Butaques i somnis

autoria MARC ARTIGAU

idea original CRISTINA ARENAS

dirección JOAN MARIA SEGURA BERNADAS

dirección musical y composición BÁRBARA GRANADOS

interpretación MIQUEL MALIRACH, JOSEP SOBREVALS y CRISTINA ARENAS

duración 90min

producción AMICI MIEI PRODUCCIONS

TEATRE LA GLEVA

Siempre es mejor acabar la temporada riendo que lo contrario. Después de un mes a golpe de Grec, salir de la montaña y entrar en una sala alternativa apetecía más que de costumbre. Calurosa noche de julio y dispuesta a ser la más millennial de tod@s pero, de inicio, con pocas habaneras en el recuerdo. Eso sí parece que los años pasan y el saber no quita lugar: no era tan ignorante en la materia como me pensaba.

Un cremat, un abanico y muchas ganas de reír y pasármelo bien. Y bueno un flish, flish salvador de tanto en tanto. Empezamos con un brindis para celebrar la vida, por los que están y por los que no están. ¡Y que suene la música! Quizás no hubiera aguantado entera una cantada de habaneras al uso, pero No cal anar a l'Havana pone la tradición patas arriba, le imprime otro aire, un buen toque de ritmo y una comicidad desbordante.

No cal anar a l'Havana junta el hambre con las ganas de comer. Tres monstruos de la comedia juntos, que no te dejan recuperarte de una para disparar la siguiente. Josep Pla, Rosalía, el feminismo... nunca te imaginarías lo que da de sí un género que a menudo vilipendiamos y que ya era hora que alguien lo pusiera en su sitio.

La escenografía de Ramon Simó y el vestuario de Joan Maria Segura Bernadas, incluso el calor (impuesto) de la sala nos hacen trasladarnos a un pueblo de costa. Antes de salir disparados para la playa (que las fechas lo provocan), es necesario pasar por La Gleva para coger el mejor tono a lo que queda de verano.

NO CAL ANAR A L'HAVANA

by Elisa Díez on 21:02

autoria MARC ARTIGAU idea original CRISTINA ARENAS dirección JOAN MARIA SEGURA BERNADAS dirección musical y composición BÁRBARA GR...

autoría, dirección y dramaturgia ORIOL MORALES i PUJOLAR

interpretación REBECCA ALABERT, IONA BALCELLS, JOAN MARMANEU y JUAN PABLO MAZORRA

duración 90min

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y LA LLARGA

ESPAI LLIURE (GREC 2019)

Nos dejaron con la miel en los labios en el ensayo abierto que presenciamos gracias a Factoria Grec (del Festival Grec y Recomana.cat) y hemos tenido que esperar casi hasta el final del festival para averiguar de dónde salían los bramidos. El Premio Adrià Gual de 2018 es un conjunto de historias del Empordà, pero hasta los empordanesos son humanos y principalmente es una historia de humanos buscando su camino, aquello de dónde venimos y a dónde vamos.

Una escenografía vestida de blanco impoluto que no presagia lo que está a punto de suceder. El Empordà y todos sus pueblos no se escapan de las historias escabrosas y más si tiramos la mirada atrás y nos trasladamos a la época de la Guerra Civil y postguerra. Expropiaciones de casas, inmigración y un buen número de secretos que se irán desgranando poco a poco a lo largo de la trama.

Rebecca, Iona, Joan y Juan Pablo rescatan sus memorias infantiles (relación con sus progenitores y afán por descubrir), se hacen preguntas (muchas se quedarán sin respuesta) y hacen un ejercicio que no todos hemos sido capaces de hacer, querer entender el ahora preguntándose por el ayer. Aquellas historias que no nos explicaron, que muchas abuel@s se llevaron a la tumba, aquello que no se podía contar y que aún hoy sigue en silencio.

Es sorprendente ver cómo generación tras generación no sólo no se olvida lo que pasó hace ya 80 años, sino que su recuerdo brota con más fuerza en las nuevas generaciones. El texto de Oriol Morales vuelve a llevarnos a los años de la postguerra, a desvelar secretos, a hacernos preguntas. Y si bien es cierto que está plagado de anécdotas, cada una de ellas nos lleva a un rincón propio de un pasado común.

La escenografía de Ona Grau se complementa a la perfección con las proyecciones de vídeo de una especie de Stop Motion singular en directo que hace que las palabras y los hechos de antaño cobren inesperadamente vida. Los espectadores somos una especie de voyagers de estas historias que han pasado tanto tiempo ocultas.

Con un lenguaje de hoy, las historias del pasado sigue resonando igual de cruentas en nuestras cabezas, por mucho que los que las vivieron hayan callado para siempre. Bruels es un montaje sincero, valiente, una muy buena carta de presentación en un circuito más abierto (fuera de las pequeñas salas alternativas por las que circuita la compañía) que demuestra que La Llarga es una compañía muy a tener en cuenta en las próximas temporadas.

BRUELS

by Elisa Díez on 20:03

autoría, dirección y dramaturgia ORIOL MORALES i PUJOLAR interpretación REBECCA ALABERT, IONA BALCELLS, JOAN MARMANEU y JUAN PABLO MAZO...

concepción YARON LIFSCHITZ con el equipo de CIRC

dirección YARON LIFSCHITZ

música FRANZ SCHUBERT, KLARA LEWIS e IGOR STRAVINSKY

interpretación CIRCA ESEMBLE

interpretación musical HANS JORG MAMMEL (tenor), JORDI MASSÓ (piano) y MIQUEL VILLALBA (PIANO)

duración 80min

fotografías DAMIEN BREMBERG

producción CIRCA

PALAU DE LA MÚSICA CATALANA (GREC 2019)

Una tarde noche al Palau de la Música Catalana viendo circo internacional. Uno de los mejores planes del Grec 2019. Volvía CIRCA, la compañía australiana que mezcla circo, música en directo y movimiento. Si hace 6 años ya nos había maravillado en el anfiteatro del Grec con Opus, ahora no iba a ser menos con En Massé en el marco modernista incomparable del Palau. Pero...

No el Palau no acompañó de la manera que nos hubiera gustado. En Barcelona a mediados de julio a las 20h es de día y la obertura del espectáculo lo notó. Una gran burbuja recogía a los intérpretes. Demasiada luz, dependiendo el ángulo de la sala donde te encontrarás veías mucho o algo menos, porque no todas sus paredes favorecían la vista hacia su interior. Tal y como aparece en la imagen superior este elemento necesitaba claramente un cámara negra.

Afortunadamente la burbuja desapareció y la música y el circo acapararon nuestra atención mientras afuera anochecía. CIRCA sigue teniendo un técnica y un movimiento espectacular pero el envoltorio en este caso fue más allá del Palau. El diseño de iluminación, totalmente blanco, desfavorecía lo que estaba pasando en el escenario. Mientras la música resaltaba los momentos de dramatismo, la luz no iba al compás.

Sobre el papel CIRCA explica que este montaje pretende explicar los extremos de la existencia humana, los comportamientos individuales, las dinámicas de grupo, la cooperación, el egoísmo, la agresividad y la ternura. Cosa que reflejan muy bien sus movimientos llenos de energía, pero que son deslucidos por un entorno un tanto inhóspito.

El espacio natural del circo en el Grec es un monumental anfiteatro donde la montaña es su mejor anfitriona, aunque quizás allí hubiera deslucido más la voz del tenor, que fue lo más ensordecedor de la noche, aunque por preferencia personal hubiera deseado quedarse boquiabierta con los intérpretes más físicos.

EN MASSÉ

by Elisa Díez on 19:06

concepción YARON LIFSCHITZ con el equipo de CIRC dirección YARON LIFSCHITZ música FRANZ SCHUBERT, KLARA LEWIS e IGOR STRAVINSKY ...

texto HATTIE NAYLOR

dirección PEP PLA

traducción NEUS BONILLA y CARME CAMACHO

interpretación MÍRIAM ISCLA

voces en off DANIELA LUCAS (Maria), LLUÍS SOLER (voz en off del planetario), ROSA CADAFALCH (oculista), TONI UBACH (técnico del planetario)

duración 75min

fotografías DAVID RUANO

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA, VELVET EVENTS y CAET- CENTRE D'ARTS ESCÈNIQUES DE TERRASSA

ESPAI LLIURE (GREC 2019)

Siempre he pensado que el universo es demasiado grande para abarcarlo. Nunca le he prestado más atención que cuando se acerca un meteorito que puede o no chocar con algún punto de la tierra o cuando hay algo digno de ver, sea un eclipse, las Perseidas... No soy muy fan de galaxias, ni estrellas, ni tan sólo planetas. No me interesa viajar a la Luna, ni a Marte, ni ver la Tierra desde el espacio. Por eso quizás Abans que es faci fosc me costó, porque aunque el viaje de la protagonista fuera interesante, la capa de universo me hizo perderme.

Concebido como un monólogo con voces en off, donde la protagonista, Anna, se convierte en centro del universo y su historia hacia un cambio forzado de vida es la luz que poco a poco se va apagando, la puesta en escena es la parte más simbólico de la obra. Lo que en un primer momento es minimalismo escénico elevado a la máxima potencia, se convierte en un juego lumínico, de proyecciones, vídeo y de objetos que hacen que el espectador sueñe con los ojos abiertos.

Pese a una más que notable puesta en escena, al texto de Hattie Naylor le cuesta despegar. Tiene momentos tiernos, pero poco a poco se embarca en un ritmo que no le favorece. Las idas y venidas de la historia principal a otras más secundarias provocan una innecesaria desconexión. El texto también provoca una cierta frialdad interpretativa de Míriam Iscla. Aunque, a priori, la historia de su personaje sea un viaje interesante, cuesta empatizar con un sufrimiento que se dice pero que no se muestra.

A pesar de todo sigue apareciendo esa mujer valiente, que pese a todo, tiene que luchar por reconstruir su relación con su hija. Los mejores momentos de la obra, no hay vídeo, no hay proyecciones, sólo hay un cohete y una voz en off. Son aquellos que quisieras que duraran eternamente, aunque el universo no estuviera de acuerdo.

ABANS QUE ES FACI FOSC

by Elisa Díez on 18:17

texto HATTIE NAYLOR dirección PEP PLA traducción NEUS BONILLA y CARME CAMACHO interpretación MÍRIAM ISCLA voces en off DANIELA L...

idea y dirección JUAN CARLOS MARTEL BAYOD

dramatúrgia MARC ARTIGAU

dramaturgia GEORGINA OLIVA

un proceso creativo con ROSÓ AMADES, GENOVEVA GARRIGA, ISABEL LINARES, MARIA DOLORES LÓPEZ, CLARA MANYÓS, ÀUREA MÁRQUEZ, MARIONA MAYOLAS, ALÍCIA PUEYO, MARIA SALVADOR y PAQUITA SOLER

duración 80min

fotografías JUAN LEMUS

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y TEATRE LLIURE

TEATRE LLIURE (GRÀCIA, GREC 2019)

La vida está llena de Giuliettas a las que no les marca la edad, sino las ganas de vivir. Se puede ser a los 80 tan joven como a los 15 por mucho lápiz que hayas gastado por el camino. En una sociedad donde sólo se admira la belleza y la juventud, el montaje de Martel cae como un rayo. Pero si escucháramos más a nuestros mayores, saldríamos ganando.

Àurea Márquez toma la batuta de este singular casting donde primero se habla del amor, el real no el que nos vende Disney ni todas las películas pastelosas que llevamos a nuestras espaldas. El amor de juventud y aquel que con el paso de los años se agota y se convierte en un reloj sin pilas. "Lo mejor que me pasó en mi matrimonio es que me quedé viuda". Risas cómplices, llenas de verdad.

Entre amor, poemas, miradas a cámara que con diligencia maneja una peculiar ayudante de dirección y asistente que cuida de estas voces, Clara Manyós. Su cámara nos devuelve a la realidad, nos saca de una semificción y nuestros ojos, por unos instantes, vuelven a percibir las paredes del Lliure de Gràcia.

Y aunque el fin último de la vida sea alcanzar el amor, estas Giuliettas de entre 80 y 90 años llevan una maleta llena de vivencias, que por exigencias del guión se han quedado en una mera anécdota. Casting Giulietta es de aquellas obras que tendrían que durar horas, todo un ejemplo de teatro documental que algunos todavía disfrutan en su casa, y sin pagar entrada, y que muy pocos saben aprovechar.

La Giulietta con más experiencia tiene 90 años, Paquita Soler y quizás sea la más lúcida. Nos confiesa que lleva toda su vida escrita en diarios. Todo un tesoro que no se debería perder y es que para encontrar grandes historias no hay que irse muy lejos. Piel de gallina tras ver este impresionante ejercicio de fortaleza y sabiduría encima del escenario. En octubre volveremos a seguir contando Giuliettas.

CASTING GIULIETTA

by Elisa Díez on 18:13

idea y dirección JUAN CARLOS MARTEL BAYOD dramatúrgia MARC ARTIGAU dramaturgia GEORGINA OLIVA un proceso creativo con ROSÓ AMADES,...

autoria y dirección LOLA ARIAS

interpretación LOU AMOUR, DAVID JACKSON, GABRIEL SAGASTUME, RUBÉN OTERO, SUKRIM RAI, MARCELO VALLEJO

composición musical ULISES CONTI

duración 100min

fotografías TRISTAN KENTON

producción BRIGHTON FESTIVAL, ROYAL COURT THEATRE, UNIVERSIDAD NACIONAL DE San Martín, THEATERFORMEN, LE QUAI ANGERS, KÜNSTLERHAUS MOUSONTURM, MAISON DES ARTS DE CRÉTEIL, HUMAIN TROP HUMAIN/CDN de MONTPELLIER

TEATRE LLIURE (MONTJUÏC, GREC 2019)

No recuerdo que nadie me haya explicado nunca la Guerra de las Malvinas, justo un año antes de que yo naciera. Y aunque todas las guerras tengan sus vicisitudes, en todas hay dos bandos, los vencedores y los vencidos. Siempre tenemos una visión de un bando, en Campo Minado se nos exponen las dos, los propios protagonistas hablan, aquellos que empuñaron las armas y que fueron a "salvar" una tierra que no es libre.

Por momentos, la narrativa me recordó la trifulca, todavía existente entre España y Inglaterra por el Peñón de Gibraltar. Las Maldivas vendría ser algo así pero entre Argentina y los ingleses. La obra, pero, no está contemplada como una guerra de bandos, a pesar de que sus protagonistas admiten en varias ocasiones que les costó mirar a los ojos del "enemigo" y hablar de sus vivencias.

En un set de rodaje, con una enorme pantalla de fondo y como si de un documental se tratará van pasando los testimonios. Cada uno cuenta sus recuerdos, que quién sabe si con el paso de los años se han dulcificado o quizás la pluma de la autora no haya querido explicar aquellos más sangrantes, de uno y otro bando. Endulzada o no la crudeza de lo que un espectador medio se puede llegar a imaginar persiste y aunque no hay escenas desagradables a la vista, el oído hace que la imaginación se dispare.

Por eso quizás la puesta en escena tire mucho de música, la de los Beatles, ya que uno de sus protagonistas, Ruben Otero tenga un grupo homenaje al cuarteto de Liverpool. La música siempre será un lenguaje que una, y aunque la obra sea un precioso abrazo al bilingüismo español- inglés, la música en el fondo no tiene idioma.

Campo Minado es teatro documental, donde el mayor documento son las víctimas de carne y hueso que hoy todavía pueden dar su versión de los que vivieron en la guerra. Esos veteranos de guerra, que hoy sólo luchan porque los recuerdos sólo sean una mancha borrosa en su trayectoria vital.

CAMPO MINADO

by Elisa Díez on 20:36

autoria y dirección LOLA ARIAS interpretación LOU AMOUR, DAVID JACKSON, GABRIEL SAGASTUME, RUBÉN OTERO, SUKRIM RAI, MARCELO VALLEJO ...

dirección DARCY GRANT

equipo creativo JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, MIEKE LIZOTTE, LEWIE WEST, MARTIN SCHREIBER, JOANNE CURRY, LACHLAN HARPER, LEWIS RANKIN, JACKSON MANSON

interpretación JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, ALYSSA MOORE, JORDAN HART, RACHAEL BOYD, JOREN DAWSON, LACHLAN HARPER, LEWIS RANKIN, JACKSON MANSON

composición e interpretación musical SHENTON GREGORY y ELLIOT ZOERNER

duración 80min

fotografias CARNIVAL CINEMA

producción GRAVITY & ORTHER MYTHS

AMFITEATRE GREC (GREC 2019)

No hay un espacio mejor para ver espectáculos de circo de gran formato que el anfiteatro del Grec, la inmensidad de la montaña otorga a esta disciplina un resultado de pura magia. A la compañía australiana Gravity & Other Miths le sienta como un guante. Todas las ediciones del Grec hemos tenido la oportunidad de ver compañías de circo extranjeras, pero nadie, hasta el momneto, había conseguido iluminar el escenario del Grec con la misma fuerza.

Backbone (columna vertebral) tiene como tema central la fuerza y en ella basan todos sus números. Un virtuosismo que no estamos acostumbrados a ver con un ritmo vertiginoso que pone los pelos de punta en cada nueva y espectacular exhibición. Sus componentes, tanto masculinos como femeninos, deben estar fabricados de otra pasta, a tenor de su demostración en el escenario.

Pero Backbone no se queda solamente en un seguido de piruetas encadenadas sino que además dejar boquiabierto al público, le saca una sonrisa. Momentos como el de la armadura de caballero les hacen meterse al público en el bolsillo, aunque algunos ya nos hubieran ganado desde el principio. Bajo una música con tintes del desierto e interpretada en directo superan los límites del espacio, aquella que distancia que para un simple mortal sería imposible de superar y que para ellos sólo supone un simple paso más.

Uno de los elementos más característicos del espectáculo, y que no estamos tan acostumbrados a ver de manera tan cuidada en un montaje de circo, es la iluminación, que juntamente con la escenografía (toda la artillería de artilugios que nunca diríamos que servirían para hacer circo) viene de la mano de Geoff Cobham. Una espectacularidad lumínica que deslumbra tanto o más que las mil y una piruetas y que no sólo las acompaña, sino que en algunos casos ejerce un papel muy destacado en las piezas.

La noche (de momento esperemos que pronto podamos conjugar en plural) de circo en el anfiteatro del Grec es una cita imprescindible dentro del festival y esperemos que Australia este a un paso, para que Gravity & Other Miths vuelva a cruzar pronto el globo con destino Montjuïc. ¡Nos lo hemos pasado pipa!

BACKBONE

by Elisa Díez on 19:18

dirección DARCY GRANT equipo creativo JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, MIEKE LIZOTTE, LEWIE WEST, MARTIN SCHREIBER, JOANNE ...

concepción y dirección GABRIELA CARRIZO y FRANK CHARTIER

creación e interpretación EURUDIKE DE BEUL, MARIE GYSELBRETCH, HUN-MOK JUNG, BRANDON LAGAERT, YI-CHUN LIU, MARIA CAROLINA VIEIRA

duración 80min

fotografías OLEG DEGTIAROV y OLYMPE TITS

producción PEEPING TOM en coproducción con KVS-ROYAL FLEMISH THEATRE (BRUSELAS), TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA, GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y THEATER IM PFALZBAU

SALA GRAN (TNC, GREC 2019)

Un clásico del Grec es ver un nuevo espectáculo de Peeping Tom y si este año está semiproducido en casa, mejor que mejor. Después de ver Vader (padre) y Moeder (madre), cerramos la trilogía de la familia con Kind (hijo) que nos sume en el mundo de la infancia. Peeping Tom siguen fieles a su estilo de mezcla danza con teatro, en esta ocasión quizás haya más teatro que danza, y se hecha un poco de menos la última. Por otra parte, el ambiente hiperrealista de otra obras, se mezcla ahora con un surrealismo al límite.

Platea a rebosar, con las entradas agotadas, y con un público deseoso a saber qué nos tiene preparada la compañía belga. Kind es una obra oscura donde el mundo de los niños está reflejado desde sus propios ojos, así se muestran sus miedos y sus deseos. Un mundo casi de adultos donde los monstruos se vuelven más reales y cometen atrocidades que en la cabeza de un infante no deberían habitar.

Kind se suma a la moda de las obras distópicas donde la realidad se lleva a un límite de atrocidades y donde la infancia se da la mano peligrosamente con el peor mundo adulto posible. Kind saca a Peeping Tom de los escenarios interiores, de sus típicos salones, y la escenografía de Justine Bougerol nos muestra el exterior, un bosque tenebroso al lado de un acantilado donde las bestias y la tiniebla tiñe de negro y azul oscuro el abanico de colores que debería tener cualquier infancia.

Sus recursos cinematográficos siguen muy presentes en Kind y esta estética capturan nuestra atención, la violencia que destiñe esta infancia incomoda en exceso. Y el humor tan típico de montajes anteriores se muestra en este caso en un formato que cuesta esbozar la sonrisa sin pararse a pensar de qué nos estamos riendo, si la parodia de humor negro es para reírse o para llorar.

La multidisciplinariedad de Kind deja la danza en un segundo plano, mucho menos presente que en el dos montajes que conforman la trilogía, y quizás para los que recordábamos más danza y menos teatralidad nos ha sabido a poco. Todo evoluciona y quizás Peeping Tom ha seguido su evolución natural. Veremos qué nos espera más allá de la trilogía, si nos sacan de la oscuridad.

KIND

by Elisa Díez on 14:40

concepción y dirección GABRIELA CARRIZO y FRANK CHARTIER creación e interpretación EURUDIKE DE BEUL, MARIE GYSELBRETCH, HUN-MOK JUNG, ...

concepción y voz TAYLOR MAC

piano, dirección musical y arreglos MATT RAY

interpretación y diseño de vestuario MACHINE DAZZLE

interpretación musical BERNICE "BOOM BOOM" BROOKS (batería), VIVA DECONCINI (guitarra), GREG GLASSMAN (trompeta), GARY WANG (bajo).

invitada especial MARIOLA MEMBRIVES (cante flamenco)

interpretación simultanea QUIM PUJOL

duración 120min

fotografías NEIL GRABOWSKY y SARAH WALKER

producción POMEGRANATE ARTS y NATURE'S DARLINGS

TEATRE LLIURE (SALA PUIGSERVER, GREC 2019)

Era, quizás el más esperado. El plato fuerte de esta edición del Grec y no defraudó. Un espectáculo musical, cabaret queer, improvisación donde el público empieza sentado en su butaca pero no sabe dónde va a acabar. Ese público que quiere permanecer en el anonimato de la sala, mejor que se quede fuera.

Desde el inicio estamos avisados que la meta es que nos sintamos incómodos. Y dicho y hecho nada más que pone un pie en la platea, ésta siente un temblor, y no, no es causado por las interminables botas de plataforma. Taylor Mac abre la boca para disparar, todas sus frases son como una daga a nuestras consciencias. Nadie está a salvo. Se atreve con todo: Trump, Vox, el heteropatriarcado, el dia del Orgullo Heterosexual, Stonewall...

Con una puesta en escena a modo de concierto, donde la estrella es él, y su vestimenta, accesorios que le hacen destacar en una cámara con tendencia al negro, pero realmente es el discurso el que nos hace erizarnos. El famoso speak up, no callarse, no tener miedo al qué dirán, a lo que despertaran tus palabras en las conciencias de los otros, el llamar las cosas por su nombre. En 120 minutos he salido más empoderada del teatro que nunca.

El público catalán es bastante calmado, por no decir tímido de entrada, poco dado a levantarse del asiento para seguir los dictámenes de un "líder"y aunque al principio le costó conectar, al final ver a toda la platea de la Sala Puigserver moviendo compulsivamente los brazos da qué pensar. Cada uno habrá vivido, como siempre, la experiencia a su manera, yo tuve la "mala" suerte de caer entre dos parejas heteros, una treinteañera y la otra septuagenaria y en el momento de hermanamiento fue imposible participar con los más jóvenes, porque el chico se negó a que su novia se abrazara conmigo. Lo que me lleva a pensar que, vivimos en una burbuja, y que hay más "verdes" de los que pensamos. Significativo.

Taylor Mac es indescriptible, ni con un millón de crónicas podemos resumir la experiencia, hay que vivirla porque es fascinante. ¡Dos horas de hipnotismo escénico! Creo que todos los que durante dos día abarrotamos la Sala Puigserver estaremos de acuerdo es que pagaríamos por ver las 24h de espectáculo, este aperitivo nos ha sabido a poco.

Taylor Mac, come back soon, please!

A 24 DECADE HISTORY OF POPULAR MUSIC (ABRIDGED)

by Elisa Díez on 13:30

concepción y voz TAYLOR MAC piano, dirección musical y arreglos MATT RAY interpretación y diseño de vestuario MACHINE DAZZLE inter...

companyia A.I.M

director artístico KYLE ABRAHAM

intérpretes de la compañía KYLE ABRAHAM, MATTHEW BAKER, TAMISHA GUY, KEERATI JINAKUNWIPHAT, CLAUDE "CJ"JOHNSON, CATHERINR ELLIS KIRK, MARCELLA LEWIS, JEREMY "JAE"NEAL

duración 82min (con entreacto)

fotografías STEVEN SCHREIBER

MERCAT DE LES FLORS (SALA MAC)

En esta edición el Festival Grec nos invita a entrar en el mundo del coreógrafo norteamericano Kyle Abraham, nacido en plena cultura del hip-hop, sus coreografías son un estilo mezclado de géneros que van desde piezas más clásicas dentro de la danza contemporánea hasta el mismo hip-hop o danzas urbanas diversas.

La apuesta del festival es ofrecer cuatro piezas, en un programa mixto para que sea un descubrimiento del que dicen que es el mejor y más brillante talento nacido en la época de Obama. Delante de tanto renombre y adjetivación, una espera verse sorprendida desde el minuto uno y no un espectáculo más in crescendo.

El solo de Tamisha Guy es lo que nos hace despertar de nuestras butacas y en menos de 5min quedarnos atónitos mirando como se desliza su cuerpo en el espacio. Una pieza muy enérgica acompañada una potente música electrónica.

Pero, sin duda la pieza clave por la que se recordará a la companyia es Drive, la última, que impacta desde su puesta en escena con un aparato lumínico que llega a cegar al espectador y a sumirlo en una especie de sueño, siete intérpretes entran y salen del escenario bajo la música urbana y con movimientos típicos de una pista de baile o de una plaza de Nueva York. Todo un broche de oro, que no se podía presagiar después de que las dos primeras piezas no cumplieran con las expectativas.

PROGRAMA MIXT

by Elisa Díez on 18:05

companyia A.I.M director artístico KYLE ABRAHAM intérpretes de la compañía KYLE ABRAHAM, MATTHEW BAKER, TAMISHA GUY, KEERATI JINAKUN...

idea, creación y dirección MANOLO ALCÁNTARA

intérpretes MANOLO ALCÁNTARA, LAIA RIUS, ANDREU SANS

composición musical, direcció musical, arreglos e interpretación en directo LAIA RIUS

duración 60min

fotografías RAQUEL GARCÍA

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA en coproducción con la compañía de MANOLO ALCÁNTARA

MERCAT DE LES FLORS (SALA OM)

Seis de la tarde y recién salida de una mini siesta me dispongo a entrar en otro sueño, el que nos propone Manolo Alcántara. Como su fuera velas de un barco gigante, el escenario está dispuesto a hacernos entrar a un mundo de fantasía. Un espectáculo de circo que esconde un mensaje no apto para realistas, aquello de sueña grande, a veces los sueños se cumplen, otras no.

Déjà Vu puede ser considerado un espectáculo familiar a tenor de la cantidad de infantes que había en la sala, y que se quedaron atrapados en la ensoñación del espectáculo, salvo algunas excepciones cercanas, que no entendían lo que pasaba en escena ni que el lenguaje verbal en el teatro queda relegado para lo que pase en escena.

El montaje combina diversas técnicas circenses y es acompañado de música y voz en directo. La versatilidad vocal de Laia Rius es de quitarse el sombrero, nunca mejor dicho. Espectacular el registro vocal que va desde tonos de ópera, hasta ritmos más rockeros.

Realidad y ficción (o ensoñación), es de admirar que los recursos más simples del clown sigan maravillando espectadores de diversas generaciones. Pero el sueño no fue todo lo placentero que se esperaba, el montaje (de momento) achaca una clara falta de rodaje en varios aspectos, pero sin duda el más notorio es el ritmo. Un movimiento más acelerado ayudaría a enfatizar algunos aspectos que ahora están un poco cojos y no acaban de funcionar.

DÉJÀ VU

by Elisa Díez on 17:36

idea, creación y dirección MANOLO ALCÁNTARA intérpretes MANOLO ALCÁNTARA, LAIA RIUS, ANDREU SANS composición musical, direcció music...

idea original y dirección ALÍCIA GORINA

dramaturgia ALBERT ARRIBAS

concepto escénico SÍLVIA DELAGNEAU

interpretación ANNA ALARCÓN, JUAN BELLIDO, ELENA FIESCHI, CARME GARCÍA GOMILA y ANNA ROMAGOSA

duración 85min

fotografía RAIMON RIUS

producción: GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA e INDI GEST

ESPAI LLIURE (LLIURE DE MONTJUÏC)

¿Qué fue de aquel dicho tan catalán de "los trapos sucios se lavan a casa"? Quizás es que el teatro sea casa de todos pero este repaso a la trayectoria y vida ficcionada (o no) de la creadora y directora Alícia Gorina ha decidido exponerlos a la vista de todos, en una especie de psicoanálisis colectivo que pretende dejar entrever su personalidad y su vida a través del análisis de las obras que ha dirigido.

Según parece la idea nació después de crear Watching Peeping Tom, donde compartía escenario con su padre, Àlex Gorina, y esto sería una segunda parte de aquello. Un homenaje a su madre, esta vez ausente y representada por cuatro psicoanalistas, compañeros de profesión. Más que psicoanálisis sería una radiografía de algunos rasgos diferenciales y comunes de toda su obra. Una especie de justificación de porqué hace lo que hace y no otra cosa.

Alícia pertenece a la generación Peter Pan, aquella que le cuesta asumir que los años pasan y que los 18 hace tiempo que se cumplieron, pero más que Peter, Alícia vuelve a Lewis Carol, al país de las (no) maravillas. Y tras el impacto previo de la escenografía, a medio camino entre la conferencia de prensa y una sala de un tanatorio, la sesión de psicoanalista cuesta de digerir, ya no porque los temas tratados no resulten en algún punto interesantes, sino porque el ritmo de la realidad dista mucho del que se requiere en escena y la repetición de las formas narrativas x4 no ayuda demasiado por mucho humor que le añadamos.

Hay una clara ruptura de ritmo con la aparición de la enigmática Anna Alarcón. Pero su presencia es tan breve, a modo casi de epílogo, cuando realmente está todo ya dicho y nos ha quedado claro que todo parece una excusa para seguir después del punto y aparte tratando temas que sea por la razón que sea siempre nos interesan. Después de tanto análisis me quedo con la Alícia de Imatges Gelades, y desterraría la de Blasted. Al menos que toda la metralla que ha quedado encima del escenario sirva para enterrar los miedos, dejar de blanquear la realidad y abandonar de una vez por todas Wonderland.

IN WONDERLAND

by Elisa Díez on 21:16

idea original y dirección ALÍCIA GORINA dramaturgia ALBERT ARRIBAS concepto escénico SÍLVIA DELAGNEAU interpretación ANNA ALARCÓN, ...

autoria AURORA BERTRANA

adaptación y dramaturgia JOSEP M. FONALLERAS

dirección MÒNICA BOFILL

interpretación MERCÈ ARÀNGEGA y PAULA BLANCO

duración 60min

fotografia SÍLVIA POCH

producción GREC FESTIVAL DE BARCELONA, BITÒ y TEATRE AKADÈMIA

TEATRE AKADÈMIA

Aurora Bertrana está considerada como uno de los primeros ejemplos de la moderna literatura de viajes escrita en catalán. Sus Paradisos Oceànics recopilan una serie de crónicas cortas que describen su viaje a la Polinesia francesa, acompañando a su marido, "Monsieur Choffat", tal como ella lo denomina. Mientras llegamos a la otra punta del Globo, Aurora nos explica su vida, desde una perspectiva feminista, con una visión del mundo que la rodea, y que está en decadencia (la descolonización) y una gran meta que es sobrevivir.

En la adaptación de Josep M. Fonalleras, Aurora se divide en dos, una muy buena decisión de partida ya que estamos delante de una dramaturgia eminentemente narrativa y la división de voces hace ganar dinamismo, le aporta un tiempo más rápido a la acción y pone el acento en el humor. Fonalleras respeta la sonoridad de la obra, es una adaptación muy literaria que provoca que la dicción esté a la altura de las acciones. El espectador viaja mecido en las palabras.

La puesta en escena aunque minimalista de origen, destapa los mundos que se nos describen en el texto. Laura Clos (Closca) vuelve a hacer posible que en dos paneles blancos veamos la vegetación de la Polinesia, sin recurrir en ningún caso al elemento más fácil, las proyecciones. Al mismo tiempo que destapamos la vida de Aurora, la escenografía nos traslada a cada uno de los escenarios de la misma.

El diseño de iluminación de David Bofarull (a.a.i) y el espacio sonoro de Ramón Ciércoles completan la belleza estética y el buen gusto con el que ha sido llevada la obra a escena.

No se me ocurre mejor reparto para estos Paradisos Oceànics que Mercè Arànega y Paula Blanco. La complicidad de ambas Auroras en escena es brutal. Hacía mucho que no veía una compenetración igual encima de un escenario. La obra fluye porque todos los elementos suenan en la misma nota, pero sus intérpretes están sensacionales. Y al menos desde platea se nota que se divierten.

Mònica Bofill es sinónimo de un teatro de proximidad con mensaje (Incògnit, Barbes de Balena o La Benvinguda). Sólo nos cabe esperar que el viaje no acabe en el Grec y durante la temporada más espectadores puedan verse invitados a este precioso y apetecible viaje.

PARADISOS OCEÀNICS

by Elisa Díez on 17:40

autoria AURORA BERTRANA adaptación y dramaturgia JOSEP M. FONALLERAS dirección MÒNICA BOFILL interpretación MERCÈ ARÀNGEGA y PAUL...

dramaturgia y dirección VICTORIA SZPUNBERG

intérpretes MARTA ANGELAT, AINA CALPE y BLANCA GARCIA-LLADÓ

duración 1h 30min

fotografías KIKU PIÑOL

producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y SALA BECKETT

SALA BECKETT

Un año más vuelvo a comenzar el Festival Grec en la Sala Beckett. Esta vez con un espectáculo sobre la educación, el papel de la escuela y de los maestros, que hoy convertidos en meros profesores que tienen menos papel que el que deberían tener.

El tema da para cinco obras, como mínimo, Victoria Szpunberg coge un caso concreto, el supuesto bullying de una alumna para desmenuzar a grandes rasgos el sistema educativo actual donde el centro es el alumno que siempre tiene razón y los maestros son simples loros que repiten lecciones que nadie quiere aprender y que pertenecen a un sistema que no les ofrece las suficientes herramientas ni garantías para ejercer su función. Sin buscar razones o culpables el papel de la escuela está cada vez más diluido en un sistema social que provoca terror.

Y ese terror queda reflejado en la puesta en escena, donde la sombras priman más que las luces, con una escenografía minimalista de Max Graenzel, una potentísima iluminación de Paula Miranda y un espacio sonoro que corta el aliento de Lucas Ariel. Amor Mundi es un montaje donde la puesta en escena es tan importante o más que el texto.

La narrativa explicada en modo flashback, a través de los recuerdos de Aurèlia, una maestra retirada y que está a punto de quedarse ciega, justo antes de ser despedida de la escuela por un episodio que se va dilucidando en el devenir del montaje y que pone al espectador entre la espada y la pared de la moralidad actual que muchas veces roza la falta de lógica y de humanidad.

A nivel interpretativo, la contención de Marta Angelat aleja la mirada del espectador de una posible empatía con el personaje y le otorga un plano más distante, como si a veces hubiera a una pantalla que separara quien ve de quien es visto. Y aunque el peso de la función recae en ella, es el personaje de una enigmática monitora joven de la escuela, interpretada brillantemente por Blanca Garcia-Lladó, quien atrapa nuestra mirada. Es ella el Macguffin del espectáculo, la naturalidad de su interpretación nos hace salir de las sombras y nos despierta más curiosidad como el personaje principal.

Amor Mundi se debería haber quedado en un montaje que formule preguntas pero que obvie las respuestas, o que las deje simplemente entrever, para que sea el propio espectador quien opte por fabricarse su propia conclusión, a la situación real que no ficticia que se vive en el sistema educativo actual. Pero Victoria Szpunberg ha optado por incluir cierta moraleja al espectáculo, elemento que como espectadora detesto y me molesta esta sensación de que piensen por mí. Malamente.

AMOR MUNDI

by Elisa Díez on 20:54

dramaturgia y dirección VICTORIA SZPUNBERG intérpretes MARTA ANGELAT, AINA CALPE y BLANCA GARCIA-LLADÓ duración 1h 30min fotografí...

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