de WILLIAM SHAKESPEARE
versión y dirección PAU CARRIÓ
intérpretes JOAN AMARGÓS, ENRIC AUQUER, QUIM ÀVILA, CLÀUDIA BENITO, RAQUEL FERRI, EDUARDO LLOVERAS, JAUME MADAULA, LLUÍS MARQUÈS, JOAN SOLÉ, JÚLIA TRUYOL
músicos ARNAU VALLVÉ y PAU CARRIÓ
DURACIÓN 2h 15min (sin entreacto)
fotografías: ROS RIBAS
coproducción: TEATRE LLIURE y GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA
TEATRE LLIURE DE GRÀCIA

He perdido la cuenta de las versiones de The Twelfth Night que he visto en la última década, creo que es uno de las obras más versionadas en los últimos años del bardo inglés. Por eso, cada nueva propuesta ha de aportar alguna cosa para que la historia ya conocida no caiga en el aburrimiento del espectador. 

Pau Carrió ha vuelto ha hacer brillar a la nueva Kompanyia Lliure. Los elementos made in Carrió están presentes, el ritmo trepidante de la acción, el público situado fuera y dentro de la escena y sobre todo el componente musical, esta vez semi escondido de la vista, y que nos traslada a una Europa de entreguerra, a una de esas fiestas de celebración de todo, sin pensar en lo que está a punto de ocurrir.



Si hay una cosa por la que destaca el montaje es por darle protagonismo a actores que quizás en otras obras lo han tenido menos. Gracias a ello descubrimos a una flamante Raquel Ferri, a la que el físico y la manera de moverse en el escenario nos recuerda alguna que otra 'diva' anglosajona. Ella construye una flamante Olivia que se mueve a la perfección entre las aguas del juego de seducción entre la inocencia y la maldad y las del sueño amoroso.

El vestuario de Sílvia Delagneau es magnífico, y le sienta como un guante tanto a los intérpretes como su combinación con una imponente puesta en escena diseñada por Sebastià Brosa y el mismo Pau Carrió. Un sala de cabaret que fácilmente se convierte en salón de estar o en otro tipo de espacios con el quita y pon de sillas. Otra de las sorpresas de la noche es el movimiento obra de Anna Rubirola.



Nit de Reis (o el que vulguis) también nos devela la infinita vis cómica de Joan Amargós, un extraordinario Malvolio. Suyas son las mejores escenas cómicas de la noche. Destacan también los momentos de la noche más perra, más oscura y más gamberra protagonizados por un deslumbrante y andrógino Quim Àvila (Feste), y los divertidísimos caraduras Enric Auquer (Sr. Andrew) y Joan Solé (Tobias).



A pesar de la potencia actoral exhibida hay alguna pequeña descompensación actoral al inicio de la función, típica en elencos tan grandes que se va compensando a lo largo de la función. Y un dato curioso que, quizás sea cuestión de la versión pero dos de los personajes que en otras adaptaciones  eran protagonistas más absolutos, hablo de Viola (Clàudia Benito) y Sebastian (Lluís Marquès) quedan, en la versión de Pau Carrió, más en un segundo plano.

Con la sala llena, la mitad de la cual por jóvenes (cosa que se agradece ver), la idea de seguir adaptando Shakespeare a los tiempos que corren parece que funciona y Pau Carrió se está convirtiendo en todo un experto en la materia. Next, please!


PS: No sé si existe pero sino habría que crearla porque uno de los puntos fuertes del montaje es la selección musical de Arnau Vallvé y Pau Carrió, y ante la imposibilidad de sacar el móvil y hacer un Shazam, necesito una playlist del montaje. Ahí lo dejo.


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

¿Tienes entre 18 y 28 años? Sigue leyendo porque éste es tu sitio. Nace el Festival l'Estació Escènik que tiene como objetivo dar voz a los creadores jóvenes.

  • ¿QUÉ? Una propuesta de artes escénicas que combinará la puesta en escena y concurso de 6 piezas escénicas de pequeño formato, talleres gratuitos y actuaciones de DJ.

  • ¿CUÁNDO y DÓNDE? El Sábado 30 de septiembre de 18h a las 02:00h en el Parque de la Estación del Norte de Barcelona.

  • ORGANIZADO POR... Associació de Comerciants Eix Port Pienc en colaboración con el Institut del Teatre, la escuela El Timbal, el centro ITES y la Escuela Superior de Arte Dramático EÒLIA con el soporte del Atontamiento de Barcelona.

  • PREMIOS: Las seis obras finalistas optan a un premio de 1.000€ que les otorgará un jurado profesional.

+INFO AQUÍ




DRAMATURGIA: GEMMA BELTRAN inspirada en los textos de KAFKA, LEWIS CARROLL, PIRANDELLO y CALDERON DE LA BARCA
DIRECCION: GEMMA BELTRAN
INTÈRPRETES: TONI VIÑALS, ROBERT GONZÁLEZ y ANNA ALBORCH
DURACIÓN: 60min
FOTOGRAFÍAS:  @Sergi_Garriga_Riu
PRODUCCIÓN: GREC 2017 FESTIVAL DE BARCELONA, LA COMPANYIA DEI FURBI y EL TEATRO LIBERO DE PALERM


Dei Furbi ha vuelto, tras su paso por el Grec 2017, presenta en temporada su Oklahoma, un espectáculo totalmente de creación propia. Tres actores en busca del casting de sus vidas que se realizará en el Teatro de Oklahoma, el maná de cualquier intérprete.

En la primera media hora, el espectáculo transcurre en la búsqueda de ese teatro y en las historias que los personajes van compartiendo. Allí es cuando se dan cita Carroll, Calderón, Kafka y Pirandello. Una suma excesivamente heterogénea que distrae al espectador del objetivo final, Oklahoma.

En los anteriores espectáculos de la compañía, como La Flauta mágica o Trilogía MozART la dramaturgia era un bastión muy importante y ya venía muy marcado con las piezas musicales. Pero en Oklahoma se ha picado muy alto, la amalgama de textos variados al principio de la pieza acrecienta un surrealismo excesivo que no acaba de encajar y la pieza pierde ritmo y cae en repeticiones del todo innecesarias.

Ramon Ivars y la misma Gemma Beltran han creado una puesta en escena maravillosa. Quien diría que con la desnudez que el espectador se encuentra nada más entrar por la puerta, que con muy poco se construye todo un mundo. Uno de los momentos más aplaudidos lo protagoniza Robert González convertido en Gregor Samsa y cantando una particular versión de 'La Pulga' de Sarita Montiel. Creo que se me quedará durante largo tiempo en la retina.



A la misma altura que la puesta en escena están las interpretaciones. Nadie duda de la calidad vocal de los intérpretes habituales de Dei Furbi, pero en Oklahoma a parte de cantar, también hay otras partes importantes como las de movimiento físico y una fuerte carga interpretativa con teatro de texto. Los tres actores solventan sin problemas las tres ramas interpretativas, lo cual otorga a la pieza una fuerza que en gran manera compensa las carencias y/o debilidades que se desprenden de la dramaturgia.

Dejaré la incógnita de si los actores pasan el casting del Teatro de Oklahoma o si siguen viviendo en la precariedad que critica una y otra vez la obra. Pero el montaje me ha dejado la espinita clavada de recuperar otros mundos por los que hace tiempo que no transito como los de La Metamorfosis o la gran Alicia. Lo mejor del teatro es que te despierte ganas de seguir aprendiendo. 

OKLAHOMA

by on 19:47
DRAMATURGIA: GEMMA BELTRAN inspirada en los textos de KAFKA, LEWIS CARROLL, PIRANDELLO y CALDERON DE LA BARCA DIRECCION: GEMMA BELTRA...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Gracias a un encargo de Recomana.cat, este año he descubierto y flipado con la enorme programación de artes de calle que ha programado el Ayuntamiento de Barcelona para estas fiestas de la Mercè. La primera crónica la he publicado esta mañana con las impresiones generales de la tarde de ayer (ver + AQUÍ), pero me gustaría desarrollar un poco más cada espectáculo.

Nada amiga de las aglomeraciones que se forman en Barcelona día sí día también y poco conocedora del Parc de la Ciutadella fui previsora y mi tarde empezó pronto y la verdad es que se notó, porque a partir de las seis de la tarde, todo era un baño de masas y un zigzaguear gente por todos los espacios.




Seis espectáculos en 5 horas (algunos de corta duración) pero la tarde estuvo bastante bien aprovechada:


  • LA VIE EN ROSE. CIA MAR GÓMEZ. El nuevo espectáculo de calle de la compañía es una historia "divertida" de amor, que como en la mayoría de casos empieza con un cuento de hadas, teñido de rosa y acaba como el rosario de la aurora. Una vez más se mezcla la danza con el clown para crear un espectáculo que tira de comedia hasta cuando las cosas abandonan lo idílico. La puesta en escena está marcada por los movimientos cinematográficos. Los espectadores parecen sentados delante de un cinematógrafo de los inicios del cine mudo y vemos a los intérpretes con movimientos perfectamente estudiados para asemejarse a los que se podían ver entonces. Con una escenografía, aparentemente sencilla al tratarse de un espectáculo de calle, pero en la que se esconden numerosos secretos. Un público muy familiar y aunque el espectáculo pueda tener muchas capas, tras un comienzo muy marcado por el clown los más pequeños no acaban de entender el sentido de todo junto y se van aburriendo. Mientras tanto los mayores siguen y conectan con la trama. Maravillosa la selección musical que va desde el tema que da título al espectáculo, pasando por 'New York New York' o algún tema navideño en inglés conocido por todos. Según nos ha explicado previamente el showman que ha introducido la obra es el estreno del espectáculo, queda por pulir algunos aspectos de ritmo pero La vie en rose es un montaje 100% Mar Gómez. Aplausos.


  • MULÏER. MADUIXA TEATRE. Es uno de esos montajes que vas persiguiendo y una vez y otra no consigues adaptar tu agenda para verlos. Pero ayer por fin pude disfrutar con él. Sólo de pensar lo que viví en sus 30 minutos de duración se me ponen los pelos de punta. He de confesar que el tema del maltrato hacia la mujer, acostumbra a tener una reacción de piel en mi ser, como es el caso. Mulïer es una espectáculo que todo el mundo debería ver. 30 minutos angustiosos de una calidad dramaturgia bestial, un grito de desesperación compartido entre intérpretes y público. No cabía ni un alma en el Passeig Lluís Companys porque estábamos a punto de presenciar esta maravilla. Con el corazón en un puño, cada espectador vive la angustia, los sentimientos de indefensión, de empequeñecimiento del inicio y cómo poco a poco el empoderamiento se apodera de su ser y se acaban convirtiendo en leonas que consiguen derrotar el miedo y mirar cara a cara a la vida. Su sabana es suya, su mirada es feroz. La característica fundamental del espectáculo es que sus intérpretes están subidas en zancos y la danza/movimiento se hace desde aquella altura. Nunca pensé que se podrían realizar tantos movimientos desde unos zancos. Realmente es brillante visualmente. Imprescindible. Con lágrimas en los ojos, BRAVO!



  • I CAN'T BREATH. PROTOCOL DANCE COMPANY. Aunque en el vídeo introductorio no esté, pude atisbar la totalidad del espectáculo. La immensa cantidad de público que abarrotaba este espacio, me hizo imposible una grabación en condiciones. Lo que pude ver de esta pieza de dos intérpretes, no me conmovió en exceso. Exceso de frío y movimientos bastante mecanizados. Una clara falta de naturalidad que no pareció entusiasmar tampoco al público que no les brindó un sonoro aplauso. I can't breath es una mezcla de danzas urbanas que se caracteriza porque los bailarines bailan sin música. El público estaba esperando la siguiente pieza y se notó.

  • SPRING. SHARON LAVI. Nos dejó con la miel en los labios por lo corto que se nos hizo su actuación. No llegó ni a diez minutos. La multitud de gente no me permitió más que intuir sus pies y verlo la mayor parte del tiempo de cintura para arriba, ya que la altura del escenario no era la adecuada. Sharon Lavi es un tap dancer, afincado en Barcelona, y la pieza cuenta con la música de 'La primavera' de Vivaldi. Sólo fue un avance de esta estación, y de lo que se verá próximamente con el resto de las estaciones de Vivaldi en un formato esperemos que más despejado de cabezas.



  • 7x7. NORRDANS. Siguiendo el consejo del crítico y experto en danza, Jordi Sora (Escena de la memoria) marco como imprescindible esta pieza. Y no falló, diana. Una danza enérgica con un ritmo trepidante que me deja boquiabierta. El objetivo de esta compañía sueca es acercar la danza a todos los públicos y la verdad es que el objetivo está conseguido a tenor por la acumulación de público que consiguieron congregar. Su estilo mezcla la danza contemporánea y la danza urbana. Uno de sus fuertes es la música en directo que toca estilos clásicos con otros más contemporáneos. Un espectáculo que desprende buen rollismo y que pone las pilas al más aburrido.



  • TOPA. KUKAI DANTZA & BRODAS BROS. Y para conservar el buen rollismo, decido acabar la tarde con más danza urbana. Topa en el Passeig Lluís Companys congrega de nuevo una multitud que se "pelea" por conseguir el mejor sitio para ver el espectáculo. La compañía vasca se ha unido para este espectáculo a Brodas Bros. para concebir un espectáculo que mezclara la danza tradicional vasca con las danzas urbanas de las que son especialistas los Brodas. El resultado es que las segundas les comen el pastel a las primeras. Hay un claro dominio de los ritmos callejeros. El encuentro de cuatro jóvenes en la calle que se unen y empiezan a bailar. Tan simple como que esa es la base. El resultado, energía por un tubo en este espectáculo de menos de media hora de duración. 



Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Esta mañana se ha presentado la nueva temporada del Teatre Eòlia bajo la conmoción de lo ocurrido el día anterior a nivel político y social, la rueda de prensa no podía empezar de otra manera, que con una contundente condena y una declaración de intenciones por parte de Rosa Galindo, directora artística del espacio: "Aunque no existiera libertad de expresión, seguiríamos haciendo teatro, político, comprometido y con humor".

Antes de dar el turno a las compañías se reafirmó en el espíritu que desde su apertura ha caracterizado a la sala del Eixample: "Seguimos apostando por intérpretes emergentes, salidos o alumnos de nuestra escuela, o también de otras escuelas de interpretación de la ciudad". Su línea de programación sigue apostando por el Teatro Necesario, aquel que engloba memoria, identidad, hechos silenciados, personas excluidas...

La temporada se abrirá el próximo fin de semana con la primera de las dos propuestas englobadas en la Mostra de Creadors/Intèrprets Emergents:

  • Un i un, no siempre son dos (Del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2017). El trabajo de fin de carrera de Minerva Prat que ella misma define como "Creación propia, personal y emocional" y que nos habla del proceso de adaptación a la vida después de una ruptura sentimental de una pareja después de años de convivencia.

  • Entre. (Del 5 al 8 de octubre de 2017) donde el Col·lectiu Atemporal se inspira en el mito griego de Ícaro y lo traslada al paso de joven a adulto de Arnau. Aunque la vida te haga caer mil y una veces, es hora de volar.

Esta temporada, el Eòlia también busca sacar a la luz algunas obras poco o nada representadas, es el caso de El Cid de Pierre Corneille (que junto a Molière y a Racine son el tridente del neoclasicismo francés). Una pieza, dirigida por Josep Maria Vidal, en alejandrinos aparejados que supondrá el estreno de la nueva Jove Companyia de Teatre de Vers de Barcelona.

Del 25 al 29 de octubre es el turno de Federico García Lorca y La casa de Bernarda Alba de la Compañía Antzoki Teatteri. Un texto que desde ayer es más vigente que nunca, Bernarda representa como nadie la autoridad represora.



La primera semana de noviembre (Del 1 al 5) se podrá ver Invasió Subtil, un espectáculo que lleva dos temporadas de éxito en las mañanas para escuelas e institutos del Poliorama y que el Eòlia busca que llegue a un público más amplio de todas las edades. Paco Mir ha dramatizado 9 cuentos de Pere Calders, sus tres protagonistas interpretan un total de 33 personajes. Toda una tour de force!



Pero no sólo de teatro de texto vive el hombre, la Impro también estará presente en la nueva temporada del Eòlia con T.I.C.S (Secret Technology Improvisation Company) el 11 y el 12 de noviembre de la compañía Discret Impro. Un espectáculo que busca dignificar la Impro como género teatral, introduciendo al concepto de Impro las nuevas tecnologías, el público decidirá. Un dato más bien relevante: en la sala no hay cobertura.



Andrea Monje y Pablo Ley presentan 90 minutos, una versión de Alícia en el país de las maravillas (del 16 al 26 de noviembre de 2017). El mismo Ley hace doblete en las mismas fechas con el texto de Edgar Allan Poe, L'esfondrament de la casa Usher. De ambos afirma que les gusta investigar "crear cosas extrañas" y sobre todo tiene la necesidad de "abrir puertas a la nueva generación".



En la frontera entre noviembre y diciembre se presenta el primer espectáculo englobado dentro de ese Teatro Necesario, Khalid. L'heroi cosmològic (del 29 de noviembre al 2 de diciembre). Un trabajo de final de carrera que nos habla de la Guerra de Siria desde dentro.

Una de las reposiciones es Cinco Tonos de color azul que hace dos temporadas nació en La Seca Espai Brossa, más tarde recaló en la Sala Atrium y del 14 al 16 de diciembre lo acoge Eòlia dentro del Teatro Necesario. Un análisis del proceso de duelo dirigido por Paula Ribó.

Personalmente, uno de los espectáculos que más me llama la atención es Planeta Pària (del 14 al 25 de febrero), que ya se pudo ver la temporada pasada en tres funciones llenas a rebosar y que sabiamente se ha decidido recuperar.  La dirección y dramaturgia de Carla Torres nos vuelve a trasladar a la sci-fi, a un planeta donde no todo el mundo tiene su lugar garantizado, quienes no lo tienen, entre ellos los actores, tienen que concursar en un reality para conseguirlo. Según la propia Carla al escribir sus obras: "siempre me pongo en lo peor y luego vienen éstos y me dejan en rídiculo".

Coincidiendo con el Dia de la Mujer Trabajadora (¿?) llega Les associades al club dels ÚTERS PENEDITS (del 8 al 11 de marzo) también dentro del Teatro Necesario, un texto de la socióloga Corinne Maier. Todo un alegato feminista de una mujer que reflexiona de los pros y cons de haber tenido un hijo, mientras espera que su vástago salga de clase.


El último espectáculo de la temporada regular, al menos de momento es El rey de Gurugú (del 4 al 15 de abril de 2018) con dramaturgia y dirección de Ferran Joanmiquel. El texto que forma parte de la trilogía que componen La Crida y La Filla de Chagal nos traslada a la frontera Sur (Melilla) pero en vez de meterse en la piel de un inmigrante, nos encontraremos un perro. Mientras que el público seremos los inmigrantes, el perro será el encargado de explicarnos cómo será nuestra vida una vez saltada la valla. En este espectáculo ha colaborado el fotoperiodista Samuel Aranda con sus fotos.

ADEMÁS...

Además de la programación regular, Eòlia cuenta con dos ciclos ya consolidados en su programación:

  • #MondayMonday, un ciclo de conciertos teatralizados con las mejores voces del teatro musical de Catalunya. Esta temporada contará, fundamentalmente (siempre abiertos a sorpresas) a tres nombres: Carlos Gramaje (11 de diciembre de 2017), Toni Vinyals (12 de febrero de 2018) y Judith Tobella (5 de marzo del 2018). A final de temporada se celebrará el #BigMonday al Poliorama. Todos los intérpretes estarán acompañados por los finalistas de la Marató de Solistas MondayMonday.

  • #OperaGlam que busca acercar la ópera a nuevos públicos y que ha conseguido crear una cantera de artistas líricos muy jóvenes. En esta edición se busca sentir y indagar por aquellos trozos sueltos que todos escuchamos en las salas de espera de médicos diversos. Descifrar el hilo musical.

Y antes de cerrar la crónica, dos novedades a destacar:

  • Eòlia es la sala escogida por el Festival Mostra't, que organiza el Centre Cívic Parc Sandaru para mostrar la pieza ganadora (del 1 al 4 de marzo de 2018).

  • Vermut sense límits. Una muestra de piezas cortas basadas en la improvisación el 3 de diciembre, Día Internacional de las Personas con Discapacidad. Teatro como medio para mejorar la felicidad personal.

+ INFO AQUÍ





TEXTO: JON FOSSE
TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE
INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG
DURACIÓN: 60min
LA SECA ESPAI BROSSA

No es que nos hayamos saltado una estación de repente, pero el texto de Jon Fosse hace honor a su nombre, la nieve invade la escena y los personajes son contaminados por esa baja temperatura.

Con el recuerdo del calor, del verano; con el gusto todavía en los labios del día anterior con Peccatum, la entrada de aire fresco es como una bofetada. El espectador, a medio camino entre lo impasible y las ganas de descubrir qué esconden los personajes permanece más inerte que de costumbre sentado.

Un hombre y una mujer intercambian un diálogo entrecortado. Medias palabras, diálogo sinsentido, reproches entre frases inacabadas, ¿pero qué relación tienen? ¿Se acaban de conocer en el banco de un parque o ya tenían una relación anterior?

Un tercer protagonista, el silencio. A veces no dice nada, pero en este caso viene a reafirmar su papel en la incomunicación de los intérpretes. Un silencio, incómodo, excesivamente alargado (en la mayoría de casos) y presente. El espectador busca que la escena avance, pero el texto le niega una y otra vez esa posibilidad. La cuarta pared es férrea, no hay ni la más mínima posibilidad de derribarla, y el público lo nota. 


Las interpretaciones son contenidas, más en el caso de Ramon Bonvehí, que mantiene a raya cualquier síntoma de cercanía, su mirada y gestos rozan lo gélido. Mientras que su compañera Bàrbara Roig echa mano de naturalidad para presentarnos un personaje más complejo, con más capas que gira entre la soledad que comparten los dos, a la locura por cambiar la aparente rutina donde se han estancado.

El texto es críptico, la historia se explica por el personaje de ella, por sus miradas, por sus gestos, por sus acciones... El texto es lento, porque realmente si no fuera por tanto silencio, por tanta frase entrecortada no superaría la media hora. Pero la vida también es lenta, críptica y vivimos más de 60 minutos. A Hivern le cuesta arrancar, pero la belleza de los últimos 5 minutos es sublime. Al final a cualquier experiencia hay que sacarle el jugo.

HIVERN

by on 20:02
TEXTO: JON FOSSE TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG DURACIÓN: 60min ...



DRAMATURGIA: TONI GOMILA
INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT
DURACIÓN: 50min
FOTO: MARIA BEL LLULL
PRODUCCIÓ: PRODUCCIONS DE FERRO
LA SECA ESPAI BROSSA


Toni Gomila ha tardado mucho en volver. Ha vuelto repetidas veces con Acorar, el éxito que todavía en la misma sala volvió a repetir la semana pasada. Pero había ganas de verlo en otro registro. Estaba vez también habla de carne, pero el "puerco" tiene dos piernas en lugar de dos patas.

Nos sumergimos en el mundo de las pornorondalles, una especie de fábulas verdes breves de monseñor Alcover, llenas de violencia, sexo, mujeres, hombres. Un dato curioso, que ocurrió durante mi sesión (y que a una le pone los pelos de punta) mientras se explican historias de violencia física o psíquica hacia las mujeres, los hombres ríen. El resto de la pieza es muy cómica, pero en ese punto la risa es peligrosa. 

El despiece de miembros es similar al porcino, pero aquí las partes escabrosas parece que se han eliminado, o al menos así lo decía monseñor. El que no se ha excluido es la sonoridad del mallorquín, que esta vez resulta igual de atractivo para los oídos y un poco más fácil de entender, lo cual se agradece.

Y se agradece también el juego con la lingüística: ay, las vocales neutras! o el juego de diferentes acentos, imperdible el momento de Adam i Eva. La comedia está servida y la risa no tiene lenguaje que le marque el ritmo.



La puesta en escena de Joan Miquel Artigues, Martí Gomila y Margalida Munar, no puede ser más simple, con el público en círculo entorno a un mini escenario donde un pequeño "altar" en forma circular se halla. Una ambientación mitad iglesia, mitad infierno por las luces rojas y el humo nos recibe. Que los espectadores estemos en círculos y a unos centímetros de la escena permite difuminar en un abrir y cerrar de ojos la cuarta pared.

La iluminación de Dani Noceda es uno de los puntos claves del montaje. Acentúa aquello que es necesario y sobre todo, en los momentos de escasa luz, convierte sus leves toques en experiencias sensoriales magníficas.


De sobra es conocida la maestría de las actuaciones de Toni Gomila, pero Peccatum nos tiene preparado una sorpresa, Catalina Florit. Una actriz nacida en Barcelona, pero cuya carrera se ha desarrollado entre Ses Illes y Alemania, hasta ahora casi desconocida para el público barcelonés. Seductora, juguetona, con sólo una mirada es capaz de convencer hasta el espectador más cerrado.

En esta ocasión hay un elemento tan importante como la interpretación, el movimiento físico. El juego no sería el mismo si se eliminará los movimientos que los actores ejecutan en escena, cómo la rondallas cobran vida, y ayudan a hacer más entendedor (si cabe) el texto. Una "pura" delicia.

PECCATUM

by on 17:39
DRAMATURGIA: TONI GOMILA INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT DURACIÓN: 50min FOTO: MARIA BEL LLULL PRODUCCIÓ: PRODUCC...


DRAMATURGIA, DIRECCIÓN e INTERPRETACIÓN: ÁNGELA PALACIOS y CARLOS MARTÍN-PEÑASCO
PUESTA EN ESCENA, ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: LOS PROMETIDOS
DURACIÓN: 70min
LA BADABADOC

Una de las salas fetiche de la temporada pasada, La Badabadoc, acaba de inaugurar temporada con la historia de amor de Henry Miller y Anaïs Nin. Un culebrón de amor, odio, celos y egos. La desnudez como pieza del puzzle, en escena dos mini-camas con ruedas, unas luces y poco más. El peso de la historia cae en la dramaturgia. 

A medio camino entre la seriedad y el petardeo, la puesta en escena topa con una pieza básica de toda obra teatral, el actor no debería escribir y autodirigirse. Craso error que épocas de crisis está demasiado presente y en Sólo creo en el fuego es un ejemplo de ello, el yo me lo guiso yo me lo como pasa factura al montaje.

Los momentos petardos son los mejores, en una dramaturgia a la que le sobra intensidad a radaules. No sé si conscientes o no del problema, los mismos creadores se ríen de esa saturación intensa del drama por el drama. Si en lugar de optar por el tono dramático, una vez descubierto el truco de teatro dentro de teatro se hubiera optado por la opción de petardeo continuado, el montaje hubiera tomado la fuerza que le falta.


Las interpretaciones son irregulares. Le sienta mejor el papel a Ángela Palacios, ella los momentos intensos se los ahorra y gana puntos con una interpretación más natural y contenida, y para muestra su monólogo, sensualidad sin necesidad de ser llevada al límite. 

Por el contrario su compañero, Carlos Martín-Peñasco tiene de entrada un gran problema, fuera de los momentos intensos, el acento, que no sería un problema sino estuviera acompañado por algo más imperdonable, la falta absoluta de dicción. No llegaré nunca a entender que alguien que utilice la voz como herramienta de trabajo sea incapaz de trabajarla, modularla y ser capaz de transmitir. No son los espectadores quienes tienen que hacer el esfuerzo por entender al actor.

Realmente hace falta una visión externa que aporte coherencia al conjunto. Así como una multiplicación de lenguajes, al texto le vendría bien una aportación extra de otros lenguajes escénicos, como puede ser la danza. Le restaría intensidad y potenciaría la  parte visual. Es toda una lástima que nuevas compañías como es el caso de Los Prometidos, no se puedan permitir una asesoría que les haga poder levantar sus buenas ideas y llevarlas un paso más allá del workin' progress.

SÓLO CREO EN EL FUEGO

by on 18:24
DRAMATURGIA, DIRECCIÓN e INTERPRETACIÓN: ÁNGELA PALACIOS y CARLOS MARTÍN-PEÑASCO PUESTA EN ESCENA, ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: LOS PROM...
@La Fil·loxera Teatre

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: HELENA TORNERO 

INTÉRPRETES: IONA BALCELLS, LORENA HERNÁNDEZ y MARINA COLLADO 
DURACIÓN: 1h 20min
PRODUCCIÓ: LA FIL·LOXERA TEATRE
EL MALDÀ

La buena confitura viene en tarro pequeño. Siempre he sido partidaria de las escenografías vacías, donde sean los propios intérpretes quienes las llenen. Estiu de Helena Tornero es el último caso en darme la razón. Más minimalista la puesta en escena no puede ser. La palabra y la interpretación se bastan ellas solitas para conseguir transportarnos al mundo de las protagonistas.

No hay obra pequeña, Estiu nos hace viajar a la infancia de tres hermanas que fueron separadas en su niñez, Antonia, Laura y Maria, y a unos sucesos que todas ellas han pretendido olvidar, pero que ahora la hermana pequeña, Laura, les hace recordar con la supuesta excusa de escribir un libro.

La naturalidad recubre toda la obra pero si hay un punto donde se hace más visible es en el habla de sus protagonistas. Cada una de ellas utiliza un catalán diferente: Antònia, la hermana mayor habla lleidatà, Maria, la mediana, habla barcelonés y Laura, la pequeña lo hace en salat. Esta riqueza y diferencia lingüística pone, además un punto de comicidad en algunas partes de la pieza como en el momento de contar cuentos. 



Estiu tiene una dramaturgia irregular que pierde fuelle en la parte central de la pieza, con algunos momentos que se podrían dar forma con una poda en el texto. Pese a ello, la pieza está cuidada al detalle en su puesta en escena y esto ayuda a complementar momentos de digestión dramatúrgica más lenta.

Las interpretaciones mantienen el nivel a lo largo de todo el montaje con algunos puntos de hilaridad. Pero la naturalidad, la manera de decir el texto, a una velocidad más que considerable en algunos momentos, y la manera de estar en el escenario, otorgan a una, hasta ahora bastante desconocida, Iona Balcells un prometedor futuro escénico.

Últimos días de Estiu en el Maldà, un pequeño gran espectáculo donde los secretos tarde o temprano se acabarán revelando, al menos hasta el 16 de septiembre.

ESTIU

by on 18:40
@La Fil·loxera Teatre DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: HELENA TORNERO  INTÉRPRETES: IONA BALCELLS, LORENA HERNÁNDEZ y MARINA COLLADO  ...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Hacía un tiempo que no sabíamos nada de LAMinimAL, pero parece que no ha estado de brazos cruzados y desde el 12 de septiembre ha iniciado una nueva aventura, LAminimaLAB en el mismo espacio que ya utilizó José Sanchis Sinisterra para iniciar su investigación escénica de su Teatro Fronterizo. Una investigación colectiva hacía los límites del hecho teatral. El espacio se encuentra en la calle Nou de Sant Francesc de Barcelona.

Treinta años después, LAminimAL Teatre reprende la actividad con la intención de mantener vivo el espíritu explorador y colaborativo. El espacio estará abierto a la comunidad profesional invitando a compañías, intérpretes, creadores y creadoras, personal técnico e interesados en la búsqueda artística y a participar en los laboratorios que se llevarán a cabo. Un lugar para cuestionar y cuestionarse.

Desde el 12 de septembre, una vez a la semana se tratará de un tema o punto de vista diferente, a través de ejercicios, lecturas y debates para ampliar la visión de la escena y traspasar las fronteras de aquello que parece inamovible. 


LAminimaLAB17



A partir del 12 de septembre 
todos los martes de 17:00 a 21:00h 
Confirma la tu participación en:
o llamando al +34 690 779 610
Colaboración 10€ por sesión.




LAminimAL TEATRE

LAminimAL nace en el 2010 en la Sala Beckett de la mano de Daniela De Vecchi como grupo de investigación entorno a los Sistemas Minimalistas Repetitivos. 

Desde entonces han producido y estrenado siete espectáculos: 

* La Grandesa d’ésser un entre tants (Temporada 13-14 en la Sala Atrium de Barcelona) 

* Dimecres (Temporada 13-14 en la Sala Beckett)

* El suïcidi de l’elefant hipotecat (Primera parte de la trilogia «Fer sonar una flor» que inaugura el Àtic22 del Teatre Tantarantana y que posteriormente se representó en La Seca-Espai Brossa y en la Sala Barts) 

* En abril del 2014 estrena en São Paulo Animales nocturnos de Juan Mayorga en coproducción con la Società Autonoma Laboratori del Mare. 

* En la temporada 14/15, se estrena en el Festival Frinje Madrid La supervivència de les Lluernes, creado en residencia en el programa Suport a la Creació de Fira Tàrrega en una coproducción del Festival Grec, Temporada Alta y Focus, y que se ha podido ver en temporada al Teatre Romea de Barcelona.
* La tercera parte de la trilogía, Apocalypse Uploaded: la transhumanització de les Abelles se ha podido ver en el Frinje Madrid y en la Fira Tàrrega 2016. 

* Su último espectáculo, Llançar-se al buit se ha estrenado en enero del 2017 en el Festival Internacional Santiago Off.
@Ros Ribas


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La temporada del Teatre Lliure comienza como acabó con una fiesta. La que ha montado Pau Carrió en su versión y adaptación de Nit de Reis (o el que vulguis). Un texto de Shakespeare que nos traslada a una especie de noche de carnaval, o la última noche de navidad como se llamaba entonces, donde todo parecía estar permitido.

En escena toda La Kompanyia Lliure, la oficial y 4 añadidos, pero como bien afirma Lluís Pasqual, no hay diferencias, todos ellos son jóvenes "con el mismo nivel de energía y de talento". Joan Amargós, Enric Auquer, Quim Àvila, Clàudia Benito, Raquel Ferri, Eduardo Lloveras, Jaume Madaula, Lluís Marquès, Joan Solé i Júlia Truyol

@Ros Ribas


Uno de los elementos más característicos de los montajes de Pau Carrió es la música. Para Nit de Reis se han compuesto música para las letras que ya aparecen en el texto original, juntamente con bases de blues con estructuras primarias, afirma Arnau Vallvé, músico y compositor de la banda sonora juntamente con el mismo Carrió.

Nit de Reis nos translada a una isla inventada en el Mediterráneo, que acaba de pasar una guerra, por lo que sus habitantes están todavía en proceso de duelo cuando comienza la fiesta. Hombres, gemelos, travestismo, alcohol, música y amor. Una noche de juerga donde todo puede pasar.


La puesta en escena a tres bandas diseñada por Sebastià Brosa y el mismo Pau Carrió permite que los actores entren y salgan de cualquier sitio. Mientras que el diseño de vestuario, de Sílvia Delagneau, nos transportará a la Europa de posguerra, la cual remarca la ambigüedad sexual que desprende el texto.

Nit de Reis fue estrenada durante el pasado Festival Grec 2017. El espectáculo, sólo se pudo ver durante tres días, "tendría que ser siempre así, hacerlo 2 o 3 días y después dejarlo reposar", afirma Enric Auquer. Las entradas de la primera semana han volado y es que comienza a oler a éxito. Habrá que darse prisa porque la fiesta sólo dura hasta el 8 de octubre en el Lliure de Gràcia.

+INFO AQUÍ


GOLD DUST RUSH | DANZA | 50min | ILLES BALEARS
Dirección y coreografía: Eulàlia Bergadà | Composición musical: Aloma Ruiz y Eulàlia Bergadà | Intérpretes: Eulàlia Bergadà, Marina Fullana, Roberto Gómez, Raquel Klein, Aloma Ruiz | Imagen y vídeo: Edu Pérez | Asesora de movimiento: Lipi Hernández | Asesor de dramaturgia: Roberto Fratini | 

Espectáculo de danza visual, muy visual y con un espacio sonoro ensordecedor durante la mayor parte de la pieza. El resultado es catártico, los cuerpos de los bailarines se mueven en progresión ascendente, desde ritmos pausados, a un climax esperpéntico a mitad de la pieza, en la que el ritmo se vuelve frenético igual que la composición de luces, con todos chirriantes y 'molestos' a los ojos, importantísima durante la pieza el juego de luces.

Violinista en directo en las piezas del principio y del final. Apoteosis lumínica pero también sonora, estridente durante la mayoría de la obra. Desorden de movimientos que se basan en la repetición hasta la extenuación. Un choque entre lo que anhelamos y la realidad. El cuerpo como recipiente que se llena y se vacía entre la confusión, que fluye, que se floquea.

Una coherencia difícil de alcanzar a simple vista, pero que en conjunto despierta sensibilidades contradictorias. Un ejercicio de expresión coporal y sensorial que depende del grado de implicación personal del espectador te puede hacer viajar hacia una dimensión u otra. En mi particularidad, conseguí sumergirme y dejarme llevar por la energía que desprendía tanto caos. Un catarsis para cerrar mi paso por Fira Tàrrega 2017.

MAÑANA LAS IMPRESIONES FINALES DE FIRA TÀRREGA EN EL BLOG