creación 1927
escritura y dirección SUZANNE ANDRADE
película, animación y diseño PAUL BARRITT
música LILLIAN HENLEY
intérpretes ROWENA LENNON, GENEVIEVE DUNNE y FELICITY SARKS
voz del vigilante JAMES ADDIE
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA)

Visita(s) anual(es) obligada(s) a Temporada Alta y después de que 1927 nos dejará con la boca abierta la edición pasada, éste era un título imprescindible en la agenda teatral de este otoño. 

Nos trasladamos a Le Bayou, la parte más temida de la ciudad, donde vive la gente que no puede vivir en otro lado, donde los servicios son mínimos y quién nace allí tiene asegurado que morirá allí. De repente una luz de esperanza inunda sus calles, una visita inesperada, Agnes Eaves y su hija quieren cambiar las cosas, ¿pero una sola persona puede cambiar el devenir de un pueblo?



Con una dramaturgia más compleja que Golem y con la parte de película, animación y diseño más compleja, esta revuelta infantil nos atrapa la mente y el corazón a partes iguales. La narrativa tiene formato de cuento, aunque poco a poco se convierte en toda una pesadilla, donde parece ser que los finales felices no son posibles. Los cuentos infantiles con toda su delicadeza y ternura poco a poco deja paso al mundo de los adultos donde las cosas no son tan fáciles como podrían parecer. Es en esa transición donde parece que el público le cueste hacer el clic, donde elige quedarse en un mundo idealizado, en el que todo es posible.




La maquinaria de 1927 es perfecta, si bien es cierto que se trata de un espectáculo estrenado en 2011 y con muchas representaciones a sus espaldas, aprenderse todas las marcas que pueblan el suelo parece un trabajo de chinos. Mientras nos recreamos en su estética, en sus dibujos, en sus acciones, el tiempo nos lleva inexorablemente a pensar en cómo de cerca tenemos un lugar como Le Bayou y cómo miramos para otro lado.

PS: Y para acabar una propuesta/petición a Salvador Sunyer, director de Temporada Alta, queremos más 1927, que una vez al año no hace daño, nos hace bien.


autoría y dirección LAUTARO PEROTTI
intérpretes PILAR CASTRO, PATRICK CRIADO, ÁLVARO LAVIN, CARMEN MACHI, SANTI MARÍN
duración 1h 15min
producción TEATRE LLIURE, OCTUBRE PRODUCCIONES y TEATRO ESPAÑOL
LLIURE GRÀCIA

Nos autoengañamos todos los días y nuestras mentiras no sólo nos afectan a nosotros mismos sino a todo aquel que nos rodea. Pero ya dicen que las mentiras tienen las patas muy cortas, o aquel refrán de que se atrapa antes a un mentiroso que a un cojo. 

Sea como fuera esta obra va de mentiras, y la primera sería hacer creer que si somos espectadores vírgenes, de aquellos que el relato audiovisual ni les ha tocado podemos entrar en el juego que propone la obra. Para los que llevamos más frames y líneas de texto a nuestras espaldas que minutos respirados, vemos el truco antes de lo que nos gustaría. 



Cronología de las bestias se encuentra a medio camino entre el culebrón/telenovela latinoamericana y las películas de sobremesa de Antena 3. Una especie de vida gritada y callada que deja al espectador medio descolocado porque aunque el final es de lo más previsible, la dramaturgia ha optado por "deconstruir la pieza" y ofrecernos la información en píldoras en un continuo ir y venir de flashbacks y flashfowards. La manera de contar la historia es, sin lugar a dudas, lo más interesante a la pieza. Aunque todo sea de paso, nada nuevo bajo el sol.



La puesta en escena con la escenografía de Mónica Borromello (aapee) y la iluminación de Carmen Martínez (aai) impresiona, parece como encajonado dentro de los límites del escenario a la italiana del Lliure de Gràcia pero esa sensación tan claustrofobia ayuda a "respirar" de otra manera el montaje. Es como si los protagonistas, que ya viven al borde del abismo, estuvieran atrapados en su propia jaula, aquella que ellos mismos se han construido.

Y aunque media platea esté buscando la mejor interpretación de Carmen Machi, se irán a casa con las manos vacías porque sin duda ésta no es su función, la dirección ha optado por no contener su interpretación que se desborda tanto que incluso llego a desear que se acaben sus réplicas. Por el contrario, nos podemos sorprender con la magnífica, cuidada y como escondida en un segundo plano, Celia, una descomunal Pilar Castro, que apenas se deja ver por la cartelera barcelonesa, y que para muchos será todo un descubrimiento.

de SANTIAGO RUSIÑOL
adaptación y dirección JORDI PRAT i COLL
direcció DANI ESPASA
intérpretes CLARA ALTARRIBA, DAVID ANGUERA, ALBERT AUSELLÉ, ROSA BOLADERAS, JORDI COLL, ANA DOMÍNGUEZ, FRANCESC FERRER, ORIOL GENÍS, ÀNGELS GONYALONS, ORIOL GUINART, JORDI LLORDELLA, ANNA MOLINER, ALBERT MORA, ALBERT PÉREZ, MIREIA PIFERRER, KATHY SEY y YOLANDA SEY
duración 3h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

El primer gran éxito de la temporada acabó funciones ayer llenando desde hace más de tres semanas la Sala Gran del TNC y dejando público en la calle. Ahora es cuando un teatro privado debería echarle el guante y seguir perpetuando el éxito, pero eso en este pequeño país llamado Catalunya, no pasa. La mayoría de los éxitos de la Sala Gran del TNC nacen y mueren en el mismo sitio. Pero por volver a decirlo no se pierde nada.

También sería el momento para preguntarle a los espectadores afortunados que quién se había leído el texto antes de ir al TNC, muy pocos. De la misma manera que estamos cansados de las adaptaciones literales de clásico detrás de clásico, tenemos que agradecerle a Jordi Prat i Coll que nos haya hecho mirar con otros ojos y sobre todo que haya quitado todo el polvo de sus líneas. Un claro ejemplo de cómo atraer a gente de todas las edades al teatro, en mi función escuché más de uno decir que era la primera vez que estaban al TNC.



Prat i Coll sabe en qué liga juega y la opción de empezar con un medley de grandes éxitos de las últimas décadas atrapa al público desde el primer segundo. Cosa que le deja como extasiado y no le deja ni pestañear hasta el final, y ni siquiera el entreacto hace disminuir la euforia, porque los números musicales tocan la fibra catalaneta y provocan querer más.

Un reparto espectacular y biracial, donde son las mujeres quienes más afinan. De hecho, la batuta de la función conjuga mucho mejor en femenino que en masculino. Empezando por una Rosa Boladeras, como Srta. Floresta, épicamente alocada que provoca un sin fin de risotadas entre los presentes. No se queda atrás, Anna Moliner, como Maria, que vuelve a sacar su lado más cómico con una gestualidad sorprendente. Y los años no pasan por Àngels Gonyalons que conserva una voz que enmudece hasta las toses más recalcitrantes




Els jocs florals de Canprosa, como bien dice Gema Moraleda en Somnis de Teatre, se tendrían que convertir en la versión laica de Els Pastorets del siglo XXI. Sin duda mucho más divertidos y más a la moda. Más de tres horas que pasan como un suspiro y que callarían todas las voces que nos resuenan de los que dicen que estiman Catalunya pero, en realidad no. Porque per estimar Catalunya, cal riure-la, y hoy nos hemos rigut de valent. 
S'ACOSTA EL MIL∙LENNI / PERESTROIKA
de TONY KUSHNER
traducción y adaptación ALBERT ARRIBAS
dirección DAVID SELVAS
intérpretes JOAN AMARGÓS, PERE ARQUILLUÉ, QUIM ÀVILA, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, EDUARDO LLOVERAS, VICKY PEÑA, ÒSCAR RABADAN, JOAN SOLÉ y JÚLIA TRUYOL
duración 2h y 10min (cada una de las partes)
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE LLIURE
LLIURE DE MONTAJUÏC

Reconozco de entrada que soy una de esas que tiene mitificada la obra desde el día que se la leyó, hace unos 5 años aproximadamente. Quizás por eso decidí dejar las expectativas en casa y dejarme llevar por la propuesta de David Selvas. 

El primer acierto es la poda del texto, dejarlo en la mitad, abandonar toda su narrativa interminable que lo hace tan complicado de leer, creo que es la obra más complicada que he leído en mi vida, y dejar sólo su esencia. 

También acierta en la interpretación, la de los actores de la Kompanyia, haber sabido dar en el clavo con el papel óptimo para cada uno. Y la tercera diana se ha conseguido con la majestuosa escenografía de Max Graenzel y el potente diseño de luces de Mingo Albir que te teletransportan de lleno a la acción y te mantienen en ella hasta que cae el telón.



Pero quien acierta también erra, y que en ningún caso suene como justificación alguna, porque una vez más no la hay. Lo escribiré sólo una vez, pero lo puedo repetir hasta la saciedad. NO, ningún actor blanco puede interpretar un papel que se especifique o que sea escrito por y para un negro. NO. No me sirven las excusas falsas y las mentiras que no hay actores ("de nivel Lliure") para representar el papel, Hola, ¿qué tal? Al menos que sirva como lección aprendida.

Polémicas más necesarias que nunca aparte, los actores de la Kompanyia se gradúan con nota. Magníficos todos, pero me quedo con tres, una genial y poderosa pasada de vueltas Júlia Truyol, la fuerza de la, que ha sido el gran descubrimiento de esta promoción, Raquel Ferri y su homólogo masculino, Joan Amargós, cuyo Prior es todo un cautivador de almas, incluso en los momentos más difíciles y álgidos.



Después de las alabanzas más que merecidas a los miembros de la Kompanyia, hay un elemento en este reparto, que quizás sea porque mi mente no dibujó de la misma manera el personaje durante mi lectura del original, pero que es una pieza que no me ha acabado de encajar, sobre todo durante la primera parte (S'acosta el mil∙leni).  Pere Arquillué vuelve a tener síntomas de fatiga de personajes. Quizás es porque no es la primera vez que interpreta un perfil como el Roy y ya le tiene cogido el punto, el caso es que no sé si llamarle Roy o otros nombres más conocidos por el público en general.



Sin duda es mucho más agradecida y dinámica la segunda parte (Perestroika) no sólo en la dramaturgia sino también la puesta en escena levanta el vuelo y los espectadores notan este aire que ahogaba toda la primera mitad. Y aunque los espectadores más acérrimos, de aquellos que nos suministran el teatro por la vena tengamos la necesidad de ver las dos, y si es en modo doblete mejor que mejor, para el espectador medio, con la segunda parte se puede hacer una figuración bastante precisa de la magnitud de una obra inconmensurable. Aunque siempre es mejor leerse después el texto y recrearse bien en los detalles.

ÀNGELS A AMÈRICA

by on 20:12
S'ACOSTA EL MIL∙LENNI / PERESTROIKA de TONY KUSHNER traducción y adaptación ALBERT ARRIBAS dirección DAVID SELVAS intérpretes...

de SERGIO BLANCO
dirección SERGI BELBEL
intérprete ELISABET CASANOVAS
duración 1h 15min/ 45min (depende de la función)
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y TEMPORADA ALTA
SALA TALLERS (TNC)

Tercera propuesta en menos de un mes bajo la firma de Sergio Blanco. Esta vez, pero, no encontramos rasgos tan característicos como en otras propuesta. Kassandra es un material difícil de digerir. Primero por el idioma, ese inglés mal hablado, Broken English, que le da un tono muy uniforme durante toda la representación. Segundo porque el texto y la manera en que se represente acaba pareciendo más una telenovela que realmente una tragedia, hay algo de verdad en sus palabras pero realmente pesa más la recreación en el drama que todo el resto.

Con la interpretación abierta, el autor no especifica si debe ser un actor o una actriz quien de vida a este ser transgénero que nos explica su vida como la joven de Troya que huyó de la guerra como esclava de Agamenon rumbo a Europa. Ahora sobrevive vendiendo su cuerpo a extraños. Y entre llamada y llamada se divierte explicando cómo ha sido hasta la época sus amargas peripecias vitales.



La entrega de Elisabet Casanovas es absoluta. Ella es la obra, y gracias a ella, y. a pesar de los problemas del texto, no podemos apartar la mirada del escenario, los que no estamos en él y optamos por un segundo plano. Desde la apertura de puertas hasta el último aplaudo final, Casanovas es un torrente, un torbellino que arrasa con cada mirada, que para las respiraciones y que cautiva de principio a fin. El texto es el que es, pero permite alguna salida de guión que al fin y al cabo son las más aplaudidas, las que dan aire a una dramaturgia un tanto encorsetada.

Las epopeyas contemporáneas de Sergio Blanco no son fáciles de dirigir, y aquí es donde Sergi Belbel no ha sabido congeniar por completo. Después de ver los dos montajes anteriores de este mes de octubre en Barcelona, aquí hay teclas que suenan desafinadas. A pesar de la entrega total de la actriz, el ritmo dure 1h 15min como fue mi caso o más, cae en la monotonía, porque el Broken English suena roto y te acostumbras y el final no deja de ser predecible. 



Lo que sí es un acierto es montarlo en la Sala Tallers, en una especie de escondite donde los espectadores se encuentran sumergidos en un puticlub muy cabaretero donde los más atrevidos tendrán hasta un papel secundario.  Casanovas/ Kassandra se mueve pizpireta y juguetona entre las mesas, y aunque te sientes en la lejanía de una de las gradas ella llega, te mira, te sonríe, y cuál araña ya has caído en su red. Magnetismo puro. El mismo que busca selfies y con el que baila sin parar. Ni de lejos es el mejor texto de Blanco, pero es un paso más en la meteórica carrera de Elisabet Casanovas. Eso seguro.

KASSANDRA

by on 19:15
de SERGIO BLANCO dirección SERGI BELBEL intérprete ELISABET CASANOVAS duración 1h 15min/ 45min (depende de la función) fotografí...

de MARK LOCKYER
dirección ALICE MALIN
intérprete MARK LOCKYER
duración 1h 15min
fotografías RICHARD LAKOS
producción ACTORS TOURING COMPANY
LLIURE DE GRÀCIA

Si la temporada pasada nos cautivó con su Living with the Lights On y pensábamos que cualquier cosa que nos explicara hubiera tenido el mismo efecto, pues no. Esta temporada ha optado por traernos su versión de España, o más concreto de la experiencia de un guiri en un pueblo costero español y nos ha sobrado hasta la arena que inunda la escenografía.

Hemos caído cual simples turistas en la trampa de que l@s intérpretes británicos todo lo bordan, pero para tirar de tópicos tan manidos que ya nos los sabemos de memoria ya tenemos algún que otro actor patrio. Lo que se nos presenta como un viaje para descubrir los orígenes, la parte de uno mismo que no acaba de encajar.



Se podía haber fijado en Federico García Lorca como en Cervantes, ya que realmente el poeta granadino es una mera excusa para vender más entradas porque en el espectáculo ni está ni se le espera. En una escenografía que representa lo que muchos turistas vienen buscando: sol, playa y chiringuitos. Pero más allá de su vaso de sangría no va.

Es una verdadera lástima malbaratar el talento que nos demostró la temporada pasada con tan ínfimo contenido. Lección aprendida, por nuestra parte, por la suya necesitaríamos que se diera algo más que un paseo por la península de norte a sur y de oeste a este para enmendar sus errores. Simplemente. 

a partir de FAUST de J.W. GOETHE
adaptación y dramaturgia ANNA MARIA RICART
dirección MARC CHORNET ARTELLS
intérpretes TONI GUILLEMAT, NEUS PÀMIES, MARTÍ SALVAT, ROSER TAPIAS y CRISTINA ARENAS
duración 75min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE AKADÈMIA y PROJECTE INGENU
TEATRE AKADÈMIA

Projecte Ingenu vuelve a actualizar un clásico dándole lo que ya podemos decir con la boca bien abierta, el toque Ingenu. Un texto, que aunque no ha perdido actualidad, necesita un buen acompañamiento en forma de puesta en escena para que nuestros ojos sean capaz de vislumbrar la magnitud de la tragedia. 

Projecte Ingenu sigue la estela marcada en Vaig ser pròsper que vimos en primavera, la apuesta escénica de Laura Clos "Closca"(escenografía) y David Bofarull (iluminación) es de aquellas que nos deja boquiabiertos, un formato visual a la altura de los grandes "genios europeos", un concepto de dejar que el espectador se recree y que deja al texto en un segundo plano.



Partiendo de la premisa principal de Fausto, ¿cuántas veces has vendido tu alma al diablo? Projecte Ingenu construyen un relato ya no tan futurista sobre cómo el ser humano actual vendería la suya por construirse una vida virtual a su medida.  La tecnología es el diablo de esta era, la que nos promete una vida de ensueño y grandes lujos muy alejadas de la que nuestros ojos ven todos los días.

Como no podía ser de otra manera, Fausto acepta la propuesta del diablo y, junto con Mefistòfil, se sumerge en un mundo que aunque atractivo de primeras, quizás no sea todo lo apetecible que parecía a simple vista. Projecte Ingenu nos invita a reflexionar sobre quién no es un Fausto en un momento u otro de nuestras vidas. ¿Quién tiene la respuesta correcta?



Coordinación perfecta a nivel interpretativo, inFAUST es una obra muy coral. El espacio sonoro de Pol Queralt queda perfectamente mezclado con la música original de Neus Pàmies, que imprime ese toque clásico de la compañía, de canciones a capella, en solitario o en compañía.

Projecte Ingenu es una compañía que trabaja sus montajes como si fueran artesanía y eso se nota en cada uno de ellos. A pesar de que se escapan cada vez de los límites y dan un paso más allá, los Ingenu siguen apostando por cuidar hasta el mínimo detalle. inFAUST es su montaje donde la espectacularidad adquiere un nuevo significado y en el que su estética abandona el naturalismo y se sumerge en la vanguardia más europea



No hay límites, nos ha quedado claro. La apuesta de Projecte Ingenu siempre ha sido caminar sobre seguro, con los pies en el suelo, pero sin saber qué significa la palabra conformarse con seguir haciendo lo que saben hacer. Marc Chornet dirige a la que, sin temor a equivocarme, es la compañía de teatro más innovadora de Catalunya. En febrero nos espera Jan/a sobre "El Teatre de Don Joan" de Josep Maria Palau i Fabre en el Escenari Brossa. Ya tengo el paladar a punto. De momento, te recomiendo que vendas tu alma al diablo más Ingenu

inFAUST

by on 15:20
a partir de FAUST de J.W. GOETHE adaptación y dramaturgia ANNA MARIA RICART dirección MARC CHORNET ARTELLS intérpretes TONI GUILLE...

dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra)
intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS
duración 60min cada una
fotografías ALEX BRENNER
producción BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS 
LLIURE DE GRÀCIA

Atreverse a ver diferentes tipos de montajes, de dramaturgias, entender a dejarse de mirar el ombligo y abrir los ojos a diferentes miradas. Sin saber qué ni a quién iba a ver y con una sala totalmente desnuda, empieza uno de los espectáculos más eclécticos que se ha podido ver recientemente en el Lliure.

Base de performática, estas dos piezas giran entorno al concepto de poder. En Eurohouse nos sumergimos en las telarañas y en las cloacas de la tan odiada Unión Europea, y más desde la crisis. Esa en la que Grecia perdió algo más que un puñado de miles de millones de euros. Desde un punto de vista de juego de niños, nos sumergen en una metáfora detrás de otra, haciendo uso de la palabra, la música (odiarás la versión francesa de My way después de ver esta pieza), el movimiento e incluso algunos fragmentos "circenses". El espectador necesita saber leer entrelíneas y entrar en el juego que se les proponen. Tarea no excesivamente fácil al principio, hasta que entiendes el código del espectáculo.



Por el contrario, Palmyra es mucho más fácil de entender, no necesita una profunda lectura entrelíneas, es mucho más visual que conceptual. La dramaturgia está mucho más conectada con las acciones que se representan en escena y el texto, una vez entiendes el código de la primera, fluye sin menor problema. Quizás sea más completa la primera, pero las imágenes y la temática de la segunda está más conectada con nuestras vidas actuales.

Con el escenario lleno de platos rotos, despedimos la sesión preguntándonos quién recogerá ahora toda la destrucción que ha quedado reflejado en el suelo del escenario del Lliure pero que es mucho mayor la que ha asolado nuestras cabezas. Pero, era eso a lo que habíamos venido, ¿no? 

EUROHOUSE / PALMYRA

by on 14:14
dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra) intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS...

dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA
dirección ORIOL PLA SOLINA
intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLINA
duración 1h 15min
fotografías ROS RIBAS
producción TEATRE LLIURE
ESPAI LLIURE 

Decía la semana pasada alguien en Twitter que no se deberían escribir críticas sobre este espectáculo porque no hay palabras que describan toda la belleza que contiene. Se queda corto el diccionario de sinónimos para ensalzar una vez más la figura de Oriol Pla, uno de los artistas actuales más completos que encontramos encima de un escenario. 

De casta le viene al galgo. Después de ver este montaje comprendes todo el significado que esconden frases hechas como ésta. No sólo es la figura de Oriol Pla la que toma un significado de qué hará la próxima vez para sorprendernos sino que el concepto de familia de artistas queda definido a la perfección.



Cómo hacer creernos que el espectáculo no tiene dramaturgia, que no tiene esencia, que todo ha sido un juego de niños, que tengamos la edad que tengamos nos vamos a ilusionar de la misma manera... Travy es todo aquello que deseamos encontrar encima del escenario condensado en poco más de una hora. Aquellas veladas que desearías que no se acabaran nunca y que viven más allá de la larga tongada de aplausos.

Entradas agotadas desde el principio en el Lliure, incluso la prórroga. Les espera una larga gira, porque Travy es de esas obras que deberían estar un largo y seguido número de temporadas sin abandonar la cartelera, para que la viera todo el mundo, para que la disfrutarán todos aquellos que nos maravillamos nada más cruzar la puerta.

No me atrevido ni a abrir el diccionario de sinónimos para poner uno detrás de otro. Mejor te aconsejo que les persigas, que te dejes atrapar por el mundo de Travy y después me cuentas si hay algún sinónimo al que le haga justicia tanta maravilla.

TRAVY

by on 13:12
dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA dirección ORIOL PLA SOLINA intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLIN...

texto de JOAN RUSIÑOL
dirección JOAN ANGUERA
intérpretes PAULA BLANCO, PEP FERRER, ALBERT PRAT y FINA RIUS
duración 1h 25min
producción SALA BECKETT
SALA BECKETT

Un terrorista sale de la prisión después de cumplir su condena y quiere recuperar el tiempo perdido y "recuperar" la relación rota con su familia. Pero las cosas no son como se las contaron, la realidad siempre es bien diferente.

Joan Rusiñol pone sobre la mesa una tragicomedia de secretos familiares que "por el bien de unos y otros" se han encerrado en el desván y que la puesta en libertad de su principal implicado hará que se destapen. Entre medio de tanto secretismo, nos encontramos con otros temas secundarios como encontrar los límites entre la vida profesional y la personal, los valores morales de alguien que se ha dedicado a la lucha política armada o la dedicación familiar.



Con una dramaturgia perfecta, que sigue fil per randa la estructura de cualquier manual de dramaturgia, Joan Rusiñol teje las diferentes telarañas de relaciones personales del montaje. Una madre, Fina Rius, extremadamente protectora con su hijo, Albert Prat, mientras que éste busca venganza. La pareja del hijo, Paula Blanco, busca un titular que salve su trabajo en el reciente terrorista liberado, Pep Ferrer. Todos conjugan a la perfección con lo que sus personajes piden.



La pulcritud dramatúrgica conjuga perfectamente con la cuidada y milimétrica dirección de Joan Anguera. Ofici de Tenebres es un montaje de corte clásico donde todos los elementos ocupan su lugar preciso. Pese a ello se echa de menos un toque rompedor en el espacio sonoro. Barbara Granados ha decidido dejar todo el protagonismo a la palabra y al silencio y hubiera encajado más un sonido más cinematográfico, aquel que deja el corazón en un puño tras la sentencia de algunas réplicas. 

Sin duda, la mejor manera de sumergirse en esta maraña de tinieblas es acudir a ver la obra sin saber nada más que aquello que se especifica en el programa de mano y dejar que en el transcurso del mismo la dramaturgia sea quien te abra los ojos. ¡Feliz despertar!

OFICI DE TENEBRES

by on 15:08
texto de JOAN RUSIÑOL dirección JOAN ANGUERA intérpretes PAULA BLANCO, PEP FERRER, ALBERT PRAT y FINA RIUS duración 1h 25min pro...

dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN
dirección MARIA TEN
duración 60min
fotografías ARIADNA PUJOL y LIBORIO SÁNCHEZ
producción LES FUGITIVES
SALA ATRIUM

Este pequeño montaje es toda una caja de sorpresas. La primera nos la encontramos nada más entrar en la sala, escenario desnudo, pero con una imponente bañera blanca con los bajos pintados de negro. Contraste total con las fotos promocionales como la que encabeza el post. Un guitarra eléctrica espera en un rincón a medio iluminar.

Las cuatro protagonistas aparecen vestidas únicamente con un body color carne y unas zapatillas de plástico, se presentan en medio de un discurso entrecortado que ya desvela una pequeña parte de la munición que sus monólogos contienen.



Pese a su juventud, ninguna de ellas llega a los treinta, el mensaje es contundente. En cada monólogo se aprecia las dificultades, abusos, condicionantes que tenemos que pasar/sufrir las mujeres sólo por el hecho de serlo desde la cuna. Un relato descriptivo de diferentes situaciones, conocidas y vividas, que ponen los pelos de punta y que provocan un silencio absoluto en la sala que corta la respiración.

No hay salida, no hay opción, los espectadores quedamos sumergidos en su bañera, atrapados en una maraña de sentimientos difíciles de expresar con palabras. Veu de Dona es uno de esos montajes que en que los aplausos te "despiertan" del letargo donde tus sentidos se han adentrado sin saber a ciencia cierta que les esperaba en el camino.



La puesta en escena se sumerge en nuestros "pequeños" horrores cotidianos, dándoles una pátina de esperanza y poesía. Cada monólogo tiene una clara diferencia estética y aunque todos tienen a la bañera como punto clave escénico, ésta adquiere diferentes significados y protagonismo. La caracterización de Laia Pujol se encarga de poner elementos imprescindibles para llenar por completo de significado el discurso.



No hace falta enmarcarse detrás de un personaje para sentirse identificada en cada una de las palabras del texto. Los sentimientos y humanidad es lo único que necesita el espectador que elija sentarse en la sala y darse de bruces con la realidad que cada vez llega antes, pero que afortunadamente cada vez es más visible y denunciable en voz alta y las nuevas generaciones lo vuelven a dejar claro.

VEU DE DONA

by on 13:52
dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN dirección MARIA TEN duración 60min fotografías A...

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Protagonismo de las mujeres es el lema de la temporada de festivales que hemos comenzado. Parece un virus, todos y cada uno de ellos tienen, haciendo el símil de la música, como cabeza de cartel nombres femeninos. Vale muy bien, ¿pero qué más? Porque para ver mujeres sólo hace falta salir a la calle.

El Festival Escena Poblenou apuesta en edición de 2018 (del 17 al 21 de octubre) por mujeres con espíritu crítico. Sigo pensando que de eso en los tiempos que corren, en mayor o menor medida lo tenemos tod@s. Se remarca mucho la consideración que no sólo son mujeres creadoras, sino que todo el espectáculo tenga una presencia mayoritaria femenina, eso ya me gusta más.

El Festival empezará cañero, con la primera jornada dedicada exclusivamente a la visibilidad femenina con un Diálogo sobre la Visibilidad y la presencia de las mujeres y creadoras en la escena: Somos Aquí, voces, miradas y presencia en el que participarán entre otras, la comunicadora y activista Bel Olid y la periodista Júlia Beltran.



De entre las propuestas creadas, pensadas, interpretadas y dirigidas por mujeres destacan títulos como Màtria de Carla RoviraLas Muchas de Mariantònia Oliver, Zen x Zen de Joana Brabo, De non un instant tan breu dirigida por Claire Heggen (de La Mecánica & Théâtre de Mouvement) o Realitats Avançades, de la activista y agitadora cultural Simona Levi.

También hay propuestas de autoría compartida como We Fear de Dimitri Ialta & Virginia Fochs (Jordi Duran y Eva Freixa), Showdow#1 de la Compagnie d'Elles (Yaëlle Antonine, Didier Rembrant), Lady, Frank & Stein de la Cia. Movimients (Rosa Forteza, Alejandro Navarro y Núria Valerio) y el espectáculo infantil Alles dirigido por Angela Peres y Koldo Arostegui.



En otro orden de cosas hay piezas que giran alrededor de la figura de la mujer como La Bugada, un proyecto de teatro social interpretado por mujeres del barrio de Poblenou, dirigido por el colectivo Labuena Compañía o el anteriormente citado Las Muchas, un espectáculo que cuenta con la participación de mujeres de más de 70 años del mismo barrio y que habla de la fragilidad de los cuerpos que ya no pertenecen al "corpus"social pero que están más vivos en que nunca, y sobre todo más libres.




Para terminar con la temática feminista no tenemos que olvidarnos, de lo que podrían ser las propuestas más rupturistas del festival como Ser Britney Spears y Videoplaylist del colectivo Leer es Sexy (Cris Celada y Tomás Castro) o Unheimlich de la Cia Pelipolaca y Les Desvestides, que pretende ser una revisión de nuestro comportamiento como espectadores delante de cuerpos exhibidos en lo que entenderíamos como ″arte″.



Después de tal enumeración de tipos de mujeres, de tipos de feminidad, la pregunta está clara ¿y tu con qué tipo te identificas más? Sea cual sea la respuesta, seguro que encontrarás un espectáculo acorde en el Festival de Poblenou. 
¡Entra en su web y decide con cual te quedas!


texto y dirección CARLA TORRES
intérpretes PEPO BLASCO, XAVI GARDÉS, CLARA MANYÓS, EU MANZANARES y RUTH TALAVERA
duración 1h 30min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Una historia de lucha. Una historia de ideales. Una historia de amor. La inocencia. Un juego de niños. Los límites de la incorruptibilidad de la justicia. ¿Dónde se acaban la ficción y dónde empieza la realidad? Carla Torres intenta descifrar el enigma de la sociedad actual de los últimos con la historia de estas dos jóvenes "heroínas"que se creyeron imbatibles pero que pierden la partida en el primer tiro de dados.

Una niña pija que quiere probar a ser progre y en vez de seguir el camino establecido por su madre, se matricula en la universidad pública y descubre su "verdadero yo" en los movimientos de protesta estudiantiles. Después de una noche de protestas, es detenida, junto con su novia, con distinto status social que ella y el sueño de guerreras se va diluyendo mientras esperan a que su madre, jueza, venga al rescate.



A partir de este momento tanto espectadores como protagonistas establecen un duelo moral sobre qué es más importante si los ideales/el amor o las obligaciones de haber nacido en una familia concreta. La dramaturgia opta por darnos sus razones en una interminable enumeración de pros y contras entre lo que dicta el corazón y lo que dicta la cabeza. 

El mini escenario de la Sala Flyhard se hace grande para hacer caber un andamio y vestir a todos sus protagonistas de obreros que  lo habitan, trepan por él y sirve para representar desde el refugio o una celda hasta la sala de un juzgado o un coche. De hecho, la puesta de escena diseñada por Anna Tantull (escenografía), Xavi Garcés y Fernando Portillo (iluminación) y Xavi Garcés y Carla Torres (espacio sonoro) es uno de los puntales del montaje.



Aunque la pieza está creada para una interpretación muy coral, el peso de la historia recae en los personajes femeninos de las heroínas de la decepción interpretadas por Clara Manyós, que contagia su inocencia y alegría con una simple mirada, y Eu Manzanares, que hace lo propio con un discurso de lucha que aunque ficticio supera con creces las expectativas e invita a sumarse a la causa.

¿Claudicar y morir o seguir en una lucha permanente que no sabemos que nos reportará? La respuesta quizás no exista, llevamos toda la humanidad con los mismos interrogantes, pero al menos Estat de decepció, en la Sala Flyhard durante todo el mes de octubre, te dará argumentos para seguir cuestionándolo todo para al menos cambiar, por un rato, el mood

ESTAT DECEPCIÓ

by on 19:50
texto y dirección CARLA TORRES intérpretes PEPO BLASCO, XAVI GARDÉS, CLARA MANYÓS, EU MANZANARES y RUTH TALAVERA duración 1h 30min ...

texto de SERGIO BLANCO
dirección NATALIA MENÉNDEZ
intérpretes PABLO ESPINOSA y PABLO GÓMEZ-PANDO
duración 1h 45min
fotografías VANESSA RÁBADE
producción SALVADOR COLLADO y EL PAVÓN TEATRO KAMIKAZE
SALA PETITA (TNC)

Dice Natalia Menéndez su directora en el programa de mano que estamos ante la tragedia más inquietante de este inicio del siglo XXI. No tengo tanta capacidad para saber si es cierto o no, no creo haber visto/ leído un número suficiente para corroborar tal afirmación. Pero sí que estoy convencida que es una de las obras que me han hecho cuestionarme, durante toda su duración sentada en la platea de la Sala Petita del TNC, cuál era mi posición ante los hechos planteados y qué significa estar en uno u otro bando.

Si hace unos días el mismo autor nos tomaba el mito de Narciso para jugar con el espectador en La ira de Narciso, aquí seguimos con los mitos y en este caso es Edipo quien salta a la palestra y nos somete a otro tipo de juego el de adivinar cuáles son los impulsos que llevan a cometer un asesinato, en este caso un parricidio. Volvemos al esquema de un dramaturgo que busca escribir la historia del parricida, una obra que hable de aquello que ni el sumario ni los medios de comunicación hablan. Aquello que sólo puede contar en primera persona el que cometió el crimen.


Una cancha de baloncesto, cuatro cuartos y una prórroga, una jaula física y mental, una continua entrada y salida entre la ficción y la metaficción, teatro dentro de teatro como si fuera una interminable matrioshka. Un puzzle con piezas que no encajan y con tantas aristas que cortarían las sensibilidades más ásperas. El telón invisible vuelve a la infancia, a la homosexualidad, a la vida que decidimos vivir, a la que nos imponen, a la que somos sometidos y de la que decidimos escapar, no siempre de la mejor manera posible.

Con una cambio de reparto con respecto al elenco que se pudo ver en el Pavón Kamikaze, Pablo Gómez-Pando imprime una tranquilidad física que contrasta con el ritmo acelerado de la obra, de las palabras, de las voces y de los actos de su compañero en escena, Pablo Espinosa. Pese a que el tempo, a veces, parezca que se nos escape de las manos y sea el espectador quién tenga que estar a la altura para captar todos los detalles que marcan la obra, el montaje deja un sinfín de metralla que va explotando poco a poco en nuestras cabezas.



Salvando las distancias, la dramaturgia de Tebas Land me acabó  llevando a un terreno similar al que me trasladó Port Arthur de Jordi Casanovas, aquel donde dejas de ver el crimen y te centras en la persona que se esconde detrás de él, haciendo reales los motivos y olvidando que el arma va más allá que un simple trozo de metal. Empatizar con el horror, aquel que en diferente grado nos hace seres humanos y no piedras. Aquel para el que ya no sirve ni la violencia. 

TEBAS LAND

by on 13:57
texto de SERGIO BLANCO dirección NATALIA MENÉNDEZ intérpretes PABLO ESPINOSA y PABLO GÓMEZ-PANDO duración 1h 45min fotografías V...

texto PAUL BERRONDO y LES COT
dramaturgia y dirección PAUL BERRONDO
música, dirección musical y piano ÓSCAR PEÑARROYA
letras CÈSAR APARÍCIO y MARIA VIÑAS
intérpretes MAR MAESTU, MARIA VIÑAS y ELIA CORRAL
duración 1h 30min
fotografías JOSE NOVOA y SENÉN ESCODA
producción LES COT
ALMERIA TEATRE

Tres amigas se van a París a hacer realidad el sueño de una de ellas, ser madre. Pero entre Barcelona y París hay un montón de kilómetros en coche, tiempo que se puede aprovechar para muchas cosas y que ellas repasan sus vidas presentes, pasadas y futuras. 

Los niños vienen de París, y a la capital francesa la gente también busca el amor. Dos puntos de partida que son dos de los tópicos más conocidos de la historia universal. Pero que el montaje explota, por si no estuvieran poco manidos ya de entrada. Es verdad que no todo es color de rosa en la obra, ya que el happy flower es muy aburrido, y después de una somera presentación de caracteres, el montaje se vuelve negro, muy negro.



Pero pese a la oscuridad, se observan la repetición de algunos parámetros ya utilizados en otras obras protagonizadas por mujeres con los que no me puedo sentir representada y que además me ponen de mal humor. No consigo entender porqué siguen intentando que nos tenga que hacer gracia que cuando se juntas tres mujeres todas quieran/pretendan hablar al mismo tiempo o que nos pasamos la vida discutiendo. Y por supuesto me cansa de sobremanera que todas en algún punto de nuestra vida acabemos locas perdidas buscando el "hombre perfecto" o la media naranja. Me he debido de perder algún capítulo de la última década larga.





Quizás tanto tópico venga porque los personajes también son estereotipos. Carme, Maria Viñas, es una peluquera que aspiraba a todo en la vida y se tuvo que conformar con aparejarse con el primero que le tiró una flor y ahora vienen los arrepentimientos. Olga, Mar Maestu representa la pija que estudió una carrera y que tiene una vida que al menos de puertas para afuera parece idílica. Y Tere, Elia Corral, es maestra pero quiere ser madre cueste lo que cueste.

La puesta en escena de Jose Novoa funciona, simplicidad absoluta con tres paneles de madera y cuatro cajas pero deja fluir el espectáculo para que el público se concentre en la interpretación textual y vocal. Más cuestionable sería el diseño de iluminación de Roc Lain que se ha quedado excesivamente centrado en los años 80 y aporta poca naturalidad al montaje. Choca ver tanto colorín decorando las escenas.



París le falta un punto gamberro como comedia musical negra. Y un aire más feminista que no se quede en los tópicos tan conocidos que ya cansan. La ciudad de París es más que una postal que colgar en Instagram, siempre ha sido un cóctel bastante más revolucionario que un simple chiste cargado de buenas intenciones. Esta vez presiento que debo acabar diciendo "ya no nos queda ni París".

PARÍS

by on 20:05
texto PAUL BERRONDO y LES COT dramaturgia y dirección PAUL BERRONDO música, dirección musical y piano ÓSCAR PEÑARROYA letras CÈSAR...