dirección DARCY GRANT
equipo creativo JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, MIEKE LIZOTTE, LEWIE WEST, MARTIN SCHREIBER, JOANNE CURRY, LACHLAN HARPER, LEWIS RANKIN, JACKSON MANSON
interpretación JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, ALYSSA MOORE, JORDAN HART, RACHAEL BOYD, JOREN DAWSON, LACHLAN HARPER, LEWIS RANKIN, JACKSON MANSON
composición e interpretación musical SHENTON GREGORY y ELLIOT ZOERNER
duración 80min
fotografias CARNIVAL CINEMA
producción GRAVITY & ORTHER MYTHS
AMFITEATRE GREC (GREC 2019)

No hay un espacio mejor para ver espectáculos de circo de gran formato que el anfiteatro del Grec, la inmensidad de la montaña otorga a esta disciplina un resultado de pura magia.  A la compañía australiana Gravity & Other Miths le sienta como un guante. Todas las ediciones del Grec hemos tenido la oportunidad de ver compañías de circo extranjeras, pero nadie, hasta el momneto, había conseguido iluminar el escenario del Grec con la misma fuerza.

Backbone (columna vertebral) tiene como tema central la fuerza y en ella basan todos sus números. Un virtuosismo que no estamos acostumbrados a ver con un ritmo vertiginoso que pone los pelos de punta en cada nueva y espectacular exhibición. Sus componentes, tanto masculinos como femeninos, deben estar fabricados de otra pasta, a tenor de su demostración en el escenario.



Pero Backbone no se queda solamente en un seguido de piruetas encadenadas sino que además dejar boquiabierto al público, le saca una sonrisa. Momentos como el de la armadura de caballero les hacen meterse al público en el bolsillo, aunque algunos ya nos hubieran ganado desde el principio. Bajo una música con tintes del desierto e interpretada en directo superan los límites del espacio, aquella que distancia que para un simple mortal sería imposible de superar y que para ellos sólo supone un simple paso más.

Uno de los elementos más característicos del espectáculo, y que no estamos tan acostumbrados a ver de manera tan cuidada en un montaje de circo, es la iluminación, que juntamente con la escenografía (toda la artillería de artilugios que nunca diríamos que servirían para hacer circo) viene de la mano de Geoff Cobham. Una espectacularidad lumínica que deslumbra tanto o más que las mil y una piruetas y que no sólo las acompaña, sino que en algunos casos ejerce un papel muy destacado en las piezas.



La noche (de momento esperemos que pronto podamos conjugar en plural) de circo en el anfiteatro del Grec es una cita imprescindible dentro del festival y esperemos que Australia este a un paso, para que Gravity & Other Miths vuelva a cruzar pronto el globo con destino Montjuïc. ¡Nos lo hemos pasado pipa!

BACKBONE

by on 19:18
dirección DARCY GRANT equipo creativo JACOB RANDELL, JASCHA BOYCE, LACHLAN BINNS, MIEKE LIZOTTE, LEWIE WEST, MARTIN SCHREIBER, JOANNE ...

concepción y dirección GABRIELA CARRIZO y FRANK CHARTIER
creación e interpretación EURUDIKE DE BEUL, MARIE GYSELBRETCH, HUN-MOK JUNG, BRANDON LAGAERT, YI-CHUN LIU, MARIA CAROLINA VIEIRA
duración 80min
fotografías OLEG DEGTIAROV y OLYMPE TITS
producción PEEPING TOM en coproducción con KVS-ROYAL FLEMISH THEATRE (BRUSELAS), TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA, GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y THEATER IM PFALZBAU
SALA GRAN (TNC, GREC 2019)

Un clásico del Grec es ver un nuevo espectáculo de Peeping Tom y si este año está semiproducido en casa, mejor que mejor. Después de ver Vader (padre) y Moeder (madre), cerramos la trilogía de la familia con Kind (hijo) que nos sume en el mundo de la infancia. Peeping Tom siguen fieles a su estilo de mezcla danza con teatro, en esta ocasión quizás haya más teatro que danza, y se hecha un poco de menos la última. Por otra parte, el ambiente hiperrealista de otra obras, se mezcla ahora con un surrealismo al límite.

Platea a rebosar, con las entradas agotadas, y con un público deseoso a saber qué nos tiene preparada la compañía belga. Kind es una obra oscura donde el mundo de los niños está reflejado desde sus propios ojos, así se muestran sus miedos y sus deseos. Un mundo casi de adultos donde los monstruos se vuelven más reales y cometen atrocidades que en la cabeza de un infante no deberían habitar.



Kind se suma a la moda de las obras distópicas donde la realidad se lleva a un límite de atrocidades y donde la infancia se da la mano peligrosamente con el peor mundo adulto posible. Kind saca a Peeping Tom de los escenarios interiores, de sus típicos salones, y la escenografía de Justine Bougerol nos muestra el exterior, un bosque tenebroso al lado de un acantilado donde las bestias y la tiniebla tiñe de negro y azul oscuro el abanico de colores que debería tener cualquier infancia.

Sus recursos cinematográficos siguen muy presentes en Kind y esta estética capturan nuestra atención, la violencia que destiñe esta infancia incomoda en exceso. Y el humor tan típico de montajes anteriores se muestra en este caso en un formato que cuesta esbozar la sonrisa sin pararse a pensar de qué nos estamos riendo, si la parodia de humor negro es para reírse o para llorar.



La multidisciplinariedad de Kind deja la danza en un segundo plano, mucho menos presente que en el dos montajes que conforman la trilogía, y quizás para los que recordábamos más danza y menos teatralidad nos ha sabido a poco. Todo evoluciona y quizás Peeping Tom ha seguido su evolución natural. Veremos qué nos espera más allá de la trilogía, si nos sacan de la oscuridad.

KIND

by on 14:40
concepción y dirección GABRIELA CARRIZO y FRANK CHARTIER creación e interpretación EURUDIKE DE BEUL, MARIE GYSELBRETCH, HUN-MOK JUNG, ...

concepción y voz TAYLOR MAC
piano, dirección musical y arreglos MATT RAY
interpretación y diseño de vestuario MACHINE DAZZLE
interpretación musical BERNICE "BOOM BOOM" BROOKS (batería), VIVA DECONCINI (guitarra), GREG GLASSMAN (trompeta), GARY WANG (bajo).
invitada especial MARIOLA MEMBRIVES (cante flamenco)
interpretación simultanea QUIM PUJOL
duración 120min
fotografías NEIL GRABOWSKY y  SARAH WALKER
producción  POMEGRANATE ARTS y NATURE'S DARLINGS
TEATRE LLIURE (SALA PUIGSERVER, GREC 2019)

Era, quizás el más esperado. El plato fuerte de esta edición del Grec y no defraudó. Un espectáculo musical, cabaret queer, improvisación donde el público empieza sentado en su butaca pero no sabe dónde va a acabar. Ese público que quiere permanecer en el anonimato de la sala, mejor que se quede fuera.

Desde el inicio estamos avisados que la meta es que nos sintamos incómodos. Y dicho y hecho nada más que pone un pie en la platea, ésta siente un temblor, y no, no es causado por las interminables botas de plataforma. Taylor Mac abre la boca para disparar, todas sus frases son como una daga a nuestras consciencias. Nadie está a salvo. Se atreve con todo: Trump, Vox, el heteropatriarcado, el dia del Orgullo Heterosexual, Stonewall...

Con una puesta en escena a modo de concierto, donde la estrella es él, y su vestimenta, accesorios que le hacen destacar en una cámara con tendencia al negro, pero realmente es el discurso el que nos hace erizarnos. El famoso speak up, no callarse, no tener miedo al qué dirán, a lo que despertaran tus palabras en las conciencias de los otros, el llamar las cosas por su nombre. En 120 minutos he salido más empoderada del teatro que nunca.



El público catalán es bastante calmado, por no decir tímido de entrada, poco dado a levantarse del asiento para seguir los dictámenes de un "líder"y aunque al principio le costó conectar, al final ver a toda la platea de la Sala Puigserver moviendo compulsivamente los brazos da qué pensar. Cada uno habrá vivido, como siempre, la experiencia a su manera, yo tuve la "mala" suerte de caer entre dos parejas heteros, una treinteañera y la otra septuagenaria y en el momento de hermanamiento fue imposible participar con los más jóvenes, porque el chico se negó a que su novia se abrazara conmigo. Lo que me lleva a pensar que, vivimos en una burbuja, y que hay más "verdes" de los que pensamos. Significativo.

Taylor Mac es indescriptible, ni con un millón de crónicas podemos resumir la experiencia, hay que vivirla porque es fascinante. ¡Dos horas de hipnotismo escénico! Creo que todos los que durante dos día abarrotamos la Sala Puigserver estaremos de acuerdo es que pagaríamos por ver las 24h de espectáculo, este aperitivo nos ha sabido a poco. 
Taylor Mac, come back soon, please!

companyia A.I.M
director artístico KYLE ABRAHAM
intérpretes de la compañía KYLE ABRAHAM, MATTHEW BAKER, TAMISHA GUY, KEERATI JINAKUNWIPHAT, CLAUDE "CJ"JOHNSON, CATHERINR ELLIS KIRK, MARCELLA LEWIS, JEREMY "JAE"NEAL
duración 82min (con entreacto)
fotografías STEVEN SCHREIBER
MERCAT DE LES FLORS (SALA MAC)

En esta edición el Festival Grec nos invita a entrar en el mundo del coreógrafo norteamericano Kyle Abraham, nacido en plena cultura del hip-hop, sus coreografías son un estilo mezclado de géneros que van desde piezas más clásicas dentro de la danza contemporánea hasta el mismo hip-hop o danzas urbanas diversas.

La apuesta del festival es ofrecer cuatro piezas, en un programa mixto para que sea un descubrimiento del que dicen que es el mejor y más brillante talento nacido en la época de Obama. Delante de tanto renombre y adjetivación, una espera verse sorprendida desde el minuto uno y no un espectáculo más in crescendo.



El solo de Tamisha Guy es lo que nos hace despertar de nuestras butacas y en menos de 5min quedarnos atónitos mirando como se desliza su cuerpo en el espacio. Una pieza muy enérgica acompañada una potente música electrónica.

Pero, sin duda la pieza clave por la que se recordará a la companyia es Drive, la última, que impacta desde su puesta en escena con un aparato lumínico que llega a cegar al espectador y a sumirlo en una especie de sueño, siete intérpretes entran y salen del escenario bajo la música urbana y con movimientos típicos de una pista de baile o de una plaza de Nueva York. Todo un broche de oro, que no se podía presagiar después de que las dos primeras piezas no cumplieran con las expectativas. 

PROGRAMA MIXT

by on 18:05
companyia A.I.M director artístico KYLE ABRAHAM intérpretes de la compañía KYLE ABRAHAM, MATTHEW BAKER, TAMISHA GUY, KEERATI JINAKUN...

idea, creación y dirección MANOLO ALCÁNTARA
intérpretes MANOLO ALCÁNTARA, LAIA RIUS, ANDREU SANS
composición musical, direcció musical, arreglos e interpretación en directo LAIA RIUS
duración 60min
fotografías RAQUEL GARCÍA
producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA en coproducción con la compañía de MANOLO ALCÁNTARA
MERCAT DE LES FLORS (SALA OM)

Seis de la tarde y recién salida de una mini siesta me dispongo a entrar en otro sueño, el que nos propone Manolo Alcántara. Como su fuera velas de un barco gigante, el escenario está dispuesto a hacernos entrar a un mundo de fantasía. Un espectáculo de circo que esconde un mensaje no apto para realistas, aquello de sueña grande, a veces los sueños se cumplen, otras no.

Déjà Vu puede ser considerado un espectáculo familiar a tenor de la cantidad de infantes que había en la sala, y que se quedaron atrapados en la ensoñación del espectáculo, salvo algunas excepciones cercanas, que no entendían lo que pasaba en escena ni que el lenguaje verbal en el teatro queda relegado para lo que pase en escena.

El montaje combina diversas técnicas circenses y es acompañado de música y voz en directo. La versatilidad vocal de Laia Rius es de quitarse el sombrero, nunca mejor dicho. Espectacular el registro vocal que va desde tonos de ópera, hasta ritmos más rockeros.

Realidad y ficción (o ensoñación), es de admirar que los recursos más simples del clown sigan maravillando espectadores de diversas generaciones. Pero el sueño no fue todo lo placentero que se esperaba, el montaje (de momento) achaca una clara falta de rodaje en varios aspectos, pero sin duda el más notorio es el ritmo. Un movimiento más acelerado ayudaría a enfatizar algunos aspectos que ahora están un poco cojos y no acaban de funcionar.

DÉJÀ VU

by on 17:36
idea, creación y dirección MANOLO ALCÁNTARA intérpretes MANOLO ALCÁNTARA, LAIA RIUS, ANDREU SANS composición musical, direcció music...
idea original y dirección ALÍCIA GORINA
dramaturgia ALBERT ARRIBAS
concepto escénico SÍLVIA DELAGNEAU
interpretación ANNA ALARCÓN, JUAN BELLIDO, ELENA FIESCHI, CARME GARCÍA GOMILA y ANNA ROMAGOSA
duración 85min
fotografía RAIMON RIUS
producción: GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA e INDI GEST
ESPAI LLIURE (LLIURE DE MONTJUÏC)

¿Qué fue de aquel dicho tan catalán de "los trapos sucios se lavan a casa"? Quizás es que el teatro sea casa de todos pero este repaso a la trayectoria y vida ficcionada (o no) de la creadora y directora Alícia Gorina ha decidido exponerlos a la vista de todos, en una especie de psicoanálisis colectivo que pretende dejar entrever su personalidad y su vida a través del análisis de las obras que ha dirigido.

Según parece la idea nació después de crear Watching Peeping Tom, donde compartía escenario con su padre, Àlex Gorina, y esto sería una segunda parte de aquello. Un homenaje a su madre, esta vez ausente y representada por cuatro psicoanalistas, compañeros de profesión. Más que psicoanálisis sería una radiografía de algunos rasgos diferenciales y comunes de toda su obra. Una especie de justificación de porqué hace lo que hace y no otra cosa.

Alícia pertenece a la generación Peter Pan, aquella que le cuesta asumir que los años pasan y que los 18 hace tiempo que se cumplieron, pero más que Peter, Alícia vuelve a Lewis Carol, al país de las (no) maravillas. Y tras el impacto previo de la escenografía, a medio camino entre la conferencia de prensa y una sala de un tanatorio, la sesión de psicoanalista cuesta de digerir, ya no porque los temas tratados no resulten en algún punto interesantes, sino porque el ritmo de la realidad dista mucho del que se requiere en escena y la repetición de las formas narrativas x4 no ayuda demasiado por mucho humor que le añadamos.

Hay una clara ruptura de ritmo con la aparición de la enigmática Anna Alarcón. Pero su presencia es tan breve, a modo casi de epílogo, cuando realmente está todo ya dicho y nos ha quedado claro que todo parece una excusa para seguir después del punto y aparte tratando temas que sea por la razón que sea siempre nos interesan. Después de tanto análisis me quedo con la Alícia de Imatges Gelades, y desterraría la de Blasted. Al menos que toda la metralla que ha quedado encima del escenario sirva para enterrar los miedos, dejar de blanquear la realidad y abandonar de una vez por todas Wonderland.

IN WONDERLAND

by on 21:16
idea original y dirección ALÍCIA GORINA dramaturgia ALBERT ARRIBAS concepto escénico SÍLVIA DELAGNEAU interpretación ANNA ALARCÓN, ...

autoria AURORA BERTRANA
adaptación y dramaturgia JOSEP M. FONALLERAS
dirección MÒNICA BOFILL
interpretación MERCÈ ARÀNGEGA y PAULA BLANCO
duración 60min
fotografia SÍLVIA POCH
producción  GREC FESTIVAL DE BARCELONA, BITÒ y TEATRE AKADÈMIA
TEATRE AKADÈMIA

Aurora Bertrana está considerada como uno de los primeros ejemplos de la moderna literatura de viajes escrita en catalán. Sus Paradisos Oceànics recopilan una serie de crónicas cortas que describen su viaje a la Polinesia francesa, acompañando a su marido, "Monsieur Choffat", tal como ella lo denomina. Mientras llegamos a la otra punta del Globo, Aurora nos explica su vida, desde una perspectiva feminista, con una visión del mundo que la rodea, y que está en decadencia (la descolonización) y una gran meta que es sobrevivir.

En la adaptación de Josep M. Fonalleras, Aurora se divide en dos, una muy buena decisión de partida ya que estamos delante de una dramaturgia eminentemente narrativa y la división de voces hace ganar dinamismo, le aporta un tiempo más rápido a la acción y pone el acento en el humor. Fonalleras respeta la sonoridad de la obra, es una adaptación muy literaria que provoca que la dicción esté a la altura de las acciones. El espectador viaja mecido en las palabras.

La puesta en escena aunque minimalista de origen, destapa los mundos que se nos describen en el texto. Laura Clos (Closca) vuelve a hacer posible que en dos paneles blancos veamos la vegetación de la Polinesia, sin recurrir en ningún caso al elemento más fácil, las proyecciones. Al mismo tiempo que destapamos la vida de Aurora, la escenografía nos traslada a cada uno de los escenarios de la misma.
El diseño de iluminación de David Bofarull (a.a.i) y el espacio sonoro de Ramón Ciércoles completan la belleza estética y el buen gusto con el que ha sido llevada la obra a escena.

No se me ocurre mejor reparto para estos Paradisos Oceànics que Mercè Arànega y Paula Blanco. La complicidad de ambas Auroras en escena es brutal. Hacía mucho que no veía una compenetración igual encima de un escenario. La obra fluye porque todos los elementos suenan en la misma nota, pero sus intérpretes están sensacionales. Y al menos desde platea se nota que se divierten.

Mònica Bofill es sinónimo de un teatro de proximidad con mensaje (Incògnit, Barbes de Balena o La Benvinguda). Sólo nos cabe esperar que el viaje no acabe en el Grec y durante la temporada más espectadores puedan verse invitados a este precioso y apetecible viaje.

PARADISOS OCEÀNICS

by on 17:40
autoria AURORA BERTRANA adaptación y dramaturgia JOSEP M. FONALLERAS dirección MÒNICA BOFILL interpretación MERCÈ ARÀNGEGA y PAUL...

dramaturgia y dirección VICTORIA SZPUNBERG
intérpretes MARTA ANGELAT, AINA CALPE y BLANCA GARCIA-LLADÓ
duración 1h 30min
fotografías KIKU PIÑOL
producción GREC 2019 FESTIVAL DE BARCELONA y SALA BECKETT
SALA BECKETT

Un año más vuelvo a comenzar el Festival Grec en la Sala Beckett. Esta vez con un espectáculo sobre la educación, el papel de la escuela y de los maestros, que hoy convertidos en meros profesores que tienen menos papel que el que deberían tener.

El tema da para cinco obras, como mínimo, Victoria Szpunberg coge un caso concreto, el supuesto bullying de una alumna para desmenuzar a grandes rasgos el sistema educativo actual donde el centro es el alumno que siempre tiene razón y los maestros son simples loros que repiten lecciones que nadie quiere aprender y que pertenecen a un sistema que no les ofrece las suficientes herramientas ni garantías para ejercer su función. Sin buscar razones o culpables el papel de la escuela está cada vez más diluido en un sistema social que provoca terror.

Y ese terror queda reflejado en la puesta en escena, donde la sombras priman más que las luces, con una escenografía minimalista de Max Graenzel, una potentísima iluminación de Paula Miranda y un espacio sonoro que corta el aliento de Lucas Ariel. Amor Mundi es un montaje donde la puesta en escena es tan importante o más que el texto. 



La narrativa explicada en modo flashback, a través de los recuerdos de Aurèlia, una maestra retirada y que está a punto de quedarse ciega, justo antes de ser despedida de la escuela por un episodio que se va dilucidando en el devenir del montaje y que pone al espectador entre la espada y la pared de la moralidad actual que muchas veces roza la falta de lógica y de humanidad. 



A nivel interpretativo, la contención de Marta Angelat aleja la mirada del espectador de una posible empatía con el personaje y le otorga un plano más distante, como si a veces hubiera a una pantalla que separara quien ve de quien es visto. Y aunque el peso de la función recae en ella, es el personaje de una enigmática monitora joven de la escuela, interpretada brillantemente por Blanca Garcia-Lladó, quien atrapa nuestra mirada. Es ella el Macguffin del espectáculo, la naturalidad de su interpretación nos hace salir de las sombras y nos despierta más curiosidad como el personaje principal.



Amor Mundi se debería haber quedado en un montaje que formule preguntas pero que obvie las respuestas, o que las deje simplemente entrever, para que sea el propio espectador quien opte por fabricarse su propia conclusión, a la situación real que no ficticia que se vive en el sistema educativo actual. Pero Victoria Szpunberg ha optado por incluir cierta moraleja al espectáculo, elemento que como espectadora detesto y me molesta esta sensación de que piensen por mí. Malamente

AMOR MUNDI

by on 20:54
dramaturgia y dirección VICTORIA SZPUNBERG intérpretes MARTA ANGELAT, AINA CALPE y BLANCA GARCIA-LLADÓ duración 1h 30min fotografí...

CIA PELIPOLACA + LES DESVESTIDES
dirección IRENE VICENTE SALAS
intérpretes BELÉN BOUSO, NÚRIA COROMINAS, RUT GIRONA i GAL∙LA SABATÉ
duración 55min
SALA ATRIUM

¿Cuántas veces te miras al espejo antes de salir de casa? Unheimlich es una especie de espejo emocional, una experiencia que somete al espectador y le obliga a mirar, a cuestionarse todo aquello que sus ojos están viendo. Incluso desde antes de entrar en la sala, casi vacía, la sorpresa inicial ya te predispone a que tu cuerpo y mente no se sienta como un simple espectador pasivo. Una vez traspasado el lindar de la puerta, el silencio es casi absoluto, algo que caracteriza casi toda la pieza. Eso sí debería ser requisito imprescindible hacerlo con la mirada curiosa de aquella persona que no sabe más allá de lo que ha leído en cuatro líneas de sinopsis.



Es importante ir a ciegas a este montaje con la mente dispuesta a dejarte llevar. En una época donde mirar y ser mirado es uno de los pasatiempos con más seguidores, la compañía Pelipolaca + Les Desvestides nos provoca una mirada crítica, un continuo cuestionamiento de si aquellas imágenes que estamos viendo, en estricto silencio, no sea más que un seguido de acciones que repetimos sin cesar en nuestro día a día. Porque sí, aunque no nos demos cuenta, vivimos en un mundo donde la imagen lo atrapa todo, lo engulle todo y es un gran monstruo que nos engulle sin que le pongamos resistencia.



Unheimlich acaba en menos de una hora, pero podía seguir y en realidad no se acaba nunca, porque sales con un cuerpo nuevo, con una mirada crítica que te acompaña durante días, con un cierto sentimiento de vergüenza porque el auto enfrentamiento no deja de ser un ejercicio tan íntimo y poco ejercido como la autocrítica.

Despertalab vuelve a regalarnos un soplo de aire fresco, toda una ruptura de esquemas, con un montaje, semi montado, laboratorio o working progress donde el espectador, a pesar de estar todo el tiempo detrás de una cuarta pared, es interpelado sin palabras ni miradas durante los 55 minutos. ¡Qué gusto salir de la sala después de una mirada tan sugestiva, crítica y, porque no, interesante!

UNHEIMLICH

by on 20:58
CIA PELIPOLACA + LES DESVESTIDES dirección IRENE VICENTE SALAS intérpretes BELÉN BOUSO, NÚRIA COROMINAS, RUT GIRONA i GAL∙LA SABATÉ ...

idea original MERITXELL YANES
dramaturgia SERGI BELBEL, EULÀLIA CARRILLO y CRISTINA CLEMENTE
dirección SERGI BELBEL y CRISTINA CLEMENTE
intérpretes ENRIC CAMBRAY, GEMMA MARTÍNEZ y MERITXELL YANES
duración 50min (cada capítulo)
fotografías SÍLVIA POCH
producción TEATRE LLIURE y MERIYANES PRODUCCIONS
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Quería escribir esta crítica antes de ver el final, sin spoilers, simplemente de cómo una serie adicta como yo, percibe cómo dos de sus actividades culturales preferidas han cambiado de medio. He de decir que los dos primeros capítulos me costó acostumbrarme a ver que no podía hacer mute o hacer rewind. Si bien es verdad que muchas obras, en pleno 2019 han utilizado elementos audiovisuales y esta parte de la obra ya no nos resulta novedosa. Quizás sí que al inicio de cada capítulo tengamos un previouly y que los actores no salgan a saludar porque evidentemente en la tele nadie sale a saludar.

Dolors es una suma de oportunidades. El boom seriófilo ya es imparable, es más difícil de encontrar a alguien que no haya seguido una serie, con más o menos asiduidad, que una aguja en un pajar. Dolors habla de emprendimiento, de feminismo, de empoderamiento, de cómo el mundo está hecho por y para los hombres, de la invisibilidad femenina, de cómo los adjetivos cambian de connotación si están asociados a un género u a otro...



Dolors es una sitcom de 45 minutos, una mezcla de la series más famosas de los últimos 20 años. Pero más allá de la anécdota de ser una serie, lo es porque está dividida en 6 capítulos, y por los elementos audiovisuales que ya hemos comentado, Dolors es teatro, no hay pantalla, y la cuarta pared está rota sin salir de los límites del escenario, de la misma manera que Kevin Spacey eliminaba la pantalla cuando se dirigía al espectador.

Con un guión muy milimetrado, una puesta en escena que aprovecha y tira de la imaginación del espectador, la gran baza de Dolors son sus tres actores todoterreno. Meritxell Yanes, Dolors, que consigue hacer empatizar hasta el último espectador de la sala, Gemma Martínez, Miranda, por la que no sabes si sentir compasión o hacer un último intento por despertarla del ensoñamiento que padece y un brillante Enric Cambray, Nil, que despliega sin inmutarse las mil y una caras de su personaje.



Dolors es una serie, es teatro y es un entretenimiento. Si fuera una serie de tele sería una especie de Plats Bruts del 2019, y quizás ya que ha saltado directamente al teatro, pueda tener cabida en un futuro no tan lejano de vuelta a la pequeña pantalla. Por cierto, gran acierto los 5 minutos de pausa entre capítulos, toda una lucha contra el reloj y apto para mentes abiertas a la imaginación y a la coña indolora.

DOLORS

by on 21:20
idea original MERITXELL YANES dramaturgia SERGI BELBEL, EULÀLIA CARRILLO y CRISTINA CLEMENTE dirección SERGI BELBEL y CRISTINA CLEME...

de CALDERON DE LA BARCA
versión y dirección XAVIER ALBERTÍ
dramaturgista ALBERT ARRIBAS
intérpretes CRISTINA ARIAS, ALEJANDRO BORDANOVE, ANTONI COMAS, ELVIRA CUADRUPANI, JORDI DOMÈNECH, RUBÈN DE EGUIA, ROBERTO G. ALONSO, ORIOL GENÍS, LARA GRUBE, SÍLVIA MARSÓ, JORGE MERINO, MONT PLANS, AINA SÁNCHEZ y DAVID SOTO
duración 1h 20min
fotografías MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO (CNTC)
SALA GRAN (TNC)


Van pasando los años y cada vez estoy más convencida que ciertos clásicos deberían ocupar un lugar en la biblioteca pero que no son necesario que salgan de allá. Ni que decir tiene que en el teatro clásico español hay grandes reliquias, pero que el tiempo ha hecho mella en ellas y que por mucho que queramos "nos quedan lejos".

Es innegable el papel que ocupa Calderon de la Barca en la historia teatral en castellano, pero los años pasan y determinados usos lingüísticos no resuenan en nuestros oídos con la misma belleza que sonaron tiempo atrás. A los pocos minutos quedan demostrado, con un monólogo que se hace largo del Padre de Familias, Jorge Merino. Si bien es cierto que el verso no suena igual en todas las interpretaciones, ni catalanes ni castellanos, simplemente es un punto en contra de todo actor y algo que se debería cuidar más. No hay color, a nivel de vocalización, tono, entonación, entre el monólogo de Culpa, Sílvia Marsó, con el citado de Merino.



Versos aparte, el montaje es un auténtico desfase, ver un auto sacramental convertido en una noche de desenfreno del antiguo mundo del Paral∙lel, entre plumas y desenfreno de todo tipo. Con un argumento tan conocido como manido por los siglos, la puesta en escena con una escenografía de Max Graenzel, que guarda para la parte final sus mejores bazas, es el único punto donde la mirada del espectador puede escapar de frases que abusan de simbolismos y que generan repeticiones innecesarias para alargar un más que esperado final.



Interpretativamente es muy desigual y  discontinua. Nadie sobresale más allá de las vestimentas, diseñadas por Marian Garcia Milla, una mezcla entre el siglo de Calderon y la revista del Paralelo. Actores desaprovechados, que vagan por el escenario donde parece que buscan que alguien les marque el destino más allá del texto y una dirección discutiblemente invisible.

Y sí, el mundo gira, y ha dado unas cuantas vueltas desde 1635, los 'pecados' han dejado de considerarse tales pero uno no se salva así como así del perdón del público que no llenaba la Sala Gran y que quizás espere a ser redimido de puertas para fuera. Veremos si el juicio final gana más bondad por parte de la audiencia madrileña. La piedad está ahora en sus manos.  

de LARS VON TRIER
traducción del inglés PAU MIRÓ
dramaturgia PAU MIRÓ y SÍLVIA MUNT
dirección SÍLVIA MUNT
intérpretes ANDREU BENITO, JOEL BRAMONA/JAUME SOLÀ, BRUNA CUSÍ, ANNA GÜELL, ANDRÉS HERRERA, JOSEP JULIEN, LLUÍS MARCO, ÀUREA MÁRQUEZ, ALBERT PÉREZ, ALBA RIBAS y DAVID VERDAGUER
duración 1h 35min
fotografías ROS RIBAS
producción TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)

Quizás fuera uno de los montajes que más ganas tenía de descubrir. Sin ser muy fan de Nicole Kidman, su mirada se te queda grabada después de ver la película. Sin pantallas de por medio, y con un ritmo muy diferente, Sílvia Munt nos traslada el ritmo cinematográfico a la pausa, a un tempo más teatral, más lento.

Y esa lentitud hace, que aunque la historia te lleve, y tenga un esperado final, hay piezas que no acaban de casar. Un reparto desaprovechado, con una dirección y puesta en escena conservadora. La sala grande del Lliure se vuelve inmensa, desangelada, donde la vida está congelada durante noventa minutos. Los personajes estereotipados no ayudan, la falta de matices provoca interpretaciones planas, sin sentido.



La escenografía de Max Graenzel abre la sala al bar del pueblo, un espacio inmenso que no hay nada que lo llene. Se echa de menos la angustia de un texto que debería tirar más de thriller psicológico pero que no consigue mantener esa tensión que promete.

Sílvia Munt y Pau Miró han retocado el texto, la historia y la duración, pero se han olvidado de convertir los personajes en seres humanos. Más allá de los gritos, el esquema de personajes se parece más a simples maniquíes que han cobrado de repente vida que seres de carne y hueso. Pues sí, al final Dogville sí que es un pueblo cualquiera. 


de WILLIAM SHAKESPEARE
traducción SALVADOR OLIVA
adaptación ROGER CÒNSUL y PERE PLANELLA
dirección PERE PLANELLA
intérpretes ARNAU PUIG, PETER VIVES, ALEIX MELÉ, DAVID ANGUERA, CARLES MARTÍNEZ, QUERALT CASASSAYAS, ORIOL GENÍS, LAURA PAU, SARA ESPÍGUL, MIMA RIERA, SÍLVIA FORNS, MARIA CALVET y PEP ANTÓN MUÑOZ
duración 1h 45min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA PETITA (TNC)

Hace más de dos meses que no escribo una crítica, los mismos que he tardado en volver a una sala de teatro. No he encontrado la motivación para hacerlo hasta hace unos días, y fue de aquellos momentos en que pensé que me tenía que haber quedado en casa.

Voy a ser muy franca, Shakespeare me cansa. Me aburre soberanamente los montajes del Bardo cuando se quedan en su esencia y no me muestran nada más que aquello que cogiendo el libro de la biblioteca se hubieran podido imaginar mis ojos. Hay compañías geniales que le saben dar una vuelta de tuerca, como Projecte Ingenu o Pirates Teatre, esas que no tienen acceso a las grandes salas y se quedan relegadas a ir saltando de sala en sala de la escena alternativa.



Afanys d'amor perduts cumple con la máxima, una comedia de enredos donde el truco queda desvelado en menos de diez minutos de función y que la puesta en escena y la dirección son tan planas que ya puedes tener a los mejores actores encima del escenario que la platea será todo un recital de bostezos.

Se tiene que agradecer a Pere Planella que recupere la forma de puesta en escena de los montajes de los noventa, quizás a algún milenial le interese, aunque para eso ya tenemos los vídeos de aquella época en el museo del Institut del Teatre, para que los más curiosos conozcan de dónde venimos, aunque muchos no sepan a dónde vamos



Eso sí me maravilla que en plena representación clásica aparezca en medio del escenario un patinete eléctrico (o se haga una mención tras otra de carácter claramente feminista), entre otros elementos contemporáneos, porque lo clásico no quita a que tengamos presupuesto y pretendamos hacernos pasar por unos modernos de manual. 

La poda del texto se ha quedado corta, más teniendo en cuenta que la trama es más sencilla que el mecanismo de un chupete. No hay ningún tipo de fuerza atrayente para mantener los ojos pendientes de lo que pasa en escena. Eso también pasa por tener trece actores de primera fila totalmente desaprovechados por una ausencia total de interés por las palabras que salen sin dirección de sus bocas.



En fin que parecía que se había perdido el miedo a tocar y manipular a los clásicos, pero parece que siempre van a quedar corrientes más conservadoras que saquen los faldones y las telas, un modernismo de pega y un humor grotesco que no despierta ni la más mínima sonrisa.

¿Cuántos años son necesarios para matar definitivamente al padre? Seguiré esperando sentada y sin aplaudir. No elegí el mejor día ni el mejor espectáculo para salir de mi desmotivación. 

AFANYS D'AMOR PERDUTS

by on 20:46
de WILLIAM SHAKESPEARE traducción SALVADOR OLIVA adaptación ROGER CÒNSUL y PERE PLANELLA dirección PERE PLANELLA intérpretes ARN...