática, y la hay no hay duda, la manera con la que Marta Carrasco comienza el espectáculo, apelando a la ternura del espectador, deja a éste totalmente descolocado, profundamente tocado para todo lo que le espera después. La ternura se acaba, el montaje transita hacia momentos más oscuros. Impresionante, un impacto directo al corazón la escena de ‘gallinita ciega’ donde una venda cubre por completo su cabeza, incluyendo la cara, silencio sepulcral en la platea.

Perra de Nadie es un montaje que exige el dos cientos por cien de la artista y no cabe duda que Marta Carrasco se entrega y se deja la piel en el escenario. Además de las escenas visual y plásticamente más impactantes, el espectáculo destaca por su impresionante banda sonora, temas todos ellos escogidos por la propia Carrasco que van desde el mítico ‘Can’t take my eyes off you’ a ‘Gracias a la vida’ que popularizó Violeta Parra, pasando por ritmos más dance, bajo la sorpresa de los presentes.

Marta Carrasco pasa por todas las pieles, una de sus momentos más irreverentes es su transformación hacia lo que podría ser un conservadurismo americano de los años 60 mientras baila de una manera explícitamente sensual. La plasticidad estalla sometida a los dictámenes de lo que sería un burka, totalmente tapada, en una imagen que no ya por común, se hace más fácil de asumir.

Perra de Nadie acaba de manera performática, asumiendo otro tipo de piel, metiéndose en la piel de otra mujer, de otra perra de nadie, quizás la más libre de todas, sin cadenas y bajo una libertad creativa que le da un supuesto anonimato. Anónimas pero bien presentes, y parafraseando a Violeta Parra, “el canto de ustedes que es mi mismo canto”, las mujeres de Perra de Nadie son vivas y libres. 

Poderosísimo grito de libertad de Marta Carrasco que consigue poner al público de pie, en uno de los aplausos más largos y sonoros de lo que va de Grec 2017. Profundamente tocada y con la piel de gallina abandono la sala, más empoderada que ayer pero seguro que menos que mañana. Bravo y gracias, Marta!

CLEAN CITY



AUTORIA y DIRECCIÓN: ANESTIS AZAS | PRODROMOS TSINIKORIS
DRAMATURGIA: MARGARITA TSOMOU
INTÉRPRETES: LAURETTA MACAULEY, ROSITSA PANDALIEVA, FREDALYN RESURRECCION, DRITA SHEHI y VALENTINA URSACHE
DURACIÓN: 70min
FOTO: CHRISTINA GEORGIADOU
PRODUCCIÓN: ONASSIS CULTURAL CENTRE-ATHENS y GOETHE INSTITUT, dentro del proyecto EUROPOLY
TEATRE LLIURE (FABIÀ PUIGSERVER, GREC 2017)

Clean City es una manera de ver y explicar la situación de Grecia actual y de los años más duros de la crisis desde la perspectiva de los inmigrantes. El título del espectáculo hace alusión al lema que durante los peores momentos de la crisis económica resonaba en el país “Hacer Limpieza” y los griegos que necesitaban una cabeza de turco miraron directamente a los inmigrantes para culpabilizarlos de la situación. Inmigrantes sí, pero también mujeres, mujeres que se dedican a limpiar, mujeres de la limpieza. La limpieza entendida como un todo, como una excusa, el neofascismo y los ‘nuevos’ grupos neonazis en la lejanía, la respuesta para ejecutar esa limpieza.

La dramaturgia de Clean City está basada en los testimonios reales de las cinco mujeres de la limpieza venidas de aquí y de allá: Filipinas, Bulgaria, Albania, Sudáfrica… Cada una con sus diferencias y similitudes. Con el humor como excusa para ver la vida de la mejor manera nos empiezan explicando cómo fue su llegada a Grecia, porqué eligieron el país, si hubo o no reagrupación familiar y cuánto cuesta vivir. Lo que sí han tenido claro siempre es que trabajaban duro para que a su familia no le faltará nada y sobre todo para que sus hijos tuvieran una vida mejor que la suya. 

Impresionante oír sus testimonios de sus propias voces y en sus propias carnes. Su empoderamiento como mujeres delante de la adversidad, tener que abandonarlo todo para buscarse la vida, todo un ejemplo de superación diaria, para que un día llegue la crisis y sean las primeras en sufrirla, con un recorte de derechos, de salarios, de vida, de futuro. Ni una lágrima, simplemente el convencimiento de que la vida sigue, y la de sus hijos será muy diferente a la de ellas.

Sus parlamentos de cara al público se mezclan con números musicales interpretados también por ellas como ‘She work hard for the money’, que a pesar del contexto despierta más de una sonrisa en la platea. Clean City es un montaje de aquellos que te toca la vibra y el final no podía ser menos, la emoción a flor de piel. Una gran demostración de ternura. Después de llevar 20 años de vida trabajando duro para sobrevivir en su país de acogida, ahora éste las trata como ciudadanas de segunda. Espectáculos como Clean City sirve para dar voz a aquellas historias que se esconden de la luz pública, pero no debería quedarse en una simple denuncia pública de su situación. Un ejemplo de lo que en nombre de la ‘verdad’ nos esconden. Bravo!

13/7/17

HALKA



CREACIÓN e INTERPRETACIÓN: GROUPE ACROBATIQUE DE TANGER (NAJWA AARRAS, MOHAMED TAKEL, AMAL HAMMICH, MOHAMMED HAMMICH, MUSTAPHA AÏT OUARAKMANE, ADEL CHÂABAN, MOHAMMED ACHRAF CHÂABAN, MHAND HAMDAN, ABDELAZIZ EL HADDAD, SAMIR LÂAROUSSI, YOUNES YEMLAHI, OUAHIB HAMMICH, HAMZA NACERI y HAMMAD BENJKIRI)
COLABORACIONES ARTÍSTICAS y ACROBÁTICAS: ABDELIAZIDE SENHADJI, AIRELLE CAEN y NORDINE ALLAL
COLABORACIÓN EN ACROBACIAS MARROQUINAS: MOHAMMED HAMMICH (PADRE)
COMPOSICIÓN MUSICAL: XAVIER COLLET
DURACIÓN: 60min
FOTO: RICHARD HAUGHTON
PRODUCCIÓN: ASOCIACIÓN HALKA (PARÍS) y SCÈNES DU MAROC (TANGER-MAROC)
AMFITEATRE GREC (GREC 2017)

No hay edición del Festival Grec que se precie sin una sesión de circo en el Anfiteatro. Preparados para saltos y acrobacias de todo tipo, la sorpresa es mayúscula con la inmersión acelerada en la cultura árabe. No sólo de circo vive el hombre, el Groupe Acrobatique de Tanger despliega música, teatro de gesto, circo y danza en menos de una hora, y evidentemente se mete al público en el bolsillo sin mediar una palabra.

Humor, mucho humor con el que está regado todas sus intervenciones, hacen magia de lo imposible, qué persona ‘normal’ es capaz de sostener seis hombres, “ni seis niños” escuché a uno decir al salida. Acostumbrados a ensayar en la arena, en el Anfiteatro les esperaba linoleo, pero no es problema, porque pronto lo adecuan a su lugar natural, en una escena preciosa.

Suma de culturas, como el momento de taconeo, acompañado por una música árabe. Dos mujeres entre tanto hombre. A veces como directoras de escena, otras, la mayoría, con un papel secundario. En las grandes acrobacias los protagonistas son ellos, quizás no puedan aguantar el peso de seis hombres, pero se echa en falta un poco más de protagonismo femenino, para no acabar cayendo en el tópico una vez más que la cultura árabe menosprecia a las mujeres.

Para el tramo final se reservan las acrobacias más espectaculares, como los castillos humanos que parecen imposibles, los saltos que hacen pensar con qué material estarán fabricados estos seres. Falta eso sí, en algunas actuaciones un movimiento más orgánico, no dejar al espectador ver la antesala del número, esa preparación de manos previa que te hace presagiar qué puede ocurrir de inmediato. 

Si algo nos ha enseñado el Groupe Acrobatique de Tanger con Halka es a apreciar la cultura, que en la mayoría de ocasiones, como en este caso no es pura sino que es la suma de aquellos que han ido dejando su huella. Qué grande es el mundo, señores! 

AIRE



IDEA ORIGINAL y DIRECCIÓN: MIQUEL G. FONT
DRAMATURGIA: MARC CHORNET
COREOGRAFÍA y COMPOSICIÓN MUSICAL: MIGUEL G. FONT
INTÉRPRETES: GEORGINA AVILÉS SARRIAS, EMMANUEL DOBBY, MAYA GÓMEZ, JUSTYNA KALBARCZYK, JORI KERREMANS, NIMROD POLES, TIMEN STEMERDING y LAIA VANCELLS PI
ACTOR INVITADO: JAUME MADAULA
INTERPRETACIÓN MUSICAL: COR CIUTAT DE MATARÓ
DURACIÓN: 80min
FOTO: ALFRED MAUVE
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA y HABEMUS CORPUS
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

Ocho personajes acaban de morir, se encuentran en el limbo con la incertidumbre de seguir el camino que les marca la muerte o dar vuelta atrás. Basada en hechos reales, según afirma su creador Miquel G. Font, la pieza es una mezcla de lenguajes, movimiento, danza, música y audiovisual.

Contando con la dramaturgia de Marc Chornet, era de esperar que ésta estuviera mejor estructurada que la que encontramos. Cuatro partes bien diferenciadas: el inicio con un corto que nos explica como han llegado hasta allí, el despertar del sueño, el descubrimiento de su nueva realidad y la transición o no hacia la nueva realidad. 

El espectáculo tiene un gran problema, aún partiendo de una buena idea, la ejecución del tiempo lastra cualquier posibilidad de disfrute. Tanto las escenas de descubrimiento de la nueva realidad como la de transición hacia ella están excesivamente alargadas. Movimientos repetitivos, una repetición extenuante que se traslada también al espacio sonoro. La música acompaña a la perfección a todo este conjunto de repeticiones sin fin y lo que al principio resulta hasta molesto después se convierte en un elemento más, que si no te fijas ni lo escuchas.

Con algunos momentos de danza en su sentido más clásico, Aire se centra sobre todo en el movimiento orgánico de los cuerpos de los protagonistas. Y quizás hubiera sido la parte que resultara más interesante de todo el montaje, pero es ahí donde reside el cúmulo de repeticiones. Sin duda la parte coreografiada de todos los personajes al unísono saca al espectador del ensimismamiento y le mete por un instante de nuevo en la pieza. 

En la parte final destaca la incorporación del Coro Ciutat de Mataró que cierra la pieza de forma impactante a modo de requiem. Quizás los minutos finales, una vez acabada la dura y pesada cuenta atrás (cronometrada) sea lo más interesante de la obra, aunque por sí sola no sea suficiente para salvar el espectáculo del abismo.

12/7/17

PARAULES ENCADENADES



AUTORIA: JORDI GALCERÁN
DIRECCIÓN: SERGI BELBEL
INTERPRETACIÓN: DAVID BAGÉS y MIMA RIERA
DURACIÓN: 105min
FOTOGRAFIA: IVAN MORENO
PRODUCCIÓN: BITÒ
LA VILLARROEL (GREC 2017)

Hace más o menos una década cuando el boom de la dramaturgia catalana estalló (más de diez años después de que se escribiera Paraules Encadenades) preguntándole a sus protagonista por si escribían sus textos con el afán de que perduraran, la respuesta general era un ‘no’ rotundo. Eran textos para el consumo de hoy, actual, que si cuando pasen veinte años alguien los sacaba del cajón, quizás no entendería nada.

En mayor o menor medida es lo que le pasa a Paraules Encadenades, veintitrés años después hay muchas cosas que chirrían en nuestros oídos, y si eres mujer más. Mientras veía la obra me preguntaba qué sentido tenía haberla recuperado del fondo del cajón, si no hay textos en el mundo para recuperar, de autores catalanes o extranjeros, y no fui capaz de darme respuesta. 

Quizás a mediados de los noventa, cuando fue escrito y estrenado, el discurso machista, misógino y homófobo que desprende el texto no se concibiera como tal, y los oídos de los espectadores de entonces no estuvieran acostumbrados a escuchar las ‘lindezas’ que salen por boca de los protagonistas, sin excepción de género. Pero en el 2017 produce cuanto menos un sentimiento de repulsa y asco.

Lo que sí ha perdurado en el tiempo es el dibujo de la personalidad del psicópata, los libros no engañan y Jordi Galceran siguió en su momento la teoría palabra por palabra: obsesión con la figura de la madre, creerse una persona normal que ha enloquecido momentáneamente a partir de un determinado suceso en la vida… Pero, incluso en este punto el paso del tiempo también ha hecho mella. El paso del tiempo y la cantidad de series de televisión protagonizadas por psicópatas que hemos visto, quien más quien menos, en las últimas dos décadas. 

Gracias a las grandes interpretaciones de Mima Riera, por la que hemos sufrido durante todo el espectáculo y David Bagés, que ya no es la primera vez que borda el personaje de malo malísimo, el espectáculo tiene un bote salvavidas en el que guarecerse del vendaval. La puesta en escena con la escenografía de Max Graenzel, el diseño de iluminación de Kiko Planas nos regala una atmósfera de absoluto thriller. Al igual que el espectacular diseño sonoro de Jordi Bonet, que helará la sangre a más de uno.

Sin haber visto el espectáculo de estreno hace veinte años, tuve la curiosidad de leer el texto hace algunos años y siempre había imaginado que si se volvía a representar habría que modificar algunos aspectos en la dramaturgia. No ha sido el caso, simplemente se ha añadido un par de frases sobre la independencia de Catalunya, de lo más superfluo. Si se hubieran invertido los mismos recursos que se han utilizado en la puesta en escena en la adecuación de la dramaturgia al 2017 estaríamos hablando, probablemente, de uno de los mejores montajes del Grec 2017, pero viendo el resultado final se tendrá que conformar con el aprobado.

11/7/17

INVISIBLES



DIRECCIÓN: JOAN ARQUÉ y JOAN RAMON GRAELL
INTERPRETACIÓN: DEBORAH COBOS, JORDI SERRA i BALERI, TOMEU AMER GALMÉS, GRISELDA JUNCÀ, BLAI JUANET SANAGUSTÍN y MARC SASTRE
COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: MARC SASTRE y BLAI JUANET SANAGUSTÍN
DURACIÓN: 60min
FOTO: CARLES CALERO
PRODUCCIÓN: ATENEU POPULAR 9 BARRIS
MERCAT DE LES FLORS (OM, GREC 2017)

Invisibles es un espectáculo que habla de las huidas, ya sean obligadas por motivos de guerra, hambre, por miedo o por otro tipos de problemas. ¿Quién no ha huido alguna vez de algo? Está huida se ve representada en formato de circo. Este es uno de los montajes familiares que propone el Festival Grec de este año. 

La música en directo, en su gran mayoría, se agradece desde el principio. Incluso cuando el número requiere una gran concentración, la música se convierte en silencio, apreciado desde platea como un síntoma inequívoco de tensión. También destaca el acertado diseño de iluminación de Adrià Pinar, que consigue dar al resultado un toque de magia y de calidez, como si estuviéramos en casa.

Como ya viene siendo tradicional en el circo contemporáneo, los equilibrios funcionan sobre cuerdas, sobre la rueda de metal, sobre las escaleras y sobre el trapecio. Todo ello consigue los aplausos del público, pero quizás el mejor número, y a la vez el más aplaudido, es el de la trapecista. La compañía, en su búsqueda por llegar al corazón del espectador, ha buscado un circo muy teatralizado y eso se nota en el ‘trato’ con el público. 

Los artistas no buscan las perfección, dominan la técnica, pero ya lo expresan en el programa de mano, prefieren mostrarnos su capacidad pero sobre todo su corazón, antes que buscar la perfección, excusa o no, la verdad es que no hay perfección ni gran espectacularidad de compañías internacionales, pero el espectáculo se sirve de pequeños detalles y se meten el público, grande y pequeño en el bolsillo enseguida.

WE LOVE ARABS



COREOGRAFÍA y DRAMATURGIA: HILLEL KOGAN
INTERPRETACIÓN: ADI BOUTROUS y HILLEL KOGAN
MÚSICA: KAZEM ALSAHER y WOLFGANG AMADEUS MOZART
DURACIÓN: 55min
FOTOGRAFIA: GADI DAGON
PRODUCCIÓN: DDD
MERCAT DE LES FLORS (PB, GREC 2017)

Que poco acostumbrados estamos a la autocrítica y la mayor parte de las veces que se producen queda reflejada de una manera pomposa, que es como pensar que no sabemos para qué se ha llevado a cabo. Hillel Kogan no sólo se atreve a criticar la denominada ‘Alianza de Civilizaciones’, la mirada hacia el otro, el ser diferente, sino que ataca los cimientos de la danza, en una especie de ‘postureo’ simbólico del artista versus su arte.

Los espectadores realmente asistimos a lo que sería un ensayo, el inicio de la preparación de un supuesto espectáculo que se representará próximamente en un lugar del desierto, en un festival creado para la ocasión, una especie de maratón creativo de tres días de duración. Y, aunque a ‘su protagonista’ no sea amigo del texto en los montajes de danza, sino de expresar sentimientos, emociones y vida a través del cuerpo, nuestra experiencia como espectadores es haber asistido a una conferencia sobre y con danza, pero sobre todo con mucho humor.

Un judío y árabe, que no musulmán, son los protagonista de esta unión que no hay muro que los separe. Un intento por destruir los símbolos del conflicto y de ir más allá. Una crítica, desde el humor, de cómo la tolerancia no siempre se resuelve en el respecto al otro. Cómo desde una idea propia de cómo mover el cuerpo para describirse es todo un conflicto dependiendo de los ojos con los que se mire.

Un tópico seguido de otro irá pasando por nuestros ojos para que con un simple discurso o movimiento seamos capaces de visualizar que nuestro supuesto respeto hacia el otro, hacia lo que desconocemos, queda resquebrajado. El como el humo de la última escena, se diluye, lo nubla todo. Todo menos el humor, la pieza clave de este montaje. Gracias a él, las palabras, las ideas entran en nuestras cabezas sin que prácticamente nos enteremos. El humor deja poso, una realidad absolutamente demoledora.

9/7/17

BEWARE OF PITY



AUTORIA: STEFAN ZWEIG
VERSIÓN y ADAPTACIÓN: SIMON MCBURNEY, JAMES YEATMAN, MAJA ZADE y los miembros de la compañía
DIRECCIÓN: SIMON MCBURNEY
INTERPRETACIÓN: ROBERT BEYER, MARIE BURCHARD, JOHANES FLASCHBERGER, CHRISTOPH GAWENDA, MORITZ GOTTWALD, LAURENZ LAUFENBERG y EVA MECKBACH
DURACIÓN: 120min
FOTO: GIANMARCO BRESADOLA
PRODUCCIÓN: COMPLICITÉ y SCHAUBÜHNE
TEATRE LLIURE (GREC 2017)

Complicité y Schaubühne adaptan la novela del escritor austríaco Stefan Zweig, un explorador del alma humana y uno de los escritores imprescindibles del siglo XX. La impaciencia del corazón escrita en 1939 nos presenta una descripción de los primeros años del siglo XX y se cuestiona la naturaleza de la compasión y cómo es de difícil hacerse cargo del dolor de otra persona. El problema recae cuando la adaptación se ajusta tanto al original que no es capaz de pulir la densidad extrema de un texto. Dos horas de poética dialéctica de manera interrumpida, en la que el espectador más ducho en la materia podrá digerir sin problema, pero uno que no esté tan cercano al estilo de Zweig le costará de encajar.

Complicité vuelve a combinar lenguajes en la puesta en escena como ya hizo en The Master and Margarida (Grec 2012). Vídeo, teatro, diálogo y narración se dan la mano esta ocasión. Aunque los que esperábamos la espectacularidad del 2012 nos hemos tenido que conformar con una limitada exposición de efectos lumínicos de segunda y unos más destacables efectos sonoros que ayudan a recalcar algunas escenas, o a dejar de fijar la vista constantemente en los sobretítulos.

Otro de los momentos que más chocan es al inicio, el estatismo de los personajes invade la escena. Lo que se supone que es una fiesta se convierte por arte de magia en una especie de lectura dramatizada, con los actores detrás de unos atriles. La parte narrativa centra en exceso la escena y hasta bien llegado el final no serán los diálogos los que cobren protagonismo, convirtiendo la acción en tedio. 

La compañía berlinesa Schaubühne, colectivo teatral dirigido por Thomas Ostermeier es la encargada de interpretar la pieza. No es la primera vez que que el teatro alemán nos muestra su frialdad interpretativa (comparada con la mediterránea), el naturalismo llevado al extremo, tanto que a veces se convierte en exagerado, cruza la línea entre la naturalidad y la sobreactuación.

Beware of pity es la demostración de que algunas novelas fueron escritas para ser leídas y no representadas. Y si alguien se atreve a adaptarlas a la escena, debe ser consciente de sacar su esencia. La fuerza del teatro no está, normalmente, en la narración sino en la construcción de los diálogos y su posterior puesta en escena. Beware of pity está construida para que admiremos las palabras de Zweig, que ya residen en cualquier biblioteca, pero no cuadran demasiado con el ritmo tedioso de una puesta en escena fallida.

8/7/17

CEMENTARY



COREOGRAFIA: PATRICIA APERGI
DRAMATURGIA: ROBERTO FRATINI
INTERPRETACIÓN: ILIAS CHATZIGEORGIOU, NONDAS DAMOPOULOS, CHARA KOTSALI, GIORGOS MICHELAKIS, IOANNA PARASKEVOPOULOU y EVA GEORGITSOPOULOU
COMPOSICIÓN MUSICAL: VASSILIS MANTZOUKIS
DURACIÓN: 70min
FOTO: IONNA CHATZIGEORGIOU
PRODUCCIÓN: ONASSIS CULTURAL CENTER
MERCAT DE LES FLORS (MAC, GREC 2017)

Se nos hundió el cielo, las esperanzas de vivir una vida digna, de tener una casa, un lugar donde resguardarnos. Este es el punto de partida de Cementary, la primera propuesta griega del Grec 2017. La base sobre papel prometía mucho más de lo que en realidad se consiguió. En el inicio es donde la dramaturgia de Roberto Fratini, es más fuerte, donde se muestra unos pilares que en pocos minutos se hundirán para dejarnos sopor.

Aunque la idea siempre resuene de fondo, la falta de ritmo convierte al espectáculo en un sinfín de movimientos sin conexión. Excesiva carga de dramaturgia, quizás para un espectáculo de danza, demasiado masticado, falta espacio para que la mente del espectador construya sus propias imágenes.

La puesta en escena deja al desnudo las carencias del montaje. Una luz intensa, estática, que no nos muestras ni las sombras de aquello que alumbra, vislumbra, deslumbra. El recurso de la tierra que pinta las caras enfatiza lo que el déficit lumínico no ha conseguido mostrar.

Cementary muestra un continuo de movimientos corporales que dejan pocos instantes de danza, demasiadas repeticiones sobre los mismos conceptos, queda de sobras subrayado cuáles son, pero una vez más el ritmo no deja amplitud de miras sobre unos ítems ya conocidos, día a día nada más encender el televisor.

Al final, el cielo se hundió sobre nuestros párpados y sobre la comodidad de los asientos de la sala MAC del Mercat de les Flors. Una lástima de papel mojado que sólo despertó ligeros aplausos de compromiso de una platea adormecida.

AÜC. EL SO DE LES ESQUERDES



AUTORIA y DIRECCIÓN: LES IMPUXIBLES (CLARA PEYA y ARIADNA PEYA) y CARLA ROVIRA
TEXTO y DRAMATURGIA: CARLA ROVIRA
INTERPRETACIÓN: JÚLIA BARCELÓ, OLGA LLADÓ, ARIADNA PEYA, CLARA PEYA y MARIA SALARICH
DIRECCIÓN COREOGRÁFICA: ARIADNA PEYA
COMPOSICIÓN e INTERPRETACIÓN MUSICAL: CLARA PEYA
DURACIÓN: 75min
PRODUCCIÓN: LES IMPUXIBLES
LA SECA ESPAI BROSSA

Gran expectación la que está despertando el nuevo montaje de Les Impuxibles después de su aclamado Limbo y más cuando esta vez han unido fuerzas con Carla Rovira (Most of all, you've got to pide it from the chicks). Cuando unos pocos privilegiados nos ‘colamos’ en un ensayo (a dos semanas del estreno) la cosa ya prometía, y las expectativas se han cumplido y con creces.

Partiendo de la base del lema ‘No es no’, desde el inicio (no te pierdas el mensaje de apagar el móvil), se van desgranando una serie de ítems relacionados con la violencia que sufren las mujeres por parte (o culpa) de los hombres. Palabra, música, cuerpo, sonidos. El primer cuarto de hora es para enmarcar, la potencia visual, sonora, de palabra y música es aplastante.

Cinco voces, cinco cuerpos que claman justicia, que no se banalice la violencia, que no se tome como algo habitual, como un hecho imposible de atajar, de corta, porque no es natural. Declaración de intenciones en una dramaturgia, una y otra vez los estómagos de los espectadores. Ariadna Peya ha coreografiado aquello que no es necesario explicar con palabras, porque un simple gesto dice mucho más. Las escenas de danza, son acompañadas por un grandioso diseño de iluminación de Jordi Berch, que acompañado de la pared desnuda a ladrillo visto de la sala dibuja impactos visuales de gran calado y una simple pero cómplice escenografía de Sarah Bernardy.

Si las palabras hieren, calan y la danza impacta, la composición musical de Clara Peya hipnotiza, impresionante el solo de piano o la explicación de la banda sonora. Además el diseño de sonido de Josep Sánchez-Rico le encaja perfectamente al espectáculo y es un continuo disparo, un incesante goteo de sentimientos.


A pesar de ser un espectáculo a cinco voces, no puedo obviar una, la de Júlia Barceló, impresionante trabajo de voz y cuerpo el suyo. Sus palabras hieren pero también te cuestionan si aquellos actos tan habituales no son más que una gota más en el mar con el que luchamos diariamente. La interpretación de Júlia Barceló es magnética, desde la lista de reproches hasta una inocente y delicada narración de abusos a menores. Piel de gallina. ¿Por qué no vemos a Júlia Barceló en más montajes?

Aüc, el so de les esquerdes es un espectáculo de realidades diarias que Carla Rovira ha sabido relatar con un simple entrar y salida de ficción. El exquisito trato por los temas sensibles tratados para que el público se sienta violentado pero en su justa medida es uno de los puntos más destacados del montaje. Una cosa es impactar y otra intentar evitar tratar el tema de manera gratuita. 

Aüc. El so de les esquerdes es un montaje más que necesario, imprescindible. Desgarrador grito de una realidad que no puede quedar silenciada. Se tiene que poner encima de la mesa. Es un espectáculo apto para todo aquel al que le quede corazón, pero lo deberían ver todos los hombres, en masculino, y si son adolescentes mejor. Nosotras, ellas, salimos de la sala con el estómago y la mente golpeados, pero con la sensación de que ‘entre todas podemos’. ¡Ojála no sea una sensación pasajera! 

Gràcies!