A.K.A. & JOSÉ y SUS HERMANAS, protagonizan la segunda edición del Festival RBLS

/ 19:06

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Me sigue sin gustar el vocablo "teatro joven", sigo siendo de las que creo que los jóvenes pueden ver cosas "de mayores" sin ningún problema y que son tantas etiquetas las que provocan que se alejen en vez de acercarse. Dicho lo cual, si no lo digo exploto, hay iniciativas que sirven para acercar a esta franja de público (de 13 a 20 años) a estimar el teatro como lo hacemos los frikis que respiramos y poblamos semana tras semana las plateas.

En esta segunda edición (del 11 al 16 de octubre) el Festival RBLS se traslada al Teatre Tantarantana y exhibirá dos de los éxitos de pequeño formato de la temporada pasada: AKA (As Known As) y Los bancos regalan sandwiches y chorizos. Además de estos dos grandes éxitos, el festival también programará tres obras más: El Agitador Vórtex, una propuesta multidisciplinar de Cris Blanco que combina teatro y cine y una selección de tres micro piezas teatrales salidas del Festival Píndoles (RRHH De Lara Díez, Duel de Juanjo Martín y Welcome to Berlín de Núria Delofeu).


La misión de RBLS es hacer llegar la pasión y el amor por el teatro, involucrando a los jóvenes en los procesos de creación a través de diferentes actividades y workshops. Uno de esos ejemplos es el Taller Escènic Comunitari  coordinado y dirigido por el colectivo ASSALTEM L'ESCENARI, formado por Mireia Gubianas, Irene Hernández y Davo Marín. El proyecto llevará el nombre de (DES) CONNECTATS y como su propio nombre indica ofrece a un grupo de jóvenes la posibilidad de poder reflexionar y trabajar la dependencia que tenemos de los dispositivos móviles y las redes sociales.

El Ciclo OFF RBLS se centrará en una de las etapas más complicadas de la adolescencia, la aceptación y definición del cuerpo/ identidad. Con el título Cos i identitat se podrán ver tres piezas breves más un coloquio posterior: Cospress, un espectáculo de teatro físico de la compañía Kimani que se adentra en los problemas derivados del culto al cuerpo; Freeze the Nipple de Aina Trubat, una comedia que reflexiona sobre la cosificación de la mujer y Albert/ Berta de Marc Rosich (a partir de Limbo) y la Cia. TeDebat, sobre el transgénero y la aceptación de la propia identidad sexual.



Fuera del Tantarantana, al Centre Cívic Cotxeres Borrell aglutinará el 13 de octubre todos los workshops y talleres del RBLS: un taller de coreografías musicales con el bailarín y coreógrafo Guillem Cirera; un workshop de teatro sensorial con Eva Pérez y Giovanna Pezzullo, integrantes de Teatro de los Sentidos; un taller con uno de los coreógrafos catalanes con más proyección internacional, Tomeu Vergés o un taller de introducción a la escritura teatral para jóvenes impartido por el dramaturgo y director teatral Antonio Morcillo.


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Me sigue sin gustar el vocablo "teatro joven", sigo siendo de las que creo que los jóvenes pueden ver cosas "de mayores" sin ningún problema y que son tantas etiquetas las que provocan que se alejen en vez de acercarse. Dicho lo cual, si no lo digo exploto, hay iniciativas que sirven para acercar a esta franja de público (de 13 a 20 años) a estimar el teatro como lo hacemos los frikis que respiramos y poblamos semana tras semana las plateas.

En esta segunda edición (del 11 al 16 de octubre) el Festival RBLS se traslada al Teatre Tantarantana y exhibirá dos de los éxitos de pequeño formato de la temporada pasada: AKA (As Known As) y Los bancos regalan sandwiches y chorizos. Además de estos dos grandes éxitos, el festival también programará tres obras más: El Agitador Vórtex, una propuesta multidisciplinar de Cris Blanco que combina teatro y cine y una selección de tres micro piezas teatrales salidas del Festival Píndoles (RRHH De Lara Díez, Duel de Juanjo Martín y Welcome to Berlín de Núria Delofeu).


La misión de RBLS es hacer llegar la pasión y el amor por el teatro, involucrando a los jóvenes en los procesos de creación a través de diferentes actividades y workshops. Uno de esos ejemplos es el Taller Escènic Comunitari  coordinado y dirigido por el colectivo ASSALTEM L'ESCENARI, formado por Mireia Gubianas, Irene Hernández y Davo Marín. El proyecto llevará el nombre de (DES) CONNECTATS y como su propio nombre indica ofrece a un grupo de jóvenes la posibilidad de poder reflexionar y trabajar la dependencia que tenemos de los dispositivos móviles y las redes sociales.

El Ciclo OFF RBLS se centrará en una de las etapas más complicadas de la adolescencia, la aceptación y definición del cuerpo/ identidad. Con el título Cos i identitat se podrán ver tres piezas breves más un coloquio posterior: Cospress, un espectáculo de teatro físico de la compañía Kimani que se adentra en los problemas derivados del culto al cuerpo; Freeze the Nipple de Aina Trubat, una comedia que reflexiona sobre la cosificación de la mujer y Albert/ Berta de Marc Rosich (a partir de Limbo) y la Cia. TeDebat, sobre el transgénero y la aceptación de la propia identidad sexual.



Fuera del Tantarantana, al Centre Cívic Cotxeres Borrell aglutinará el 13 de octubre todos los workshops y talleres del RBLS: un taller de coreografías musicales con el bailarín y coreógrafo Guillem Cirera; un workshop de teatro sensorial con Eva Pérez y Giovanna Pezzullo, integrantes de Teatro de los Sentidos; un taller con uno de los coreógrafos catalanes con más proyección internacional, Tomeu Vergés o un taller de introducción a la escritura teatral para jóvenes impartido por el dramaturgo y director teatral Antonio Morcillo.

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dirección y dramaturgia QUERALT RIERA
intérpretes ANNABEL CASTAN, PATRÍCIA MENDOZA y NÚRIA TOMÁS
duración 70min
fotografías MERCÈ RAMIREZ y MARIA JESÚS MULÀ
producción NUQART
SALA ATRIUM

A veces hay que perder el tren, es necesario. Unos trenes son para cogerlos al vuelo y otros mejor perderlos. La protagonista de este monólogo, a tres voces, cogió un tren que no era para ella, y se estrelló. Perdió lo poco que tenía bajo la promesa de vivir una vida soñada. Pero, la línea entre el sueño y la pesadilla es demasiado delgada.

Un viaje de ida y vuelta Santander- NY tan rápido como los recuerdos los permitan. La vida de una mujer que desde que su madre la abandona no parece haber retomado el rumbo. Un padre que nunca le prestó atención, un seguido de abusos de los hombres que en ciertos momentos han entrado en su vida y el deseo de volar más alto, de salir de la jaula donde la han encerrado. 



Igual que los trenes hay textos que no nacen para ser representados. Cuando un montaje basa todo su potencial en el texto, éste debe ser capaz de aguantar todo el peso que recaiga en él. Aquí es un texto basado en la fragmentación, palabras sueltas que conforman frases inacabadas, que construyen universos étereos, que acaban en la nada. 

Como espectadora me canso de sentir voces, gritos, pensamientos inconexos durante más de una hora. Es obvio que la tragedia por la que pasa la protagonista la aboca hacia la locura, del estado de shock inicial hasta la pérdida de sentido, lugar y tiempo, pero el modo repetición constante aboca al público al aburrimiento y a mirar el reloj.

Pasar de Santander a Nueva York en pleno 2018 no es nada del otro mundo. La Grand Central Station impresiona estés o no en shock pero no deja de ser una anécdota y como metáfora del centro del mundo, de vivir apartada de la sociedad y en medio de la nada no sé si se aguanta, me atrevería a afirmar que no.



La dramaturgia hiere de muerte el montaje porque el texto no funciona y la dirección de la propia dramaturga tampoco ha sido capaz de pulir las faltas de ésta. Las tres intérpretes intentan, con poco, salvar los muebles, y pese a sus esfuerzos, el barco naufraga. Falta naturalidad, credibilidad, hay exceso de pose y algún que otro momento de sobreactuación al dejarse llevar por una felicidad excesivamente impuesta. Es un lástima que de este tren me tenga que apear casi en marcha.

AQUÍ de Santander a NY

by on 18:24
dirección y dramaturgia QUERALT RIERA intérpretes ANNABEL CASTAN, PATRÍCIA MENDOZA y NÚRIA TOMÁS duración 70min fotografías MERC...

autor JOHN O'DONOVAN
adaptación ALBERTO DÍAZ y GEMMA BELTRAN ANIENTO
traducción GEMMA BELTRAN ANIENTO
dirección ALBERTO DÍAZ
intérpretes MARC BALAGUER y PAU ESCOBAR
duración 75min
fotografías JUDITH GÓMEZ, XAVI GARCÍA, JOEL HOWELS y CARMEN GARCÍA
ÀTIC22

No hace ni un mes que Twitter estaba colapsado de historias personales de vivencias LGTBI+ bajo la etiqueta de #MeQueer. Aquellos niños y adolescentes que fuimos y que no teníamos ejemplos conocidos en los que sentirnos identificados sobre lo que nos pasaba no era una enfermedad contagiosa que tuviera que ser eliminada. Todo esto me pasaba por la cabeza mientras veía este montaje, ¡qué suerte tienen los adolescentes que ayer llenaban la terraza del Tantaratana con una historia que empatice con sus vidas!

Una noche de San Juan en una ciudad pequeña, mientras esperan a que comience la fiesta los dos protagonistas tienen (aparentemente) todo lo que necesitan: alcohol, pasta, drogas y el uno al otro, pero están atrapados en la terraza de un edificio porque les persigue la policía, mientras esperan comienzan a salir las verdades.



Si tinguéssim més coca... es una comedia romántica agridulce. Por más coca que se tomen, nuestros protagonistas son unos perdedores porque son incapaces de enfrentarse a un mundo que no para de darles la espalda. Con un cierto toque de road-movie, el montaje tiene giros de ternura que dejan entrever la verdadera naturaleza de ambos protagonistas. La supuesta careta de "malotes" vitales deja paso a una humanidad que sorprende. 

Tanto Marc Balaguer como Pau Escobar transitan con gran acierto por estos personajes que se van rompiendo y destapando su verdadera cara a lo largo del espectáculo pero me quedo con la interpretación completamente desde las entrañas de Marc Balaguer, quizás el que más fachada externa de "malote" tiene, en un primer momento, y que se "desnuda" en una sorpresiva ternura provocada por un profundo sentimiento de soledad y dolor.



Si tinguéssim més coca... nació para representarse en el proyecto Terrats en cultura, que como su propio nombre indica son montajes que se representan en terrazas, patios... de diferentes barrios de Barcelona. Por eso la terraza, en el último piso del Teatre Tantarantana, le sienta como un guante al montaje. Alberto Díaz ha sabido encontrar la manera de trasladar la acción al pequeño espacio compartido entre escenario y mini platea. La verdad es que no hay sensación alguna de angustia más allá de lo que se describe en el texto. Sin duda, la acción fluye acompañada de un público ávido por disfrutar de una buena historia. Y el resultado se nota en los aplausos que denotan un amor por lo que acabamos de ver, un amor por las pequeñas grandes historias, siempre tan necesarias.


idea original VAGINA DE ANNA TAMAYO
intérprete ANNA TAMAYO
dirección de la intérprete JOSÉ TOBELLA
dirección del espectáculo TODO EL EQUIPO
composición y música en directo JOANGE
asesoramiento de movimiento VALENTINA AZZATI
acompañamiento Arte Terapéutico MERCÈ ALEGRE
duración 60min
SALA FENIX

Estamos en un contexto social que ir a ver este espectáculo es de obligado cumplimiento para tod@s. Se nos presenta como un cabaret canalla y tierno. Y por una vez el "marketing" es acertado, incluso diría más es de esos espectáculos que te atrapa por la risa para luego soltarte una bomba que te deja boquiabierto, de aquellas que se te quedan en la piel marcadas.

Cándida aprovecha bien el doble lenguaje. Por un lado utiliza su nombre para hablarnos de la candidiasis, una de las enfermedades femeninas que viven en los bajos fondos olvidadas por ser  eso, únicamente femeninas, y se aprovecha el tiro para hablar de todo aquello que no forma parte de la agenda social porque sólo afecta a la "mitad" de la población no masculina. Brillante y de sobras conocido el diálogo con médicos y/o ginecólogos, quien dice diálogo dice interrogatorio, claro. Por otro lado, cándida es lo que el adjetivo describe, la inocencia, la vuelta a una infancia aparentemente feliz.



Cándida no es un monólogo es un diálogo multidisciplinar constante. El movimiento marca todo tiempo el ritmo del montaje, y remarca aquellos momentos donde las palabras sobran y no hay nada mejor que expresarse con un gesto o con un movimiento concreto. Al igual que la música y espacio sonoro que imprime Joange, cuánto se puede llegar a expresar con tan poco.

Anna Tamayo es un torrente de energía y sentimiento encima del escenario. Es capaz de salirse de los límites del pequeño espacio de la Sala Fènix y atrapar a la platea entera con un simple gesto, una mirada o un guiño. La entrega es total y de los sucesivos cambios de registro, momentos de felicidad extrema contrarrestan con otros donde la piel de gallina es la protagonista, sale completamente indemne, a pesar de protagonizar una montaña rusa emocional.



La puesta en escena es simple pero efectiva. Una estancia que lo mismo es un patio de una casa con tendedero incluido, que una estancia más interior, que la consulta de un médico... realmente el focus del espectador está centrado en su figura, en sus movimientos, en sus palabras, en sus acciones. 

Cuando las luces se apagan y la realidad te vuelve a dar un manotazo en la cara, aplaudes, pero realmente te gustaría gritarle: "viva tu coño, Anna Tamayo". Por crear un espectáculo que hable claro, que no se esconde detrás de la careta de nada, que es tal com raja, que te lo puedes beber gota a gota o de un sorbo largo. Que te deja tocada, pero feliz porque no eres la única, porque cada vez somos más. Empoderd@s o lo que sea. Pero somos. ¡No te lo dejes perder!

CÁNDIDA

by on 12:58
idea original VAGINA DE ANNA TAMAYO intérprete ANNA TAMAYO dirección de la intérprete JOSÉ TOBELLA dirección del espectáculo TODO ...

dramaturgia y dirección SERGI BELBEL
intérpretes ENRIC CAMBRAY, ROC ESQUIUS, GEMMA MARTÍNEZ y NÚRIA SANMARTÍ
duración 80min
fotografías EL TERRAT
producción EL TERRAT
BARTS

Con una promesa de un buen rato de risas a base de teatro del absurdo, un género tan olvidado como denostado, pero al que agarrarnos cuando vivimos en tiempos en que si nos lo tomáramos todo al pie de la letra, la vida sería muy aburrida. Aquí hemos venido a hacer todo lo contrario. Un Carpe Diem en modo repeat continuo hasta que la cuerda aguante.

Afirma Sergi Belbel en el programa de mano que "enamorarse es un buen problema" y a tenor por los enredos surrealistas que acabamos de presenciar debe ser cierto, y más cuando te enamoras de la persona equivocada. 


El engranaje de Les roses de la vida funciona basándose en unos pilares de sobra conocidos. Uno, quizás es más importante, es un continuo juego de palabras, de lenguajes, donde el habla coloquial se da de bruces con una manera de expresarse con toques arcaicos y rimbombantes que causan la risotada general. En este sentido también choca una pedantería de uno de los personajes que desmonta cualquier argumento en contra y ante el cual es imposible que no se te escape la risa.

Otro de los pilares imprescindible de cualquier comedia es tener un reparto de primera y aquí queda demostrado con un Enric Cambray que domina la escena y que se siente como pez en el agua con un personaje, afectado por naturaleza, que le sienta mucho mejor, para ser sinceros, que el traje rosa. Las tablas juegan a favor para que Cambray consiga sacar todo el jugo a su variopinto personaje. En la parte femenina destaca Gemma Martínez que, a pesar de tener un personaje que roza y supera de largo el tópico de mujer poderosa y odiosa, consigue que el público empatice con ella con un monólogo descriptivo (hasta aquí puedo leer) que deja a la platea boquiabierta dispuesta a aplaudir con las manos abiertas.



La puesta en escena es minimalista, dos sillones rojos, aquí todo es rosa y rojo, colores estridentes para que no puedas, aunque quieras, despegar la vista del escenario. Con platea a la italiana del Barts pocas viguerías se pueden hacer, pero Belbel opta por romper la cuarta pared y sacar a los personajes del escenario, en un final inesperado por todo lo alto con un toque muy kirsch.

Surrealismo en estado puro, a veces excesivo (como la escena tan superflua y totalmente prescindible del perro) pero que provoca que durante 80 minutos no dejes de reírte y abandones los problemas a la puerta. Si te quieres enamorar o no eso ya lo tendrá que decidir el público una vez salga por la puerta. De momento, cerramos el paréntesis y nos quedamos con eso de vive y deja vivir.

LES ROSES DE LA VIDA

by on 17:52
dramaturgia y dirección SERGI BELBEL intérpretes ENRIC CAMBRAY, ROC ESQUIUS, GEMMA MARTÍNEZ y NÚRIA SANMARTÍ duración 80min fotogr...

Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Estamos viviendo unos momentos que hasta el humor da miedo pero Gastón Core ha decidido apostar por él para presentar la nueva temporada de la Sala Hiroshima. Disfrazado de dinosaurio se ha presentado delante de los periodistas. Toda una crítica al sistema cultural en el que parece asentado Barcelona, y que el director de la sala insiste en que se está cargando la posibilidad de disidencia de las propuestas que disienten de salirse de los cánones establecidos.

La Sala Hiroshima seguirá apostando por la calidad y por descubrirnos nuevos nombres de danza y creaciones híbridas de fuera de nuestras fronteras. De las 15 propuestas que componen la temporada, la mitad es internacional y 9 de ellas están dirigidas por mujeres. Además se vuelven a abrir la sala a las residencias artísticas, a los encuentros con artistas (Meet the Artist) al igual que talleres y workshops y a dos producciones propias, una de ellas una coproducción internacional, surgida de su apuesta por tener dos artistas asociadas.

No enumeraré todos los espectáculos de la temporada que ya están en la web, pero sí de los nombres de los artistas que conforman su programación (algunos ya viejos conocidos de la sala): Oona Doherty, Núria Guiu, Sònia Gómez + David Climent + Pere Jou, Federica Porello, Pol Jiménez, Sol Escobar, Christos Papadopoulos / Leon and Wolf Dance Company, Chiara Versani, Teatro Praga, Aina Alegre, Raquel Gualtero, Clara Furey + Peter Jasko, Albert Arribas + Francesc Cuéllar y Arno Schuitemaker.



Una de las maneras de tener más presencia es contar con fuertes colaboradores, y en esta temporada se vuelve a apostar por la Casa Grande de la Danza, el Mercat de les Flors de cuya colaboración, la Sala Hiroshima puede abrir la temporada con Hope Hunt & The Ascension into Lazarus de la joven coreógrafa de Irlanda del Norte Oona Doherty que ha sorprendido en festivales de media Europa a crítica y público. Doherty evoca el estereotipo de hombre joven de los barrios deprimidos de Irlanda del Norte.

Los principales ejes temáticos de la temporada 2018-19 siguen siendo las perspectivas de género con piezas como La Oscilante de Pol Jiménez que cuestiona y desdibuja los límites de los roles mujer-hombre en la danza folklórica española. También se celebrará la diferencia con propuestas como la de Aina Alegre o la de Chiara Bersani y la nostalgia estará muy presente en Before de los portugueses Teatro Praga.




Las artistas asociadas de esta temporada son Núria Guiu, que la Sala Hiroshima producirá su nueva propuesta, Espiritual Boyfriends, y se reprogramará su éxito Likes y Aina Alegre que estrenará La nuit nos autres que estará corproduida con la Dansa. Quinzena Metropolitana.



Otras de las colaboraciones importantes de la Sala Hiroshima son el Festival Salmon y Graner centre de creación, gracias a la cual se presentará Gentle unicorn de la italiana Chiara Bersani, un solo sobre la figura del unicornio desde su propia fisicalidad. Además volverá a participar en el festival IF Barcelona - Dramatúrgies de l'objecte y estrenará WeWood de Federica Porello que investiga sobre la danza y los objetos.



Además se presentarán dos artistas seleccionados por la plataforma europea Aerowaves en colaboración con el Mercat de les Flors, una de ellas es la ya mencionada Oona Doherty y el otro es el estreno a España de Opus de Christos Papadopoulos con la colaboración especial del ESMUC. Una pieza para cuatro intérpretes y una orquesta de cámara que parte del estudio de la estricta estructura y complejidad de la composición musical clásica.

Pero no todo es danza en la Sala Hiroshima, esta temporada la propuesta teatral es Before de Teatro Praga, una pequeña obra de la dramaturgia portuguesa que trata con ironía y humor el sentimiento de saudade, el anhelo de vuelta a un tiempo pasado, frente a un presente doloroso, que se percibe como glorioso. Una enfermedad que diagnostica siempre el final de una etapa.

Después de este pequeño recorrido por la programación, que si vais a la web es mucho más extensa, me pregunto, ¿quién es el dinosaurio ahora?



TEATRO | 70min | PAÍS VALENCIÀ
dramaturgia y dirección PAU PONS y JESÚS MUñOZ
intérpretes NATALYD ALTAMIRANO, RUBA BARUA, JESÚS MUñOZ, SEVERO OBIANG, PAU PONS y ZHAO HU
colaboración en la dramaturgia del movimiento DANIEL ABREU
música original PEDRO AZNAR 
ambiente sonoro PANCHI VIVÓ
fotografía JOSE IGNACIO DE JUAN
producción TEATRE ESCALANTE / DIPUTACIÓ DE VALENCIA

Hace dos ediciones de Fira Tàrrega que descubrí El Pont Flotant después de haber escuchado maravillas de todo tipo sobre ellos. En aquel El fill que vull tindre descubrí una dramaturgia que llevaba al espectador hacia el terreno de la emoción gratuita. Teatro comunitario que toma una anécdota y la repite incansablemente hacia la saciedad.

Soy partidaria de las segundas oportunidades, ya que una flor no fa estiu, decidí acercarme a descubrir Les 7 diferències. Y el resultado ha estado menos decepcionante que hace dos años pero no del todo satisfactorio. Se vuelve a repetir la historia de alargar las anécdotas, de caer en lo fácil, y de la emoción, en este caso la risa, excesivamente gratuita.

Dos valencianos, un chino, una peruana, una hindú y un guineano, y no no es un chiste, se reúnen para explicarnos y desmitificarnos sus culturas. A pesar de que hay un claro intento por no caer en los tópicos, el sólo hecho de abordarlos a través de la comicidad ya es un error que destapa la profunda ignorancia de quienes evitan tropezar para acabar cayendo en un agujero más hondo.

Parafraseando la frase que describe el espectáculo ("Sobre aquello que realmente separa y une a las personas"), realmente me separa mucho más de lo que me une con los espectáculos de El Pont Flotant. En mi caso, a la segunda va la vencida, ya he aprendido la lección. Aviso, no habrá tercera. 

LES 7 DIFERÈNCIES

by on 20:06
TEATRO | 70min | PAÍS VALENCIÀ dramaturgia y dirección PAU PONS y JESÚS MUñOZ intérpretes NATALYD ALTAMIRANO, RUBA BARUA, JESÚS MUñ...


DANZA-TEATRO | 70min | MÉXICO
dirección TAMARA CUBAS
creación ZUADD ATALA, ALICIA LAGUNA, TAMARA CUBAS y KANGA TRUJILLO
asistencia en la dramaturgia GABRIEL CALDERON
textos GABRIEL CALDERON, ZUADD ATALA, ALICIA LAGUNA, TAMARA CUBAS y AGEPE
producción IBERESCENA y TEATRO LÍNEA DE SOMBRA


En los años 90, el Bar La Brisa era considerado un lugar de resistencia cultural a Ciudad Juárez. Un buen día fue incendiado por unos vándalos. Desde entonces todo lo que allí pasaba está en paradero desconocido.

No todo lo que se escoge ver en una Fira/Festival de artes escénicas  obtiene el mismo resultado. Ésta pieza ha sido realmente el mayor fracaso de la Fira Tàrrega de 2018. Y es toda una lástima, porque el tema es lo suficientemente interesante que no es que dé para construir un espectáculo sino miles, pero la manera de exponerlo del Teatro Línea de Sombra es bastante cuestionable.

Dejando a un lado los numerosos problemas de sonido, el técnico de sonido tuvo un papel excesivamente protagonista para los oídos de los espectadores que decidimos quedarnos hasta el final, esperando que se obrase el milagro y pudiéramos rescatar algún momento de la pieza. Y a pesar de los momentos, en los que el espectáculo optaba, con acierto en acallar a las protagonistas, lo cierto es que los fallos de sonido no nos permitieron escucharlas cuando lo deberíamos haber hecho.

La sinopsis de la obra ya nos avisa que estamos delante de una locura, tan grande como querer "coreografiar el polvo", pero locura o no, la obra carece de un significado, demasiadas escenas y acciones inconexas, debajo del pitido incensante de los bafles, pero no uno ni dos, nunca había visto tantos juntos en un escenario teatral, al menos.

La interpretación es atona, con una entonación que provoca sueño al más despierto y que acaba por aburrir al más concentrado. La resistencia cultural de Ciudad Juárez se merece más que una noche con más pena que gloria en Fira Tàrrega.


LA BRISA

by on 19:38
DANZA-TEATRO | 70min | MÉXICO dirección TAMARA CUBAS creación ZUADD ATALA, ALICIA LAGUNA, TAMARA CUBAS y KANGA TRUJILLO asistenci...


DANZA | 40min | CATALUNYA
artistas BECKI PARKER y VERO CENDOYA
producción FIRA TÀRREGA y TIN ARTS

¿Cómo representar el autismo mediante la danza? Representar aquello que no vemos pero que existe, como los unicornios. El espectáculo salido de la colaboración con Stockton International Riverside Festival (UK) y Fira Tàrrega tiene una magia especial. Sus dos bailarinas casi no interactúan entre sí, ya que una de ellas, Becki Parker es autista y realmente la pieza muestra cómo es su mundo. 

Dos visiones del mismo tema, una más personal como la de Parker, que aunque hace sólo tres años que es consciente de su trastorno, nos dibuja cómo fueron sus años de niñez y adolescencia. A pesar de que físicamente, Parker no aparenta ni la mayoría de edad, para sorpresa de los presentes, afirma tener 30 años y una vida totalmente ″convencional″.

La visión de Vero Cendoya es la de una mirada externa y des acomplejada del trastorno. Si la pieza de Parker tira más de la emoción, y está llena de sensibilidad. La de Cendoya tira de sentido del humor en una danza libre que busca huir de cualquier estereotipo para desestigmatizar el autismo.

El resultado son dos piezas separadas con algunos breves toques, en forma de transiciones, donde ambas bailarinas comparten escenario. El coloquio posterior a la pieza, nos saca de dudas con respeto a qué hemos visto y el porqué está construida así. La mirada y la sonrisa de felicidad de Becki Parker mientras interpretaba su solo, llena de emoción, es memorable, de las cosas que se te queda grabada en la memoria.



TEATRO | 60min | CHILE
dirección PAULA AROS GHO
intérpretes MURIEL MIRANDA, CAROLINA DÍAZ, DANIELA JOFRÉ, SERGIO GILABERT y PATRICIO YOVANE
música DANIELMARABOLÍ
fotografía JORGE SÁNCHEZ

¿Cuánto tiempo hace que no envías una carta (escrita de tu puño y letra? ¿Y cuándo fue la última vez que recibiste una? Este montaje nos desvelará algunas misivas de personajes históricos conocidos, mientras nos interroga porqué con lo bonito que es escribir una carta se ha perdido la costumbre de hacerlo, de la misma manera que las lenguas en las que fueron escritas las primeras misivas (griego clásico y latín) también han desaparecido.

Con dos grandes escritorios antiguos como telón de fondo, los intérpretes leen e interpelan al público. En algunos momentos, el montaje pierde el ritmo, se confunde entre tantos dimes y diretes, pero es interesante ver cómo van adaptando el montaje según donde se vaya haciendo para no sólo conseguir un “cadaver exquisito” en cada ciudad sino para que la respuesta del público vaya acorde y se sienta totalmente integrado en la pieza para hacerla suya.

El museo de los aperos de labranza es el lugar ideal para la representación del espectáculo. Un lugar con historia para un montaje que tiene como eje central la mirada al pasado. Historias de amor como la de Frida y Diego, historias de guerra, historias donde la literatura está muy presente, Correo no es sólo una lectura de las cartas, una interpretación de las palabras, la puesta en escena es muy sugerente. Una especie de reunión clandestina para descubrir secretos pasados, para averiguar algo que no fue dicho en alto sino que sólo quedo reflejado en papel.

Las miradas de los intérpretes cuestionan al público y, quizás fuera culpa de haber visto una primera función, pero el ritmo sería conveniente que fuera más ágil, sin tantas fragmentaciones para que el espectador no se disperse mirando hacia el de al lado. Aunque, en las actividades participativas en grupo pueda resultar difícil mantenerlo, se tendría que encontrar la manera de que los más lentos se acoplaran a él.

Y sí, a la salida te dan ganas de empezar a escribir cartas como una loca, pero abres el móvil y descubres que tienes un millar de notificaciones de email y de redes sociales. Más práctico y rápido pero ni rastro de romanticismo.

CORREO

by on 15:40
TEATRO | 60min | CHILE dirección PAULA AROS GHO intérpretes MURIEL MIRANDA, CAROLINA DÍAZ, DANIELA JOFRÉ, SERGIO GILABERT y PATRICI...


CIRCO | 40min | CATALUNYA
idea original y dirección CELSO PEREIRA y FRANCESCA LISSIA
intérpretes CELSO PEREIRA y FRANCESCA LISSIA
colaboraciones artísticas JUANA BELTRAN, JOSE LUIS REDONDO, JOHN PAUL ZACCARINI, IVAR HECKSHER, INGRID ESPERANZA, STUDIUM CANTICUM, MANU VISION BARCELONA, FEDERICO CARTA
producción COMPANYIA EIA


Comenzar la mañana con este espectáculo de la compañía Eia me ha dejado cuerpo y mente en modo zen para todo el día. ¡Qué sutileza de movimientos! Una delicada pausa entre la voránige de Fira Tàrrega no viene nada mal. Pero lejos de caer en un sueño profundo, Espera está llena de sorpresas, de aquellas que te dejan con la boca abierta, tengas la edad que tengas.

El público sentado en círculos puede optar por participar o convertirse en sujeto pasivo. Los más atrevidos se convierten en diferentes momentos en pieza clave del espectáculo. Mientras ellos juegan a vivir el montaje de una manera, son los intérpretes quienes realmente marcan el paso.

El fondo de piedra de la Plaça dels Àlbers ayudan a crear un ámbiente místico, tradiccional, rural. Muy de la tierra, de la naturaleza. En Espera, el sonido juega un papel protagonista y se acaba conviertiendo en una especie de código secreto entre todos los habitantes del espacio.

Sin lugar a dudas, Espera es una pieza artesanal donde el espectador confia ciegamente en el artista para que le haga vivir las acrobacias desde cualquier ángulo imaginable. Esa artesanía tiene como gran final que el público viva y respire el espectáculo cada uno a su manera, pero en conjunto se nota que el público y los acróbatas están respirando el montaje al unísono. La magia que deja en el ambiente a posteriori es muy singular, muy de piel. 100% zen.

ESPERA

by on 10:52
CIRCO | 40min | CATALUNYA idea original y dirección CELSO PEREIRA y FRANCESCA LISSIA intérpretes CELSO PEREIRA y FRANCESCA LISSIA ...


TEATRO | 75min | CHILE
dramaturgia y dirección PILAR RONDEROS
dirección audiovisual PILAR RONDEROS e ITALO GALLARDO
intérpretes DANIELA JOFRE, ÉBANA GARÍN, CAROLINA DÍAS y PILAR RONDEROS


Matar al padre, no de manera literal sino metafórica es objeto de estudio de la psicología. ¿Realmente es tan importante la figura paterna en nuestras vidas? La compañía La Laura Palmer ha creado un montaje de teatro documental bajo la premisa de tres hermanas que luchan desde pequeñas por reconstruir la figura de su progenitor, que las abandonó a su suerte y que siempre, de alguna manera u otra, han mitificado.

Fotografías y recuerdos varios se unen en esta pieza para crear la ficción de un pasado real. No sé porqué me venía a la mente Màtria de Carla Rovira que pudimos ver en la pasada edición de la Fira. En aquella ocasión en un espacio mucho más íntimo y con los espectadores inmersos en la acción. El Teatre Ateneu no sería el mejor lugar para representar la pieza. Lejos de un espacio más polivalente, hubiera sido suficiente con uno a dos bandas donde los espectadores no sintiera la historia lejana y se involucraran más en su desarrollo.

Si bien es cierto que, como es obvio, todas las versiones confluyen, es interesante ver cómo el abandono del padre les deja una marca bien diferente a cada una de ellas. De igual manera que el espacio, la manera de narrar la historia provoca cierto desapego y desinterés en una de ellas, lo que asimismo causa un ritmo un tanto desacoplado.

La propuesta de La Laura Palmer es interesante. Quizás nada novedosa y un tanto desactualizada en lenguajes escénicos para representarse en Fira Tàrrega donde estamos acostumbrados a ver espectáculos más arriesgados tanto en contenido como en forma.

HIJA DE TIGRE

by on 10:52
TEATRO | 75min | CHILE dramaturgia y dirección PILAR RONDEROS dirección audiovisual PILAR RONDEROS e ITALO GALLARDO intérpretes D...


PERFORMANCE | 60min | CATALUNYA
idea original JOAN CATALÀ CARRASCO
creación e interpretación NATHALIE REMADI, IRIS HEITZINGER, CECICLIA COLACRAL, ANNA BURACZYNSKA, JOANA SERRA, NACHO MONTERO, MIQUEL VICH, RUBEN MARTÍNEZ ORIO, PABLO MARTÍNEZ OLIETE y JOAN CATALÀ CARRASCO
fotografía NATHALIE REMADI
producción FIRA TÀRREGA, EL GRANER, AJUNTAMENT DE MATARÓ, CRONOPIS y OSIC


¿Quién se podía imaginar que un trozo de hierro tuviera tanta vida? Joan Català hace virguerías con los elementos más insospechados. Aunque 5.102 m/s sea un espectáculo en proceso de creación, quizás el germen de un montaje “ya acabado”, si es que algún día se puede echar el cerrojo o poner el punto final a algo tan vivo como un espectáculo teatral.

El hierro es el elemento vinculante de toda la performance. Un ejercicio, con un protagonismo sonoro muy importante y definitorio, de fuerza, resistencia y percusión. Siendo friki o no de la creación contemporánea, la mezcla de lenguajes es sensacional: danza, circo, música, voz... Un cúmulo de sentimientos donde el público sí o sí se tiene que sentir cómplice.

Cal Trepat se desnuda para que el espectador camine buscando siempre el mejor sitio, el mejor ángulo de visión. Eso sí, sin olvidarte que las piezas de hierro están vivas y quienes las manejan también. No hay tregua, la creación y el público respiran al unísono en una especie de danza magnética única entre los materiales, los intérpretes y su público.

No siempre somos conscientes de la magnitud de estar presenciando un acto único, irrepetible. Quizás ésta sea una de las piezas que más lo ponga de manifiesto. Y de hecho la salida a la realidad, cuando por un instante el hierro desaparece del protagonismo de tu campo visual, el sentimiento es de fortuna, de seres especiales viviendo un momento estelar.

Quizás la parte participativa final, cuando el público toca y crea el mismo parte de la escena conclusiva es la que menos encaja con el resto de juego. Yo me hubiera quedado disfrutando del atardecer con los hierros resonando de fondo.

5.102 m/s

by on 10:51
PERFORMANCE | 60min | CATALUNYA idea original JOAN CATALÀ CARRASCO creación e interpretación NATHALIE REMADI, IRIS HEITZINGER, CECI...

DANSA-TEATRE ⎜ 25 min ⎜ CAT
creación QUIM BIGAS y RAMON MOLINS
dirección y coreografía QUIM BIGAS
intérpretes ALBERT GARCÍA, JORDI GILABERT, MARIA MORA, MIQUEL RODRÍGUEZ y CARLA TOVÍAS
espacio sonoro CLARA AGUILAR
producción ZUM ZUM TEATRE


¿Por qué se tiene qué elegir entre ser personas o animales? Zum Zum Teatre y Quim Bigas ha escogido el camino del medio, medio personas, medio hipopótamos. Todo para construir una fábula sobre porqué salirse del camino marcado está bien, lo diferente es igual de correcto que lo que no lo es y porque si nos dejan ser como somos, sobreviviremos sin ayuda de nadie.

Zum Zum Teatre abandona su zona de comfort con la ayuda de Quim Bigas, deja el teatro más puramente familiar para afrontar un espectáculo, que para los más pequeños serán tres hipopótamos bailando o revolcándose por el suelo, pero los mayores leerán la capa más interna, aquella que nos habla de la diferencia, de la tolerancia, del encaje en la sociedad de aquellos que se salen de la norma. En definitiva de que todas las identidades son igual de válidas independientemente de la etiqueta que las queramos poner.

Hippos es un espectáculo hipnótico, lo mismo puede durar 10 minutos que 25. Es la marca de movimiento la que te atrapa. Da lo mismo que suene “One more time”, en modo disco que algo más lento, la ingravidez de movimiento y la manera “torpe” de caminar o de levantarse me representan. Creo que por fin, he encontrado el animal con el que empatizar. Sí, desde ahora, soy un hipopótamo!



HIPPOS

by on 15:33
DANSA-TEATRE ⎜ 25 min ⎜ CAT creación QUIM BIGAS y RAMON MOLINS dirección y coreografía QUIM BIGAS intérpretes ALBERT GARCÍA, JORDI...


PERFORMANCE /MULTIDISCIPLINAR | 60min | MÉXICO
concepto EDUARDO BERNAL, TANIA BARRIENTOS y JAIR MÉNDEZ
creación PENDIENTE TEATRO y EDUARDO BERNAL
textos EDUARDO BERNAL y TANIA BARRIENTOS
intérpretes TANIA BARRIENTOS, ADRIANA PALMERO y URIEL LEDESMA
producción INDIGO PRODUCCIONES SRL

En México hay más de 14 millones de apátridas, más de 280.000 desplazados por la violencia y casi 30.000 desaparecidos. Sín Ítaca es un reflejo de la ruptura de vínculos que estas personas sufren al verse forzados a vivir en estas condiciones.

El drama de los desplazados por la violencia inunda las televisiones de medio mundo, sean de la nacionalidad que sean, de desaparecidos España tiene miles de fosas sin abrir y cadáveres en las cunetas, pero lo que más me ha sorprendido del montaje es la parte tan desconocida, porque entiendo que no interesa que se hable, de los ápatridas. Aquellos que luchan por ser reconocidos como ciudadanos de pleno derecho de un estado que les vio nacer pero que se desentendió de ellos desde el principio.

El montaje está más pensado como instalación o como mera exposición dentro del Museo Comarcal, más que como espectáculo al uso. Cuatro salas albergan los documentos y los objetos que la compañía Pendiente Teatro ha ido recopilando a través del proceso de investigación.

El problema es la repetición, los espectadores pasan tres veces por cada una de esas cuatro salas, y aunque las acciones difieren en forma, en algunas ocasiones sólo con pequeños detalles, el contenido que sale por la boca del intérprete es siempre el mismo. El mismo discurso repetido hasta la saciedad. Como si por repetirlo diversas veces no fuera igual de real que la primera.

La verdad es que el recorrido te hace ver y romper con tus ideas preconcebidas pero quizás los textos sean excesivamente largos para tanta repetición. De todas maneras al final de la obra, la compañía nos invita a volver por la tarde donde el montaje se puede presenciar de forma expositiva y libre sin el recorrido repetitivo para que cada uno se construya la identidad que quiera.

SIN ÍTACA

by on 15:33
PERFORMANCE /MULTIDISCIPLINAR | 60min | MÉXICO concepto EDUARDO BERNAL, TANIA BARRIENTOS y JAIR MÉNDEZ creación PENDIENTE TEATRO y ...


TEATRE | 75min | CATALUNYA
dramaturgia LALI ÁLVAREZ y PAU MATAS
dirección escénica LALI ÁLVAREZ
intérpretes SASHA AGRANOV, JORGE ALBUERNE, LOLA GONZÁLEZ, ALBA SÁEZ y DAVID TEIXIDÓ
espacio sonoro y diseño de sonido PAU MATAS y TUTE SALAZAR
asesoria de movimiento y coreografía QUIM BIGAS
producción HUI BASA con la ayuda de FIRA TÀRREGA

Era uno de los estrenos más esperados de Fira Tàrrega y los seguidores más acérrimos de Lali Álvarez no esperar más allá de la primera representación. Al llegar parecía que formabámos parte de una misión secreta, no podíamos esperar a la puerta de Les Sitges, “contra los contenedores”, nada de filas, amontonados en grupos y marcados con un lazo negro en el brazo emprendimos el acceso al espacio, en “silencio”, escondiéndonos y siguiendo las indicaciones de los mismos intérpretes. La pieza no había ni empezado a rodar y ya nos tenía atrapados.

Sentados en el exterior de Les Sitges en forma de U, nos miramos entre sí, mientras los actores interactúan con algunos miembros del grupo de espectadores. Hay una tensión, incluso superior a la de cualquier estreno. Vamos a vivir en primera persona de ficción lo que pasa en este refugio. 

Fuera de él las bombas caen y la amenza acecha, dentro hay una especie de oasis artístico, poético y alegre que se verá alterado por la súbita presencia de un elemento extraño que no es recibido de buenas maneras por los habitantes del refugio. La poética del espectáculo se rompe a base de gritos, llantos y lágrimas. Lo de fuera siempre es sospechoso, lo desconocido nos da miedo y cuando está en juego la supervivencia, algunos optan por lo malo conocido.

Aunque se anunciaba como espectáculo sin texto, Lali Álvarez se inventa una lengua mezcla de todas y de ninguna. Y son estas palabras, las que a veces sobran, porque la fuerza de las imágenes y las acciones de los protagonistas tienen tanta fuerza que la voz es un complemento innecesario.

El espacio sonoro de Pau Matas y Tute Salazar es maravilloso. Al estar en el exterior, el público siente las bombas y los demás elementos de la amenaza de una manera brutalmente realista, tanto que se te escapa, irremediablemente, la vista al cielo.

Tha Tzpar es un espectáculo multidisciplinar donde los actores se desdoblan en interpretar con todo el cuerpo y al mismo tiempo cuidar al público, estar pendiente de él, hacerle vivir el montaje a cada instante porque fuera no hay nada. El miedo queda diluido en esa alegría de vivir que transmiten los personajes. Esa manera de afrontar el presente, disfrutando de cada instante, independientemente de saber qué pasará un segundo después.

El tándem Hui Basa (Lali Álvarez y Pau Matas) ha creado un espectáculo “bonito de ver”, aunque de aquellos que te tocan y se te quedan dentro. Pero eso ya viene siendo marca de la casa.  

THA TZPAR (L'ESPERA)

by on 11:51
TEATRE | 75min | CATALUNYA dramaturgia LALI ÁLVAREZ y PAU MATAS dirección escénica LALI ÁLVAREZ intérpretes SASHA AGRANOV, JORGE ...


DANSA-TEATRO ⎜55min ⎜FRANCIA
dirección MARTA TORRENTS
intérpretes JONATHAN FRAU, NICOLAS QUETELARD, GILA VILA BRUCH, ANNA VON GRUNIGEN
creación sonora BORIS BILLIER
fotografía FRANCIS RODOR
producción FONDO DE FLEXIBILIDAD DE MAR A MAR, PIRINEUS DE CIRC y CGET- FNADT

Que nada más empezar te hagan reírte de nada, ya promete. Una chica sentada en una silla en medio del escenario, silencio y de repente estalla a reír, pero ¿de qué se ríe? Contagio casi inmediato del público, que no la deja sola con sus risas. 

De la risa se puede decir que podríamos pasar al llanto, a la violencia representada en movimientos repetitivos. Una violencia que busca la complicidad de lo cómico, representada en forma de clown, pero que no por ello deja de ser un acto macabro.

Brut es un espectáculo multidisciplinar que es un retrato de la vida del ser humano, con sus relaciones personales, con sus conflictos internos y con esas ganas que tenemos todos de que las cosas salgan bien y nos podamos reír.

Quizás sea la parte de clown la más trabajada, la más fácil para que el público empatice, aquella en la que nos podemos seguir identificados, en medio de la ironía, en medio de cualquier estupidez diaria, lo mejor es acabar por reírnos de nosotros mismos.

La parte más de movimiento de danza no me transpuó excesivamente más que aquello que está explícito en una primera lectura, pero no encontré un significado más allá de la simplicidad de los pasos, del devenir del ser.

Es una pena que me acabara perdiendo en el camino de los pasos que ya se andaron, porque algunos de los pequeños instantes en los que me entretuve antes de llegar al destino me dejaron mejores recuerdos que los que encontré al llegar.

BRUT

by on 16:17
DANSA-TEATRO ⎜55min ⎜FRANCIA dirección MARTA TORRENTS intérpretes JONATHAN FRAU, NICOLAS QUETELARD, GILA VILA BRUCH, ANNA VON GRUNI...


ARTES VISUALES ⎜60min ⎜ FRANCIA
dramaturgia y dirección LLUC AMORÓS
composición musical ALEXIS THÉPOT
pintores LOU AMORÓS AUGUSTIN, SYLVIE EDER, LÉA NOYGUES, ITZEL PALOMO, EMMANUEL PÉREZ y THOMAS REBISCHUNG.
intérprete BRIGITTE GONZÁLEZ
músico IGNACIO PLAZA PONCE
ESPECTÁCULO INAUGURAL

Bajo una noche estrellada descubrimos La Tortue de Gauguin, aquella que sirvió de lienzo al famoso pintor. Lejos del mundanal ruido, en el parque de Sant Eloi una impresionante estructura metálica nos recibe para mostrarnos en diversas diapositivas todo el arte pictórico, desde pintor de brocha gorda hasta artistas del color y de las formas.

Bajo una presunta crítica a la estética, al excesivo gusto por las tecnologías y los egos que éstas despiertan, los intérpretes cantan, hablan, danzan y dibujan en medio de una explosión estética que se pierde en un discurso excesivamente repetitivo y monótono. 

Al final sientes que no pintas nada y como espectador pasivo y aunque la performance funciona y entretiene, no le pasaría nada si en vez de casi una hora de duración se resolviera el misterio en media. Eso sí es un espectáculo ideal para llenar tu Instagram de Stories. Ni tan mal. 

LA TORTUE DE GAUGUIN

by on 15:29
ARTES VISUALES ⎜60min ⎜ FRANCIA dramaturgia y dirección LLUC AMORÓS composición musical ALEXIS THÉPOT pintores LOU AMORÓS AUGUSTI...





DANSA-TEATRE ⎜30min ⎜CATALUNYA
dirección LES IMPUXIBLES
asesoramiento artístico y acompañamiento a la dirección VIRGINIA GARCÍA / LA INTRUSA
composición e interpretación musical CLARA PEYA
dirección coreográfica ARIADNA PEYA
coreografía VIRGINIA GARCÍA, ARIADNA PEYA y HELENA GISPERT
textos BEL OLID
coach actoral ANNA ALARCÓN
intérpretes CLARA PEYA, ARIADNA PEYA y HELENA GISPERT
fotografía DOROTHEE ELFRING
producción LES IMPUXIBLES con la ayuda de FIRA TÀRREGA, LA PEDRERA y DANCEESCOOL


Fira de Tàrrega demuestra que Les Impunxibles funcionan igual sea cual sea el espacio en el que trabajen. Su fórmula mezcla de texto, danza, música y voz sigue evolucionando. Si en AÜC ya demostraban cómo se podría representar todas las caras de la violencia, eso sí fundamentalmente contra las mujeres. 

Ellas vuelven a ser las protagonistas, esta vez la violencia no es tan explícita, aunque se nota en todo el recorrido del espectáculo. Los sentimientos, emociones y distensiones más presentes son la culpa, la rabia, la venganza, el odio... Unos elementos presentes en la vida humana, pero también excesivamente ligados a la figura femenina.

Con la Plaza Mayor de Tàrrega llena hasta los topes, el imprescindible piano de Clara Peya se resguarda entre una estructura metálica llena de pelotas de tenis. Algo seguro que va a pasar con ellas.

El espectáculo tira de elementos ya reconocibles por los seguidores de Les Impuxibles, desde las músicas compuestas por Clara Peya hasta la danza, el movimiento tan característico de Ariadna Peya. Eso sí, aquí hay una clara búsqueda por avanzar. Uno de los duetos de la parte final del espectáculo es simplemente maravilloso. Orgánico, poético y mágico. De una fuerza que envuelve la plaza como un rayo, un zumbido que deja el público sin aliento.

Si la pasada edición la Plaza Mayor vibró con los latidos de Ada Vilaró, este año Les Impuxibles y su sintonizador consiguen llenarla otra vez de vida. El montaje es un vibrato constante hasta que el silencio se apodera de la escena en el tramo final y le devuelve la magia en sus últimos minutos con un preciosista final de espectáculo. 

PAINBALL

by on 15:12
DANSA-TEATRE ⎜30min ⎜CATALUNYA dirección LES IMPUXIBLES asesoramiento artístico y acompañamiento a la dirección VIRGINIA GA...