de ISABELLA ROSSELLINI
co-dirrección GUIDO TORLONIA
intérpretes ISABELLA ROSSELLINI, SCHUYLER BEEMAN (titiritero y adiestrador de perros) y NINNIE o DARCY (Pan)
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción ISABELLA ROSSELLINI y TEATRE AKADÈMIA
TEATRE AKADÈMIA

Oportunidad única para mitómanos y no mitómanos, ver actuar a Isabella Rossellini a escasos metros es sin lugar a dudas un hecho que no se volverá a repetir. En la intimidad de una sala tan pequeña como el Teatre Akadèmia menos aún. Simplemente por curiosidad, había que ir. Uno de los estrenos más importantes de la temporada, que no por ello se convertirá en uno de los montajes imprescindibles.

Isabella Rossellini es magnética, sabe perfectamente cómo atraer la atención del espectador. De hecho su misma presencia ya vende haga lo que haga en escena. Link Link Circus no va más allá de una conferencia sobre la "inteligencia" animal teatralizada. Da igual que su inseparable perrito haga una y mil monerías, y desate la ternura de la audiencia con ello, más o menos mono sigue siendo un perrito.



Pan se disfraza de varias especies animales en sus variadas intervenciones en escena. Perfectamente adiestrado, sólo atiende a las órdenes de sus dos dueños, que le recompensan sus piruetas con galletitas.

Lo que no se le puede achacar al montaje es su falta de honestidad. Todo y tal como la misma Rossellini nos explicó en la rueda de prensa multitudinaria sucede en escena. Sin trampa ni cartón, las motos han quedado aparcadas en la acera.



Curiosidades del mundo animal concentradas en poco más de una hora de montaje, un perro "multidisciplinar" y un titiritero que recrea la parte más audiovisual de la pieza, que se complementa con vídeos de la misma Rossellini, ése sería el resumen perfecto para un espectáculo que necesitaría instalarse en un modo más performático.

Rossellini conquista al público con su simpatía, su clase, cantando y bailando, y con lo que son los mejores momentos del montaje cuando rememora su infancia, recordando a su madre (Ingrid Bergman). Hemos venido a verla a ella y la hemos visto. No se puede pedir más.



LINK LINK CIRCUS

by on 20:34
de ISABELLA ROSSELLINI co-dirrección GUIDO TORLONIA intérpretes ISABELLA ROSSELLINI, SCHUYLER BEEMAN (titiritero y adiestrador de pe...

texto, interpretación y dirección MANUEL VEIGA
ayudante de dirección MERCÈ CERVERA
duración 65min
fotografías DAN BALBOA y MIGUEL ÁNGEL FERNÁNDEZ
producción ROSELAND S.L.
LA SECA ESPAI BROSSA

Comienzo admitiendo que la música y todo el universo de Lola Flores me queda a años luz. Cosa que afortunadamente no es, ni ha sido, en mi caso concreto, un impedimento para disfrutar del montaje. Manuel Veiga coge la esencia de lo que supuso su figura en plena dictadura franquista para sacar a la luz la historia de muchos, que como el protagonista, el hijo de Curro, no consiguió alcanzar a ver cómo la sociedad entendía sus historias, sus vidas.

Siempre a la varita tuya es un monólogo flamenco, un grito vitalista, una historia que hemos visto que se repite en otras formas más de una vez, pero sobre todo es verdad. La mirada de Veiga penetra y se queda como una sombra que no desaparece una vez que se sale por la puerta. La intensidad de unos ojos, que se mezcla con el dolor infinito de unas palabras, que nunca fueron las necesarias, provoca una hora de hipnotismo escénico.



A pesar de que por necesidades técnicas, la Sala Palau i Fabre de La Seca se haya teñido de rojo, parece que sus paredes lloran, hecho que acentúa aún más, si es posible, la sensación de drama del montaje. Sensación que se ve, a menudo, interrumpida por un humor negro, negrísimo.

La sobriedad de la escenografía diseñada por Jar Teatre, una silla, un maniquí que da figura al traje verde y una cortina de fondo a modo de telón que sirve como entrada y salida y también ayuda a dar vida a las proyecciones. Sin duda, el elemento clave de la puesta en escena es la precisa iluminación de Josep Maria Cadafalch, que despierta todo un torrente de emociones en el sentir del espectáculo por parte de los espectadores.



La apasionada interpretación de Manuel Veiga destila verdad y sentimiento. El único pero que se le puede poner a su verdad es el caló, pero no porque no venga a cuento, sino porque a veces sale demasiado forzado. No seré yo quién critique los acentos de cada uno, pero el exceso de intensidad que se pone para resaltar el 'andaluz' lastra en algunas escenas la preciosista poética del texto.



Después de Carmen Amaya y Lola Flores, Manuel Veiga seguirá rescatando de la memoria colectiva a golpe de homenaje escénico, grandes nombres de la cultura popular. La trilogia se completará con el escritor Paco Candel. Mientras tanto, déjate atrapar por su arte. Y Chinpún.

SIEMPRE A LA VERITA TUYA

by on 19:15
texto, interpretación y dirección MANUEL VEIGA ayudante de dirección MERCÈ CERVERA duración 65min fotografías DAN BALBOA y MIGUEL ...

de ÀNGEL GUIMERÀ
versión y dirección CARLOTA SUBIRÓS
dramaturgista FERRAN DORDAL 
intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, LAURA AUBERT, JAVIER BELTRÁN, ROGER CASAMAJOR, LAIA DURAN, ORIOL GENÍS, ALBA PUJOL / NIES JAUME y RAMON PUJOL
duración 1h 20min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y TEATRE EN XARXA
SALA PETITA (TNC)

Desde la entrada a la sala ya se intuye la tragedia. Un pianista y un violinista tapan el silencio de los futuros llantos. Sol Solet es la obra más feminista de uno de los mejores dramaturgos de la literatura catalana, Àngel Guimerà. Y otra mujer, Carlota Subirós la ha sacado del olvido y de paso le ha quitado el polvo acumulado durante años.

En una escenografía minimalista pero de aspecto decadente se reúnen los personajes. Munda, Laura Aubert, eterna enamorada de Hipòlit, Roger Casamajor, espera la vuelta de su primo Bernabé, Ramon Pujol, y de su salvador, Jon, Javier Beltran, junto a su tía Gaetana, Mercè Arànega.



La puesta en escena es hipnótica. El foco central que se desliza a lo largo y ancho de la escenografía de Max Granezel es el encargado de enfatizar las luces y las sombras propuestas en los diálogos de Guimerà. La iluminación de Carlos Marquerie es simplemente exquisita y alcanza su punto máximo en la última escena, de aquellas que te atrapan y no te dejan ir.

Aunque durante los primeros momentos el montaje peca de un estatismo excesivo, éste se acaba rompiendo y el ritmo del montaje acaba por vencerle. Carlota Subirós consigue romper con la narración de esos primeros instantes y transformar el montaje en una especie de "thriller", donde los hechos/acontecimientos toman tanto protagonismo como la psicología de los personajes.



Laura Aubert vuelve al drama y nos traslada el dolor, la culpa y las dudas de una mujer doblemente abandonada, traicionada y que paga con la misma moneda a quien la ama. Aún así, quien se lleva la función de calle es Roger Casamajor, que le tiene pillado el truco a este tipo de personajes. Su Hipòlit es un arma de doble filo que intenta jugar con el espectador pero que acaba ganando la versión menos alentadora de este jugador posesivo y maltratador, que como tantos otros ama "sin medida". 



Uno de los grandes aciertos de la producción es el tratamiento de la figura de la Ombra, en mi caso interpretada por Alba Pujol, una especie de voz de la conciencia de los personajes, un eco que ayuda a situarse al espectador y que a veces, convierte a las escenas en espejismos. La Ombra se fusiona perfectamente en el espacio sonoro creado por Damien Bazin y que en este montaje tiene una importancia crucial a la hora de crear y amplificar las escenas más dramáticas.

Sol Solet es un montaje sugerente, provocador, lleno de simbolismos, una bomba ideológica brutal. Descender al infierno, a veces, tiene su recompensa. Sin duda, el mejor montaje de lo que llevamos de temporada del TNC.

SOL SOLET

by on 19:03
de ÀNGEL GUIMERÀ versión y dirección CARLOTA SUBIRÓS dramaturgista FERRAN DORDAL  intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, LAURA AUBERT, JAVIER ...

a partir del texto de JAMES JOYCE
versión escénica de JOSÉ SANCHÍS SINISTERRA
adaptación, traducción y dirección ARTUR TRIAS
intérpretes ÀNGELS BASSAS y JEP BARCELÓ
duración 70min
fotografías PABLO FERREIRA
producción JELOUDI y BOHEMIA'S
SALA MUNTANER

Una imponente cama nos espera en la Sala Muntaner, en ella descansa la protagonista de esta obra junto a su marido. Una noche de pensamientos, de desvelos, de confidencias, de secretos, de verdades nunca dichas. Un noche resumida en poco más de una hora. Silencio sepulcral en la sala. Intérpretes en escena. Empieza el monólogo.

La nit de la Molly Bloom adolece de la época en la que está escrito. Quizás estos anhelos, confesiones, recuerdos, fantasías y sueños en su día sorprendieron al público mientras que hoy pasan por nuestros oídos como algo de lo más convencional.



Y es esta convención la que lastra todo el montaje. Arturo Trias ha optado por la sobriedad en escena, un conservadurismo escénico que acaba por pasarle factura. El poder de la palabra no es suficiente para mantener al público en vilo. Se echa de menos un espacio sonoro más allá de la simple presencia del tren que Daniel Seoane no ha conseguido exteriorizar. Y quizás entre tanto sueño, la opción audiovisual de fondo hubiera sido un complemento ideal para cambiar el ritmo monótono en el que acaba cayendo el montaje.

Artur Trias, encargado también de diseñador el espacio, no se ha sabido acoplar a las características técnicas de la sala. Las dimensiones de la cama, sumadas a la alzada del escenario y la disposición de la platea hace que la mayoría de los espectadores se pierdan la función porque no logran ver la cara de la actriz. Grave error no pensar que todos los espectadores tienen el mismo derecho a ver en igualdad de condiciones la obra, independientemente de dónde elijan sentarse. 

La sensación de falta de visibilidad se acrecienta por momentos, con un diseño de iluminación de Ignasi Camprodón que no consigue paliar las deficiencias de la puesta en escena y que añade más sombras a la producción.



Protagonismo absoluto para Àngels Bassas que, sin duda, es lo mejor del montaje. Su interpretación resulta más que notable, teniendo en cuenta que al texto le sobran años y le falta una más que necesaria actualización para quitarle alguna que otra frase que cae en la superficialidad y todos y cada uno de los clichés.

No todas las noches son igualmente afortunadas y en una semana donde la voz femenina se ha acabado imponiendo por encima de la masculina, no es fácil de digerir que un montaje siga cayendo en los mismos tópicos de siempre. Una lástima.

LA NIT DE LA MOLLY BLOOM

by on 17:53
a partir del texto de JAMES JOYCE versión escénica de JOSÉ SANCHÍS SINISTERRA adaptación, traducción y dirección ARTUR TRIAS intér...

compañía ZERO10 TEATRE
dramaturgia y dirección MARTINA CABANAS COLLELL
intérpretes PAU ZABALETA, MARIA CIRICI y ARTUR RODRÍGUEZ
duración 70min
fotografías JUANMA VERDAGUER y ROGER TENIAS
producción ZERO10 TEATRE
SALA ATRIUM

Por si cabía alguna duda, la Sala Atrium es una de las salas imprescindibles de la cartelera barcelonesa y esta temporada sus montajes son extraordinarios. Proximidad, contemporaneidad y montajes que tocan la fibra la han convertido en un must to go para los teatreros. 

Hasta esta semana desconocía a Martina Cabanas, a pesar de su granado currículum a sus espaldas en compañías como Els Joglars  y con directores como Javier Daulte o Marina Bollaín. Fuga de conills es el primer espectáculo de esta compañía que busca un teatro de cercanía con elementos que vayan más allá del simple teatro de texto.



Y el resultado es una fiesta. Más allá de la que se vive en el escenario, el espectador disfruta viendo y haciendo suyas las frustraciones de estos tres peterpans a los que les prometieron un mundo que no existía. Pero como la resignación no está hecha para el ser humano, ellos siguen buscando su sitio aunque sea en una discoteca a las 4 de la madrugada.

La puesta en escena de Fuga de conills convierte a la pequeña sala del Eixample en una discoteca con DJ incluido. El medley de la noche triunfa por su extravagancia, desde Manolo Escobar pasando por Whitney Houston y acabando en Bowie.



La historia deja retratada a una parte de la generación que se encuentra ahora entre los 30 y los 40, muñecos rotos que una sociedad no ha sido incapaz de salvar. Quizás porque al fin y al cabo todos llevamos uno dentro, las interpretaciones son totalmente naturalistas, dentro del toque surrealista de la historia.

Combinación notable el texto, el gesto y el movimiento en un montaje que destila frescura y que está de plena actualidad. La escena final, que no explicaré, es una auténtica delicia. Esperemos que la compañía Zero10 Teatre siga evolucionando en sus propuesta y no sea flor de un día. De momento, estos conills ya nos han dejado huella.

FUGA DE CONILLS

by on 12:44
compañía ZERO10 TEATRE dramaturgia y dirección MARTINA CABANAS COLLELL intérpretes PAU ZABALETA, MARIA CIRICI y ARTUR RODRÍGUEZ du...


de GUILLEM MORALES basado en la novela de MARY SHELLEY
dirección CARME PORTACELI
intérpretes JOEL JOAN, ÀNGEL LLÀCER, LLUÍS MARCO, MAGDA PUIG, ALBERT TRIOLA, PERE VALLRIBERA, ALBA DE LA CRUZ
duración 2h 20min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y FACTORIA ESCENICA INTERNACIONAL
SALA GRAN (TNC)

No soy muy de monstruos yo, así que acudí a la magnánima sala del TNC con cierta cautela. Nunca me he leído la novela de Mary Shelley, sí algunas partes en castellano y otras de inglés. Pero a pesar de todo, lo que más me atraía era la puesta en escena, como con los "infinitos" recursos del TNC me iban a hacer creíble la historia. Pero, los recursos no siempre lo son todo.

Sobriedad absoluta presenciada nada más entrar en la sala, hacía mucho que no veía tan despejado el escenario de la sala grande. En un principio podemos pensar que ya de por sí da miedo de lo que nos puede venir encima, pero que equivocados que estaríamos.

La escenografía diseñada por Anna Alcubierre, acompañada por una parte audiovisual de Miquel Àngel Raió, le va como anillo al dedo al montaje, incluso me atrevería a decir que lo eleva, hace que el espectador fije su atención en la escena, te atrapa



La poda dramatúrgica es espectacular. Guillem Morales consigue lo que no consiguió la versión londinense, otorgar el mismo peso al doctor Frankenstein que a su creación. Aunque sigue siendo bastante fiel a la versión original, el intento por acercar la novela hasta nuestros días a través del acento en los conflictos morales del protagonista resulta de lo más acertado.

El mayor problema del montaje es la interpretación. La elección de sus dos protagonistas no ha estado la más adecuada. Si bien Joel Joan se transforma en un monstruo bastante óptimo y sólo desentona en algunos momentos donde el personaje se le va de las manos el movimiento físico, su compañero Àngel Llàcer está demasiado ausente. Llàcer pasa por el doctor Frankenstein sin tocarlo, ni en los momentos de relax ni en su camino hacía la locura, siempre nos regala las mismas expresiones, la misma cara, no hay verdad.



Y aunque los mayores aplausos fueron para sus protagonistas, la mejor interpretación (y de lejos) nos la regala un incombustible Lluís Marco. Es un auténtico mestre, dentro y fuera del personaje. Una lección de interpretación. Y dentro de los actores de reparto, una luz, Magda Puig, que ciega como Agatha y deslumbra como Elisabeth.



Frankenstein vuelve a poner sobre la mesa el eterno debate, a veces reñido, entre si vale todo para vender entradas. El marketing de la obra confundía al espectador sin dejar claro quien era el doctor y quien era el monstruo, imitando a la versión inglesa (donde los actores se intercambiaban los papeles). Polémicas a parte, a esta versión le hubiera hecho falta una pasarela mayor de posibles doctores Frankenstein. 

FRANKENSTEIN

by on 20:01
de GUILLEM MORALES basado en la novela de MARY SHELLEY dirección CARME PORTACELI intérpretes JOEL JOAN, ÀNGEL LLÀCER, LLUÍS MARCO...