AMOR

/ 20:27

dramaturgia PAULA RIBÓ
dirección PAUL BERRONDO
pequeños fragmentos de texto de MARTA AGUILAR, ALAIN BADIOU, ANDRÉ GORZ, MAR PAWLOWSKY
intérpretes MARTA AGUILAR y MAR PAWLOWSKY
duración 65min
fotografías ALBA CROS
producción EL EJE
ÀTIC 22 (TANTARANTANA)

Tengo frío mucho frío, y no sólo por el evidente que hace en la sala. Que el amor te deje helado no es buena señal. Me quiero cabrear, quiero sentir, quiero empatizar con los personajes pero hay algo que no me permite hacerlo. Y no, no es que sea una historia de lesbianas, porque precisamente por eso tendría más sentido hacerlo. Pero siento más bien indiferencia.

No puedo analizar el espectáculo desde fuera, desde fuera del colectivo, no lo puedo mirar con ojos de heterosexual porque no son mis ojos, y quizás ese ha sido el fallo. Cuando estás dentro hay historias que ya has vivido, que ya te han contado o que incluso has visto con tus propios ojos (de ficción o verdaderos) y Amor no explica más que una historia normal, como hay miles. No ofrecer nada nuevo, es el mismo "bollo drama" de siempre. E incluso diría más, si cambias a uno de los personajes de sexo sería la típica historia de amor de dos personas que se enamoran y poco a poco van creciendo de manera separada.

Paula Ribó opta por ofrecernos la historia al revés, para así hacernos ver un final feliz impostado, para creer que la historia pudo haberse escrito de otra manera. Un final agridulce porque el espectador sabe que las historias felices no acaban cómo empezaron sino de la manera cómo crecieron. Aunque en realidad es ese continuo ir y venir de flashbacks los que hacen que una historia con poca chicha tenga algo de interés.



El frío de la sala y de la historia también se refleja en las interpretaciones, hace falta una química brutal que traspase el escenario para que los sentimientos se vean naturales, y desgraciadamente no la hay. El chute de melodrama es excesivo para un escenario tan pequeño y la falta de intimidad es palpable en un escenario tan cercano como el del Àtic22.

Y si bien es cierto que es necesario visibilizar el amor LGTBQI, no creo que sea conveniente hacerlo a cualquier precio. Con la cultura audiovisual que tenemos a nuestras espaldas, es necesario que se nos muestre ese algo más, que nos atrape en la historia, que lo simple funcione con toda su complejidad y no que la complejidad se vuelva simple.

dramaturgia PAULA RIBÓ
dirección PAUL BERRONDO
pequeños fragmentos de texto de MARTA AGUILAR, ALAIN BADIOU, ANDRÉ GORZ, MAR PAWLOWSKY
intérpretes MARTA AGUILAR y MAR PAWLOWSKY
duración 65min
fotografías ALBA CROS
producción EL EJE
ÀTIC 22 (TANTARANTANA)

Tengo frío mucho frío, y no sólo por el evidente que hace en la sala. Que el amor te deje helado no es buena señal. Me quiero cabrear, quiero sentir, quiero empatizar con los personajes pero hay algo que no me permite hacerlo. Y no, no es que sea una historia de lesbianas, porque precisamente por eso tendría más sentido hacerlo. Pero siento más bien indiferencia.

No puedo analizar el espectáculo desde fuera, desde fuera del colectivo, no lo puedo mirar con ojos de heterosexual porque no son mis ojos, y quizás ese ha sido el fallo. Cuando estás dentro hay historias que ya has vivido, que ya te han contado o que incluso has visto con tus propios ojos (de ficción o verdaderos) y Amor no explica más que una historia normal, como hay miles. No ofrecer nada nuevo, es el mismo "bollo drama" de siempre. E incluso diría más, si cambias a uno de los personajes de sexo sería la típica historia de amor de dos personas que se enamoran y poco a poco van creciendo de manera separada.

Paula Ribó opta por ofrecernos la historia al revés, para así hacernos ver un final feliz impostado, para creer que la historia pudo haberse escrito de otra manera. Un final agridulce porque el espectador sabe que las historias felices no acaban cómo empezaron sino de la manera cómo crecieron. Aunque en realidad es ese continuo ir y venir de flashbacks los que hacen que una historia con poca chicha tenga algo de interés.



El frío de la sala y de la historia también se refleja en las interpretaciones, hace falta una química brutal que traspase el escenario para que los sentimientos se vean naturales, y desgraciadamente no la hay. El chute de melodrama es excesivo para un escenario tan pequeño y la falta de intimidad es palpable en un escenario tan cercano como el del Àtic22.

Y si bien es cierto que es necesario visibilizar el amor LGTBQI, no creo que sea conveniente hacerlo a cualquier precio. Con la cultura audiovisual que tenemos a nuestras espaldas, es necesario que se nos muestre ese algo más, que nos atrape en la historia, que lo simple funcione con toda su complejidad y no que la complejidad se vuelva simple.
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idea original, dramaturgia y dirección AINA HUGUET
dirección de movimiento ANDREU MARTÍNEZ
intérpretes ARIADNA FÍGOLS y AINA HUGUET
duración 70min
fotografía NÚRIA GÁMIZ
producción EL MALDÀ
EL MALDÀ

Recordar el pasado es imprescindible para evitar que se vuelva presente. Pero también es imprescindible tenerlo bien presente para no cometer los mismos errores que se conjugaron en pasado. Nos olvidamos de las víctimas con la misma facilidad que giramos la página. Vivimos en un mundo de acciones inmediatas y se nos olvida qué hemos desayunado esta misma mañana. Cuando tenemos más opciones que las que podemos alcanzar, lo superfluo se nos vuelve importante y lo que debería serlo se queda en el cajón de "algún día".

Aina Huguet ha decidido sacar del cajón del olvido las historias de los olvidados, aquellos que huyendo de la Guerra Civil Española se sumergieron en otra cloaca sin nombre y sin memoria. Después de 80 años, la playa de Argelers se ha convertido en un lugar turístico, ni rastro de la barbarie genocida que sufrieron los exiliados españoles durante años. Pero la memoria no olvida y la arena está a punto de destapar las mentiras.

Con la sala en forma de L nos encontramos un escenario aterrador, lleno de ropa amontonada. Unas prendas que algún día pertenecieron a alguien y que hoy frías y sin cuerpo al que guarecer yacen desparramadas por el suelo. No es verano, nuestras protagonistas tienen frío y hambre, mucha hambre. La esperanza de haber podido escapar de la guerra se va apagando según pasan los días encerradas en su propio miedo.

Rastres_Argelers es un montaje honesto, de los que piensas "lo que ves es lo que hay" pero no hace falta mucho más que una dramaturgia certera, una escenografía (de Elisenda Pérez) que te aplasta y una iluminación (de Adrià Aubert) que te hiela la sangre. Hay verdad en sus caras, sus expresiones no son baladí y sus silencios hieren más que la mayoría de balas. Hay montajes que se te quedan dentro y van hurgando hasta que poco a poco te rompen la carcasa de protección que, a mi, me impide llorar en público. Y son esas lágrimas que no limpian pero sí hacen que merezca la pena vivir la historia, una y otra vez, para que no se nos olvide jamás.

RASTRES_ARGELERS

by on 19:39
idea original, dramaturgia y dirección AINA HUGUET dirección de movimiento ANDREU MARTÍNEZ intérpretes ARIADNA FÍGOLS y AINA HUGUET ...

de DUNCAN MACMILLAN
traducción ADRIANA NADAL
dirección SIXTO PAZ PRODUCCIONS
intéprete PAU ROCA
duración 60min
diseño del cartel EDU BUCH
producción SIXTO PAZ PRODUCCIONS i EL TERRAT
SALA LA PLANETA (TEMPORADA ALTA) / CLUB CAPITOL

Escribo esto con la memoria puesta en el vídeo más viral del momento, un anuncio de una marca que nos llega al corazón haciendo uso de aquello que a menudo nos olvidamos, nuestros seres queridos. Y es precisamente de eso de lo que habla Les coses excepcionals, de aquellas cosas que nos gustan hacer, aquellas personas con las que nos gusta estar y que por un motivo u otro no hacemos o no estamos o ni siquiera nos paramos a pensar porqué no.

El enigma empieza desde que el espectador entra en la sala, cuando se le acerca el intérprete y le explica que él será uno de los elegidos para tener un papel más o menos importante dentro del espectáculo. Los espectadores de mi función en la Sala La Planeta no opusieron resistencia, entraron en el juego y disfrutaron de él. La comunión que se establece entre miradas y respiraciones de los espectadores de esta obra supera con creces a los que se pueda producir en un montaje convencional. Aquí quien más o quien menos es excepcional.



La lista puede verse como un simple hecho anecdótico, una serie de frases repetidas, un sinfín de palabras que nadie puede recordar en qué orden se pronunciaron para llevarnos al gran problema de fondo descubrir porqué alguien se quita la vida con la cantidad de cosas excepcionales que se pueden hacer en esta vida. Resolver el enigma de un suicidio nunca es fácil, pero aquí al menos el dolor de la pérdida puede parecer más liviano si se le contempla desde el punto de vista de los buenos recuerdos.

Pau Roca ha diseñado el espectáculo a su medida, una cara amable que va deshilachando los recuerdos, las anécdotas, que te hace empatizar de una manera increíble (quizás en mayor medida a los que compartimos su generación) y que se hable de la muerte es un hecho para celebrar la vida, para recordar qué nos gusta, qué nos hace felices y disfrutarlo juntos. Olvidarnos por una hora de nuestras obligaciones con las que nos reencontraremos una vez que salgamos por la puerta y jugar a ser aquellos niños que hacían listas de sus cosas favoritas. ¡Id a descubrir una hora excepcional!

LES COSES EXCEPCIONALS

by on 20:58
de DUNCAN MACMILLAN traducción ADRIANA NADAL dirección SIXTO PAZ PRODUCCIONS intéprete PAU ROCA duración 60min diseño del cart...

texto y dirección SERGIO BLANCO
intérpretes GUSTAVO SAFFORES, WALTER REY y SOLEDAD FRUGONE
video arte MIGUEL GROMPONE
duración 1h 40min
fotografías NARÍ AHARONIÁN
EL CANAL (TEMPORADA ALTA)

Y ésta es la obra que cierra el otoño más Blanco de nuestras vidas. Echaremos de menos sumergirnos una semana tras otra en la auto-ficción tan característica de Sergio Blanco. Quizás sea ésta la pieza que completa el círculo, la más próxima a La ira de Narciso, que abrió nuestras mentes a un mundo que hemos ido poco a poco desgranando.

Estos cinco bramidos en los que esta dividido el texto vuelve a la idea de matar al padre, una patología más antigua que el mundo pero que no deja de intrigarnos, de preguntarnos constantemente porqué, qué esconde esa figura para tener la fijación con ella. A diferencia de La ira de Narciso, en El Bramido de Düsseldorf la simbología está mucho más presente. Simbología presente a nivel visual con una estética extremadamente fría, intérpretes encerrados en una caja blanca con apenas instrumentos. El lenguaje hiere y los gestos denotan lejanía, falta de afecto. Los personajes se hablan pero más allá de las palabras ni se tocan.



La música, tan presente en la obras de Blanco, aquí es una especie de terapia que sana que (des)conecta toda esa frialdad y nos devuelve escenas más amables. Al mismo tiempo que es quizás la parte simbólica que más fuerza da al relato. También ayuda al público a rebajar la tensión, a meterle dentro de la acción en los constantes giros, a pesar de que la dramaturgia ya tiene continuos guiños que le invitan a no apartar la mirada. Esos guiños son protagonizados por momentos cargados de ironía, una descarga irónica que dura más bien poco, en segundos nos vuelve a sumergir en los episodios más macabros de nuestra humanidad.



Quizás en grado sea la obra más obscena de las que llevamos vistas de Blanco. El grado de provocación, a veces, se le va de las manos, o quizás yo tenga mitificado a Bambi y la comparación con el régimen nazi me haya parecido una broma de mal gusto, más aún cuando, anteriormente en otra escena, la monstruosidad de la ironía me hubiera provocado arcadas. Dice Blanco que la muerte es más obscena que el sexo, después de cinco obras, ambas dos comparte el mismo grado de obscenidad en sus obras. Descartamos indiferencia.

Sea como fuere volvemos a ser los espectadores los que nos preguntamos dónde acaba la realidad y dónde empieza la ficción, si es que hay algo de realidad en todo lo que nos han explicado, más allá de los datos verídicos sacados de la Wikipedia y de que el padre de Sergio Blanco sigue vivo. Düsseldorf existe pero, ¿quién brama allí?

autor, dirección e intérprete SERGIO BLANCO
duración 1h 10min
producción TNC e ICUB
SALA PETITA (TNC)

Cuarta y penúltima dramaturgia del otoño Blanco que llevamos en nuestras espaldas. Vuelta a la auto-ficción y a los paisajes ya transitados en otras obras. Volvemos a tener al autor presente en su propio texto. Un autor que busca escribir sobre Joan Brossa y se traslada a Barcelona para conocerle y reconocerle en cada una de sus calles, volver a reproducir sus pasos.

A modo de lectura dramatizada, con toques de conferencia especializada, es el mismo autor quien nos presenta su obra. Una tabla de trabajo con un flexo, una pila de libros y los folios de su obra que va pasando a medida que los va leyendo. De fondo, las olas de mar proyectadas, un mar que bien podía ser el Mar de la Plata o el mismo Mediterráneo.

Junto con La ira de Narciso es el texto que más me ha atrapado de Sergio Blanco, quizás por compartir universos, esa aproximación a una Barcelona imaginaria, y porque es el que más recurre a la memoria universal y no tanto a la del propio autor, que aunque presente se traslada a un segundo plano.

En este papel secundario también se queda esta vez dos de las obsesiones del autor, esta búsqueda incesante por cierta sordidez, obscenidad o provocación en sus obras. Se nota una ligera pátina cuando vuelve a hacer visible la homosexualidad y el gusto por las drogas.

Brossa aparece y desaparece, pero es bien presente, tanto que a la salida no sólo quieres releer el texto de Blanco, que también, sino coger su poesía completa y sumergirte en ella. Dejaré que pasen unos meses antes de releerme el texto de la obra, cuando el otoño haya pasado y Blanco sólo habite en el recuerdo.

creación 1927
escritura y dirección SUZANNE ANDRADE
película, animación y diseño PAUL BARRITT
música LILLIAN HENLEY
intérpretes ROWENA LENNON, GENEVIEVE DUNNE y FELICITY SARKS
voz del vigilante JAMES ADDIE
producción 1927
EL CANAL (TEMPORADA ALTA)

Visita(s) anual(es) obligada(s) a Temporada Alta y después de que 1927 nos dejará con la boca abierta la edición pasada, éste era un título imprescindible en la agenda teatral de este otoño. 

Nos trasladamos a Le Bayou, la parte más temida de la ciudad, donde vive la gente que no puede vivir en otro lado, donde los servicios son mínimos y quién nace allí tiene asegurado que morirá allí. De repente una luz de esperanza inunda sus calles, una visita inesperada, Agnes Eaves y su hija quieren cambiar las cosas, ¿pero una sola persona puede cambiar el devenir de un pueblo?



Con una dramaturgia más compleja que Golem y con la parte de película, animación y diseño más compleja, esta revuelta infantil nos atrapa la mente y el corazón a partes iguales. La narrativa tiene formato de cuento, aunque poco a poco se convierte en toda una pesadilla, donde parece ser que los finales felices no son posibles. Los cuentos infantiles con toda su delicadeza y ternura poco a poco deja paso al mundo de los adultos donde las cosas no son tan fáciles como podrían parecer. Es en esa transición donde parece que el público le cueste hacer el clic, donde elige quedarse en un mundo idealizado, en el que todo es posible.




La maquinaria de 1927 es perfecta, si bien es cierto que se trata de un espectáculo estrenado en 2011 y con muchas representaciones a sus espaldas, aprenderse todas las marcas que pueblan el suelo parece un trabajo de chinos. Mientras nos recreamos en su estética, en sus dibujos, en sus acciones, el tiempo nos lleva inexorablemente a pensar en cómo de cerca tenemos un lugar como Le Bayou y cómo miramos para otro lado.

PS: Y para acabar una propuesta/petición a Salvador Sunyer, director de Temporada Alta, queremos más 1927, que una vez al año no hace daño, nos hace bien.


autoría y dirección LAUTARO PEROTTI
intérpretes PILAR CASTRO, PATRICK CRIADO, ÁLVARO LAVIN, CARMEN MACHI, SANTI MARÍN
duración 1h 15min
producción TEATRE LLIURE, OCTUBRE PRODUCCIONES y TEATRO ESPAÑOL
LLIURE GRÀCIA

Nos autoengañamos todos los días y nuestras mentiras no sólo nos afectan a nosotros mismos sino a todo aquel que nos rodea. Pero ya dicen que las mentiras tienen las patas muy cortas, o aquel refrán de que se atrapa antes a un mentiroso que a un cojo. 

Sea como fuera esta obra va de mentiras, y la primera sería hacer creer que si somos espectadores vírgenes, de aquellos que el relato audiovisual ni les ha tocado podemos entrar en el juego que propone la obra. Para los que llevamos más frames y líneas de texto a nuestras espaldas que minutos respirados, vemos el truco antes de lo que nos gustaría. 



Cronología de las bestias se encuentra a medio camino entre el culebrón/telenovela latinoamericana y las películas de sobremesa de Antena 3. Una especie de vida gritada y callada que deja al espectador medio descolocado porque aunque el final es de lo más previsible, la dramaturgia ha optado por "deconstruir la pieza" y ofrecernos la información en píldoras en un continuo ir y venir de flashbacks y flashfowards. La manera de contar la historia es, sin lugar a dudas, lo más interesante a la pieza. Aunque todo sea de paso, nada nuevo bajo el sol.



La puesta en escena con la escenografía de Mónica Borromello (aapee) y la iluminación de Carmen Martínez (aai) impresiona, parece como encajonado dentro de los límites del escenario a la italiana del Lliure de Gràcia pero esa sensación tan claustrofobia ayuda a "respirar" de otra manera el montaje. Es como si los protagonistas, que ya viven al borde del abismo, estuvieran atrapados en su propia jaula, aquella que ellos mismos se han construido.

Y aunque media platea esté buscando la mejor interpretación de Carmen Machi, se irán a casa con las manos vacías porque sin duda ésta no es su función, la dirección ha optado por no contener su interpretación que se desborda tanto que incluso llego a desear que se acaben sus réplicas. Por el contrario, nos podemos sorprender con la magnífica, cuidada y como escondida en un segundo plano, Celia, una descomunal Pilar Castro, que apenas se deja ver por la cartelera barcelonesa, y que para muchos será todo un descubrimiento.

de SANTIAGO RUSIÑOL
adaptación y dirección JORDI PRAT i COLL
direcció DANI ESPASA
intérpretes CLARA ALTARRIBA, DAVID ANGUERA, ALBERT AUSELLÉ, ROSA BOLADERAS, JORDI COLL, ANA DOMÍNGUEZ, FRANCESC FERRER, ORIOL GENÍS, ÀNGELS GONYALONS, ORIOL GUINART, JORDI LLORDELLA, ANNA MOLINER, ALBERT MORA, ALBERT PÉREZ, MIREIA PIFERRER, KATHY SEY y YOLANDA SEY
duración 3h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

El primer gran éxito de la temporada acabó funciones ayer llenando desde hace más de tres semanas la Sala Gran del TNC y dejando público en la calle. Ahora es cuando un teatro privado debería echarle el guante y seguir perpetuando el éxito, pero eso en este pequeño país llamado Catalunya, no pasa. La mayoría de los éxitos de la Sala Gran del TNC nacen y mueren en el mismo sitio. Pero por volver a decirlo no se pierde nada.

También sería el momento para preguntarle a los espectadores afortunados que quién se había leído el texto antes de ir al TNC, muy pocos. De la misma manera que estamos cansados de las adaptaciones literales de clásico detrás de clásico, tenemos que agradecerle a Jordi Prat i Coll que nos haya hecho mirar con otros ojos y sobre todo que haya quitado todo el polvo de sus líneas. Un claro ejemplo de cómo atraer a gente de todas las edades al teatro, en mi función escuché más de uno decir que era la primera vez que estaban al TNC.



Prat i Coll sabe en qué liga juega y la opción de empezar con un medley de grandes éxitos de las últimas décadas atrapa al público desde el primer segundo. Cosa que le deja como extasiado y no le deja ni pestañear hasta el final, y ni siquiera el entreacto hace disminuir la euforia, porque los números musicales tocan la fibra catalaneta y provocan querer más.

Un reparto espectacular y biracial, donde son las mujeres quienes más afinan. De hecho, la batuta de la función conjuga mucho mejor en femenino que en masculino. Empezando por una Rosa Boladeras, como Srta. Floresta, épicamente alocada que provoca un sin fin de risotadas entre los presentes. No se queda atrás, Anna Moliner, como Maria, que vuelve a sacar su lado más cómico con una gestualidad sorprendente. Y los años no pasan por Àngels Gonyalons que conserva una voz que enmudece hasta las toses más recalcitrantes




Els jocs florals de Canprosa, como bien dice Gema Moraleda en Somnis de Teatre, se tendrían que convertir en la versión laica de Els Pastorets del siglo XXI. Sin duda mucho más divertidos y más a la moda. Más de tres horas que pasan como un suspiro y que callarían todas las voces que nos resuenan de los que dicen que estiman Catalunya pero, en realidad no. Porque per estimar Catalunya, cal riure-la, y hoy nos hemos rigut de valent. 
S'ACOSTA EL MIL∙LENNI / PERESTROIKA
de TONY KUSHNER
traducción y adaptación ALBERT ARRIBAS
dirección DAVID SELVAS
intérpretes JOAN AMARGÓS, PERE ARQUILLUÉ, QUIM ÀVILA, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, EDUARDO LLOVERAS, VICKY PEÑA, ÒSCAR RABADAN, JOAN SOLÉ y JÚLIA TRUYOL
duración 2h y 10min (cada una de las partes)
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE LLIURE
LLIURE DE MONTAJUÏC

Reconozco de entrada que soy una de esas que tiene mitificada la obra desde el día que se la leyó, hace unos 5 años aproximadamente. Quizás por eso decidí dejar las expectativas en casa y dejarme llevar por la propuesta de David Selvas. 

El primer acierto es la poda del texto, dejarlo en la mitad, abandonar toda su narrativa interminable que lo hace tan complicado de leer, creo que es la obra más complicada que he leído en mi vida, y dejar sólo su esencia. 

También acierta en la interpretación, la de los actores de la Kompanyia, haber sabido dar en el clavo con el papel óptimo para cada uno. Y la tercera diana se ha conseguido con la majestuosa escenografía de Max Graenzel y el potente diseño de luces de Mingo Albir que te teletransportan de lleno a la acción y te mantienen en ella hasta que cae el telón.



Pero quien acierta también erra, y que en ningún caso suene como justificación alguna, porque una vez más no la hay. Lo escribiré sólo una vez, pero lo puedo repetir hasta la saciedad. NO, ningún actor blanco puede interpretar un papel que se especifique o que sea escrito por y para un negro. NO. No me sirven las excusas falsas y las mentiras que no hay actores ("de nivel Lliure") para representar el papel, Hola, ¿qué tal? Al menos que sirva como lección aprendida.

Polémicas más necesarias que nunca aparte, los actores de la Kompanyia se gradúan con nota. Magníficos todos, pero me quedo con tres, una genial y poderosa pasada de vueltas Júlia Truyol, la fuerza de la, que ha sido el gran descubrimiento de esta promoción, Raquel Ferri y su homólogo masculino, Joan Amargós, cuyo Prior es todo un cautivador de almas, incluso en los momentos más difíciles y álgidos.



Después de las alabanzas más que merecidas a los miembros de la Kompanyia, hay un elemento en este reparto, que quizás sea porque mi mente no dibujó de la misma manera el personaje durante mi lectura del original, pero que es una pieza que no me ha acabado de encajar, sobre todo durante la primera parte (S'acosta el mil∙leni).  Pere Arquillué vuelve a tener síntomas de fatiga de personajes. Quizás es porque no es la primera vez que interpreta un perfil como el Roy y ya le tiene cogido el punto, el caso es que no sé si llamarle Roy o otros nombres más conocidos por el público en general.



Sin duda es mucho más agradecida y dinámica la segunda parte (Perestroika) no sólo en la dramaturgia sino también la puesta en escena levanta el vuelo y los espectadores notan este aire que ahogaba toda la primera mitad. Y aunque los espectadores más acérrimos, de aquellos que nos suministran el teatro por la vena tengamos la necesidad de ver las dos, y si es en modo doblete mejor que mejor, para el espectador medio, con la segunda parte se puede hacer una figuración bastante precisa de la magnitud de una obra inconmensurable. Aunque siempre es mejor leerse después el texto y recrearse bien en los detalles.

ÀNGELS A AMÈRICA

by on 20:12
S'ACOSTA EL MIL∙LENNI / PERESTROIKA de TONY KUSHNER traducción y adaptación ALBERT ARRIBAS dirección DAVID SELVAS intérpretes...

de SERGIO BLANCO
dirección SERGI BELBEL
intérprete ELISABET CASANOVAS
duración 1h 15min/ 45min (depende de la función)
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y TEMPORADA ALTA
SALA TALLERS (TNC)

Tercera propuesta en menos de un mes bajo la firma de Sergio Blanco. Esta vez, pero, no encontramos rasgos tan característicos como en otras propuesta. Kassandra es un material difícil de digerir. Primero por el idioma, ese inglés mal hablado, Broken English, que le da un tono muy uniforme durante toda la representación. Segundo porque el texto y la manera en que se represente acaba pareciendo más una telenovela que realmente una tragedia, hay algo de verdad en sus palabras pero realmente pesa más la recreación en el drama que todo el resto.

Con la interpretación abierta, el autor no especifica si debe ser un actor o una actriz quien de vida a este ser transgénero que nos explica su vida como la joven de Troya que huyó de la guerra como esclava de Agamenon rumbo a Europa. Ahora sobrevive vendiendo su cuerpo a extraños. Y entre llamada y llamada se divierte explicando cómo ha sido hasta la época sus amargas peripecias vitales.



La entrega de Elisabet Casanovas es absoluta. Ella es la obra, y gracias a ella, y. a pesar de los problemas del texto, no podemos apartar la mirada del escenario, los que no estamos en él y optamos por un segundo plano. Desde la apertura de puertas hasta el último aplaudo final, Casanovas es un torrente, un torbellino que arrasa con cada mirada, que para las respiraciones y que cautiva de principio a fin. El texto es el que es, pero permite alguna salida de guión que al fin y al cabo son las más aplaudidas, las que dan aire a una dramaturgia un tanto encorsetada.

Las epopeyas contemporáneas de Sergio Blanco no son fáciles de dirigir, y aquí es donde Sergi Belbel no ha sabido congeniar por completo. Después de ver los dos montajes anteriores de este mes de octubre en Barcelona, aquí hay teclas que suenan desafinadas. A pesar de la entrega total de la actriz, el ritmo dure 1h 15min como fue mi caso o más, cae en la monotonía, porque el Broken English suena roto y te acostumbras y el final no deja de ser predecible. 



Lo que sí es un acierto es montarlo en la Sala Tallers, en una especie de escondite donde los espectadores se encuentran sumergidos en un puticlub muy cabaretero donde los más atrevidos tendrán hasta un papel secundario.  Casanovas/ Kassandra se mueve pizpireta y juguetona entre las mesas, y aunque te sientes en la lejanía de una de las gradas ella llega, te mira, te sonríe, y cuál araña ya has caído en su red. Magnetismo puro. El mismo que busca selfies y con el que baila sin parar. Ni de lejos es el mejor texto de Blanco, pero es un paso más en la meteórica carrera de Elisabet Casanovas. Eso seguro.

KASSANDRA

by on 19:15
de SERGIO BLANCO dirección SERGI BELBEL intérprete ELISABET CASANOVAS duración 1h 15min/ 45min (depende de la función) fotografí...

de MARK LOCKYER
dirección ALICE MALIN
intérprete MARK LOCKYER
duración 1h 15min
fotografías RICHARD LAKOS
producción ACTORS TOURING COMPANY
LLIURE DE GRÀCIA

Si la temporada pasada nos cautivó con su Living with the Lights On y pensábamos que cualquier cosa que nos explicara hubiera tenido el mismo efecto, pues no. Esta temporada ha optado por traernos su versión de España, o más concreto de la experiencia de un guiri en un pueblo costero español y nos ha sobrado hasta la arena que inunda la escenografía.

Hemos caído cual simples turistas en la trampa de que l@s intérpretes británicos todo lo bordan, pero para tirar de tópicos tan manidos que ya nos los sabemos de memoria ya tenemos algún que otro actor patrio. Lo que se nos presenta como un viaje para descubrir los orígenes, la parte de uno mismo que no acaba de encajar.



Se podía haber fijado en Federico García Lorca como en Cervantes, ya que realmente el poeta granadino es una mera excusa para vender más entradas porque en el espectáculo ni está ni se le espera. En una escenografía que representa lo que muchos turistas vienen buscando: sol, playa y chiringuitos. Pero más allá de su vaso de sangría no va.

Es una verdadera lástima malbaratar el talento que nos demostró la temporada pasada con tan ínfimo contenido. Lección aprendida, por nuestra parte, por la suya necesitaríamos que se diera algo más que un paseo por la península de norte a sur y de oeste a este para enmendar sus errores. Simplemente. 

a partir de FAUST de J.W. GOETHE
adaptación y dramaturgia ANNA MARIA RICART
dirección MARC CHORNET ARTELLS
intérpretes TONI GUILLEMAT, NEUS PÀMIES, MARTÍ SALVAT, ROSER TAPIAS y CRISTINA ARENAS
duración 75min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE AKADÈMIA y PROJECTE INGENU
TEATRE AKADÈMIA

Projecte Ingenu vuelve a actualizar un clásico dándole lo que ya podemos decir con la boca bien abierta, el toque Ingenu. Un texto, que aunque no ha perdido actualidad, necesita un buen acompañamiento en forma de puesta en escena para que nuestros ojos sean capaz de vislumbrar la magnitud de la tragedia. 

Projecte Ingenu sigue la estela marcada en Vaig ser pròsper que vimos en primavera, la apuesta escénica de Laura Clos "Closca"(escenografía) y David Bofarull (iluminación) es de aquellas que nos deja boquiabiertos, un formato visual a la altura de los grandes "genios europeos", un concepto de dejar que el espectador se recree y que deja al texto en un segundo plano.



Partiendo de la premisa principal de Fausto, ¿cuántas veces has vendido tu alma al diablo? Projecte Ingenu construyen un relato ya no tan futurista sobre cómo el ser humano actual vendería la suya por construirse una vida virtual a su medida.  La tecnología es el diablo de esta era, la que nos promete una vida de ensueño y grandes lujos muy alejadas de la que nuestros ojos ven todos los días.

Como no podía ser de otra manera, Fausto acepta la propuesta del diablo y, junto con Mefistòfil, se sumerge en un mundo que aunque atractivo de primeras, quizás no sea todo lo apetecible que parecía a simple vista. Projecte Ingenu nos invita a reflexionar sobre quién no es un Fausto en un momento u otro de nuestras vidas. ¿Quién tiene la respuesta correcta?



Coordinación perfecta a nivel interpretativo, inFAUST es una obra muy coral. El espacio sonoro de Pol Queralt queda perfectamente mezclado con la música original de Neus Pàmies, que imprime ese toque clásico de la compañía, de canciones a capella, en solitario o en compañía.

Projecte Ingenu es una compañía que trabaja sus montajes como si fueran artesanía y eso se nota en cada uno de ellos. A pesar de que se escapan cada vez de los límites y dan un paso más allá, los Ingenu siguen apostando por cuidar hasta el mínimo detalle. inFAUST es su montaje donde la espectacularidad adquiere un nuevo significado y en el que su estética abandona el naturalismo y se sumerge en la vanguardia más europea



No hay límites, nos ha quedado claro. La apuesta de Projecte Ingenu siempre ha sido caminar sobre seguro, con los pies en el suelo, pero sin saber qué significa la palabra conformarse con seguir haciendo lo que saben hacer. Marc Chornet dirige a la que, sin temor a equivocarme, es la compañía de teatro más innovadora de Catalunya. En febrero nos espera Jan/a sobre "El Teatre de Don Joan" de Josep Maria Palau i Fabre en el Escenari Brossa. Ya tengo el paladar a punto. De momento, te recomiendo que vendas tu alma al diablo más Ingenu

inFAUST

by on 15:20
a partir de FAUST de J.W. GOETHE adaptación y dramaturgia ANNA MARIA RICART dirección MARC CHORNET ARTELLS intérpretes TONI GUILLE...

dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra)
intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS
duración 60min cada una
fotografías ALEX BRENNER
producción BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS 
LLIURE DE GRÀCIA

Atreverse a ver diferentes tipos de montajes, de dramaturgias, entender a dejarse de mirar el ombligo y abrir los ojos a diferentes miradas. Sin saber qué ni a quién iba a ver y con una sala totalmente desnuda, empieza uno de los espectáculos más eclécticos que se ha podido ver recientemente en el Lliure.

Base de performática, estas dos piezas giran entorno al concepto de poder. En Eurohouse nos sumergimos en las telarañas y en las cloacas de la tan odiada Unión Europea, y más desde la crisis. Esa en la que Grecia perdió algo más que un puñado de miles de millones de euros. Desde un punto de vista de juego de niños, nos sumergen en una metáfora detrás de otra, haciendo uso de la palabra, la música (odiarás la versión francesa de My way después de ver esta pieza), el movimiento e incluso algunos fragmentos "circenses". El espectador necesita saber leer entrelíneas y entrar en el juego que se les proponen. Tarea no excesivamente fácil al principio, hasta que entiendes el código del espectáculo.



Por el contrario, Palmyra es mucho más fácil de entender, no necesita una profunda lectura entrelíneas, es mucho más visual que conceptual. La dramaturgia está mucho más conectada con las acciones que se representan en escena y el texto, una vez entiendes el código de la primera, fluye sin menor problema. Quizás sea más completa la primera, pero las imágenes y la temática de la segunda está más conectada con nuestras vidas actuales.

Con el escenario lleno de platos rotos, despedimos la sesión preguntándonos quién recogerá ahora toda la destrucción que ha quedado reflejado en el suelo del escenario del Lliure pero que es mucho mayor la que ha asolado nuestras cabezas. Pero, era eso a lo que habíamos venido, ¿no? 

EUROHOUSE / PALMYRA

by on 14:14
dramaturgia JASMINE WOODCOOCK-STEWART y RINA VERGANO (Eurohouse) y LOUISE STEPHENS (Palmyra) intérpretes BERTRAND LESCA y NASI VOUTSAS...

dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA
dirección ORIOL PLA SOLINA
intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLINA
duración 1h 15min
fotografías ROS RIBAS
producción TEATRE LLIURE
ESPAI LLIURE 

Decía la semana pasada alguien en Twitter que no se deberían escribir críticas sobre este espectáculo porque no hay palabras que describan toda la belleza que contiene. Se queda corto el diccionario de sinónimos para ensalzar una vez más la figura de Oriol Pla, uno de los artistas actuales más completos que encontramos encima de un escenario. 

De casta le viene al galgo. Después de ver este montaje comprendes todo el significado que esconden frases hechas como ésta. No sólo es la figura de Oriol Pla la que toma un significado de qué hará la próxima vez para sorprendernos sino que el concepto de familia de artistas queda definido a la perfección.



Cómo hacer creernos que el espectáculo no tiene dramaturgia, que no tiene esencia, que todo ha sido un juego de niños, que tengamos la edad que tengamos nos vamos a ilusionar de la misma manera... Travy es todo aquello que deseamos encontrar encima del escenario condensado en poco más de una hora. Aquellas veladas que desearías que no se acabaran nunca y que viven más allá de la larga tongada de aplausos.

Entradas agotadas desde el principio en el Lliure, incluso la prórroga. Les espera una larga gira, porque Travy es de esas obras que deberían estar un largo y seguido número de temporadas sin abandonar la cartelera, para que la viera todo el mundo, para que la disfrutarán todos aquellos que nos maravillamos nada más cruzar la puerta.

No me atrevido ni a abrir el diccionario de sinónimos para poner uno detrás de otro. Mejor te aconsejo que les persigas, que te dejes atrapar por el mundo de Travy y después me cuentas si hay algún sinónimo al que le haga justicia tanta maravilla.

TRAVY

by on 13:12
dramaturgia PAU MATAS NOGUÉ y ORIOL PLA SOLINA dirección ORIOL PLA SOLINA intérpretes DIANA PLA, ORIOL PLA, QUIMET PLA y NÚRIA SOLIN...

texto de JOAN RUSIÑOL
dirección JOAN ANGUERA
intérpretes PAULA BLANCO, PEP FERRER, ALBERT PRAT y FINA RIUS
duración 1h 25min
producción SALA BECKETT
SALA BECKETT

Un terrorista sale de la prisión después de cumplir su condena y quiere recuperar el tiempo perdido y "recuperar" la relación rota con su familia. Pero las cosas no son como se las contaron, la realidad siempre es bien diferente.

Joan Rusiñol pone sobre la mesa una tragicomedia de secretos familiares que "por el bien de unos y otros" se han encerrado en el desván y que la puesta en libertad de su principal implicado hará que se destapen. Entre medio de tanto secretismo, nos encontramos con otros temas secundarios como encontrar los límites entre la vida profesional y la personal, los valores morales de alguien que se ha dedicado a la lucha política armada o la dedicación familiar.



Con una dramaturgia perfecta, que sigue fil per randa la estructura de cualquier manual de dramaturgia, Joan Rusiñol teje las diferentes telarañas de relaciones personales del montaje. Una madre, Fina Rius, extremadamente protectora con su hijo, Albert Prat, mientras que éste busca venganza. La pareja del hijo, Paula Blanco, busca un titular que salve su trabajo en el reciente terrorista liberado, Pep Ferrer. Todos conjugan a la perfección con lo que sus personajes piden.



La pulcritud dramatúrgica conjuga perfectamente con la cuidada y milimétrica dirección de Joan Anguera. Ofici de Tenebres es un montaje de corte clásico donde todos los elementos ocupan su lugar preciso. Pese a ello se echa de menos un toque rompedor en el espacio sonoro. Barbara Granados ha decidido dejar todo el protagonismo a la palabra y al silencio y hubiera encajado más un sonido más cinematográfico, aquel que deja el corazón en un puño tras la sentencia de algunas réplicas. 

Sin duda, la mejor manera de sumergirse en esta maraña de tinieblas es acudir a ver la obra sin saber nada más que aquello que se especifica en el programa de mano y dejar que en el transcurso del mismo la dramaturgia sea quien te abra los ojos. ¡Feliz despertar!

OFICI DE TENEBRES

by on 15:08
texto de JOAN RUSIÑOL dirección JOAN ANGUERA intérpretes PAULA BLANCO, PEP FERRER, ALBERT PRAT y FINA RIUS duración 1h 25min pro...

dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN
dirección MARIA TEN
duración 60min
fotografías ARIADNA PUJOL y LIBORIO SÁNCHEZ
producción LES FUGITIVES
SALA ATRIUM

Este pequeño montaje es toda una caja de sorpresas. La primera nos la encontramos nada más entrar en la sala, escenario desnudo, pero con una imponente bañera blanca con los bajos pintados de negro. Contraste total con las fotos promocionales como la que encabeza el post. Un guitarra eléctrica espera en un rincón a medio iluminar.

Las cuatro protagonistas aparecen vestidas únicamente con un body color carne y unas zapatillas de plástico, se presentan en medio de un discurso entrecortado que ya desvela una pequeña parte de la munición que sus monólogos contienen.



Pese a su juventud, ninguna de ellas llega a los treinta, el mensaje es contundente. En cada monólogo se aprecia las dificultades, abusos, condicionantes que tenemos que pasar/sufrir las mujeres sólo por el hecho de serlo desde la cuna. Un relato descriptivo de diferentes situaciones, conocidas y vividas, que ponen los pelos de punta y que provocan un silencio absoluto en la sala que corta la respiración.

No hay salida, no hay opción, los espectadores quedamos sumergidos en su bañera, atrapados en una maraña de sentimientos difíciles de expresar con palabras. Veu de Dona es uno de esos montajes que en que los aplausos te "despiertan" del letargo donde tus sentidos se han adentrado sin saber a ciencia cierta que les esperaba en el camino.



La puesta en escena se sumerge en nuestros "pequeños" horrores cotidianos, dándoles una pátina de esperanza y poesía. Cada monólogo tiene una clara diferencia estética y aunque todos tienen a la bañera como punto clave escénico, ésta adquiere diferentes significados y protagonismo. La caracterización de Laia Pujol se encarga de poner elementos imprescindibles para llenar por completo de significado el discurso.



No hace falta enmarcarse detrás de un personaje para sentirse identificada en cada una de las palabras del texto. Los sentimientos y humanidad es lo único que necesita el espectador que elija sentarse en la sala y darse de bruces con la realidad que cada vez llega antes, pero que afortunadamente cada vez es más visible y denunciable en voz alta y las nuevas generaciones lo vuelven a dejar claro.

VEU DE DONA

by on 13:52
dramaturgia e interpretación JUDITH CORONA, MÒNICA MOLINS, LAIA PUJOL y MARIA TEN dirección MARIA TEN duración 60min fotografías A...

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Protagonismo de las mujeres es el lema de la temporada de festivales que hemos comenzado. Parece un virus, todos y cada uno de ellos tienen, haciendo el símil de la música, como cabeza de cartel nombres femeninos. Vale muy bien, ¿pero qué más? Porque para ver mujeres sólo hace falta salir a la calle.

El Festival Escena Poblenou apuesta en edición de 2018 (del 17 al 21 de octubre) por mujeres con espíritu crítico. Sigo pensando que de eso en los tiempos que corren, en mayor o menor medida lo tenemos tod@s. Se remarca mucho la consideración que no sólo son mujeres creadoras, sino que todo el espectáculo tenga una presencia mayoritaria femenina, eso ya me gusta más.

El Festival empezará cañero, con la primera jornada dedicada exclusivamente a la visibilidad femenina con un Diálogo sobre la Visibilidad y la presencia de las mujeres y creadoras en la escena: Somos Aquí, voces, miradas y presencia en el que participarán entre otras, la comunicadora y activista Bel Olid y la periodista Júlia Beltran.



De entre las propuestas creadas, pensadas, interpretadas y dirigidas por mujeres destacan títulos como Màtria de Carla RoviraLas Muchas de Mariantònia Oliver, Zen x Zen de Joana Brabo, De non un instant tan breu dirigida por Claire Heggen (de La Mecánica & Théâtre de Mouvement) o Realitats Avançades, de la activista y agitadora cultural Simona Levi.

También hay propuestas de autoría compartida como We Fear de Dimitri Ialta & Virginia Fochs (Jordi Duran y Eva Freixa), Showdow#1 de la Compagnie d'Elles (Yaëlle Antonine, Didier Rembrant), Lady, Frank & Stein de la Cia. Movimients (Rosa Forteza, Alejandro Navarro y Núria Valerio) y el espectáculo infantil Alles dirigido por Angela Peres y Koldo Arostegui.



En otro orden de cosas hay piezas que giran alrededor de la figura de la mujer como La Bugada, un proyecto de teatro social interpretado por mujeres del barrio de Poblenou, dirigido por el colectivo Labuena Compañía o el anteriormente citado Las Muchas, un espectáculo que cuenta con la participación de mujeres de más de 70 años del mismo barrio y que habla de la fragilidad de los cuerpos que ya no pertenecen al "corpus"social pero que están más vivos en que nunca, y sobre todo más libres.




Para terminar con la temática feminista no tenemos que olvidarnos, de lo que podrían ser las propuestas más rupturistas del festival como Ser Britney Spears y Videoplaylist del colectivo Leer es Sexy (Cris Celada y Tomás Castro) o Unheimlich de la Cia Pelipolaca y Les Desvestides, que pretende ser una revisión de nuestro comportamiento como espectadores delante de cuerpos exhibidos en lo que entenderíamos como ″arte″.



Después de tal enumeración de tipos de mujeres, de tipos de feminidad, la pregunta está clara ¿y tu con qué tipo te identificas más? Sea cual sea la respuesta, seguro que encontrarás un espectáculo acorde en el Festival de Poblenou. 
¡Entra en su web y decide con cual te quedas!