dirección ROGER TORNS
textos base CARLA LINARES, MAR PAWLOVSKY, LAURA DAZA, MARIA HERNÀNDEZ, PABLO MACHO, JAUME VIÑAS i ROGER TORNS
dramaturgia ROGER TORNS
intérpretes DIANA GÓMEZ, GEORGINA LATRE, MARIA HERNÀNDEZ, JAUME VIÑAS y RAFA DELACROIX
duración 70min
fotografías ORIOL GUILLEM
producción H.I.I.I.T
SALA ATRIUM

Estamos de enhorabuena. No recuerdo la última vez que coincidieron en cartelera tantos montajes con un perfil rupturista con el teatro convencional y con un espíritu tan joven. Algo está cambiando y esperemos que no sea flor de un día.

Uno de ellos es Hàbitat (doble penetració), primer premio en la Beca Desperta de este año, un espectáculo que crítica la sociedad actual donde todo pasa por una pantalla, y donde hemos dejado de mirarnos a los ojos, de tocarnos y lo hacemos todo por y para el foco. Pero los sentimientos son universales y no hay cámara que los cambie. La insatisfacción, la infelicidad, el amor... presentes y reales, incluso cuando se acaba el life direct.



Al contrario de lo que le pasa en otras artes, al teatro es al que más le ha costado incluir el móvil en sus espectáculos, el miedo a los ruiditos que tanto molestan, a las pantallas que iluminan media platea. Pues aquí en silencio, con la pantalla baja de luz pero el público se convierte en amo y señor y decide si ve el montaje a través de la cámara de su dispositivo o a través de su iris.

No es fácil hacer Insta Stories, grabar o hacer fotos mientras te enteras de las historias, pero la experiencia merece la pena por lo peculiar y lo fuera de lo normal. Siempre y cuando se respete al público, que asiste sólo con dos ojos a ver el espectáculo.

Delante del plantel de historias: suicidio en directo, una escritora de odia trabajar en un coworking, relaciones esporádicas en la red... todo sucede de noche, en el mismo barrio, todo en directo, todo es retransmitido y los espectadores, impávidos o no, reciben los "disparos".



Como la vida misma, interpretaciones donde la naturalidad es la máxima. Expuestos más que nunca a ser juzgados por el público. La mezcla de crítica, realidad y ficción, con unos textos que conjugan la poética con un tipo de lenguaje más descarado y sin prejuicios. 

La escenografía de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo no puede ser más apropiada, personajes atrapados en su propia pecera, burbuja mental con dos planchas de policarbonato que no sólo actual como pantalla sino que en ella pasan las cosas más "salvajes" de la pieza.

La platea debería estar llena de esa generación millenial y Z que no encuentran propuestas teatrales a su gusto. Para los no milenial es una radiografía de esta generación y, supongo que de las venideras, aunque a veces como todo se escape y se apodere de la sociedad entera, sin importar edades.

La Sala Atrium anuncia que el montaje volverá en breve. Ya no hay excusa por dejarse atrapar por esta pecera de vanidades llena de vida. Un montaje   que no te puedes dejar perder. Ah y no te olvides el móvil en casa!

dramaturgia y dirección GABRIEL CALDERÓN
traducción XAVIER PUJOLRÀS
intérpretes ALBERT AUSELLÉ, JORDI BANACOLOCHA, IMMA COLOMER, BRUNA CUSÍ, FRANCESC FERRER, LINA LAMBERT y SERGI TORRECILLA
duración 1h 20min
fotografías MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y BITÒ PRODUCIONS
SALA TALLERS (TNC)

¿Dónde estaba Gabriel Calderón hasta ahora? Ahora es fácil subirse al carro y decir que "rebentin, petin y que estalle todo" si es su deseo. Los espectadores amantes del teatro de texto puro y duro disfrutarán de lo lindo con este montaje. Pero vayamos por partes...

La relojería de la dramaturgia de Calderón debe ser suiza porque el ritmo es vertiginoso y lejos de que se aleje del espectador, consigue que éste se sumerja en la historia desde el primer instante y sea incapaz de despegar los ojos del escenario. El teatro latinoamericano tiene por seña de identidad el gusto por la naturalidad. Aquí, a pesar del surrealismo, se conserva ese toque de hacer de lo irreal un hecho cercano con el que el espectador puede empatizar en muchos momentos.



Un sueño, convertido en ficción, una historia que a muchos les gustaría llegar a protagonizar en la vida real. Una historia familiar de poder rendir cuentas con el pasado. Dar la información a cuenta gotas provoca que el espectador tenga que estar atento a la próxima píldora que se le de, y sobre todo saber diferenciar los continuos flashbacks y flashfowards que poblan el espectáculo.

El escenario se ha convertido en una especie de pantalla cinematográfica, irreal porque sabes que los personajes son de carne y hueso pero el hecho de subrayar la ficción de esta manera me parece brillante. Dentro de la falsa pantalla encontramos un salón convencional, con muebles de otra época que ahora no llegarían a considerarse vintage sino más bien old-fashioned, pero realmente eso es lo menos.



A nivel de interpretación una de las cosas más sorprendentes es la manera de decir el texto. Acostumbrados a un mastique más ligero de palabras aquí la velocidad es tal que se traslada a toda la pieza. No es que no importen las palabras, aunque al final sea más cierto que las intenciones y los tonos manden más que su significado.

Jordi Banacolocha borda un papel que lleva escrito su nombre, en una de sus mejores interpretaciones. Por su parte, Francesc Ferrer maravilla con su discurso con un punto de derroche cómico desternillante sobre   la imperante necesidad de decir "t'estimo". Mantener el misterio que envuelve a la obra es labor de Josep, Sergi Torrecilla, el personaje que sirve de "voz en off" del montaje pero el más sorprendente de todos.

Entre la parte femenina del reparto destaca Lina Lambert que construye una madre/suegra de armas tomar y que hace dudar al espectador réplica tras réplica (pero es mejor no decir porqué).



Que rebentin els actors es una obra donde la lucidez de la dramaturgia contrasta con el surrealismo de la trama. Una obra que lleva al extremo aquello tan catalán de "amagar la merda sota la catifa". Aquello tan universal de "el pasado siempre vuelve para rendirte cuentas". Aquello de que "la vida es mejor vivirla". Quédate cerca, Gabriel Calderón, no te amaguis más!

QUE REBENTIN ELS ACTORS

by on 18:37
dramaturgia y dirección GABRIEL CALDERÓN traducción XAVIER PUJOLRÀS intérpretes ALBERT AUSELLÉ, JORDI BANACOLOCHA, IMMA COLOMER, BRU...

basado en La Tormenta de William Shakespeare
dirección y adaptación MARC CHORNET
intérpretes TONI GUILLEMAT, CRISTINA LÓPEZ, NEUS PÀMIES, VÍCTOR RODRIGO, MARTÍ SALVAT, ROSER TÀPIAS y XAVIER TORRA
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción PROJECTE INGENU
LA SECA ESPAI BROSSA

Tengo que confesar que no he visto nunca La Tempesta montada en su versión original, es una espinita que tengo clavada y que espero que muy pronto alguien sea capaz de desclavarme. La he leído hace bastantes años para tener una ligera idea de qué va.

De entrada sorprende descubrir que se trate de un espectáculo puramente visual, con ligeras concesiones sonoras que dejan al texto de Shakespeare totalmente fuera de bolos y sin pronunciar una palabra consiguen trasmitir toda su fuerza.



Marc Chornet es uno de los directores que mejor conoce la obra del Bardo inglés y queda demostrado a lo largo del montaje. Sólo después de una profunda investigación sobre su obra se puede llegar a crear un montaje como éste. Si con Hamlet consiguió sorprendernos, con Romeo y Julieta nos dejó mudos, Vaig ser pròsper nos deja totalmente boquiabiertos.

Cuando no hay palabras, la responsabilidad recae en una dramaturgia de sonidos, teatro físico y de una puesta en escena acorde a todo el conjunto. El espacio sonoro diseñado por Pol Queralt juntamente con la música original y los arreglos vocales de Neus Pàmies eriza la piel, es todo un viaje emocional que es imposible que te deje indiferente. Víctor Rodrigo firma un movimiento que te atrapa, no hay escapatoria para unos ojos que no se despegan de la acción en ningún momento. La escena inicial con los criados es de una belleza poética que te desmonta. Impresionante.



Laura Clos (Closca) vuelve a diseñar una escenografía complicada, con una disposición a dos bandas, según parece desde la grada B hay más sombras que claros que desde la grada A. A pesar de las sombras, desde mi grada A la disposición de mezcla de luz y sombra funcionaba más que molestaba. Suyo es también el excelente diseño de luces que funciona a la perfección tanto en los momentos más calmados como en aquellos que se entra en un ligero éxtasis.

Vaig ser pròsper exige a sus intérpretes una entrega diferente, con una dramaturgia y un ritmo tan coreografiado cualquier error es fácilmente visible a los ojos del espectador. Pero en eso, Projecte Ingenu son unos expertos, dominan la naturalidad para que todas las piezas encajen y esta vez no iba a ser menos, entrega total... y se nota, vaya que si se nota!



La herencia simbolista que ya adoptaron en su anterior montaje, Yerma, queda muy superada aquí. Vaig ser pròper es el doctorado Cum Laude de Marc Chornet en Shakespeare, en montajes simbolistas. Projecte Ingenu tiene prohibido conformarse y lo sigue demostrando. No hay fronteras, no hay barreras que no logren superar. What a f*cking maravilla! BRAVO!

PS: Y aunque nunca nos acordemos de ellos, las fotos del montaje de David Ruano son una preciosidad. Tanto que me ha costado elegir cuatro para la crítica.


idea original VERÓNICA PALLINI y MIKEL FERNANDINO
texto MIKEL FERNANDINO
dirección TONY CASLA
intérprete VERÓNICA PALLINI
duración 60min
producción PORTA 4
PORTA 4

Llevamos hablando de la crisis y sus consecuencias diez años. Estamos saturados. Quien más o quien menos es experto en economía, con o sin máster. Pero parece que faltaba algo qué decir o no. Verónica Pallini quería hablar de las consecuencias de la crisis, y ha ideado un texto mitad crisis, mitad crítica a la masificación turística de Barcelona, mitad historia.

Pero al final tanta mitad ha quedado sin solidificación de las partes. Me explico. Dos mujeres diferentes pero con el mismo nombre, Victoria, diferente tiempo y país pero con el mismo problema, no pueden afrontar la subida desproporcionada del precio del alquiler.



De entrada la idea puede resultar interesante, pero falta cuidarla. La dramaturgia es una dura losa para espectáculo: le falta coherencia, ritmo y le sobran tópicos y situaciones tan convencionales como manidas. A ello se le tiene que sumar una dirección inexistente. No se ha planteado la prueba-error y el espectáculo se apoya más en lo segundo.

Interpretativamente falta veracidad, naturalidad, una visión diferente de los personajes. Aunque sin olvidar el monólogo hubiera jugado a favor la doble interpretación, dos protagonistas, dos actrices, porque si bien es cierto que sin una buena dramaturgia y una buena dirección el juego ya lo tienes perdido, si la interpretación cojea ya entramos en jaque mate.

A En Alquiler le falta una mirada externa, que quizás hubiera impedido el estreno. Alguien que dijera "por tu bien mejor aplaza el estreno". Ningún presupuesto es pequeño si se busca hacer, por encima de todo, las cosas bien. En fin, las prisas son siempre malas consejeras.

EN ALQUILER

by on 17:29
idea original VERÓNICA PALLINI y MIKEL FERNANDINO texto MIKEL FERNANDINO dirección TONY CASLA intérprete VERÓNICA PALLINI duraci...

dirección y dramaturgia BEGOÑA MORAL
traducción JOAN CALSINA
intérpretes NÚRIA ROCAMORA, GENÍS SENDRA y BLANCA GARCÍA-LLADÓ
duración 80min
fotografías MAX RUBERT
producción PARADISO 99
ÀTIC 22 (TEATRE TANTARANTANA)

Atraída por la poética que Begoña Moral acostumbra a dar a sus espectáculos acudo a ver estos Gossos de Neu. Creo que en esta ocasión es sin duda lo más significativo del espectáculo. Historias entrelazadas de personajes entorno a la muerte de Albert Camus que quedan un poco excesivamente teñidas de una oscuridad extraña y de personajes que necesitan un poco más de definición.

A medio camino entre el teatro documental, el teatro físico y el teatro de texto, Gossos de Neu es una mezcla a la que le falta homogeneidad y que necesita un espectador atento a no perderse entre la maraña de personajes, de relaciones y de idas y venidas.



Con una puesta en escena cargada de recuerdos, Nina Tuset diseña una escenografía que retrata el caos de vida que señala el texto y que los personajes por ende guardan en sus memorias. El que sí traslada al espectador a lo más profundo de las mismas es el diseño de iluminación de Helena Torres, que aunque el Àtic22 siempre apueste por espectáculos más minimalistas, con poco en este caso se consigue mucho.

El montaje sorprende con un inicio nada convencional, donde el teatro físico gana a la palabra. Por desgracia, enseguida deja paso al teatro de texto, la cual cosa no es la mejor de sus decisiones. El espectáculo ganaría en poética si hubiese optado por dar más peso al teatro físico y dejar en segundo plano la parte más textual. 



Las tablas de Blanca Garcia-Lladó se notan cuando se mueve como pez en el agua ya sea en el papel de narrador o de mero observador de las acciones de sus compañeros. Un texto con una densidad  y profundidad como Gossos de Neu adquiere otro nivel cuando la persona que lo pronuncia se preocupa que ritmo, tono y entonación estén equilibrados. Y en eso García-Lladó es sobresaliente.

Sus compañeros de reparto, Núria Rocamora y Genís Sendra brillan más en los momentos de teatro físico que en las partes de texto, muchas de ellas poco definidas y faltas de interés. Lo que no logro entender es los gritos de los personajes en la última parte de la obra. En una sala tan pequeña como el Àtic22 están de más.



La parte audiovisual de la parte final debería ganar más protagonismo a lo largo de la obra, serviría para reducir el exceso narrativo que envuelve el texto. A pesar de lo que Gossos de Neu es un montaje interesante, al que los medios a su alcance no le han permitido hacerlo del todo imprescindible.

GOSSOS DE NEU

by on 17:55
dirección y dramaturgia BEGOÑA MORAL traducción JOAN CALSINA intérpretes NÚRIA ROCAMORA, GENÍS SENDRA y BLANCA GARCÍA-LLADÓ duraci...

texto DANIEL J. MEYER
dirección MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA
intérprete ALBERT SALAZAR
duración 70min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Cuando has seguido el desarrollo de los últimos años de las dramaturgias de Daniel J. Meyer, puedes esperar cualquier cosa, objeto o persona encima del escenario. La sorpresa está garantizada. Lo que no me esperaba era que el montaje me dejará tan flipada

Comenzando por la dramaturgia, precisa, milimétrica, con un ritmo y un lenguaje asombrosos. Carlos, el protagonista, nos engancha con su lenguaje, cercanía total, más allá del diminuto espacio de la Sala Flyhard, quien nos gana es él. Lo mismo hace públicos sus pensamientos, que se dirige directamente al público, canta, baila y da una y mil volteretas. Darlo todo en escena ha adquirido un nuevo significado después de ver AKA.



Tan importante como el lenguaje es la magnífica dirección de Montse Rodríguez, el ritmo de "que no decaiga" es obra suya. Una de las piezas claves de toda la obra son las transiciones, esos instantes en los que se intenta calmar los ánimos de personaje y público después de someterlos a una fuerte descarga emocional. La manera de resolverlos es sin duda sobresaliente, como el público no se da cuenta hasta que han pasado un par de ellos y se traga, acepta y se incorpora a la "trampa".



Excepcional el trabajo interpretativo de Albert Salazar, al que yo no había visto fuera de la pequeña pantalla y que se come el escenario y te deja boquiabierto su nivel extremo de naturalidad. Un montaje como éste necesita todo lo que él da en escena, un disfrute de principio a fin. La versatilidad que despliega ayuda a engrandecer el flipe aún más. Guille Vidal-Ribas ha diseñado una coreografía que, para los patos con dos piernas izquierdas como una servidora, nos parece para quitarse el sombrero.

La puesta en escena aunque minimalista a primera vista, representa básicamente la habitación de Carlos (15 años) donde un potente altavoz es el protagonista más visible. El pero a la parte minimalista lo pone un potentísimo diseño de luces de Xavi Gardés. Acompañan a las luces un fantástico diseño sonoro del mismo Gardés donde la selección musical es una delicia (playlist) y va de la mano con la dramaturgia y la dirección.



Y no, no diré ni mu de la trama. Simplemente que sí los que estamos en las generaciones de los 30-40 ya nos parecía dura la adolescencia, comparada con la actual era un juego de niños. Adolescentes y adultos se mezclan en las butacas de la Flyhard para disfrutar de uno de los mejores montajes de la cartelera actual barcelonesa. Imperdible.

AKA (AS KNOWN AS)

by on 17:51
texto DANIEL J. MEYER dirección MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA intérprete ALBERT SALAZAR duración 70min fotografías ROSER BLANCH ...

texto JORDI CASANOVAS
dirección MARC ANGELET
intérpretes ANNA SAHUN, ERNEST VILLEGAS y ÒSCAR MUÑOZ
duración 85min
fotografías DAVID RUANO
producción VELVET EVENTS
SALA MUNTANER

Cita anual obligatoria con Jordi Casanovas en la Muntaner, si el turrón llega en diciembre, sus obras en abril en la sala teatral de Barcelona. No falla y lleno asegurado hasta la bandera, lo cual es de aplaudir en la temporada que llevamos. 

Mala Broma es una comedia negra, negrísima, estilo 100% Casanovas, un disfrute de principio a fin, pero de esas que te dejan a la salida media sonrisa y pensativa. En los tiempos que corren, hasta la pregunta ya puede ser considerada delito, ¿se puede hacer broma de todo? ¿se puede poner límites al humor? ¡Ni caído del cielo!



Un periodista insatisfecho con su trabajo, Òscar (Muñoz), queda para cenar con un viejo amigo y compañero de batallas que ha conseguido triunfar y llegar a lo más alto, Ernest (Villegas). La tercera en discordia, la mujer de Òscar, Anna (Sahun), médico. 

Las dramaturgias de Jordi Casanovas funcionan como los relojes suizos, milimétricas. Aquí como ya pasaba por ejemplo en L'home amb les ulleres de pasta lo que comienza como una simple broma al más bromista del grupo acaba por enredarse de tal manera que se puede llegar a pensar que a quien le toman el pelo es a los espectadores.



Sin desvelar nada de la trama, para eso mejor compra la entrada, se puede afirmar que la perversidad de la misma unida a una excelente dirección de Marc Angelet no dejan que el espectador parpadee esperando el siguiente giro. Una especie de "ansia viva" invade la platea a la espera de cómo se resolverán todos los frentes abiertos.

Además de cuestionar el humor, Mala Broma se atreve con una sonora crítica al discurso feminista, el monólogo que se marca el personaje femenino, Anna, es de quitarse el sombrero, no sólo a nivel interpretativo sino también de lenguaje y de tono. Sorprende que, en medio de las idas y venidas en tono cómico, la obra adquiera un cierto carácter crítico, pero la incorporación queda perfectamente situada y el público lo incorpora a la broma aunque no lo sea.



Interpretativamente, y aunque en un principio parezca un combate a dos y en masculino, el montaje le reserva el mejor papel para ella, una espléndida Anna Sahun. Aunque el típico combate de quién la tiene más grande persigue a los personajes masculinos, la sombra interpretativa de Anna Sahun es mucho más alargada y consigue que esperemos con mucha más ansia sus réplicas y movimientos que la de sus compañeros. 

Por supuesto, sin desmerecer, Òscar Muñoz está muy acertado en un papel de pobre desgraciado de la vida, quizás excesivamente tocado por el victimismo (pero la parte cómica que destila es insuperable) y Ernest Villegas es el perfecto amigo guaperas con un cierto toque de caradura.



La escenografía de Sergi Corbera funciona a la perfección. Una cocina americana / salón modernista de una piso de la burguesía catalana con detalles minimalistas y funcionales. No es necesario nada más para entrar en el juego.

Mala Broma ha nacido para triunfar. Una dosis, tan necesaria, de risas, un discurso crítico, un tirón de orejas, unas interpretaciones excelentes y una dirección y dramatúrgia que funcionan a la perfección. La factoría Jordi Casanovas está en plena forma.

MALA BROMA

by on 14:35
texto JORDI CASANOVAS dirección MARC ANGELET intérpretes ANNA SAHUN, ERNEST VILLEGAS y ÒSCAR MUÑOZ duración 85min fotografías DA...

autor INGMAR BERGMAN
traducción CAROLINA MORENO
dirección MARTA GIL
asesor ALBERT TOLA
intérpretes ANNA SABATÉ y JORDI FIGUERAS
duración 2h
fotografías ALBERT SERRADÓ
producción NEXUS EUROPA y LES ANTONIETES TEATRE
TEATRE AKADÈMIA

No es la primera vez que veo esta obra montada, si mi memoria no me falla es la cuarta, y quizás sea éste un punto que pesa, la maldita costumbre de comparar. Pero no sólo es cuestión de comparativa sino que el entendimiento sobre el sentimiento de visceralidad que en mí han producido otras producciones, y que en ésta la búsqueda ha sido en vano.

La propuesta de Nexus Europa y Les Antonietes Teatre le cuesta soltarse. Durante su primera hora, los personajes están demasiado encorsetados, no son libres en movimiento ni en sentimientos, siguen a pies juntillas el guión marcado y la pérdida de naturalidad es aplastante.



La opción de la dirección de Marta Gil ha optado por simplificar la obra y hacer ver que el paso del tiempo no afecte a los intérpretes más que por cambios de ropa o de peinado. Más allá de la intensidad de la obra, el paso del tiempo no queda reflejado más que en una pared. Los espectadores son dueños de darle más o menos crédito y de ver o no una evolución de los personajes más allá del texto.

Escenes d'un matrimoni está divida en seis escenas, en este caso notables por la aparición de la música que permite a los actores cambiarse el traje. Sin embargo, al haber tantas transiciones se echa de menos un componente más audiovisual que pueda reforzar el paso del tiempo o los recuerdos de los personajes.



Aunque en el texto hay una clara evolución (natural) de los dos protagonistas, en la puesta en escena queda más difuminada. Buscada o no (lo desconozco) se deja entrever una falta de química sustancial entre los actores, Anna Sabaté y Jordi Figueras, que no logran empatizar del todo con el público. 

La visceralidad que requiere el texto se convierte en una frialdad que pone los pelos de punta, excesiva, incluso cuando la ternura parece ganar la batalla y los recuerdos buenos pesan más que los malos, el hielo sigue allí, impenetrable.



El espacio escénico de Joanna Martí ha optado por encerrar a los personajes en una especie de caja sin paredes, donde el público puede ser voyager de la escena. Sin duda es funcional, como los dos rectángulos de madera que hacen función de todo. El diseño de luces de Lluís Serra i Natàlia Ramos, aunque uniforme y monótono en un primer momento va ganando peso e importancia según avanza la obra.

El montaje intenta "salirse de plano", cuando ya ha pasado su ecuador, y coger el vuelo, pero quizás es un intento demasiado tardío y el público hace ya tiempo que vuela solo. Es toda una pena que un texto de la altura del de Ingmar Bergman me deje, tan pronto, a medio gas.

ESCENES D'UN MATRIMONI

by on 19:42
autor INGMAR BERGMAN traducción CAROLINA MORENO dirección MARTA GIL asesor ALBERT TOLA intérpretes ANNA SABATÉ y JORDI FIGUERAS ...

de MARIANA DE ALTHAUS
dirección CAROL LÓPEZ
intérpretes NAUSICAA BONNÍN, JOEL BRAMONA - JAUME SOLÀ, AINA CLOTET, MARC CLOTET y GUILLERMO TOLEDO
duración 1h 10min
fotografías KIKU PIÑOL
producción TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Tengo la extraña sensación de haber visto un experimento, un working progress más que un espectáculo totalmente montado y estrenado. Pocas veces siento una desconexión tan fuerte entre lo que está pasando en el escenario y lo que eso me hace sentir. He de reconocer que los 15 primeros minutos fueron como si hubiera entrado en una realidad paralela, cómo si no entendiera ninguna de las palabras que los intérpretes soltaban por su boca.

Sentada en una de las cuatro gradas que rodean el escenario me preguntaba el porqué de todo junto. Quién decidió montar esta obra, cuya estructura dramática parte de una anécdota que no desarrolla y que decora con cuatro tópicos sobre la familia y sus reuniones. Con este inicio hay miles de obras, la mayoría más interesantes de la que acabo de ver.



Carol López ha optado por una puesta en escena a la 'argentina' pero con actores catalanes en su mayoría + Willy Toledo, que todo dicho sea ya por anticipado es quien mejor sale parado. La naturalidad que destila el teatro argentino queda aniquilado en esta función. Buena parte de culpa la tiene haber optado por no traducir la obra al catalán, o dicho de otra manera por no haber educado a los actores en la entonación. Salvo Nausicaa Bonnín y Willy Toledo el resto de intérpretes defenestra el idioma, en entonación porque el texto es el que es, pero... 



Si el lenguaje le resta veracidad a los actos, las interpretaciones siguen el mismo camino. No me creo nada, y no creo además que haga falta caer en la trampa de que la única forma posible de interpretar los problemas mentales/psíquicos como es el caso de Edurne (Aina Clotet) sea a grito pelado
Para ser honesta, esta vez la inocencia gana a la verdad y, en este caso, Jaume Solà, el más pequeño del reparto, se come con patatas a las grandes figuras que integran el cartel

Con una escenografía tan minimalista como el texto, la voz cantante de la puesta en escena se la lleva el diseño de iluminación de Mingo Albir, un halo de esperanza en una obra donde la oscuridad tiende a hacerse presente a la fuerza.



Y aunque la última escena (que no desvelaré) me saque de la homogeneidad de toda la pieza, una flor no fa estiu y ya hacía tiempo que mis pensamientos me llevaban por otros derroteros. Salgo de sala acordándome de todas las dramaturgas catalanas con textos potentes, no como éste, que no pueden estrenar en el Lliure (ni en otros teatros), y me cabreo, me cabreo mucho.

EL SISTEMA SOLAR

by on 18:22
de MARIANA DE ALTHAUS dirección CAROL LÓPEZ intérpretes NAUSICAA BONNÍN, JOEL BRAMONA - JAUME SOLÀ, AINA CLOTET, MARC CLOTET y GUILL...

dramaturgia y dirección LAURA MIHON
intérpretes ADRIÀ OLAY y PAU SASTRE
duración 70min
fotografías AITOR RODERO
producción COL·LECTIU LA SANTA y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

El blog vuelve a estar activo después de unas semanas de parón por acumulación de historias varias. Una de las críticas que tenía pendiente era ésta. L'hora blava es uno de los mejores espectáculos que ví en marzo y que está en la última funciones, si no quieres seguir leyendo (y aunque sea empezar la casa por el tejado), simplemente corre a por una entrada.

L'hora blava es uno de esos espectáculos que con poco más que los tres elementos principales de cualquier montaje: dramaturgia, interpretación y dirección se puede conseguir un montaje de 10. Con un inicio de lo más sugerente, pocas obras se atreven a tener en vilo al público durante sus primeros minutos de función sin una sola palabra, sólo con un impresionante espacio sonoro diseñado por Cesc X. Mor. Definitivamente el tercer personaje de la obra.



La tensión y por consecuente angustia que provoca el último montaje del Col·lectiu La Santa es la que convierte a esta obra en una especie de road-movie/thriller con una dramaturgia y un ritmo que convierte su narrativa en pariente cercano con la más actual de algunas ficciones televisivas. 

Laura Mihon conjuga a la perfección dramaturgia y dirección para mantener al público atrapado en sus butacas y casi sin pestañear esperando el siguiente movimiento.



El enigma acompaña a los personajes que desgranan sus historias con cuentagotas. El espectador descubre más por sus silencios que por sus palabras. El espacio escénico de Daniel Ruiz y Kaka Gouvea y el diseño de iluminación de Laia García y Joan Rey ahondan en la parte misteriosa.

El trabajo de Adrià Olay y Pau Sastre es sensacional desde el primer minuto. El público respira con ellos, se siente cómplice de sus anhelos, de su impotencia, de sus frustraciones, de sus esperanzas...



No hay duda que el Col·lectiu La Santa sabe reinventarse en cada montaje. Una de esas compañías que no se conforman, de las que nunca sabes que esperar, pero que sorprenden, que innovan y que no se conforman a repetir copias de éxitos pasados. Repito, última semana, imperdible!

L'HORA BLAVA

by on 13:03
dramaturgia y dirección LAURA MIHON intérpretes ADRIÀ OLAY y PAU SASTRE duración 70min fotografías AITOR RODERO producción COL·L...